Estimation gratuite Pierre Chapo

Pierre Chapo

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Estimation et cote du mobilier de Pierre Chapo

Pierre Chapo (1927-1987) est un designer et ébéniste français connu pour son mobilier architectural en bois massif. Ses tables monumentales, ses sièges et ses bibliothèques associent des lignes modernes aux techniques traditionnelles d’assemblage.

Principalement réalisés en orme massif, ses meubles se distinguent par leurs volumes puissants, leurs assemblages apparents et la place accordée au veinage naturel du bois. Les pièces anciennes produites du vivant de Pierre Chapo sont aujourd’hui recherchées par les collectionneurs de design français du XXe siècle.

Vous possédez une table, un fauteuil ou une bibliothèque attribuée à Pierre Chapo ? Nos experts vous accompagnent pour identifier son modèle, déterminer sa période de fabrication et estimer sa valeur.

Estimation gratuite Pierre Chapo

Prix des œuvres de Pierre Chapo

  • Tables et tables de salle à manger : de 2 000 à plus de 50 000 euros

  • Tables basses et bureaux : de 1 000 à plus de 35 000 euros

  • Chaises, fauteuils et tabourets : de 500 à plus de 15 000 euros

  • Bibliothèques, commodes et buffets : de 1 000 à plus de 30 000 euros

  • Lits et banquettes : de 2 000 à plus de 35 000 euros

Pour obtenir une première estimation, transmettez-nous : des photographies du meuble dans son ensemble ; des vues de face, de profil et du revers ; une photographie du dessous du plateau ou de l’assise ; des photographies des assemblages ; les dimensions exactes ; l’essence de bois présumée ; les marques, signatures, étiquettes et numéros visibles ; les factures et documents de provenance ; des photographies des accidents ou restaurations  et toute information concernant la date et le lieu d’acquisition.

Pour une table, photographiez le piètement, la traverse et la tranche du plateau. Pour une chaise ou un fauteuil, ajoutez des vues du dessous de l’assise et des assemblages entre le dossier, les pieds et les montants. Notre équipe étudie ces éléments de manière confidentielle afin d’identifier le modèle, la période probable de production et son positionnement sur le marché.

La cote de Pierre Chapo sur le marché du design

La cote de Pierre Chapo connaît une progression importante depuis plusieurs années. Son mobilier attire une clientèle internationale sensible au design français d’après-guerre, à la qualité des matériaux et aux productions artisanales.

Les créations anciennes en orme massif occupent la place la plus recherchée. Les modèles emblématiques comme les tables T14, T20, T21 et T22, les fauteuils S10 et S15, les chaises S24 et S45, ainsi que les bibliothèques B10, B17 et B18, bénéficient d’une demande régulière.

La valeur dépend toutefois de la période de fabrication. Une pièce ancienne produite dans les ateliers de Clamart ou de Gordes peut présenter une valeur supérieure à celle d’une édition postérieure.

Prix des tables et tables basses de Pierre Chapo

Les tables de Pierre Chapo figurent parmi ses créations les plus recherchées. Elles se caractérisent par des plateaux épais, des piètements sculpturaux et des assemblages qui participent pleinement au dessin du meuble.

La table T14, conçue en 1964, reprend le principe de la table monastère avec un plateau rectangulaire et deux pieds massifs reliés par une traverse. La T20, créée en 1972, se distingue par son format monumental et ses extrémités arrondies.

La table T21, aussi appelée « Sfax », possède un plateau circulaire ou ovale selon les variantes. La table basse T22, dite « L’Œil », se compose de deux éléments courbes qui peuvent être assemblés de différentes manières. Parmi les résultats observés :

  • une grande table T20 en orme massif a été adjugée environ 53 000 euros à Paris en 2019 ;
  • un autre exemplaire de la table T20 a atteint 75 000 dollars aux États-Unis ;
  • un ensemble composé d’une table T21D et de quatre bancs S38 a obtenu 22 680 dollars ;
  • une table T14 a été vendue 16 900 dollars aux États-Unis ;
  • des tables basses de Pierre Chapo ont dépassé 30 000 euros pour les modèles anciens les plus recherchés.

Les dimensions influencent fortement l’estimation. Une table T20 de près de trois mètres présente une valeur supérieure à une variante plus petite, sous réserve de son état et de sa période.

Prix des chaises, fauteuils et tabourets de Pierre Chapo

Les sièges de Pierre Chapo associent une construction robuste à une recherche ergonomique. Certains modèles reprennent des principes anciens de menuiserie, tandis que d’autres adoptent des formes plus libres.

Le fauteuil S10, dit « Sahara », associe une structure en bois massif à une assise et un dossier en cuir. Le fauteuil S15 se distingue également par son cuir tendu et son dessin particulièrement architectural.

Les chaises S11, S24, S34 et S45 sont recherchées seules ou en série. La présence d’un ensemble homogène augmente souvent la valeur globale. À titre indicatif :

  • un fauteuil S10 ancien peut être estimé entre 3 000 et 8 000 euros ;
  • une paire de fauteuils S10 peut dépasser 10 000 euros ;
  • une paire de fauteuils S15 a été vendue environ 5 700 dollars ;
  • une chaise S46 de la série Chlacc a atteint près de 7 000 dollars ;
  • un ensemble de huit chaises S11 a été adjugé environ 6 600 euros ;
  • les tabourets S01 et S31 se situent généralement entre 500 et 2 000 euros par pièce.

L’état du cuir, la stabilité de la structure et la présence de pièces remplacées doivent être pris en compte. Un cuir ancien patiné peut être préférable à un remplacement récent, même si l’assise présente des marques d’usage.

Prix des bibliothèques, buffets et rangements de Pierre Chapo

Pierre Chapo conçoit plusieurs systèmes de rangement modulables. Ses bibliothèques reposent sur une structure lisible et sur des assemblages qui évitent souvent les fixations métalliques visibles.

La bibliothèque murale B17, créée en 1967, se compose de montants et de tablettes épaisses. Le modèle B18 adopte une structure pivotante. Les séries B10 et GO permettent de composer différents ensembles de rangement. Parmi les résultats observés :

  • une bibliothèque pivotante B18 en orme a dépassé 25 000 euros en 2017 ;
  • une bibliothèque murale B17 a été vendue environ 7 600 euros ;
  • un grand buffet R16 a atteint 13 500 euros ;
  • un buffet R08 a obtenu environ 6 600 euros ;
  • les petites commodes et caissons se situent généralement entre 1 000 et 10 000 euros selon leur modèle et leur état.

Pour une bibliothèque modulable, il faut vérifier que l’ensemble est complet. L’absence d’une tablette, d’un montant ou d’un système de fixation peut réduire sensiblement sa valeur.

Prix des lits et banquettes de Pierre Chapo

Pierre Chapo crée plusieurs lits et banquettes qui associent modularité et simplicité de construction. Le lit L01, surnommé « Godot », compte parmi ses premières créations. Il aurait été conçu à la suite d’une commande de Samuel Beckett. Le lit-banquette L07, créé en 1963, se transforme grâce à deux structures à lattes qui coulissent l’une dans l’autre.

Les lits et banquettes peuvent se négocier entre quelques milliers et plus de 30 000 euros. Les premières éditions, les grands modèles et les exemplaires complets avec leurs éléments d’origine sont les plus recherchés.

L’état des lattes, des assemblages et du sommier doit être examiné avec attention. Les matelas remplacés n’ont généralement pas d’incidence importante, contrairement à la modification de la structure en bois.

Comment reconnaître un meuble de Pierre Chapo ?

Le mobilier de Pierre Chapo repose sur trois principes essentiels : la matière, la construction et la fonction. Plusieurs caractéristiques peuvent orienter l’examen :

  • l’utilisation fréquente de l’orme massif ;
  • des plateaux et montants particulièrement épais ;
  • un veinage du bois laissé visible ;
  • des assemblages traditionnels apparents ;
  • des chevilles et tenons intégrés au dessin ;
  • des lignes géométriques simples ;
  • des pieds cylindriques ou légèrement inclinés ;
  • l’absence fréquente de visserie métallique visible ;
  • une finition à l’huile qui conserve l’aspect naturel du bois ;
  • une construction robuste sans élément purement décoratif.

Les meubles anciens présentent souvent une patine naturelle, des variations de teinte et de petites traces d’usage. Ces marques peuvent être cohérentes avec leur âge et ne doivent pas être effacées avant une expertise.

Les dimensions permettent aussi d’identifier le modèle et sa variante. Une table T14, par exemple, existe dans plusieurs longueurs. Une mesure précise du plateau, de son épaisseur et de son piètement est donc indispensable.

Comment reconnaître l’orme utilisé par Pierre Chapo ?

L’orme constitue l’essence de bois la plus emblématique de Pierre Chapo. Il se reconnaît généralement à son veinage marqué, vivant et parfois irrégulier.

Sa teinte peut varier du blond miel au brun plus soutenu selon l’âge, l’exposition à la lumière et les produits appliqués. Le bois présente souvent des lignes sinueuses et des contrastes prononcés.

Pierre Chapo utilise également le chêne, le frêne et, plus rarement, d’autres essences. La seule présence d’orme ne permet donc pas d’attribuer un meuble au designer.

Une imitation récente peut employer la même essence sans respecter les dimensions, les assemblages et les proportions du modèle d’origine.

Comment reconnaître la signature de Pierre Chapo ?

Le mobilier ancien de Pierre Chapo n’est pas systématiquement signé. Certains meubles ne portent aucune marque, tandis que d’autres peuvent présenter une signature manuscrite, une estampille, une étiquette ou un marquage lié à l’atelier. Selon la période, il est possible d’observer :

  • une signature « Chapo » ;
  • une marque ou une étiquette d’atelier ;
  • un numéro de modèle ;
  • une inscription manuscrite ;
  • un marquage plus récent de Chapo Création.

L’absence de signature n’exclut donc pas une attribution à Pierre Chapo. À l’inverse, la présence d’une marque ne permet pas toujours de déterminer si le meuble est ancien ou issu d’une production postérieure. L’analyse doit confronter :

  • la marque ou l’étiquette ;
  • les dimensions ;
  • l’essence de bois ;
  • les assemblages ;
  • le modèle ;
  • la patine ;
  • la provenance ;
  • la date supposée de fabrication.
Mobilier Pierre Chapo
Etagere Pierre Chapo

Meuble ancien ou édition récente : quelle différence ?

Plusieurs modèles de Pierre Chapo sont encore fabriqués aujourd’hui par Chapo Création, dans le respect de ses dessins et de ses principes de construction.

Ces productions sont légitimes, mais elles ne doivent pas être présentées comme des meubles fabriqués du vivant du designer. Leur valeur diffère de celle des exemplaires anciens des années 1960, 1970 ou 1980.Pour distinguer les périodes, l’expert examine :

  • les marquages ;
  • la patine et l’oxydation naturelle du bois ;
  • le type d’outillage visible ;
  • les dimensions du modèle ;
  • la finition ;
  • la provenance ;
  • les factures ;
  • la cohérence des assemblages ;
  • les modifications apportées au fil du temps.

Une facture ancienne ou un historique d’acquisition peut être déterminant.

Que regarde notre expert sur un meuble de Pierre Chapo ?

Lors d’une demande d’estimation, Romain Coulet, expert en Design et en Arts décoratifs du XXè, et notre équipe examinent le meuble dans sa globalité. L’analyse porte notamment sur :

  • le modèle et sa référence ;
  • la période de fabrication ;
  • les dimensions exactes ;
  • l’essence et la qualité du bois ;
  • l’épaisseur des plateaux ;
  • la forme du piètement ;
  • les techniques d’assemblage ;
  • les marques et étiquettes ;
  • la patine ;
  • les restaurations ;
  • les éléments remplacés ;
  • la stabilité de la structure ;
  • la provenance et les factures ;
  • les résultats obtenus par des modèles comparables.

Pour les sièges, nous contrôlons également le cuir, les sangles, les coutures et les fixations. Pour les bibliothèques et les meubles modulables, nous vérifions que les différents éléments sont complets et correspondent au même ensemble. Cette analyse permet de distinguer une pièce ancienne, une édition postérieure, un meuble attribué à Pierre Chapo ou une création simplement réalisée dans son style.

Qui était Pierre Chapo ?

Pierre Chapo naît à Paris en 1927 dans une famille d’artisans. Il envisage d’abord une carrière de peintre, mais sa rencontre avec un charpentier de marine en 1947 lui fait découvrir le travail du bois. Il étudie ensuite l’architecture à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris et voyage en Scandinavie, en Amérique centrale et aux États-Unis.

En 1958, Pierre Chapo et son épouse, la peintre et sculptrice Nicole Lormier, ouvrent une galerie boulevard de l’Hôpital à Paris. Il y présente ses propres meubles ainsi que les créations d’autres artistes et artisans. Ses premières réalisations comprennent le lit L01, la table T01 et le tabouret S01. Il développe progressivement un catalogue de plus de cent modèles.

À partir de la fin des années 1960, la famille s’installe à Gordes, en Provence, où Pierre Chapo poursuit la création et la fabrication de son mobilier. Les tables T21 et T22, les chaises de la série Chlacc et les systèmes de rangement GO comptent parmi ses créations importantes des années 1970. Pierre Chapo meurt en 1987. Sa famille poursuit aujourd’hui la production de plusieurs modèles d’après ses dessins.

Ne poncez pas et ne revernissez pas un meuble avant son expertise. Une patine ancienne, même irrégulière, peut apporter des informations sur sa période de fabrication. Un ponçage trop important peut modifier les proportions, effacer une marque et réduire sa valeur.

Conservez également les éléments remplacés, les rallonges, les tablettes et les anciennes pièces de fixation. Un ensemble complet bénéficie généralement d’une meilleure estimation.

Avant de déplacer un grand meuble, photographiez le dessous, les assemblages et les éventuelles inscriptions. Ces zones deviennent parfois difficiles d’accès une fois la pièce transportée.

Vous souhaitez connaître la cote d’une table, d’un fauteuil ou d’une bibliothèque de Pierre Chapo ? Envoyez-nous vos photographies et les informations dont vous disposez. Vous recevrez un premier avis confidentiel sur la valeur du meuble, sa période probable et les démarches à envisager.

En lien avec Pierre Chapo

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.

Les ventes rendues possibles par Estimonobjet — Design

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Pierre JEANNERET (1896-1967) Rare bibliothèque Teck, placage de teck, verre, fer, aluminium Portant l’inscription books for sale, en haut du meuble 18

💰 Adjudication :
68 000 €

🔎 Estimation :
70 000 € - 90 000 €

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Sheila HICKS (1934) Sans titre, circa 1976 Tapisserie en coton et lin montée sur un châssis bois Signée Sheila Hicks et située Paris sur l’envers ains

💰 Adjudication :
67 000 €

🔎 Estimation :
20 000 € - 30 000 €

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Pierre JEANNERET (1896-1967) Table éclairante dite Library table Teck, placage de teck, tôle de métal, verre 112 x 247 x 125 cm. Circa 1963 Illuminat

💰 Adjudication :
57 000 €

🔎 Estimation :
60 000 € - 80 000 €

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Ado CHALE (1928) Table dite Goutte d’eau Bronze, métal
Signée
43 x 150 x 75.5 cm. Circa 1970 Goutte d’eau low table Bronze, painted steel 16.93 x 59

💰 Adjudication :
46 000 €

🔎 Estimation :
30 000 € - 40 000 €

Estimation gratuite Gerrit Rietveld

Gerrit Rietveld

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Estimation et cote de l'artiste Gerrit Rietveld

Gerrit Thomas Rietveld (1884 –1964), artiste néerlandais, est un exemple unique de designer devenu architecte. Il joue un rôle déterminant dans la création de l’esthétique moderne, notamment à travers son implication au sein de De Stijl.

Estimation gratuite Gerrit Rietveld

Vous souhaitez  expertiser une œuvre de Gerrit Rietveld et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire. Faites estimer une œuvre de Gerrit Rietveld en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

La formation de designer

Gerrit Rietveld se forme au travail du mobilier dès l’âge de 12 ans, dans l’atelier de son père. Il suit un enseignement de dessin et d’ornementation à la Kunstindustrieel Onderwijs du Museum van Kunstnijverheid d’Utrecht (1904-1908). L’intérêt de Gerrit Rietveld s’étend progressivement vers les arts appliqués.

Après avoir travaillé comme dessinateur pour C. J. Begeer, bijoutier d’Utrecht (1906-1911), Gerrit Rietveld installe un atelier de meubles à Utrecht (1917). Il cherche alors à simplifier la fabrication des meubles pour les rendre plus accessibles au plus grand nombre.

Artiste de De Stijl

Gerrit Rietveld s’investit auprès de De Stijl en 1919, et collabore avec le journal jusqu’en 1931. Ce contact lui permet d’exposer régulièrement à l’étranger.

C’est la chaise en bois qu’il dessine en 1918 qui assure à Gerrit Rietveld une renommée internationale. Sa structure, composée de plans horizontaux et verticaux rectilignes, brouille les volumes de la chaise, et introduit l’idée que le meuble flotte dans l’espace. La chaise est éditée à plusieurs reprises, et en 1923, sur les conseils de Bart van der Leck, Gerrit Rietveld applique une laque brillante de couleur primaire sur la chaise. La chaise Rouge et bleue lui assure une réputation auprès de l’Avant-garde.

Gerrit Rietveld poursuit l’expérience, en appliquant des couleurs primaires en combinaison de blanc, noir et gris, sur ses architectures et mobilier. Il considère que la couleur doit être subordonnée au dessin du meuble, et le mettre en valeur.

Ses œuvres sont présentées à l’exposition de 1923 Les Architectes du groupe ‘de Stijl’ (Hollande) à Paris à la Galerie de l’Effort Moderne, et suscitent l’engouement du public.

A partir de 1920, Gerrit Rietveld réalise également des aménagements intérieurs. Le cabinet du Dr Hartog, à Maarssen près d’Ultrecht constitue sa première réalisation architecturale.

A cette période, Gerrit Rietveld manifeste un fort intérêt pour la typographie. Il réalise ses propres caractères, qu’il applique sur les façades de ses bâtiments, et reçoit également des commandes de la part de magazines comme De Gemeenschap et Nieuw Rusland.

Gerrit Rietveld, l’architecte

C’est en 1924 que Gerrit Rietveld bascule véritablement à l’architecture. Avec la Maison Schröder, construite dans la banlieue d’Utrecht en collaboration avec madame Truus Schröder-Schräder, l’artiste produit un véritable manifeste architectural de De Stijl. Tout comme dans ses meubles, il brouille la limite entre l’espace intérieur et extérieur, et affirme la structure en rendant évident le système de construction. La maison présente des surfaces planes de tailles variables, aux couleurs primaires, combinées à la verticale et à l’horizontale.

Par la suite, Gerrit Rietveld se rattache au fonctionnalisme. Il participe à ce titre au Congrès Internationaux d’Architecture Moderne. Il se concentre alors dans les années 1930 sur la conception de meubles et d’architectures réplicables en série. L’artiste mène des expérimentations sur les chaises pouvant être faites d’une pièce (1927-1942), et sur des projets d’habitats modulaires dont tous les éléments essentiels – cuisine, toilettes et douche – pourraient être produits en série (1929-1958).
Après des critiques initiales portant sur son manque de connaissances dans les techniques de construction, Gerrit Rietveld obtient finalement de grandes commandes à partir des années 1950. Après les immeubles d’habitation, les magasins et les maisons privées, l’architecte réalise des espaces d’expositions. Le pavillon néerlandais pour la Biennale de Venise (1954), et celui qu’il dessine pour l’exposition temporaire pour l’exposition Sonsbeek à Arnhem (1954) se caractérisent par le fait qu’il définit l’espace sans pour autant l’enserrer. Gerrit Rietveld continue de brouiller la limite entre l’espace interne et externe, mais désormais par de larges surfaces vitrées.

En 1961, Gerrit Rietveld établit un partenariat avec les architectes Johan van Dillen et J. van Tricht pour pouvoir mener ses projets de grande ampleur. La dernière commande de Gerrit Rietveld est celle du Rijksmuseum Vincent van Gogh (1963-1973) à Amsterdam, mais il meurt avant que les plans ne soient achevés.

La cote des œuvres de Gerrit Rietveld

L’indice des prix des œuvres de Gerrit Rietveld s’est stabilisé après l’envolée de 2006-2007. Conçus pour être produits à grande échelle, nombre de ses meubles sont encore en circulation sur le marché de l’art. Les pièces les plus simples s’acquièrent pour 1 000 à 5 000 €, mais les prix atteignent régulièrement les 50 000 €. Le record des ventes est aujourd’hui détenu par un fauteuil d’aluminium (v. 1960/1962), exemplaire rare dans la production du designer (vendu 312 273 € (390 000 $ ) à New York en 2012).

Gerrit Rietveld, chaise Rouge et bleue (version colorée de 1923).

En lien avec Gerrit Rietveld

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

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Estimation gratuite Marcel Breuer

Marcel Breuer

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Estimation et cote de l'artiste Marcel Breuer

Marcel Breuer (1902-1981), dessinateur de meubles et architecte d’origine hongroise, s’inscrit dans le mouvement du fonctionnalisme. Il a révolutionné le design et l’architecture par son implication dans De Stijl et le Bauhaus.

Estimation gratuite Marcel Breuer

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Marcel Breuer, concepteur de mobilier

Marcel Breuer débute sa carrière comme concepteur de meubles et architecte. Il étudie brièvement à l’Akademie der Bildenden Künste de Vienne en 1920, mais la quitte presque immédiatement car il est intégré au Bauhaus de Weimar, sur recommandation de l’architecte hongrois Fred Forbat.

Au sein du Bauhaus, Marcel Breuer rejoint l’atelier de menuiserie. S’inspirant à la fois du Constructivisme et des cultures extra-européennes, il crée des meubles qui se détournent des formes traditionnelles, envisagées comme des symboles de la vie bourgeoise. Sa chaise Africaine (1921) compte parmi ses premières créations.
Après sa rencontre avec Theo Van Doesburg à Weimar en 1921-1922, Marcel Breuer adopte l’esthétique de De Stijl. Influencé par la chaise bleue et rouge de Gerrit Rietveld (1923), Marcel Breuer cherche à mettre en valeur la structure de ses chaises.

Afin de rendre ses créations moins onéreuses, Marcel Breuer privilégie le contreplaqué à partir de 1923.

Après un séjour à Paris en tant qu’architecte, il rejoint le Bauhaus de Dessau en 1925 en tant que « Jungmeister » (chef d’atelier). Ce poste lui permet de mener des expériences. A partir de 1925, Marcel Breuer affirme un rejet de l’ornement et du formalisme. Il met au point la chaise tubulaire la même année. Inspiré par la légèreté de la bicyclette, il crée une première chaise tubulaire, intitulée Wassily. L’emploi du tube métallique est un apport révolutionnaire pour l’histoire du mobilier. Marcel Breuer réalise par la suite la chaise d’appoint « traineau », et la chaise d’appoint en porte-à-faux.

A partir de 1927, Marcel Breuer crée sa propre société, Standard-Möbel, qui est racheté en avril 1929 par le fabricant Thonet. Cette entreprise lui permet de fabriquer en série et commercialiser ses premiers projets en tubes d’acier. Marcel Breuer propose alors une gamme de meubles modulaires, qui peuvent être assemblés selon les besoins. Son meuble le plus connu est la chaise B32 (1928) en acier chromé, bois et rotin.

Marcel Breuer, architecte

Lorsque le Bauhaus passe sous la direction de Hannes Meyer, Marcel Breuer quitte le Bauhaus. Il suit Walter Gropius à Berlin, et travaille au sein de son bureau d’architecture de 1928 à 1931. Il s’occupe principalement d’aménagement intérieur de maisons et d’espaces d’expositions.

Ses projets sont d’abord d’inspiration américaine, comme le plan de circulation à plusieurs niveaux pour la Potsdamer Platz de 1928, repris d’une chaine de montage américaine. Par la suite, Marcel Breuer connait une période constructiviste, dont témoigne le projet du théâtre Khar’kov (1931). Enfin, il adopte le purisme corbuséen. La maison Harnismacher (1932) à Wiesbaden est sa première construction neuve, dans un style corbuséen.

Marcel Breuer continue à concevoir des meubles. En 1932, il développe son premier meuble en aluminium, produit en série par la firme suisse Embru à partir de 1934. Cette création, qui se distingue par sa légèreté et sa flexibilité, lui vaut de remporter le concours international de l’aluminium à Paris en 1933.

Marcel Breuer dans les pays anglo-saxons

A la suite de Walter Gropius, Marcel Breuer se rend en Angleterre puis aux Etats-Unis, ce qui contribue à diffuser le fonctionnalisme dans les pays anglo-saxons.
En octobre 1935, Marcel Breuer suit Walter Gropius en Angleterre. Sur ses recommandations, il réalise une version en contreplaqué de sa chaise longue en aluminium pour la société Isokon de Jack Pritchard. Cette dernière est aujourd’hui considérée comme l’un des premiers exemplaires de design biomorphique.

Walter Gropius et Marcel Breuer sont ensuite conviés à Harvard et à Cambridge, en tant que professeurs d’université, en 1937. Ensemble, ils fondent un bureau d’architecture, consacré aux maisons unifamiliales. Le cabinet est cependant dissout dès 1941.

A l’issue de la guerre, Marcel Breuer quitte l’enseignement, et déménage à New York en 1946, où il ouvre un cabinet personnel d’architecture. Son bâtiment le plus renommé est le siège de l’UNESCO en forme de Y (1952-1958) à Paris, créé en collaboration avec Pier Luigi Nervi et Bernard Zehrfuss.

A cette période, Marcel Breuer élabore son style architectural personnel, en employant le béton de manière sculpturale. Il applique cette esthétique sur le Whitney Museum of American Art, à New York, en prenant en compte les exigences de conservation des œuvres d’art.

Marcel Breuer se retire de la vie professionnelle pour raisons de santé en 1976, et meurt à New York en 1981.

La cote des œuvres de Marcel Breuer

Artiste polyvalent, Daniel Buren a exploré les différents médiums et s’est essayé à de nombreuses matières. Dessins, objets, estampes, sculptures ou encore peintures : ce sont là tous les travaux qu’il laisse derrière lui, car plus l’artiste a progressé dans sa démarche artistique, et plus ses œuvres sont devenues éphémères au fil du temps. Ces pièces rares peuvent être accessibles comme être particulièrement prisées des collectionneurs, notamment en ce qui concerne ses peintures et ses sculptures. L’estimation d’une peinture de Daniel Buren varie entre 469€ et 1 338 825€. À titre d’exemple, une Peinture aux formes variables de 1966 est estimée entre 400 000€ et 600 000€. Quant aux sculptures, le modèle sur bois Barre haute de 2001 s’est vendu à 8900€, mais son Cadre décadré – 04 a4, lui, est estimé entre 35 000€ et 45 000€.

Marcel Breuer, Chaise B3

En lien avec Marcel Breuer

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Estimation gratuite Isamu kenmochi

Isamu Kenmochi

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Estimation et cote de l'artiste Isamu Kenmochi

Né en 1912 et décédé en 1971, Isamu Kenmochi est un designer moderniste japonais, grand représentant du design industriel japonais. Il étudie à la Haute école des arts industriels de Tokyo avant de travailler à l’institut de recherche pour les arts industriels dans cette même ville.

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Tout savoir sur Isamu Kenmochi

Le design industriel japonais se caractérise d’abord par des œuvres qui sont à la fois esthétiques, utiles et discrètes. Il se réfère en même temps aux principes hérités de la culture traditionnelle japonaise à savoir l’élégance, la sensibilité, l’harmonie ou la sensorialité. Il s’agit finalement d’allier le beau à l’utile.

Kenmochi travaille de concert avec Isamu Noguchi à partir de 1950. Ce dernier a d’abord débuté sa carrière dans l’atelier du sculpteur Brancusi à Paris. Les deux designers sont les pionniers d’un design japonais moderne où il s’agit d’intégrer les matériaux des arts ancestraux japonais aux nouvelles créations. Cela se traduit par exemple par l’usage de l’osier tressé dans la réalisation de fauteuils. Ce principe est illustré dans le Round Rattan Chair de 1960. Ce fauteuil tout en rondeur se veut très minimaliste, car les lignes sont réduites à l’essentiel. Il s’inscrit ainsi dans la veine moderniste. Dans d’autres œuvres, l’artiste mêle l’osier à des matériaux typiques du design industriel, comme le métal. La Bamboo Basket Chair ou Chaise panier en bambou réalisée en 1950 par Kenmochi et Noguichi est emblématique de ce design.

Après avoir visité les États-Unis où il se renseigne davantage sur les recherches en matière de design industriel, Kenmochi devient l’un des membres fondateurs de l’Association des designers industriels japonais, en 1952. Cette association permet à plusieurs designers japonais d’approfondir leurs recherches à propos du design industriel et de son adaptation aux matériaux traditionnels japonais comme le bambou par exemple.

Estimation gratuite Isamu Kenmochi

Le design de Kenmochi rencontre encore aujourd’hui un grand succès visible dans le domaine du marché de l’art. En effet, rien qu’en 2021, de nombreuses ventes de mobilier signé par Kenmochi ont eu lieu à travers le monde. La côte du designer est actuellement d’environ 3 000 euros pour ce qui concerne des lots de deux à trois fauteuils en bois dont la hauteur est de 75 centimètres. Un lot de fauteuils dits Haco, en bois, et mesurant 76 centimètres de haut a été adjugé pour 3 600 euros en mars 2021.

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Estimation gratuite Alessandro Mendini

Alessandro Mendini

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Estimation et cote de l'artiste Alessandro Mendini

Né en 1931 à Milan, Alessandro Mendini est un designer et théoricien du design italien. Il étudie à l’École Polytechnique de Milan où il achève son doctorat en 1959. Il devient en parallèle rédacteur en chef de la revue Casabella – une revue d’architecture qui est une référence à l’époque -, puis fonde la revue Modo – qui est fondée en 1977 et est consacrée au design. Il se distingue par sa volonté d’introduire une nouvelle pratique du design : le « redesign ».

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Design: passion d'Alessandro Mendini

Il s’agit en effet de reprendre des œuvres phares du design, tel le Fauteuil Wassily de Marcel Breuer (1925-1926) et de les détourner en y apportant des motifs appliqués sur le cuir par collage.

Il agit de même avec la chaise Supperleggera de Gio Ponti (1891-1979) sur laquelle il appose des insignes. C’est par des réalisations de ce type qu’il devient le théoricien et designer majeur du Studio Alchimia, un groupe d’avant-garde post-radical fondé à Milan en 1976 par Alessandro et Adriana Guerriero. Ce groupe a pour but de “matérialiser la chose non existante”. Alessandro Mendini cherche dans son travail à remettre en question la discipline du design, qui ne peut véritablement s’accomplir sans se libérer du poids du passé et des réalisations antérieures. Avec le “redesign”, il cherche à prouver que « le sens et la valeur d’un objet peut tenir exclusivement à la décoration qu’on y applique[1] ».

En parallèle, Mendini défend également le « design banal » afin de pallier le constat d’un « vide culturel et intellectuel du design de masse des sociétés industrielles[2] ». Par ce concept de “design banal” il cherche à mettre en avant la valeur des ornements de façade qu’on retrouve sur les objets du design. C’est dans ce but qu’il crée le Fauteuil Proust en 1978. À partir d’un fauteuil aux formes complexes et chantournées proche d’un style Louis XV, il appose de petits ornements selon une technique pointilliste où des dés de couleurs se superposent dans des teintes vives. Parmi ses nombreuses réalisations, Mendini lance en 1981 une gamme de meubles, Mobile Infinito où les éléments décoratifs en métal aimanté sont combinables au gré des envies de l’utilisateur.

Finalement, sa pratique de « l’Anti-design » marque la fin des « interdits modernistes[3] », qui se traduisaient par la mise en avant de l’authenticité, la mise en avant d’échelle de valeurs, la rationalisation et l’absence d’ornements. Il donne ainsi naissance à une nouvelle grammaire du design associée à un nouveau langage symbolique des formes. Il propage ainsi les idées du post-modernisme. Ce mouvement cherche avant tout à détruire des conventions artistiques centrées sur l’auto purification du médium de création afin de s’affranchir de toutes références historiques. Il y a aussi surtout la volonté d’annihiler tout rapport de valeur entre une culture d’élite et une culture populaire afin de créer un objet qui soit en quelque sorte “impure”. “L’anti-design” tel qu’il est pratiqué par Mendini s’exprime dans le renversement de l’échelle de valeurs jusqu’alors existante pour créer des objets qui ne soient pas purs, esthétiques, et standardisés pour créer quelque chose d’hybride.

Estimation et cote d'Alessandro Mendini sur le marché de l'art

Alessandro Mendini continue d’influencer aujourd’hui encore le monde du design. Son influence apparaît nettement lors des ventes aux enchères. Sa cote actuelle concernant la vente de fauteuils Proust, en bois et aux dimensions suivantes : 108 x 104 x 116 centimètres, est d’environ 31 000 euros. En 2021, un fauteuil Proust datant de 1978 a été adjugé 42 000 euros, alors qu’il était estimé entre 15 000 et 20 000 euros.

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Tendo Mokko

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Estimation et cote de l'artiste Tendo Mokko

Tendo Mokko est une marque de fabrique de meuble japonaise créée en 1940 dans la ville de Tendo, non loin de Tokyo. La caractéristique de cette ville était de travailler le bois et en particulier les pièces du jeu d’échecs japonais. Les Yamagata, artisans de la ville de Tendo, sont en effet reconnus dans leur travail car ils ont la réputation d’allier curiosité, technique et patience à travers leur savoir-faire.

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Naissance de Tendo Mokko

À compter des années 1940, le contreplaqué, un matériau formé à partir de la superposition de fines plaques de bois collées à fibres opposées, offre de nouvelles possibilités dans la création de meubles pour les artisans de Tendo. C’est ainsi que naît la marque Tendo Mokko qui existe encore aujourd’hui et qui est l’une des premières au Japon à utiliser ce matériau, novateur pour l’époque. Cette coopérative d’ébénistes et de charpentiers souhaite avoir une production de masse tout en préservant la haute qualité du mobilier. En effet, le bois du contreplaqué, issu de conifères, est un matériau moins onéreux que le bois massif car il nécessite moins d’arbres à couper. La marque cherche aussi à valoriser la solidité de ses meubles faits pour durer et être transmis de génération en génération.

La qualité avant la quantité

La marque collabore en outre avec des architectes et designers japonais renommés et met en avant, à travers leurs réalisations, la souplesse du contreplaqué permettant de créer du mobilier tout en rondeur.

Tendo Mokko cherche avant tout à mettre en avant la qualité des meubles produits. Créés à partir d’un matériau composite, les meubles s’éloignent des créations réalisées avec des essences considérées comme « nobles », tel le noyer ou le bois de teck par exemple. Si la ligne des meubles est gracieuse et soignée, leur solidité n’est pas pour autant négligée et les meubles sont particulièrement légers. Enfin, une part belle est donnée aux textures, puisque la marque n’oublie pas le plaisir du toucher pouvant être ressenti par les utilisateurs. En effet, l’aspect extérieur du bois est très lisse et délicat, tandis que les matériaux textiles sont d’une grande douceur et d’un confort enveloppant.

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Les artistes les plus représentés aux enchères sont Isamu Kenmochi, Sori Yanagi et Saburo Inui. Leurs côtes sont relativement stables. Les tabourets Butterly de Yanagi avoisinent régulièrement les 4 000 euros et la moyenne des prix observés pour les tables basses de Saburo Inui est de 3 000 euros. Les tables basses d’Isamu Kenmochi atteignent des montants plus élevés, l’une d’elles, passée en vente le 26 mars 2015, obtient une adjudication de 13 480 euros.

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Yonel Lebovici

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Estimation et cote de l'artiste Yonel Lebovici

Yonel Lebovici est un designer français, né en 1937. Il obtient en 1955 un diplôme d’aéronautique, puis suit des cours de dessin à la Grande-Chaumière, académie d’art privée située à Paris. Par la suite, il entre à l’École Nationale Supérieure des Arts Appliqués, puis à l’École des Arts et Métiers en 1957.

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Yonel Lebovici, le design au service de la maison

Il rejoint en 1962 le studio de Serge Mansau, sculpteur et designer spécialisé dans la création de flacons de parfums, où il s’initie à la technique du verre soufflé. Sa première œuvre, intitulée Aquariophile, est une table créée en 1965.

En 1969, Yonel Lebovici ouvre son propre atelier de sculpture à Paris. Il y réalise ses premières œuvres lumineuses. La même année, il conçoit la lampe Satellite, en plexiglas et acier chromé. Il l’édite en 1977 en vingt exemplaires de plus petite taille.

En parallèle, il ouvre la galerie Formes et Couleurs dans le XVIIIème arrondissement parisien, et y expose des objets insolites chinés aux Puces, qui côtoient ses propres créations.

Au début des années 1970, Yonel Lebovici commence à transposer et agrandir des objets industriels et usuels avec beaucoup d’humour : la prise électrique devient Lampe Fiche Mâle en 1978, la table de salle à manger est montée sur des couverts de taille monumentale avec Les Dessous de table en 1992. Il donne d’ailleurs le nom de Sculptures utiles à ce type de création. Parmi celles-ci, Burotube et la lampe Pantographe sont des créations uniques, en l’espèce détenues par Yvon Poullain, collectionneur et mécène de l’artiste.

Les oeuvres et la cote de Yonel Lebovici

En 1980, le designer participe à plusieurs expositions, notamment au Musée des Arts Décoratifs et au Salon du Luminaire ; il s’y voit décerner le prix « Lampe d’argent ». Lebovici voit alors ses œuvres régulièrement exposées, au Salon des Artistes Décorateurs ou encore au Centre Pompidou, dans le cadre de l’exposition « Lumière, je pense à vous ».

L’artiste meurt en 1998. Son œuvre est abondamment présente aujourd’hui dans les collections permanentes du Fonds National d’Art Contemporain et du Musée des Arts Décoratifs. Entre sculpture et design, ses créations oscillent entre 500 et 2 000 euros pour les petites pièces et entre 3 000 et 50 000 euros pour les luminaires. Les Dessous de table reste l’œuvre adjugée au montant le plus élevé, avec 170 232 euros en septembre 2007.

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Joseph-André Motte

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Estimation et cote de l'artiste Joseph-André Motte

Né en 1925 et décédé en 2003, Joseph-André Motte est un designer et architecte d’intérieur français très reconnu. Il est formé à l’école des arts appliqués à l’industrie à Paris, avec des professeurs tels René Gabriel et Louis Sognot. Il est influencé par le designer américain Charles Eames et l’architecte Ludwig Mies van der Rohe dans la recherche d’une ligne pure et la création de mobilier à partir de matériaux industriels (métal et cuir par exemple).

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Joseph-André Motte, les débuts d'un designer hors-pair

En 1954, il cofonde l’Atelier de recherche plastique (ARP) aux côtés de Pierre Guariche et Michel Mortier. Cet atelier signe collectivement des travaux de recherche, une première à l’époque. Ils cherchent à créer du mobilier accessible tout en soignant l’esthétique des objets dans un certain héritage classiciste. La même année, il forme le Groupe 4 avec Alain Richard, Geneviève Dangles et René-Jean Caillette. Ses œuvres sont finalement emblématiques des années 1950 par leur forme alliant rondeur, simplicité et élégance.

La cote et les créations de Joseph-André Motte

Joseph-André Motte a autant créé des meubles que participé à des projets d’architecture dans le cadre de commandes publiques et privées. Il est par exemple à l’origine de l’aménagement intérieur de l’aéroport d’Orly-Sud ou de l’aménagement de la gare maritime du Havre. Entre 1974 et 1984 il réalise aussi la rénovation et l’aménagement d’une centaine de stations du métro parisien, comme la station La Chapelle par exemple, suite à la demande de la RATP. De son travail émerge le style surnommé « Andreu-Motte » qui fait référence à sa collaboration avec l’architecte Paul Andreu. Le fruit de leur travail se traduit par le carrelage blanc, les banquettes embouties sur rame métallique et sièges en plastique et des lignes d’éclairage de couleur. Chaque station est aménagée autour d’une couleur particulière, ce qui permet à ses usagers de la reconnaître plus facilement. Le siège à coque individuel devient la pièce maîtresse emblématique du métro.

De plus, il a été enseignant à l’École nationale supérieure des arts décoratifs et a reçu Le Compasso d’Oro en 1970, le prestigieux prix italien du design.

Les créations du designer Joseph-André Motte sont toujours présentes sur le marché comme en attestent les dernières ventes aux enchères. Sa cote est élevée en ce qui concerne des lots très caractéristiques de son travail, les fauteuils ou chauffeuses : environ 55 000 euros. Un lot de deux Chauffeuses chromées, réalisées en métal chromé et de 79,5 centimètres de hauteur a été adjugé 40 000 euros lors d’une vente aux enchères qui a eu lieu en juin 2021.

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Mario Bellini

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Estimation et cote de l'artiste Mario Bellini

Né en 1935 à Milan, Mario Bellini est un architecte et designer italien. Il commence par étudier à l’École polytechnique de Milan dont il est diplômé en 1959. Parmi ses professeurs, il suit les enseignements de l’architecte Ernesto Nathan Rogers, de l’architecte rationaliste Piero Portaluppi et de l’architecte, designer et peintre Gio Ponti.

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L'histoire de l'architecte Mario Bellini

Il commence sa carrière en devenant le directeur artistique de la Rinascente, une chaîne italienne de grands magasins qui a joué un rôle important dans la promotion du design industriel d’après-guerre. Puis en 1963, il devient conseiller en design chez Olivetti. Cette société italienne créée en 1908 par Camillo Olivetti se spécialise dans la fabrication de machines à écrire mécaniques puis électriques, domaine dans lequel elle devient rapidement l’entreprise la plus importante mondialement. Chez Olivetti, Bellini se distingue notamment par deux créations qui ont été de véritables succès, la calculette Divisumma 18/28 (1973) et les deux machines à écrire Praxis 35 et 45 (1981). Il s’inscrit ainsi dans le mouvement émergent du design industriel.

Cote des oeuvres phares de Mario Bellini

Il se fait plus particulièrement remarquer à l’international lors de l’exposition « L’Italie : le nouveau visage domestique », qui se déroule au Museum of Modern Art de New-York en 1972 et dans lequel il présente son environnement mobile intitulé le Kara-a-Sutra. C’est aussi durant les années 1970 qu’il crée des ateliers qui étudient les relations que les Hommes entretiennent avec leur environnement artificiel et urbain. En parallèle, Bellini est professeur dans différentes écoles et instituts de design en Italie et en Autriche. Il a reçu de nombreux prix pour son travail de designer, notamment sept Compasso d’Oro, le prestigieux prix du design décerné par l’Italie. Parmi les œuvres phares qui jalonnent son travail, on retrouve un ensemble de sièges, Le Bambole, réalisé pour B&B Italia en 1972. Le Bambole ’07 est un canapé compact en cuir et aux formes rembourrées. Pour le réaliser, Bellini est parti de l’idée d’un sac qui, une fois déposé sur le sol, s’écrase. Icône des années 1970, ce canapé est conçu pour durer dans le temps, offrant une assise confortable sans structure portante apparente.

Le travail de Mario Bellini est toujours très prisé, comme en témoignent les ventes dont son mobilier fait l’objet. Sa cote actuelle est d’environ 2 000 euros pour des fauteuils type Bambole par exemple. En juin 2021, un de ses modèles de la série des Bambole (1970), en polyuréthane et tissu et aux dimensions suivantes : 72 x 173 x 225 centimètres, a été adjugé 1 250 euros.

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