Estimation gratuite Ernesto Gismondi

Ernesto Gismondi

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Estimation, cote et valeur d'Ernesto Gismondi

Ernesto Gismondi (1931-2020) est l’une des figures majeures du design italien et international du XXᵉ siècle. Ingénieur aéronautique de formation, designer visionnaire et entrepreneur, il est surtout connu comme le fondateur et directeur artistique de la maison Artemide, l’un des éditeurs de luminaires les plus influents au monde. À travers ses créations et son approche industrielle innovante, Gismondi a profondément transformé la manière de concevoir la lumière. Ses lampes, à la fois techniques, poétiques et fonctionnelles, incarnent l’alliance parfaite entre ingénierie, esthétique et usage quotidien. Aujourd’hui, les œuvres d’Ernesto Gismondi sont très recherchées sur le marché du design, tant pour leur valeur historique que pour leur intemporalité.

Estimation gratuite Ernesto Gismondi

Prix des œuvres de Ernesto Gismondi

  • Lampes et luminaires : entre 300 € et 5 000 €

  • Modèles rares ou éditions recherchées : entre 5 000 € et 10 000 €,

Vous possédez une lampe, un luminaire ou un objet de design conçu par Ernesto Gismondi, seul ou pour Artemide, et souhaitez en connaître la valeur ? Faites estimer votre pièce en toute simplicité grâce à Estimon’objet. Vous recevez une estimation gratuite, confidentielle et argumentée, sous quelques jours. Cette expertise est essentielle dans le cadre d’une vente, d’une succession, d’une assurance ou d’un inventaire patrimonial.

Estimer une lampe d'Ernesto Gismondi

Ernesto Gismondi, ingénieur et créateur de lumière

Né en 1931 en Italie, Ernesto Gismondi suit une formation d’ingénieur aéronautique avant de se tourner vers le design industriel. Cette double compétence technique et artistique devient la clé de son succès. En 1960, il fonde Artemide avec une ambition claire : concevoir des luminaires innovants, performants et profondément humains. Pour Gismondi, la lumière n’est pas seulement un élément fonctionnel, mais un véritable outil de bien-être. Il développe une vision pionnière de ce qu’il appelle la “lumière humaine”, pensée pour accompagner les gestes, les émotions et les rythmes de vie. Ses créations se distinguent par une recherche constante sur les matériaux, les technologies d’éclairage et la diffusion lumineuse, tout en conservant une esthétique sobre et élégante.

Innovation et émotion : le style Gismondi

Les œuvres conçues par Ernesto Gismondi présentent plusieurs caractéristiques majeures.

Une approche scientifique du design
Chaque lampe est le fruit d’une réflexion technique poussée : équilibre, orientation, intensité, confort visuel.

Une esthétique fonctionnelle
Les formes sont épurées, lisibles, jamais gratuites. Le design sert l’usage avant tout.

Une innovation permanente
Gismondi est l’un des premiers à intégrer des technologies avancées dans le luminaire domestique, anticipant les évolutions de l’éclairage contemporain.

Une dimension poétique
Malgré la rigueur technique, ses lampes dégagent une présence douce et chaleureuse, capable de transformer un espace.

Estimation gratuite Ernesto Gismondi

Une carrière internationale et une influence durable

Sous l’impulsion d’Ernesto Gismondi, Artemide devient une référence mondiale du design. Les créations de la maison sont diffusées à l’international et intégrées dans des projets architecturaux, des espaces publics, des musées et des intérieurs privés. Gismondi collabore avec de nombreux designers et architectes de renom, tout en concevant lui-même plusieurs modèles emblématiques. Son travail est récompensé à de nombreuses reprises et reconnu par les institutions culturelles et professionnelles du design. Aujourd’hui encore, ses luminaires sont présents dans les collections de musées et continuent d’être édités, preuve de leur pertinence durable.

Cote des œuvres d'Ernesto Gismondi sur le marché de l’art

La cote d’Ernesto Gismondi repose sur plusieurs facteurs :

  • son rôle central dans l’histoire du design italien,

  • l’aura internationale d’Artemide,

  • la qualité technique et esthétique des luminaires,

  • la demande constante pour les icônes du design du XXᵉ siècle.

Les modèles authentiques, en bon état de fonctionnement et dotés de leurs éléments d’origine obtiennent les meilleurs résultats lors des ventes aux enchères. Voici quelques adjudications représentatives observées sur le marché du design :

  • Grand lampadaire iconique édité par Artemide : vendu autour de 6 500 € pour un exemplaire ancien en excellent état.

  • Lampe de table design, modèle emblématique : adjugée environ 1 800 €.

  • Suspension technique de grande dimension : proche de 4 200 €.

  • Ensemble de luminaires assortis : vendu entre 3 000 € et 5 000 €, selon configuration et état.

Ces résultats confirment la solidité de la cote d’Ernesto Gismondi et l’intérêt constant des collectionneurs pour ses créations. Ernesto Gismondi est aujourd’hui reconnu comme l’un des grands innovateurs du design lumineux. À la croisée de l’ingénierie et de la création artistique, il a su imposer une vision durable, humaine et élégante de la lumière. Si vous possédez une lampe ou un luminaire conçu par Ernesto Gismondi, il est essentiel d’en connaître la valeur réelle avant toute décision. Transmettez vos photographies en ligne et recevez rapidement une expertise claire, fiable et professionnelle. Estimon’objet vous accompagne pour valoriser, protéger et, si vous le souhaitez, vendre vos œuvres de Ernesto Gismondi dans les meilleures conditions.

(Illus.) ERNESTO GISMONDI (1931-2020) Suspension modèle Gaia, circa 1990, à sept bras de lumière en verre soufflé de Murano polychrome. Porte le sticker de l’éditeur

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En lien avec Ernesto Gismondi

Robert Guillerme

Roberto Lazzeroni

Luciano Bertoncini

Renato Zevi

Vico Magistretti

Massimo Scolari

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Estimation gratuite Jean Perzel

Jean Perzel

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Estimation et cote de l’artiste Jean Perzel

Jean Perzel (1892-1986) est un maître verrier et designer français emblématique du style Art déco. Reconnu pour ses créations lumineuses d’une élégance rare, il a su allier technicité, modernité et raffinement artisanal. Ses luminaires, à la fois architecturaux et poétiques, ont illuminé les intérieurs les plus prestigieux du XXe siècle : du Palais des Nations à Genève aux appartements privés de figures comme le roi du Maroc ou le baron de Rothschild. Aujourd’hui, les œuvres de Jean Perzel figurent parmi les pièces de design français les plus recherchées sur le marché de l’art.

Estimation gratuite Jean Perzel

Prix des œuvres de Jean Perzel

  • Lampe de table ou de bureau : entre 3 000 € et 25 000 €

  • Applique murale : entre 2 000 € et 20 000 €

  • Plafonnier ou suspension : entre 5 000 € et 50 000 €

  • Miroir ou mobilier signé : entre 4 000 € et 30 000 €

Vous possédez une lampe, un plafonnier, une applique ou un mobilier signé Jean Perzel ? Faites estimer gratuitement et en toute confidentialité votre œuvre grâce à Estimon’objet, la plateforme de référence pour l’expertise et l’évaluation d’objets d’art et de design. Nos commissaires-priseurs et experts spécialisés en design du XXe siècle vous garantissent une estimation précise, justifiée et confidentielle sous quelques jours. Qu’il s’agisse d’une pièce d’époque des années 1930 ou d’un modèle édité par la Maison Perzel encore active aujourd’hui, notre équipe saura en déterminer la valeur marchande actuelle. Faites estimer votre luminaire Jean Perzel dès maintenant.

Expertise gratuite Jean Perzel

Jean Perzel, un maître de la lumière Art déco

Né à Bruck en Allemagne en 1892, Jean Perzel s’installe à Paris en 1910, où il débute comme artisan verrier. Passionné par la transformation du verre et la diffusion de la lumière, il crée en 1923 son propre atelier, l’Atelier Jean Perzel, rue de la Cité Universitaire à Paris. Très vite, il s’impose comme l’un des artisans les plus novateurs du mouvement Art déco. Contrairement à ses contemporains qui privilégient la décoration luxueuse, Perzel cherche avant tout à sublimer la lumière. Ses créations traduisent une quête d’équilibre entre fonction et beauté, faisant de lui un pionnier du design lumineux moderne.

Un style entre architecture et émotion lumineuse

Les œuvres de Jean Perzel se distinguent par une esthétique géométrique et épurée, typique de l’Art déco, mais toujours au service de la lumière.
Ses luminaires, réalisés en verre opalin, en bronze patiné ou en laiton poli, se caractérisent par :

  • Une diffusion douce et homogène de la lumière, sans éblouissement, grâce à un travail minutieux du verre ;

  • Des lignes pures et structurées, proches du langage architectural des années 1930 ;

  • Une conception artisanale irréprochable, alliant exigence technique et élégance décorative.

Les modèles les plus emblématiques incluent :

  • Le lampadaire modèle 2059, à la silhouette sobre et intemporelle ;

  • Les appliques murales modèle 650, utilisées dans de nombreux bâtiments officiels ;

  • Le plafonnier modèle 315, un chef-d’œuvre d’équilibre entre transparence et opacité ;

  • Les miroirs rétroéclairés, véritables symboles de la modernité lumineuse de l’entre-deux-guerres.

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Les grandes réalisations de Jean Perzel

Jean Perzel a collaboré avec de nombreux architectes et décorateurs majeurs, parmi lesquels Jacques-Émile Ruhlmann, Michel Roux-Spitz ou Le Corbusier. Ses luminaires ont été intégrés à des édifices prestigieux tels que :

  • Le Palais des Nations à Genève, construit dans les années 1930, dont il signe l’éclairage monumental ;

  • Le Musée des Arts et Métiers à Paris ;

  • Le paquebot Normandie, chef-d’œuvre du design maritime Art déco ;

  • Les bureaux du ministère de la Guerre, les hôtels de luxe et les résidences privées de l’aristocratie européenne.

Son travail s’étend également aux objets décoratifs et au mobilier : tables, miroirs, consoles et accessoires de bureau témoignent d’une même recherche d’harmonie entre matière et lumière.

Une maison toujours active et un héritage intact

La Maison Perzel, toujours située à Paris, perpétue l’esprit de son fondateur. Les modèles historiques sont toujours édités selon les plans d’origine, fabriqués à la main dans les ateliers, avec les mêmes matériaux nobles. Cette continuité confère aux œuvres de Jean Perzel un statut patrimonial unique, mêlant passé et présent. Les collectionneurs recherchent activement les pièces d’époque signées, notamment celles produites entre 1925 et 1940, considérées comme les plus pures expressions du style Perzel. Le marché du design français connaît un engouement croissant pour ces œuvres, portées par une demande internationale venue des États-Unis, du Japon et du Moyen-Orient.

Cote et ventes remarquables des œuvres de Jean Perzel

La cote de Jean Perzel connaît une forte progression sur le marché du design, notamment dans les ventes spécialisées en Art déco. Les luminaires originaux, authentifiés et bien conservés, peuvent atteindre des prix spectaculaires. Quelques ventes marquantes :

  • Paire d’appliques modèle 650, bronze et verre sablé, vendue 38 000 €

  • Suspension modèle 315, en verre opalin et laiton doré, adjugée 52 000 €

  • Lampadaire modèle 2059, bronze nickelé et verre, vendu 24 000 €

  • Miroir rétroéclairé, vers 1935, adjugé 19 000 €

Ces résultats confirment l’intérêt des collectionneurs pour les créations de Jean Perzel, dont la signature s’impose comme une valeur sûre du design Art déco français. Vous possédez un luminaire ou un mobilier signé Jean Perzel ? Confiez son estimation à Estimon’objet, la plateforme française spécialisée dans l’expertise en ligne des objets d’art et de design du XXe siècle. Nos experts vous apportent une évaluation fiable, rapide et confidentielle, qu’il s’agisse d’une pièce héritée, d’un achat de collection ou d’un projet de vente aux enchères.

(Illus.) Jean PERZEL (1892-1986) Suite de deux lampes à poser pivotantes modèle n°936 GM, dites Éclipses, 1974

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Ernesto Gismondi

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Gerd Arens

Gilles Derain

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Gerd Arens

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Estimation et cote du designer Gerd Arens

Gerd Arens (né en 1943) est un designer allemand associé au mouvement design des années 1980, membre fondateur du groupe Pentagon, reconnu pour ses pièces lumineuses innovantes et son usage audacieux de formes, de matériaux industriels et de jeux de lumière. Ses lampes, suspensions, luminaires et objets décoratifs occurrent aujourd’hui une place croissante sur le marché du design contemporain et vintage, particulièrement auprès des amateurs de design allemand tardif et post-moderniste.

Estimation gratuite Gerd Arens

Prix des œuvres Gerd Arens

  • Lampadaires / suspensions : entre 2 000 € et 15 000 €

  • Lampes de table / objets lumineux plus petits : entre 800 € et 6 000 €

  • Pièces d’édition limitée ou prototypes : jusqu’à 20 000-25 000 €

  • Spécimens monumentaux (grandes structures, grandes suspensions, modèles “Arc” ou “Neon”) : les prix peuvent se rapprocher des 30 000 €

Vous détenez une lampe, un luminaire, un lampadaire ou une suspension signée Gerd Arens et souhaitez en connaître sa valeur réelle sur le marché ? Faites estimer votre objet en toute simplicité grâce à Estimon’objet. Notre équipe d’experts et commissaires-priseurs spécialisés en design des années 70-90 vous garantit une estimation précise, gratuite et confidentielle sous quelques jours. Grâce à nos outils d’analyse (photos, état, édition, provenance), vous saurez si votre pièce est une édition limitée, un prototype ou une pièce courante, et combien elle pourrait valoir dans une vente aux enchères ou sur le marché privé.

Expertise d'un luminaire Gerd Arens

Gerd Arens, le parcours d’un designer au sein de Pentagon

Gerd Arens est né en 1943 (Köln, Allemagne). Son travail s’est intensifié dans les années 1980, à une période de renouveau du design où la frontière entre art, objet décoratif et éclairage s’estompe. Il est l’un des membres fondateurs de la Design Gruppe Pentagon (avec Wolfgang Laubersheimer, Reinhard Müller, Ralph Sommer, Meyer Voggenreiter), collectif actif à Cologne. Pentagon a édité / produit des luminaires, lampes, structures lumineuses qui combinent acier, néon, plexiglas, tubes halogènes, éléments en métal industriel. Son style se caractérise par un goût pour les contrastes (métal / néon / plexiglas), les lignes graphiques parfois sculpturales (lampes “Arc”, suspensions aux formes audacieuses), et un sens de la scénographie de la lumière.

Un style identifiable et ses œuvres emblématiques

Parmi les modèles et pièces les plus attestés de Gerd Arens, on trouve :

  • “Arc lamp”, édition 1990 via Pentagon Düsseldorf : une lampe d’arc sculpturale, structure d’acier avec éléments halogènes ou néon.

  • Neon Stehleuchte (lampadaire néon) pour Pentagon, 1987 : model en néon, grande hauteur (≈171 cm), produit en série limitée de 5 exemplaires.

  • Stehleuchte / lampadaire / Structure lumineuse “Arc” ou “Arc lamp” : des lampadaires design imposants, souvent avec base en marbre ou acier, structure à plusieurs branches ou lames, tantôt décoratifs tantôt fonctionnels.

Ces pièces sont particulièrement recherchées lorsqu’elles sont complètes, dans leur version originale, et avec certificat ou provenance.

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Marché et reconnaissance de Gerd Arens

Le collectif Pentagon auquel il appartient a fait l’objet d’expositions (notamment expositions de design appliqué, de mobilier moderne, dans les musées de design allemands) : la Design Gruppe Pentagon a été présentée au MAKK (Museum of Applied Arts Cologne). Les œuvres de Gerd Arens apparaissent dans des ventes aux enchères spécialisées en objets de design moderne / design des années 80 / luminaires contemporains. Ses œuvres ont été proposées aux enchères, avec des prix réalisés allant de 3000€ à 5000 € pour certaines lampes de sol ou objets lumineux.

Cote et ventes marquantes de Gerd Arens

Voici quelques ventes importantes et références qui permettent de cerner la cote actuelle des pièces de Gerd Arens :

  • Arc lamp, édition Pentagon, 1990 – vente via la galerie Artsy (édition limitée, structure acier/plexiglas/halogène) : ≈ 12 000 €.

  • Neon Stehleuchte by Gerd Arens pour Pentagon, 1987 (5 exemplaires produits) – exemple d’offre dans le circuit vintage à ≈ 5 000 €+ pour exemplaire en excellent état.

  • Stehleuchte (lampadaire), 1986, version grande hauteur (~203 cm), béton, acier-tube, néon rouge, édition de seulement cinq exemplaires – adjugé ≈ 2 700 €  

  • Lot de lampadaires “Arc / Floor Lamp” – 5500 € 

Ces résultats montrent que la cote est encore modérée pour les pièces courantes, mais que les pièces limitées ou de grande taille peuvent atteindre des sommes importantes, surtout dans les marchés allemands, néerlandais, ou aquisitions privées en Europe de l’Ouest. Gerd Arens bénéficie aujourd’hui d’un regain d’intérêt : le design des années 80, les luminaires néon, les éditions limitées industrielles attirent de plus en plus les amateurs. Si vous possédez une œuvre signée Gerd Arens — lampadaire, suspension, lampe de sol ou applique — Estimon’objet vous offre une estimation gratuite, rapide et confidentielle, indispensable pour :

  • vérifier l’authenticité,

  • évaluer le modèle exact (édition, version, matériaux),

  • juger de l’état et des restaurations,

  • situer votre pièce dans la cote actuelle (enchères, marché vintage, galeries).

Faites estimer dès aujourd’hui votre luminaire ou objet de Gerd Arens avec Estimon’objet, votre partenaire expert en design contemporain et vintage.

(Illus.) Gerd ARENS (1943) Lampadaire modèle Arc, 1989

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Gilles Derain

Paavo Tynell

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Gilles Derain

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Estimation et cote du designer Gilles Derain

Gilles Derain (1944-2019) est un designer français autodidacte dont le travail touche les luminaires, le mobilier, le tapis, les bijoux et les objets décoratifs. Avec une signature forte mêlant modernité, hommage aux mouvements artistiques historiques et un style souvent caractérisé par le contraste, la ligne épurée et des matériaux contemporains, Gilles Derain s’impose dans le paysage du design français comme une figure singulière et recherchée.

Estimation gratuite Gilles Derain

Prix des œuvres Gilles Derain

  • Lampadaires / suspensions : entre 1 000 € et 12 000 €

  • Appliques / lampes murales : entre 800 € et 7 000 €

  • Tables / mobilier décoratif : entre 1 500 € et 20 000 €

  • Objets de collection ou éditions limitées (pièces phares comme le modèle MPC “Merci Pierre Chareau”, meubles Balla, etc.) : jusqu’à plus de 25 000-30 000 €

Vous possédez un lampadaire, une suspension, une table ou tout autre objet signé Gilles Derain et voulez connaître sa valeur réelle sur le marché ? Faites estimer votre pièce gratuitement et en toute confidentialité grâce à Estimon’objet. Notre équipe d’experts et commissaires-priseurs spécialisés dans le design du XXe siècle examine vos objets à partir de photos, de provenance, de modèles et de signatures pour vous donner une estimation fiable sous quelques jours.

Expertise d'un luminaire Gilles Derain

Gilles Derain, un parcours atypique

Né en 1944, Gilles Derain commence sa carrière non pas par une formation académique classique en design, mais comme courtier en tableaux de maîtres. Cette première immersion dans l’art ancien lui donnera un œil exercé pour les formes, les styles, et la valeur esthétique. Progressivement, il se forme au design “sur le terrain”, par la brocante, la découverte d’objets et le contact direct avec les arts décoratifs. Ce chemin autodidacte lui permet de développer un style personnel, immédiatement reconnaissable. Il est aussi co-fondateur et directeur artistique de Lumen Center, structure éditrice et distributrice de luminaires.

Un style reconnaissable, entre hommage et audace

Les œuvres de Gilles Derain se distinguent par plusieurs caractéristiques fortes :

  • Hommages artistiques / références historiques : par exemple, le lampadaire MPC “Merci Pierre Chareau” (1979), rend hommage à l’architecte Pierre Chareau.

  • Usage des matériaux industriels modernes : métaux (acier, métal chromé), tôle époxy, surfaces laquées, etc.

  • Influences variées : futurisme (la table Balla rend hommage au peintre du mouvement futuriste Giacomo Balla) ; japonisation des formes ou esthétique saturée dans certaines pièces des années 80.

  • Design de lumière : lampes, appliques, suspensions sont ses terrains de prédilection, avec des pièces iconiques comme la lampe “Torchère” (1984) ou le lampadaire MPC.

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Œuvres emblématiques de Gilles Derain

Parmi les créations les plus marquantes, recherchées par les collectionneurs, on peut citer :

  • Lampadaire “MPC Merci Pierre Chareau” (1979) — pièce iconique, largement diffusée mais aussi reconnue pour son design puissant.

  • Applique “Torchière” (1984) — un modèle mural lumineux, signature du style lumière/ombre de Derain.

  • Table “Balla” pour Pentalux (1985) — mobilier hommage futuriste, acier chromé, très représentatif de ses expérimentations.

  • Lampe “Omega” et modèles “Oméga” de table ou de sol, éditions autour de 1979-1985, souvent en métal.

Une carrière reconnue et un marché actif

Gilles Derain a acquis une reconnaissance à la fois par son œuvre et par des institutions :

  • Son lampadaire MPC Merci Pierre Chareau figure dans la collection du Musée des Arts Décoratifs de Montréal.

  • Son travail a été édité par Lumen Center, exposé, distribué, collectionné — ce qui renforce sa visibilité et donc sa cote.

  • Le designer a aussi reçu des prix / distinctions, et ses pièces font l’objet de ventes aux enchères, ce qui permet d’établir des références fiables pour ses cotes.

Cote et ventes marquantes de Gilles Derain

La côte des œuvres de Gilles Derain dépend de nombreux critères : modèle, état, version (édition ou prototype), provenance, matériaux. Les pièces les plus demandées aujourd’hui sont les grands lampadaires anciens, les meubles édition limitée, et les objets emblématiques des années 80. Son œuvre, mêlant hommage historique, sens de la lumière et audace formelle, séduit un public large : collectionneurs de design vintage, passionnés de luminaires, décorateurs souhaitant des pièces fortes, etc. Si vous possédez un objet signé Gilles Derain — lampadaire, suspension, meuble, lampe de table —, Estimon’objet est le site de référence pour en obtenir une estimation précise. Notre expertise permet de :

  • vérifier l’authenticité de la pièce

  • identifier la version, la série ou l’édition

  • évaluer l’état et restaurations éventuelles

  • situer votre pièce dans le marché actuel (enchères, ventes galeries, online)

Faites estimer dès aujourd’hui votre œuvre ou luminaire de Gilles Derain avec Estimon’objet, votre partenaire expert du design contemporain et vintage.

(Illus.) Gilles DERAIN (1944-2019) Lampadaire modèle Flamme, à structure profilé en métal laqué noir

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Jean Perzel

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Gilles Derain

Paavo Tynell

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Estimation gratuite Paavo Tynell

Paavo Tynell

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Estimation et cote de l’artiste Paavo Tynell

Paavo Tynell (1890-1973) est un designer et ferronnier d’art finlandais mondialement reconnu pour ses luminaires au raffinement inégalé. Figure emblématique du design scandinave du XXe siècle, il a marqué l’histoire du mobilier et de la décoration par son approche poétique de la lumière, mariant métal, verre et laiton avec une élégance intemporelle. Ses créations, à la fois fonctionnelles et sculpturales, sont aujourd’hui parmi les plus recherchées du design nordique d’après-guerre.

Estimation gratuite Paavo Tynell

Prix des œuvres de Paavo Tynell

  • Suspension / plafonnier - entre 5 000 € et 200 000 €

  • Lampe de table - entre 3 000 € et 80 000 €

  • Applique murale - entre 2 000 € et 60 000 €

Vous possédez un luminaire, un plafonnier, une applique ou un lampadaire signé Paavo Tynell ? Faites estimer votre œuvre gratuitement et en toute confidentialité grâce à Estimon’objet. Notre équipe de commissaires-priseurs et d’experts spécialisés en design du XXe siècle analyse vos pièces à partir de photographies, de documents d’origine ou de signatures. Vous recevrez une estimation précise et justifiée sous quelques jours, vous permettant de connaître la valeur actuelle de votre luminaire sur le marché international. Faites estimer votre lampe de Paavo Tynell dès aujourd’hui sur www.estimonobjet.fr.

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Paavo Tynell, le poète de la lumière finlandaise

Né en 1890 à Helsinki, Paavo Tynell débute sa carrière comme apprenti forgeron avant de rejoindre la Société des arts appliqués de Finlande, où il se forme au design et à la fabrication d’objets décoratifs. Très tôt, il s’intéresse à la lumière comme vecteur d’harmonie domestique. En 1918, il fonde la société Taito Oy, qui deviendra le principal fabricant de luminaires modernes en Finlande. Tynell s’impose rapidement comme le pionnier du design lumineux scandinave, explorant les effets du laiton poli, du cuivre perforé et des abat-jour ajourés. Son style se caractérise par une légèreté visuelle et une finesse artisanale rare, traduisant l’esprit de la nature nordique et la simplicité du modernisme finlandais.

Un design entre artisanat et modernité

Paavo Tynell parvient à concilier le fonctionnalisme du Bauhaus et la poésie organique du design finlandais. Ses luminaires, souvent inspirés de formes naturelles — feuilles, coquillages, étoiles ou fleurs —, diffusent une lumière douce et chaleureuse. Il joue avec la perforation du métal, permettant à la lumière de se transformer en motif. Parmi ses créations les plus célèbres, on retrouve :

  • La suspension modèle 9602, surnommée “Chinese Hat”, au design emblématique et toujours éditée aujourd’hui par Gubi ;

  • Le lampadaire modèle 9602, en laiton et rotin, véritable icône du design scandinave ;

  • Les luminaires du Helsinki University of Technology, symboles de son approche architecturale et minimaliste ;

  • Les appliques florales créées pour divers hôtels finlandais dans les années 1940 et 1950, aujourd’hui extrêmement prisées des collectionneurs.

Tynell collabora également avec des architectes de renom tels qu’Alvar Aalto, Aino Aalto et Arttu Brummer, participant ainsi à la diffusion du design finlandais à travers le monde.

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Paavo Tynell, un créateur internationalement reconnu

Dans les années 1940 et 1950, Paavo Tynell exporte ses luminaires aux États-Unis, où il collabore avec la société Lightolier, spécialisée dans la production de lampes design. Cette ouverture vers le marché américain confère à Tynell une reconnaissance internationale. Ses créations éclairent alors des bureaux, hôtels et bâtiments publics prestigieux à New York et Boston. Aujourd’hui, ses œuvres figurent dans les collections du Design Museum d’Helsinki et dans de nombreuses galeries spécialisées en design scandinave. Sa signature — un équilibre parfait entre technicité, élégance et poésie — continue d’influencer les créateurs contemporains.

Paavo Tynell, une cote en pleine ascension sur le marché du design

Depuis les années 2010, le marché de Paavo Tynell connaît une croissance spectaculaire. Les ventes aux enchères de ses luminaires atteignent régulièrement des sommes à six chiffres, portées par une demande internationale, notamment venue des collectionneurs américains, japonais et européens. Les pièces éditées dans les années 1930 à 1950, signées Taito Oy ou produites en série limitée pour Lightolier, se distinguent particulièrement. L’esthétique chaleureuse de ses lampes, alliant laiton et matériaux naturels, séduit les amateurs de design vintage et les décorateurs d’intérieur. La valeur des luminaires de Paavo Tynell dépend de plusieurs critères : modèle, rareté, authenticité, état de conservation et provenance. Certaines ventes marquantes confirment sa place parmi les designers scandinaves les plus cotés :

  • Suspension modèle n°9068, laiton perforé et verre givré, vendue 265 000 €

  • Paire d’appliques murales “Snowflake”, Taito Oy, vers 1950, adjugée 110 000 €

  • Lampadaire modèle 9602, en laiton et rotin, vendu 85 000 €

  • Suspension florale pour l’Hôtel Aulanko, vers 1948, adjugée 150 000 €

Ces résultats illustrent la rareté et la valeur patrimoniale croissante de ses créations. Les luminaires de Paavo Tynell sont aujourd’hui considérés comme de véritables œuvres d’art appliqué, au croisement du design et de la sculpture. Vous détenez une lampe ou une suspension signée Paavo Tynell ? Confiez son évaluation à Estimon’objet, la plateforme française de référence pour l’estimation en ligne d’objets d’art et de design. Grâce à notre réseau d’experts et de commissaires-priseurs partenaires, vous obtenez une estimation fiable, rapide et confidentielle, que vous envisagiez une vente, une assurance ou une succession.

(Illus.) Paavo TYNELL (1890-1973) Lampe à poser modèle n°9222, circa 1940,

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Hans-Agne Jakobsson

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Hans-Agne Jakobsson

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Estimation et cote du designer Hans-Agne Jakobsson

Hans-Agne Jakobsson (1919-2009) est l’un des plus grands designers suédois du XXe siècle. Connu pour son travail exceptionnel sur la lumière et les matériaux, il a marqué l’histoire du design scandinave avec des luminaires au raffinement intemporel. Ses créations, à la fois poétiques et fonctionnelles, incarnent l’esthétique nordique dans ce qu’elle a de plus pur : simplicité, chaleur et élégance.

Estimation gratuite Hans-Agne Jakobsson

Prix des œuvres et luminaires de Hans-Agne Jakobsson

  • Suspensions et lustres - entre 800 € et 25 000 € selon le modèle, la taille et le matériau

  • Lampadaires et appliques murales - entre 700 € et 12 000 €

  • Lampes de table et de bureau - entre 400 € et 6 000 €

  • Pièces rares ou prototypes - jusqu’à plus de 30 000 € pour les modèles iconiques

Vous possédez une lampe, un lustre ou une applique de Hans-Agne Jakobsson et souhaitez en connaître la valeur sur le marché du design ? Faites estimer votre pièce en toute simplicité grâce à Estimon’objet. Notre équipe de commissaires-priseurs experts vous garantit une estimation précise, gratuite et confidentielle sous quelques jours.

Expertise d'une lampe Hans-Agne Jakobsson

Hans-Agne Jakobsson, maître de la lumière scandinave

Né en 1919 à Hvadhem, sur l’île de Gotland en Suède, Hans-Agne Jakobsson étudie d’abord l’architecture intérieure et la menuiserie avant de s’orienter vers le design industriel. Son sens aigu de la forme et des proportions le conduit à travailler pour Carl Malmsten, puis pour General Motors, avant de rejoindre la célèbre maison Ateljé Lyktan à Åhus, qu’il fonde dans les années 1950. Son approche du design repose sur une idée simple : dompter la lumière pour en révéler la douceur. Là où beaucoup de designers privilégiaient la puissance ou la technicité, Jakobsson cherchait la subtilité. Ses lampes ne sont pas seulement des objets fonctionnels, elles créent une atmosphère, une émotion, une présence apaisante.

Un style reconnaissable entre tous

L’œuvre de Hans-Agne Jakobsson se distingue par :

  • Une recherche de lumière douce et diffuse : il utilisait volontiers des abat-jour en bois lamellé, en laiton perforé ou en verre opalin, filtrant la lumière sans l’éteindre.

  • Des matériaux nobles et naturels : bois scandinave, cuivre, laiton, rotin, verre soufflé.

  • Un design organique et épuré : fidèle à l’esprit moderniste nordique, il privilégiait des formes simples et équilibrées, tout en laissant une large place à la sensualité de la matière.

  • Une fabrication artisanale : ses créations, bien que produites en série, conservent la précision et la chaleur du travail manuel.

Cette approche confère à chaque lampe une valeur décorative et patrimoniale durable, recherchée tant par les amateurs de design vintage que par les collectionneurs internationaux.

Je montre mon luminaire à des commissaires priseurs

Les œuvres et créations emblématiques de Hans-Agne Jakobsson

Parmi ses pièces les plus célèbres, certaines sont devenues de véritables icônes du design scandinave :

  • La suspension T-653 : en lamelles de bois clair, cette création emblématique diffuse une lumière dorée et chaleureuse.

  • Le lampadaire L-97 : une combinaison raffinée de laiton et de verre opalin, typique de la modernité suédoise des années 1960.

  • Les lampes de table B-102 et BN-26 : modèles élégants en laiton poli et abat-jour en tissu plissé, très prisés sur le marché vintage.

  • Les appliques murales Markaryd : réalisées pour les intérieurs nordiques, elles marient la fonctionnalité à une esthétique minimaliste et chaleureuse.

  • Les suspensions en rotin : particulièrement recherchées, elles incarnent l’esprit naturel et organique propre au design des années 1970.

Chacune de ces pièces illustre le dialogue subtil entre la matière et la lumière, signature incontestable de Jakobsson.

Une reconnaissance internationale

Tout au long de sa carrière, Hans-Agne Jakobsson a imposé son style bien au-delà des frontières suédoises. Ses créations ont été éditées par Markaryd, son propre atelier fondé dans le sud de la Suède, et distribuées à travers toute l’Europe. Ses luminaires ont illuminé des hôtels, des bâtiments publics et des résidences privées, devenant synonymes de qualité et de raffinement scandinave. Aujourd’hui, son œuvre connaît un véritable renouveau sur le marché du design vintage. Les amateurs recherchent activement ses lampes pour leur intemporalité et leur capacité à s’intégrer dans tous les styles d’intérieur. Les grandes maisons de ventes aux enchères – Phillips, Christie’s, Bukowskis ou Lauritz – mettent régulièrement à l’honneur ses créations, confirmant la solidité et la progression constante de sa cote.

La cote des œuvres de Hans-Agne Jakobsson sur le marché du design

La valeur des luminaires de Hans-Agne Jakobsson dépend de plusieurs critères : le modèle, la taille, le matériau, l’état de conservation et la rareté. Les pièces originales des années 1950 à 1970, notamment celles portant la signature Markaryd, sont particulièrement recherchées. Quelques ventes marquantes :

  • Suspension en lamelles de bois modèle T-653, vendue 12 500 €

  • Paire d’appliques murales en laiton et verre opalin, adjugée 7 200 €

  • Lampadaire modèle L-97 (vers 1965), vendu 9 000 €

  • Suspension en rotin et cuivre, années 1970, adjugée 5 800 €

Ces résultats confirment l’intérêt croissant des collectionneurs et des décorateurs pour les luminaires originaux de Jakobsson, qui allient élégance intemporelle et excellence artisanale. L’œuvre de Hans-Agne Jakobsson incarne le meilleur du design scandinave : un équilibre parfait entre forme, fonction et émotion. Ses lampes et suspensions sont devenues des objets de collection, prisés pour leur beauté, leur rareté et leur pouvoir d’évocation. Si vous possédez un luminaire signé Hans-Agne Jakobsson, faites appel à Estimon’objet pour une estimation gratuite, rapide et confidentielle. Notre équipe d’experts vous accompagne dans la valorisation et la vente de votre œuvre, que vous soyez collectionneur, héritier ou amateur de design nordique. Faites estimer dès aujourd’hui votre lampe ou suspension de Hans-Agne Jakobsson avec Estimon’objet, le site de référence en expertise en ligne.

(Illus.) Hans-Agne JAKOBSSON (1919-2009) Suite de quatre suspensions modèle T292, circa 1958,

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Félix Agostini

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Estimation et cote de l'artiste Félix Agostini

Né en 1910 à Paris, Félix Agostini est un artiste français autodidacte, particulièrement connu pour sa production de sculpture et de luminaires. Ses créations se distinguent par leur modernisme et leur surréalisme. Découvrez ici l’histoire de Félix Agostini et ses peintures contemporaines emblématiques. Besoin d’une expertise gratuite et en ligne ? C’est sur Estimon’objet !

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Qui est Félix Agostini, designer contemporain

C’est très tôt que Félix Agostini se passionne pour le dessin et s’avère être doué pour la création. Pour autant, l’artiste ne passera pas par de grandes écoles de design, mais forgera sa technique en tant qu’autodidacte. Le designer reçoit l’opportunité de travailler chez l’imprimeur Draeger. A partir de là, Félix Agostini débute sa carrière en tant que dessinateur publicitaire et travaille pour des grands noms comme Peugeot, Chanel, et Thomson. Inspiré par cette expérience, le designer créé son propre atelier de travail dans le 14em arrondissement de Paris et se met à réaliser la plupart de ses œuvres.

C’est dans cet atelier que Félix Agostini produit ses premiers modèles en fer forgé et en céramique. Ses réalisations se concentrent avant tout vers des appliques, des lampadaires, des tables basses avant de s’initier aux techniques du bronze.Durant sa carrière, Félix Agostini travaille en collaboration avec Alberto et Diego Giacometti. Leurs réalisation obtiendront énormément de succès. De plus, durant plusieurs années, l’artiste expose ses œuvres à la galerie Cusin et développe une grande partie de sa clientèle.

Les inspirations artistiques de Félix Agostini

Félix Agostini s’inspire de plusieurs sources d’inspirations, tout au long de sa carrière, telles que les femmes, l’amour, la nature, le ciel ou encore les animaux. Le designer produit ses œuvres d’une traite, dans un élan précis et sans jamais revenir en arrière. Généralement, ses œuvres dépeignent ses émotions et reflète ses rêves. L’artiste était connu pour son don pour le dessin, mais aussi pour son intérêt pour l’abstraction moderniste.

Une des œuvres les plus connues de Félix Agostini est, sans doute, le lampadaire Echassier. Cette œuvre est fortement sentimentale pour l’artiste car il rend hommage aux Giacometti avec lesquels il a déjà travaillé, dans le passé.

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La cote des œuvres de Félix Agostini

La valeur des œuvres de Félix Agostini connaît une hausse croissante depuis 2015 surtout lorsqu’il s’agit de la catégorie luminaire. La côte de l’artiste s’élève aujourd’hui à 67 000€. La France occupe la première place sur le marché de l’art, avec de nombreuses ventes adjugées. Les luminaires composent la quasi-totalité des ventes dont la valeur peut atteindre les 32 000€. C’est le cas avec le modèle Lampadaire Echassier realisé en 1969, composé de plâtre platiné en or, vendu à 32 000€ en 2008 à Paris. Bien que Félix Agostini est exploré plusieurs domaines, le mobilier obtient la seconde place des ventes. Celles-ci peuvent atteindre les 10 000€. La table basse Phoebee de 1964 détient le record, avec une adjudication à 40 000€.

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Félix Agostini, Paire d’appliques, XXe, verre et bronze.

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Estimation gratuite Angelo Lelli

Angelo Lelli – Arredoluce

by Design et Arts décoratifs du XXe siècleLuminaires

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Estimation et cote de l'artiste Angelo Lelli

Découvrez le parcours du designer luminariste Angelo Lelli, fondateur de la maison Arredoluce. Besoin d’une expertise concernant Angelo Lelli ? Contactez l’équipe d’Estimonobjet !

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Angelo Lelli : le sens inné du design.

Angelo Lelli – ou Lelii, autre orthographe possible – semble être né en 1911 à Ancône, en Italie. Mais très vite sa famille vient se fixer dans la ville de Monza, où l’enfant prodige du design commencera son travail de design luminaire dans sa cave, en autodidacte, avant de faire éclore après la seconde guerre mondiale son entreprise Arredoluce, et de devenir avec Gino Sarfatti, Giuseppe Ostuni et Gio Ponti l’un des plus grands noms du design moderne italien. Nous disposons de peu d’informations sur l’enfance et la formation d’Angelo Lelli, mais dans les rares témoignages qui traitent de cette période de jeunesse d’avant-guerre, c’est déjà l’inventivité et l’autonomie du créateur qui émergent, révélant ses aptitudes d’artistes et de futur chef d’entreprise.

1946 : Domus, la revue de Gio Ponti, offre la célébrité à Angelo Lelli.

C’est un autre designer, déjà très célèbre dans les années 1940, qui donne une visibilité précieuse à Angelo Lelli. Gio Ponti, fondateur de la firme Fontana Arte, est aussi le fondateur et le rédacteur en chef de la revue Domus, qui célèbre le design. Ponti a alors cédé la direction de la revue à Ernesto Nathan Rogers mais son influence est encore prépondérante. Les deux professionnels décident d’offrir une tribune dans Domus à Angelo Lelli, dont ils ont remarqué le travail innovant dans le luminaire. Trois designs pensés par Lelli se retrouvent publiés dans Domus, dont la lampe « Tris » en fonte et laiton, et le succès est immédiat. L’année suivante, Angelo Lelli créée son entreprise, Arredoluce.

Estimer mon oeuvre de Angelo Lelli

1947 : Arredoluce, fondation par Angelo Lelli d’une entreprise de luminaires fonctionnalistes vouée au succès.

D’aucuns disent que la firme Arredoluce a été créée à Monza au début de la Seconde Guerre Mondiale, vers 1939. Pour d’autres, c’est en 1943 que l’entreprise aurait vu le jour. La date officielle retenue est pourtant celle de 1947, un an après la publication des trois designs luminaires d’Angelo Lelli dans la revue Domus de Gio Ponti. À partir de ce moment, en tant que chef d’entreprise, Angelo Lelli prend la liberté de créer de très nombreux modèles de luminaires, plafonniers, appliques, lampes, et même de quelques meubles, qu’il va diffuser en Europe grâce à sa firme Arredoluce. 

Parmi les premiers à employer l’ampoule halogène, Angelo Lelli propose un design fonctionnel, aux formes sobres et élégantes, travaillées dans des matériaux chers au design de luminaire des années 1950, dans une gamme allant du laiton au perspex.  

Dès 1948, Lelli participe à la triennale de Milan où il présente son lampadaire à trois bras 12128, réalisé en aluminium et que l’on appellera plus familièrement « Triennale », un modèle aujourd’hui devenu iconique.

L’envol d’Arredoluce et les collaborations prestigieuses : Ettore Sottssas, Gio Ponti et les autres

À partir de 1950, Arredoluce prend son envol. Lelli dessine, et il emploie les meilleurs techniciens italiens pour travailler le métal, le verre, la fonte.  Il se lie aussi aux firmes américaines Prescolite, Lightolier, Altamira, ou Raymor, qui produit sa lampe « Triennale » et la diffuse outre-atlantique. 

Angelo Lelli s’inspire en effet des Etats-Unis où il voyage régulièrement, (et d’où il importe la lampe halogène). Il réalise en l’honneur du pays les lampes dites « stelline » reprenant les étoiles du drapeau américain. 

Parmi ses autres designs iconiques, le plafonnier Stella, composé de nombreuses petites sphères de lumière, aujourd’hui représentatif de son oeuvre et très prisé. De même, le modèle 12755 dit « Honolulu », aujourd’hui phare, ou la lampe dite « cobra » témoignent de l’empreinte indélébile posée sur le design italien par Angelo Lelli. 

Ses multiples succès classent Lelli parmi les plus brillants représentants du design italien, et c’est tout naturellement que beaucoup d’autres grands noms le suivent et s’associent à Arredoluce pour produire de nouveaux luminaires fonctionnalistes. Vico Magistrelli, Fanco Albini, Ettore Sottsass, sans oublier Gio Ponti, son mentor, comptent parmi les collaborateurs occasionnels d’Arredoluce. Nanda Vigo entre très jeune chez Arredoluce, et projettera le dernier showroom d’Arredoluce à Monza.

La brillante fin de carrière d’Angelo Lelli

La diffusion du style Arredoluce ne se limite pas à l’Italie, ni même à l’Europe. Tout le monde se met à passer commande à Angelo Lelli : les Emirats-Arabes-unis, l’Iran de Farah Diba, qui lui commande une fontaine lumineuse de quatre mètres de diamètres. Ses oeuvres apparaissent à Bangkok à Téhéran et lui assurent un succès mondial. Le designer s’éteint en 1979. 

L’estimation des oeuvres d’Angelo Lelli

Les luminaires design d’Angelo Lelli connaissent un regain d’intérêt auprès des collectionneurs depuis une dizaine d’années, faisant croître les estimations des objets d’art d’Arredoluce. Les lampes à pied « Triennale » se vendent en moyenne entre 6000 et 15000 euros pièce, le record ayant été atteint en 2022 à Paris (15 500 euros hors frais). 

en 2022 à Londres, une lampe à pied en verre et laiton estimée 9 000 euros s’est vendue pour 152 700 euros hors frais, témoignant de cette hausse de la cote d’Angelo Lelli. Les plaffoniers Stella, devenus iconiques du design d’Arredoluce, se disputent pour des valeurs estimées entre 30000 et 40 000 euros pièce. Le style imposé par Angelo Lelli a bénéficié d’une redécouverte de la part du public averti et des collectionneurs, et semble bien parti pour réaliser prochainement de nouveaux records d’enchères. 

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Robert Guillerme

Roberto Lazzeroni

Luciano Bertoncini

Renato Zevi

Vico Magistretti

Massimo Scolari

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Estimation gratuite Serge Mouille

Serge Mouille

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Estimation et cote de l'artiste Serge Mouille

Serge Mouille est un artiste français spécialisé dans les luminaires, né à Paris en 1922. Il entre à treize ans à l’École des Arts Appliqués, à Paris et s’y spécialise en orfèvrerie et travail du métal. Après avoir travaillé quelques années auprès de Gabriel Lacroix, il ouvre son propre atelier en 1945.

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Serge Mouille ou l'art de créer des luminaires d'exception

Sa rencontre avec Jacques Adnet, directeur de la Compagnie des Arts Français, marque un tournant dans sa vie : en 1951, celui-ci lui demande de concevoir un « grand luminaire » pour sa clientèle Sud-Américaine. Il crée alors le Lampadaire trois bras, l’un de ses premiers modèles. Dès 1953, il commence ses recherches sur la fabrication artisanale de luminaires à plus grande échelle, tout en occupant le poste de directeur de l’atelier d’orfèvrerie de l’École des Arts Appliqués. En 1955, il est élu au sein de la Société des Artistes Décorateurs.

L’année suivante, Steph Simon ouvre une galerie de design boulevard Saint-Germain. Y sont exposées les créations d’artistes contemporains tels que Jean Prouvé ou Charlotte Perriand. La galerie accueille également les travaux de Serge Mouille en exclusivité, permettant le début d’une diffusion plus large de sa production. En parallèle, il se voit commander les luminaires des réfectoires et espaces verts de la Cité Universitaire d’Antony, ou encore les luminaires du paquebot transatlantique France.

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Les oeuvres et la cote de Serge Mouille sur le marché de l'art

En 1962, Serge Mouille choisit de suivre une ligne radicalement opposée : du luminaire monochrome, il passe à l’imagination de la série des colonnes lumineuses utilisant le tube fluorescent, une nouveauté pour l’époque. Les deux séries sont alors si différentes que l’on peut penser qu’elles relèvent de deux artistes différents. Cette série fluorescente est moins bien reçue par le public et son succès est mitigé.

Il arrête alors sa production de luminaires en 1963. Vingt ans plus tard, il rencontre Alan Grizot, re-découvreur des maîtres du design français de l’après-guerre. Ce dernier devient son marchand et organise une première exposition à Paris, suivie d’une exposition en 1985 à New-York, Serge Mouille / Jean Prouvé, deux maîtres du métal.

Serge Mouille meurt en décembre 1988. Aujourd’hui, ses paires d’appliques monochromes en acier laqué atteignent une côte de 5 000 euros environ, tandis que ses suspensions à trois bras atteignent souvent une estimation de 20 000 euros. La vente la plus onéreuse est le Luminaire Gratte-ciel, produit en 1962. Ce dernier a été adjugé 190 000 euros en octobre 2016. Le Lampadaire trois bras, l’une de ses toutes premières créations en 1952, a atteint le montant de 128 000 euros en décembre 2020.

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Estimation gratuite Serge MANZON

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Estimation Serge Manzon, styliste de mode, créateur de meubles et d'objets de design

Né en 1930 et décédé en 1998, Serge Manzon a d’abord été styliste de mode, en créant des bijoux et des accessoires. Progressivement, il s’oriente vers la création de meubles et d’objets de design. Il cherche à créer des objets qui, tout en étant structurés, dépassent la standardisation imposée par la modernité.
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Serge Manzon et ses lampes signatures

Perfectionniste, il privilégie toujours la qualité, au détriment du coût de fabrication. Son travail est tant remarqué que certains de ses meubles sont édités par le Mobilier National ou par la galerie de Pierre Cardin.Le travail de Serge Manzon est particulièrement connu pour ses lampes. De formes complexes et très structurées, ses lampes sont à l’image de véritables sculptures. Sa lampe Demi-lune, par exemple, est une lampe de table qui a été dessinée par Pierre Cardin. En laiton, elle est constituée de trois parties d’une sphère décomposée : le pied de la lampe est composé d’une des parties de la sphère et la lampe qui est constituée de la sphère dont on a découpé un tiers. Cette lampe donne de la lumière par son ampoule mais reflète aussi la lumière alentour par sa matière. Le designer aime jouer dans ses créations sur l’alternance entre donner et recevoir la lumière. L’une de ses autres œuvres très célèbres est un lampadaire en forme de balancier tout en apesanteur. La tête du lampadaire est de couleur blanche rappelant encore ce jeu double sur la lumière.

Estimation de mobilier à l'inspiration cubique

Serge Manzon a également réalisé de nombreuses tables en métal doré ou argenté. Le travail sur la réverbération de la lumière naturellement présente dans l’espace où se trouve la table est le même que pour les lampes. En U renversé, les pieds de table enserrent le plateau de table de couleur vive, tel le rouge vermillon.Finalement, le travail de décomposition des formes de Serge Manzon n’est pas sans rappeler le premier cubisme de Picasso et de Braque et leur recherche de décomposition de la forme. Par exemple, son travail peut prendre la forme d’une sphère découpée en morceaux, lesquels sont juxtaposés pour former une lampe. Il y a sans cesse la recherche d’un équilibre de la sphère et de la ligne, selon un savant mélange dont lui seul connaît le secret. En 1978 il dessine un prototype de secrétaire en poirier, polyester, laqué, aluminium, laiton et cuivre pour le Mobilier National. Ce secrétaire repose sur une base cylindrique rouge sur lequel se trouve une sphère en laiton doré au-dessus de laquelle a été ajoutée une demi sphère découpée. La partie extérieure est donc arrondie tandis que la partie intérieure abrite un quart de cercle pivotant qui sert de secrétaire. Ce prototype exprime tout l’art de Manzon : faire cohabiter les formes et les matières les plus différentes, le bois et le métal, la couleur brute ou la couleur vive, dans un même objet.Sa cote actuelle est d’environ 5 000 euros pour des luminaires de table. Une de ses réalisations, Lampe de bureau de forme géométrique, réalisée dans les années 1980 en bois laqué et disque laiton, mesurant 55 centimètres, a été adjugée 4 800 euros lors d’une vente aux enchères qui s’est tenue en juin 2020.
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En lien avec Serge Manzon

Pierre Dariel

André Dubreuil

Pierre Chareau

François-Xavier Lalanne

Joaquim Tenreiro

Alexandre Noll

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