En 1841, John Frederick Lewis débarque donc en Egypte et séjourne au Caire, dans le quartier d’Esbekieh, séduit par la vie effervescente de la capitale égyptienne… à tel point qu’il embrasse les coutumes du pays allant même jusqu’à revêtir le costume local. Afin de mieux s’immerger, il fuit, d’ailleurs, ses compatriotes. Il consacre la majorité de son temps à dessiner et peindre – principalement à l’aquarelle, sa technique de prédilection – la vie des Cairotes, à transposer sur la toile l’ambiance de cette ville tentaculaire et animée. Il ne se cantonne pas uniquement à des représentations urbaines et peint également les paysages égyptiens et du Sinaï, en particulier. Ses œuvres témoignent, toutes, de son souci de véracité et, surtout, de son amour pour ce pays si différent de sa culture. 

Après dix ans passés en Egypte, John Frederick Lewis se décide à rentrer en Angleterre en 1851. A son arrivée, il a la surprise de constater que sa renommée est établie : ses œuvres sont fortement appréciées du public mais également des critiques. La consécration vient avec sa nomination au poste de président de l’Old Watercolor Society (l’actuelle Royal Watercolour Society), institution britannique de peintres aquarellistes. Sa préférence pour l’aquarelle ne l’empêche nullement de pratiquer la peinture à l’huile : plusieurs de ses œuvres sont d’ailleurs présentées à l’Exposition universelle de Paris de 1855 et reçoivent un bon accueil, de la part de la critique d’art notamment. Il décède en 1876 à Walton-on-Thames.

Les peintures orientalistes de Jean-François Portaels contribuent indubitablement à l’essor de sa carrière artistique. Ainsi, de retour dans son pays natal, il est nommé directeur de l’Académie de Gand en 1847. En 1858, il transforme sa maison bruxelloise en atelier libre où il accueille des artistes comme Edouard Agneessens, des sculpteurs également, des architectes etc. Au fil des années, il devient un lieu de formation pour la génération suivante des artistes belges : l’enseignement libéral de l’artiste participe de beaucoup à son succès, au point qu’il concurrence l’Académie de Bruxelles. Aussi le peintre – chevalier de l’Ordre de Léopold – se voit-il confié, en 1863, un poste de professeur, poste qu’il occupe un temps avant d’être nommé à sa direction, en 1878.

Hermann Corrodi développe, tout au long de sa vie et de sa carrière, une appétence pour les voyages : il se rend ainsi dans d’autres pays et régions d’Europe méditerranéenne comme le Monténégro et la Corse, en particulier. Il s’aventure également au Moyen-Orient visitant Constantinople, la Syrie, la Palestine et l’Egypte. Ces dernières expériences ont une influence conséquente sur sa pratique du paysage. Aussi l’attribution de l’étiquette d’orientaliste n’est-elle pas anodine et, en partie, justifiée. D’autant plus que la découverte des paysages et de la lumière inhérente à cette partie du globe se révèlent être un facteur du changement qui s’opère alors dans sa pratique picturale.

Malheureusement, le décès de son frère, en  1874, interrompt la carrière de l’artiste : accablé, celui-ci met sa carrière en pause pendant deux ans. Son mariage, en 1876, ranime la flamme : Hermann Corrodi se remet à peindre, partageant sa vie entre Rome, l’hiver, Hambourg et Baden-Baden, l’été. Lors de ses séjours estivaux en Allemagne, il noue des relations privilégiées avec le kaiser Guillaume II et avec la cour d’Angleterre qui apprécie particulièrement ses vues de Venise et de la campagne romaine. L’aristocratie allemande n’est pas en reste et lui passe également de nombreuses commandes. 

En janvier 1892, la maison de l’artiste est ravagée par un incendie qui détruit son importante collection d’œuvres orientalistes ainsi que celles de son frère. En 1893, il est anobli en tant qu’académicien du mérite par l’Académie de Saint-Luc où il a été professeur : cette consécration est peut-être à l’origine de sa décision de faire construire, quelques années plus tard, une luxueuse maison comprenant des ateliers afin d’accueillir des artistes souhaitant suivre son enseignement.

Après avoir sculpté des figures humaines, Édouard Marcel Sandoz est influencé par l’artiste animalier François Pompon. Fin observateur des animaux, il s’applique à les reproduire en volume.

La formation classique d’Édouard Marcel Sandoz permet à l’artiste de manier avec habileté toutes les techniques. Qu’elles soient en bronze, en bois, en os, en plâtre, en céramique ou en pierre, ses sculptures représentent donc pour la plupart le monde animalier. Édouard Marcel Sandoz commence par en simplifier les lignes et les traits. Par la suite, il ajoute des détails avec minutie. Ainsi, les chats, les hiboux, les poissons, les coqs ou même les panthères sont des figures fréquentes dans son œuvre. Édouard Marcel Sandoz fonde d’ailleurs la Société française des animaliers en 1933.

L’artiste expose régulièrement, notamment au Salon de la société nationale des Beaux-Arts. Il réalise des sculptures de petite taille comme des œuvres de plus grande envergure destinées à des expositions en plein. Au parc du Denantou, à Lausanne, se trouvent notamment sa Fontaine aux singes et son bronze intitulé Le Faune. À Vevey, en Suisse également, se dresse son œuvre La Première Chevauchée de Bacchus.

Inspiré par l’Art nouveau, Édouard Marcel Sandoz réalise des objets usuels, toujours en forme d’animaux et non dénués d’humour. Ainsi, des merles d’Afrique servent à créer un vide-poche en céramique. Une salière prend la forme d’un lapin, un pichet celle d’un pingouin et un fennec devient bonbonnière.

Édouard Marcel Sandoz a également exécuté quelques huiles sur toile. Il marque une prédilection pour la représentation de paysages et de fleurs.

François Pompon se spécialise donc dans la représentation d’animaux de toutes les espèces. Panthères, lions, hippopotames, cygnes, pigeons, faisans, pélicans, sangliers, cerfs, tourterelles… nulle espèce n’échappe à son intérêt. Il poursuit ses visites à la ménagerie du Jardin des plantes, et il observe également les insectes et autres bestioles dans la nature.

Peu à peu, François Pompon supprime les détails figuratifs dans ses sculptures pour ne garder que l’essentiel des formes. Il privilégie les volumes simples. Il allège les masses, symbolisant les animaux par des contours arrondis. François Pompon s’intéresse à l’art japonais, ainsi qu’aux représentations du mouvement. Ses animaux sont figés dans une action que l’on devine lente.

François Pompon utilise des matériaux divers tels que la pierre, le bois, le plâtre ou encore la céramique. Le sculpteur utilise également le bronze, qu’il polit jusqu’à obtenir un aspect des plus lisses. Il connait et maitrise toutes les techniques tels la taille directe ou le modelage.

Durant la Première Guerre mondiale, François Pompon, trop âgé pour s’engager et n’ayant plus de commandes et collaborations, est employé à la Samaritaine, puis comme ouvrier. Il ne renonce pas pour autant à l’art.

En 1922, François Pompon expose une œuvre monumentale au Salon d’Automne. Il s’agit de son Ours blanc, dit aussi Ours polaire dans la foulée. L’animal, au corps trapu, à l’aspect lisse et à la silhouette aux volumes simplifiés, est représenté de façon digne et majestueuse. Le museau est levé, tourné vers l’avant, les pattes épaisses sont en ordre de marche. Cette sculpture en plâtre, au style épuré et moderne, lui vaut enfin une reconnaissance publique de son travail artistique. François Pompon peut produire des pièces en son nom seul. Il réalise d’autres œuvres imposantes telles le Grand Cerf ou le Taureau. 

François Pompon est nommé chevalier de la Légion d’honneur en 1925, puis officier en 1932. En 1931, il fonde le Groupe des Douze, réunissant des artistes tels que Paul Jouve, Gaston Chopard, Charles Artus, Jane Poupelet, Jean-Claude de Saint-Marceaux et autres peintres et sculpteurs animaliers.

En 1909, Louis Dejean s’attelle à la réalisation d’une sculpture monumentale sur le thème de La Maternité. Le critique d’art Camille Mauclair, dans la Revue bleue politique et littéraire de 1919, la présente comme « une composition plus importante, d’une dimension inusitée par l’artiste jusqu’ici ». Il ajoute « qu’on ne peut rien imaginer de meilleur, de plus simplement expressif, de plus tendre par le sentiment et de plus ferme par l’exécution, que cette maternité pleine de jeunesse et de grâce. » 

Après la Première Guerre mondiale, Louis Dejean réalise des statues pour des lieux publics tels des monuments aux morts pour les villes de Saint-Quentin ou Villers-Cotterêts. Le Monument aux victimes de la guerre de la ville de Saint-Ouen, statue en calcaire demandée par la ville sur concours, est inauguré en 1922. Dans une lettre datée de 1922, le sculpteur Antoine Bourdelle décrit la femme représentée comme « emplie d’un sentiment d’horreur devant le soldat martyr [qui] nous fait détester la guerre. » Cette femme serre son enfant contre elle. Un poilu est étendu à ses pieds.

Parmi ses commandes, le sculpteur réalise en 1933 une sculpture en bronze, La Paix, destinée au paquebot Normandie. Louis Dejean exécute également des bustes de personnalités, mais aussi des sculptures décoratives pour des bâtiments publics dont une nymphe pour le Palais de Tokyo en 1937, conçue à l’occasion de l’Exposition universelle.
Louis Dejean décède en 1953 dans sa ville natale.

Aimé-Jules Dalou se marie en 1866 avec Irma Vuillier, avec qui il aura une fille. Sa femme, muse et conseillère, ne cesse de le guider dans sa carrière.

En 1869, Aimé-Jules Dalou expose au Salon Amour et Psyché. Cette sculpture reçoit des éloges, notamment ceux de Théophile Gautier qui souligne sa « grâce exquise ». L’année suivante, il présente La Brodeuse. Cette statue, grandeur nature, suscite l’admiration des critiques comme du public. À nouveau, Théophile Gautier en fait l’éloge et note sa « séduction pénétrante ». Le sculpteur représente une fille absorbée dans sa tâche ménagère, un sujet du quotidien.

Les débuts de la Troisième République, suivie des événements de la Commune de Paris, interrompent le parcours artistique du sculpteur. L’artiste s’engage. Il est nommé conservateur au musée du Louvre pour protéger les œuvres. En 1871, il est contraint de s’exiler avec sa famille en Angleterre.

Aidé par son camarade de la Petite École, le peintre Alphonse Legros, Aimé-Jules Dalou obtient des commandes. Il réalise en terre cuite le buste de Dorothey Heseltine, âgée de dix ans. Suivront la statue de lady Carlisle et autres portraits de l’aristocratie. L’artiste sculpte des statuettes telle La Liseuse. Au Salon de la Royal Academy de 1873, sa Paysanne française allaitant remporte un succès retentissant. Le talent d’Aimé-Jules Dalou s’affirme dans ses variations de l’amour maternel.

À la fin de la guerre, les communes endeuillées veulent ériger des monuments en l’honneur des soldats. Ayant lui-même combattu dans les tranchées, le jeune sculpteur est particulièrement touché par ce sujet. Il réalise un Poilu. L’homme, d’une hauteur de deux mètres cinquante, se dresse sur son piédestal, vêtu de son uniforme et casque à la main, s’appuie sur une canne où s’accroche un serpent. La statue en plâtre est présentée en 1920 au Salon d’Automne. Monumentale, elle s’impose par son réalisme et sa sincérité, loin de l’image héroïque du sauveur. Elle se caractérise également par sa forme épurée. Joachim Costa se voit confier la réalisation des monuments de La Rochelle et de sa ville de Pézenas.

Joachim Costa rejoint La Douce France, mené par l’homme de lettres Emmanuel de Thubert. Ce collectif rassemble des artistes tels André Abbal, Ossip Zadkine ou encore Paul Dardé. Tous défendent la technique de la taille directe, sans utiliser le modelage au préalable. En 1921, Joachim Costa écrit l’ouvrage Modeleur et tailleur de pierre, nos traditions, qui traite de ce sujet. Le sculpteur se réfère aux bâtisseurs de cathédrales pour expliquer son positionnement. Une exposition du groupe a lieu en 1922 à la galerie Barbazangues. Cinq autres suivront, à l’initiative d’Emmanuel de Thubert.
En 1925, la Pergola de la Douce France est édifiée pour l’Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes. Cette sculpture, constituée de quatre blocs sculptés, est créée collectivement par le groupe et illustre les légendes celtiques. Joachim Costa y représente Tristan et Iseult, la fée Koridwen et le nain Guyon. L’œuvre de Joachim Costa remporte le grand prix de sculpture.  

Joachim Costa expose régulièrement aux salons parisiens. S’écartant de ses principes, il réalise également des statues en bronze et en céramique, comme ses sculptures d’animaux. Répondant à des commandes, il élabore des œuvres monumentales telle la statue Diane pour le jardin public de Montluçon. Il sculpte le monument à Joseph Anglade pour la ville de Lézignan-Corbières ou encore La Comédie pour la façade du théâtre de Saint-Brieuc. Cependant, sa carrière est freinée par la Seconde Guerre mondiale. Le sculpteur demeure un artiste représentatif de l’entre-deux-guerres.
Joachim Costa décède à Narbonne, en 1971.

Lors de la Première Guerre mondiale, Albéric Collins se réfugie chez sa sœur en Angleterre. Il regagne ensuite les Pays-Bas. En 1920, l’artiste expose à nouveau ses œuvres en Belgique et en France. Dès cette année, il remporte la médaille d’or avec sa sculpture La Force dans la compétition artistique aux Jeux olympiques d’été d’Anvers. 

En 1921, Albéric Collin reçoit une médaille d’or au Salon des indépendants de Paris. L’année suivante, une médaille en bronze lui est attribuée au Salon des artistes français où il présente un Dromadaire. En 1930, à l’Exposition universelle d’Anvers, le sculpteur expose douze éléphants de taille monumentale au Palais du Congo. Puis, cinq ans plus tard, il exhibe son imposant Éléphant monté par des Noirs à l’Exposition universelle de Bruxelles. Cette sculpture monumentale en béton armé illustre la vision coloniale de la Belgique sur l’Afrique à cette époque.

Après la révolution de 1848, Albert-Ernest Carrier-Belleuse reçoit sa première commande. Il réalise en plâtre doré Mademoiselle Rachel chantant la Marseillaise à la demande de son cousin, l’homme politique François Arago.
De 1851 à 1855, Albert-Ernest Carrier-Belleuse est employé à la manufacture de porcelaine et de céramique de Mintons, en Angleterre. Il se marie à l’aquarelliste Anne-Louis Adnot, avec qui il aura huit enfants.

De retour en France, Albert-Ernest Carrier-Belleuse expose régulièrement au Salon. Sa Bacchante, réalisée en marbre et présentée en 1863, suscite l’admiration. Louée pour sa sensualité, elle est achetée par Napoléon III. Quatre ans plus tard, son œuvre Le Messie lui fait gagner une médaille d’honneur. Cette sculpture représente la vierge Marie, tête inclinée, brandissant l’Enfant Jésus. Albert-Ernest Carrier-Belleuse travaille vite et possède une imagination fertile. Sa production s’accélère. Il réalise des marbres imposants comme Hébé endormie, dont la dimension excède légèrement deux mètres de hauteur, La Source ou encore Harmonie.