Estimation gratuite Achille Zo

Achille Zo

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Estimation et cote des oeuvres de l'artiste Achille Zo

Jean-Baptiste Achille Zo, dit Achille Zo (1826-1901), est un peintre français d’origine basque, connu pour ses scènes espagnoles, ses compositions orientalistes et ses tableaux inspirés par l’Andalousie. Formé dans l’atelier de Thomas Couture, il développe une peinture académique précise, nourrie par ses voyages à Madrid, Séville, Cordoue et Grenade. Il ne doit pas être confondu avec son fils, le peintre et illustrateur Henri-Achille Zo (1873-1933).

La cote d’Achille Zo dépend principalement du sujet, du format et de la qualité d’exécution. Les odalisques et les grandes scènes espagnoles dominent le marché, tandis que les portraits, les natures mortes et les œuvres sur papier restent généralement plus accessibles. Vous possédez un tableau signé Achille Zo ? Estimon’Objet vous propose une estimation gratuite, rapide et confidentielle, réalisée avec l’appui de spécialistes de la peinture du XIXe siècle et de commissaires-priseurs.

Estimation gratuite Achille Zo

Prix des œuvres d'Achille Zo

  • Peinture orientaliste, odalisque ou figure féminine : de 3 000 € à plus de 21 000 €

  • Scène espagnole, andalouse ou composition historique : de 1 500 € à plus de 12 000 €

  • Portrait, paysage, nature morte ou œuvre sur papier : de 100 € à plus de 5 500 €

Pour réaliser une estimation d’une œuvre d’Achille Zo, il faut d’abord identifier le sujet, la technique et les dimensions. Une grande scène animée représentant Séville ou Grenade n’a pas la même valeur qu’un portrait, une nature morte ou une aquarelle. Il est important de photographier la peinture de face, mais aussi son revers, sa signature, son châssis, ses inscriptions et ses anciennes étiquettes.

Les experts d’Estimon’Objet étudient ensuite la précision du dessin, les couleurs, le traitement des figures, l’état de conservation et la provenance. Ils vérifient également que l’œuvre revient bien à Jean-Baptiste Achille Zo et non à son fils Henri-Achille Zo. Ces éléments permettent d’établir une première attribution et de comparer le tableau aux résultats documentés du marché.

La cote d’Achille Zo sur le marché de l’art

La valeur d’un tableau d’Achille Zo repose avant tout sur son sujet. Les compositions orientalistes et les grandes scènes inspirées par l’Espagne obtiennent les meilleurs résultats. Les œuvres de petit format, les natures mortes et les feuilles préparatoires occupent un marché plus abordable. La qualité picturale, l’état, la provenance et l’existence d’une exposition ancienne peuvent toutefois créer des écarts importants.

La cote des peintures orientalistes d’Achille Zo

Les peintures orientalistes d’Achille Zo constituent le sommet de sa cote. L’artiste représente des odalisques, des jeunes femmes allongées, des intérieurs mauresques et des décors enrichis de tapis, de coussins ou de céramiques. Les compositions sensuelles de moyen ou grand format, dotées d’une provenance ancienne, sont particulièrement recherchées.

Voici quelques résultats de référence :

  • Une Odalisque couchée, huile sur toile signée de 38,2 × 75,6 cm, a été adjugée 21 420 € en juin 2025.
  • Une Jeune orientale allongée a atteint environ 21 300 €.
  • Plusieurs huiles orientalistes de format intermédiaire se sont vendues entre 3 000 et 5 000 €.

Ces prix concernent des œuvres orientalistes authentifiées, bien composées et en bon état. Une toile rentoilée ou restaurée peut néanmoins conserver une valeur élevée lorsque la matière picturale, le sujet et la provenance restent convaincants.

La cote des scènes espagnoles d’Achille Zo

Les scènes espagnoles d’Achille Zo occupent également une place importante sur le marché. L’artiste peint les rues de Séville, les patios, les gitans de Grenade, les marchands et les architectures mauresques. Les compositions animées, riches en personnages et exécutées dans un format généreux obtiennent généralement les meilleurs prix.

Voici quelques résultats de référence :

  • Une Grande vue de Séville a été adjugée 12 000 €.
  • Une représentation de la Place des Orangers à Séville a atteint environ 8 840 €.
  • Une scène représentant des mendiants devant la cathédrale de Séville a été vendue 7 800 €.

Ces prix concernent des scènes espagnoles abouties, dont le décor et les personnages sont immédiatement identifiables. Une petite vue architecturale, une étude peu animée ou une composition en mauvais état peut rester sous la barre des 3 000 €.

La cote des portraits, natures mortes et œuvres sur papier d’Achille Zo

Les portraits, paysages et natures mortes d’Achille Zo sont moins recherchés que ses sujets espagnols et orientalistes, mais ils conservent un marché régulier. Les portraits bien caractérisés et les huiles portant une date ou une dédicace peuvent atteindre plusieurs milliers d’euros. Les dessins, aquarelles et gouaches présentent une cote plus modeste.

Voici quelques résultats de référence :

  • Un Portrait de jeune fille à la poupée, huile sur toile, a été adjugé 5 500 €.
  • Une nature morte de belle qualité a atteint environ 3 400 €.
  • Les meilleures aquarelles et œuvres sur papier peuvent approcher 2 000 €, tandis que les feuilles courantes se situent souvent entre 100 et 400 €.

Ces prix concernent des œuvres signées ou correctement attribuées. La qualité du visage pour un portrait, la fraîcheur des couleurs pour une aquarelle et l’absence de déchirures, de taches ou de repeints influencent directement l’estimation.

Comment reconnaître une œuvre d’Achille Zo ?

Une œuvre d’Achille Zo se reconnaît souvent à la précision de son dessin et à la construction équilibrée de sa composition. Les figures présentent des attitudes lisibles et des silhouettes soigneusement modelées. L’artiste accorde une attention particulière aux costumes, aux étoffes, aux accessoires et aux éléments d’architecture.

Dans ses scènes espagnoles, Achille Zo utilise une palette chaude composée d’ocres, de bruns, de rouges et de blancs lumineux. Les patios, les arcades, les places publiques et les façades de Séville ou de Grenade structurent fréquemment l’arrière-plan. Les personnages animent la scène sans masquer la précision du décor.

Les compositions orientalistes privilégient des atmosphères plus intimes. Les corps allongés, les tapis, les coussins et les céramiques sont décrits avec soin. La peinture reste académique et lisible, avec une matière généralement régulière. Un décor exotique ne suffit cependant pas à établir une attribution : de nombreux artistes du XIXe siècle ont traité des sujets comparables.

Reconnaître la signature d’Achille Zo

Achille Zo signe fréquemment ses tableaux « Achille Zo », avec une écriture lisible et des lettres capitales ou légèrement inclinées. La signature apparaît le plus souvent dans un angle inférieur, à droite ou à gauche. Certaines œuvres portent également une date ou une dédicace.

La signature d’Achille Zo doit être examinée en relation avec la couche picturale. Une inscription posée sur un vernis récent, sur une zone abrasée ou avec une peinture différente peut avoir été ajoutée ultérieurement. Son emplacement et son graphisme peuvent varier selon la période et le format de l’œuvre.

Il faut surtout distinguer les œuvres de Jean-Baptiste Achille Zo de celles de son fils Henri-Achille Zo, qui signe notamment « Henri Zo » ou « H. Zo ». Une simple mention « Zo » peut donc créer une confusion. La technique, la date supposée, le style et la provenance doivent être étudiés ensemble.

Expertise signature Achille Zo
Signature Achille Zo

Œuvre d’Achille Zo : ce que regardent nos experts

Romain Rudondy, commissaire-priseur chez Estimon’Objet, commence par identifier le support, la technique et la période probable du tableau. Il observe la toile ou le panneau, la préparation, la touche et la gamme chromatique. Une vue prise sous une lumière oblique permet de repérer les empâtements, les craquelures et les restaurations.

L’analyse porte ensuite sur la cohérence stylistique. Les experts étudient le dessin des personnages, les expressions, les costumes et l’architecture. Les scènes espagnoles doivent présenter un décor précis et une organisation maîtrisée, tandis que les tableaux orientalistes se distinguent par le soin apporté aux textiles et aux accessoires.

Enfin, les experts examinent la signature, le revers et la provenance. Les anciennes étiquettes, les numéros d’exposition et les inscriptions peuvent permettre de reconstituer l’histoire de l’œuvre. Lorsque le tableau le justifie, une observation sous lumière ultraviolette ou une analyse complémentaire peut être recommandée.

Achille Zo, peintre de l’Espagne et de l’Orient

Jean-Baptiste Achille Zo naît en 1826 à Saint-Esprit, près de Bayonne. Devenu orphelin de père à quatorze ans, il suit des cours à l’Académie de dessin de Bayonne, dirigée par Jean-Baptiste Gallian. Il travaille ensuite dans un atelier de décoration théâtrale à Bordeaux avant de rejoindre Paris en 1846 et l’enseignement du peintre Thomas Couture.

Achille Zo expose au Salon de Paris à partir de 1852 et voyage à plusieurs reprises en Espagne. Il séjourne notamment à Madrid, Séville, Cordoue et Grenade, où il dessine les monuments, les paysages et les scènes populaires. Ses sujets espagnols et orientalistes lui apportent une reconnaissance importante : il reçoit une mention honorable en 1861 puis une médaille d’or en 1868.

Après 1871, Achille Zo revient à Bayonne, où il devient directeur de l’École de dessin et de peinture et conservateur du musée municipal. Il dirige ensuite l’École municipale des beaux-arts de Bordeaux à partir de 1889. Nommé chevalier de la Légion d’honneur en 1886, il meurt à Bordeaux en 1901. Ses œuvres sont aujourd’hui conservées dans plusieurs collections publiques françaises, notamment à Bayonne, Paris, Carcassonne et Libourne.

Pour faire estimer une peinture d’Achille Zo, réalisez une photographie générale sans reflet, puis plusieurs vues rapprochées des personnages, du décor et de la signature. Une image prise sous une lumière légèrement oblique aide à montrer la matière, les craquelures et les éventuels repeints.

Photographiez également le revers du tableau, le châssis, les étiquettes et les inscriptions. N’effectuez aucun nettoyage avant l’expertise : un vernis jauni ou une ancienne restauration doit être examiné avant toute intervention. Si l’œuvre porte seulement la signature « Zo », joignez une photographie très précise afin de vérifier s’il s’agit d’Achille Zo ou de son fils.

Vous souhaitez connaître le prix d’un tableau d’Achille Zo ? Transmettez à Estimon’Objet des photographies nettes, les dimensions, la technique supposée et les documents disponibles. Partenaire privilégié pour l’expertise et l’estimation des objets d’art et de collection, Estimon’Objet vous accompagne dans le cadre d’une vente, d’une succession, d’un partage, d’un inventaire ou d’une assurance.

En lien avec Achille Zo

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

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Les ventes rendues possibles par Estimonobjet — Tableaux anciens

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École FRANÇAISE vers 1730 Portrait d’un flûtiste dans son cabinet de travail Toile 80 x 64 cm Dans un cadre en chêne sculpté et doré à décor de c

💰 Adjudication :
230 000 €

🔎 Estimation :
20 000 € - 30 000 €

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Pierre-Auguste RENOIR (1841-1919) La maison Blanche Huile sur toile
Monogrammée en bas à droite 16,5 x 25,5 cm Bibliographie :
- Ambroise Vollard,

💰 Adjudication :
160 000 €

🔎 Estimation :
150 000 € - 200 000 €

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Louis Michel VAN LOO (Toulon 1707 – Paris 1771) Carle Van Loo et sa famille Sur sa toile d’origine 115 x 87 cm Provenance : Acquis par échange le 12

💰 Adjudication :
105 000 €

🔎 Estimation :
60 000 € - 80 000 €

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Henri Pierre DANLOUX (Paris 1753 - 1809) Portrait d’Amable Hugues Anne Hyacinthe de Fontanges Sur sa toile d’origine 76 x 64 cm Signé en bas à gau

💰 Adjudication :
100 000 €

🔎 Estimation :
40 000 € - 60 000 €

Estimation gratuite Shafik Abboud

Shafik Abboud

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Estimation et cote de l'artiste Shafik Abboud

Né en 1926 à Mhasydé au Liban, Shafik Abboud est un peintre dont le travail est acclamé pour sa capacité à capturer l’essence de la vie et de la beauté, transcendant les contraintes temporelles et culturelles. Son style novateur et sa capacité à fusionner l’Orient et l’Occident dans ses œuvres continuent d’inspirer les générations futures d’artistes. Découvrez ici l’histoire de Shafik Abboud et ses peintures contemporaines emblématiques. Besoin d’une expertise gratuite et en ligne ? C’est sur Estimon’objet !

Estimation gratuite Shafik Abboud

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Qui est Shafik Abboud, peintre contemporain

La formation de Shafik Abboud commence par des études d’ingénieur en 1946, qu’il ne tardera pas à interrompre pour entrer à l’Académie Libanaise des Beaux-Arts. Le jeune peintre est curieux d’apprendre la peinture occidentale et se rend à Paris en 1947. Durant ce séjour, il fréquente l’atelier d’André Lhote qui lui partage conseils et techniques. Le peintre rentre également dans l’atelier de Jean Metzinger et Othin Friesz, et suivra les cours de Fernand Léger en 1951. Cette même année il reçoit une bourse du gouvernement libanais et s’inscrit comme « élève libre étranger » à l’Ecole des Beaux-Arts de Paris.

Enfin, de 1952 à 1956, Shafik Abboud commence à suivre des cours à l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris où il étudie la peinture, la gravure et la lithographie. L’artiste rencontre Heuzé, Goerg et Jaudon. Grâce à cet apprentissage, Shafik Abboud participe en 1959 à la première Biennale de Paris. Le peintre obtient en 1964, le fameux prix du musée Sursock de Beyrouth. C’est dans ces mêmes années qu’il commence à obtenir de la reconnaissance à l’internationale, notamment en Etats-Unis.

Tout au long de sa carrière, Shafik Abboud est un acteur majeur de la vie culturelle artistique de Beyrouth. Son succès est tel qu’il participe en 1983 à la FIAC, la Foire Internationale d’Art Contemporain, une opportunité qui impactera durablement sa carrière. En 1994, le peintre est reconnu comme un artiste majeur au Liban et expose pour la première fois après quinze ans de guerre.

Les inspirations artistiques Shafik Abboud

Shafik Abboud s’inspire principalement de la matérialité des médiums, que ce soit la peinture, les estampes, le dessin et même la tapisserie. Cela l’amène à collaborer avec de nombreux plasticiens. Ses influences de ses racines, particulièrement des récits de sa grand-mère, conteuse dans son village. Il s’intéresse à l’histoire et les icones de son pays, notamment les rites byzantins. 

Pour caractériser son art, il semble approprié de parler de figuration poétique libanaise. Son œuvre Homage to Oum Kalthoum rend hommage à la célèbre chanteuse égyptienne Oum Kalthoum, une icône de la musique arabe, en tant que figure principal. Pendant son séjour à Paris, Shafik Abboud expérimente l’abstraction lyrique et use de larges aplats colorés, influencé par ses cours à l’Ecole de Paris. Son œuvre The Blue Epoch explore principalement une palette de couleurs bleues, créant des tableaux riches en nuances et en textures.

Shafik Abboud reste néanmoins très inspiré par son pays d’origine, les paysages et la nature ont une place particulière dans son œuvre. Lebanese Landscapes est inspiré par les paysages pittoresques du Liban. Ces tableaux se distinguent par leur utilisation audacieuse de la couleur et leur capacité à évoquer une profonde connexion émotionnelle.

La cote des œuvres de Shafik Abboud

La valeur des œuvres de Shafik Abboud en 2023 s’élève à 253 000€. Les ventes sont centrées particulièrement en France. La catégorie ayant le plus de succès reste néanmoins la peinture avec une côte si situant entre 1000 et 11 000€. L’œuvre intitulée Bikfaya peinte en 1958 est estimée entre 7560€ et 11 340€. Bien plus rares sur le marché, les estampes de Shafik Abboud peuvent se vendre entre 800€ et 1500€.

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Shafik Abboudn Saison II, 1959, Donation Claude & France Lemand, Institut du monde arabe, Paris.

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Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

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Estimation gratuite Mary Abbott

Mary Abbott

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Estimation et cote de l'artiste Mary Abbott

Né le 27 juillet 1921 à Salem dans le Massachusetts, Mary Abbott est une artiste américaine reconnue pour sa participation à l’école new-yorkaise de l’expressionisme dans les années 1940 et 1950. Découvrez ici l’histoire de Mary Abbott et ses peintures contemporaines emblématiques. Besoin d’une expertise gratuite et en ligne ? C’est sur Estimon’objet !

Estimation gratuite Mary Abbott

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Qui est Mary Abbott

Issue d’une famille où la culture prend une place majeure dans l’éducation, la jeune femme s’initie très tôt à la peinture ainsi qu’aux pratiques artistiques. Mary Abbott commence par fréquenter l’école Art Students League of New York où elle suit les cours de George Grosz, un célèbre artiste berlinois issu du mouvement dadaïste. Parallèlement, la peintre suit des cours à l’école expérimentale Subjects of the Artist où elle se lie d’amitié avec ses contemporains, Mark Rohtko ou David Hare.

Durant ses années estudiantines, Mary Abbott participe aux actions des groupes avant-gardistes new-yorkais. Grâce à cela, elle se fait reconnaître rapidement et son nom ainsi que son œuvre obtiennent plus de notoriété. La jeune artiste fréquente des figures majeures de l’art contemporain, comme De Kooning avec qui elle vit une relation amoureuses, Jackson Pollock ou encore Robert Motherwell. A la fin de la Seconde Guerre mondial, Mary Abbott rejoint le groupe d’artistes de Manhattan, le Dowtown Group.

Les années cinquante sont pour Mary Abbott, une période charnière dans sa reconnaissance. Lors de la création du The Artist’s Club, la carrière de la peintre prend son envol. Ce groupe composé de seulement trois femmes peintres emblématiques, telles qu’Elaine de Kooning, Perle Fine et Mary Abbott même. Les trois jeunes femmes promeuvent l’image de femmes fortes refusant de se soumettre aux dictats masculins.

En 1951, Mary Abbott participe à un projet avec la poète américaine Barbara Guest en mettant en peinture le travail écrit de la poète. Les deux femmes s’orientent vers une représentation intimement liée aux émotions, présentant ainsi la sensibilité des peintres féminines. Lors de ses voyages à Haïti et aux Caraïbes, l’artiste est directement influencée par la palette de couleurs éclatantes prédominantes dans ses paysages paradisiaques.

Les inspirations artistiques de Mary Abbott

Les inspirations artistiques de Mary Abbott sont issues de la culture musicale et de la nature. Dans son œuvre intitulée Imrie, peinte au 1952, la jeune peintre dépeint ces thématiques avec beaucoup d’émotion. Mary Abbott essaie notamment de reproduire les mouvements de la nature, par les variations de couleurs et de lumière qu’elle aperçoit durant ses voyages.

Mary Abbott peignait régulièrement sur des grands formats, les couleurs liées au mouvement sont au cœur de son travail, traduisant les codes de l’expressionnisme abstrait. Sa toile Bill’s Painting peinte dans les années cinquante définit l’influence que De Kooning a inspiré dans l’œuvre de Abbott.

La cote des œuvres de Mary Abbott

La valeur des œuvres de Mary Abbott a connu une hausse notoire depuis 2022. Sa côté sur le marché de l’art s’élève à 32 000€ avec une grande partie des ventes aux Etats-Unis. Bien que l’artiste ait un panel de création diversifié, ce sont ces aquarelles qui se vendent le plus. En 2021, l’œuvre Untitled se vend 1495€ à Hillsborough aux Etats-Unis. Souvent plus rares sur le marché, ses peintures ont néanmoins une valeur plus élevée que ses aquarelles. En 2022, la peinture à l’huile intitulée Wheel of Fortune III peinte en 1950 est adjugée à 42 963€ à New York.

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Mary Abbott, Abstrakter Expressionismus, 1956, acrylique, non localisé.

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Estimation gratuite Helena Almeida

Helena Almaida

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Estimation et cote de l'artiste Helena Almeida

Né le 22 septembre 1934 à Lisbonne au Portugal, Helena Almeida est une peintre et photographe dont la créativité est sans limite. La jeune femme est reconnue pour mêler les techniques comme la photographie, la performance ou la peinture. L’artiste gagne une reconnaissance significative dans le monde de l’art contemporain pour sa contribution unique à la photographie et la performance. Découvrez ici l’histoire d’Helena Almeida et ses peintures contemporaines emblématiques. Besoin d’une expertise gratuite et en ligne ? C’est sur Estimon’objet !

Estimation gratuite Helena Almeida

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Qui est Helena Almeida, peintre contemporain

Dès son plus jeune âge, Helena Almeida développe un intérêt pour l’art et la création. Encouragée par sa famille, l’artiste décide de se consacrer uniquement à la peinture et à sa carrière. Au début des années 1950, elle entre à l’Ecole des Beaux-Arts de Lisbonne et obtient son diplôme. Plus tard, l’artiste vient à s’intéresser à la photographie et explore une forme artistique plus expérimentale telle que la performance. C’est à cette période qu’Helena Almeida intègre le corps humain dans ses œuvres.

Mariée à l’architecte et photographe Artur Rosa, Helena Almeida lui partage son ambition et celui-ci devient en 1969 le photographe attiré de l’artiste. Entre 1964 et 1967, l’artiste par s’installer à Paris après avoir obtenu une bourse. Après cette escale parisienne, Almeida retourne dans son pays natal où elle réalise sa première exposition seule à la galerie Buchhloz. Son succès est tel qu’elle participe à deux reprises à la Biennale de Venise, en 1992 et en 2005.

Les inspirations artistiques d’Helena Almeida

Tout d’abord inspirée par l’artiste italien Lucio Fontana, Helena Almeida se dirige dans les années soixante sur la question de la matérialité des œuvres. L’artiste use alors du châssis de la toile comme objet à part entière, ou encore de la toile, cherchant à déconstruire les frontières et les codes de l’art traditionnel.

A partir de 1969, quand son mari devient son photographe, Helena Almeida travaille sur le corps et l’expressivité de celui-ci par le mouvement. Son approche ne vise pas à faire de son corps un autoportrait, mais plutôt de fonder les préceptes d’un corps dit « universel ». Par conséquent, Helena Almeida teste les limites de son corps en chorégraphiant des mouvements dans son atelier. L’œuvre Tela Habitada présente l’omniprésence du corps à travers des mouvements.

Helena Almeida appréciait le mélange de la photographie, de la peinture et de la performance, comme dans sa série Pintura Habitada réalisée en 1975. Aussi, Artur Rosa vient à apparaître dans certains clichés sans qu’on puisse deviner son identité, notamment dans Looking Back réalisée en 2007. La main d’Artur Rosa se positionne entre l’objectif et le corps d’Helena.

La cote des œuvres d'Helena Almeida

Depuis 2019, la valeur des œuvres d’Helena Almeida ne cesse d’accroître surtout lorsqu’il s’agit de ses photographies. Son chiffre d’affaire s’élève à 129 00€ en 2023. L’artiste obtient la première de place du marché au Portugal et ses photographies s’estiment entre 5000€ et 100 000€. En 2023, la photographie nommée A Onda est adjugée pour la somme de 100 000€ à Lisbonne. Plus rares sur le marché, les estampes d’Helena Almeida peuvent atteindre la valeur de 60 000€. C’est le cas en 2019, avec l’œuvre intitulée O Perdao réalisée en 1993 et acquise pour 60 000€. La production de peinture de l’artiste est encore plus compliquée à trouver sur le marché et s’estime entre 2000€ et 8000€. Pour autant, en 2019, l’œuvre Pintura Habitida peinte en 1975 est vendue à 35 000€.

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Helena Almeida, Voar, 2001, photographie et peinture,

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Estimation gratuite Gilles Aillaud

Gilles Aillaud

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Estimation et cote de l'artiste Gilles Aillaud

Né à Paris en 1928, Gilles Aillaud est un peintre, philosophe, scénographe et poète dont le travail dépeint sa polyvalence. Il est reconnu pour être un artiste aux multiples facettes, dont la préoccupation pour les thèmes animaliers se ressent à travers son œuvre. Découvrez ici l’histoire de Gilles Aillaud et ses peintures contemporaines emblématiques. Besoin d’une expertise gratuite et en ligne ? C’est sur Estimon’objet !

Estimation gratuite Gilles Aillaud

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Qui est de Gilles Aillaud, peintre contemporain

Issu d’une famille aisée, Gilles Aillaud est entouré dès son plus jeune âge par le monde artistique. Son père était le célèbre architecte Emile Aillaud et l’encourage à peindre dès ses douze ans. La formation de l’artiste débute par des études de philosophie, qu’il arrêtera pour se consacrer uniquement à la peinture. Entre 1945 et 1950, Gilles Aillaud étudie à l’Ecole des Beaux-Arts de Paris, ses premières oeivres dépeignent son intérêt pour la faune.Durant l’année 1951, Gilles Aillaud part voyager en Afrique et en Asie et découvre des paysages qui inspireront fortement son travail.

Entre 1960 et 1970, Gilles Aillaud entre en tant que membre dans le groupe Nouvelle Figuration, où son activité artistique s’accroit grâce aux actions du groupe. Le peintre commence à exposer au Salon de la Jeune Peinture en 1959, aux côtés des artiste Arroyo et Recalcati. Il réitère l’expérience au Salon de mai 1964 et obtient, un an plus tard, le titre de président du Salon de la Jeune Peinture. Durant sa carrière, Gilles Aillaud travaille sur plusieurs chantiers, particulièrement des scénographies pour des pièces théâtre. Il réalise des décors en collaboration avec des réalisateurs renommés de son époque, tels que Berthold Brecht, Klaus Michael Grüber, Bruno Maderna et Luc Bondy.

Par la suite, Gilles Aillaud s’approche d’une vision plus engagée et participe activement à des projets de conservation et de préservation de la nature. L’artiste collabore avec des organismes de protection de l’environnement et se sert de son art pour sensibiliser le public aux enjeux écologiques. De 1991 à 2000, le peintre continu de produire des œuvres tout en enseignant à l’Ecole des Beaux-Arts de Paris. Durant cette période, l’œuvre du peintre s’oriente vers un aspect plus métaphorique avec des éléments symboliques.

Les inspirations artistiques de Gilles Aillaud

L’inspiration artistique de Gilles Aillaud provient particulièrement du mouvement de la figuration, qu’il découvre en intégrant le groupe de la Nouvelle Figuration. Afin de contrer les mouvements en vogue, comme l’abstraction et l’impressionnisme abstrait, les artistes de ce groupe défendent le retour à la peinture figurative. Le Pop Art fusionne également avec ce mouvement par sa démonstration de la société de consommation et de la culture de masse.

En 1965, Gilles Aillaud réalise en collaboration avec ses confrères Eduardo Arroyo et Antonio Recalcati, le polyptique Vive et laisser mourir ou la fin tragique de Marcel Duchamp. L’œuvre est un véritable manifeste de la Nouvelle Figuration présentant la fin de l’abstraction.

De plus, Gilles Aillaud développe activement sa passion pour l’iconographie animale. Il met en exergue la liberté artificielle des animaux, que l’on retrouve dans des zoos, en cage. Dans sa série d’animaux en cage, comme le l’Orang-outang peint en 1967, le peintre représente la solitude animal comme semblable à celle de humains. Dans les années quatre-vingt, cette série d’animaux cloîtrés laisse suite à la liberté des paysages qu’il découvre durant ses voyages. Sa série Paysages en mutation qu’il peint en 2003, présente l’impact de l’activité humaine sur les paysages naturels. Le peintre représente des espaces en transition, où les constructions humaines sont fondues dans le paysage autant qu’elles peuvent le déséquilibrer.

La cote des œuvres de Gilles Aillaud

La valeur des œuvres de Gilles Aillaud connaît une hausse considérable depuis 2021. Son chiffre d’affaire s’élève à 117 000€ avec un marché fluctuant en France. La peinture occupe la quasi-totalité de ses ventes avec des valeurs pouvant atteindre les 110 000€. C’est le cas pour sa toile intitulée Kangourous vendue à 110 000€ en 2023 à Paris. L’autoportrait de l’artiste peint en 1955 a été acquis à 25 000€. Bien que plus rares sur le marché, ses estampes préparatoires se vendent entre 1000€ et 7000€. La lithographie intitulée Les Singes a été vendue pour 6 500€ à Paris.

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(Illus.) Gilles Aillaud

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Estimation gratuite Erol Akyavas

Erol Akyavas

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Estimation et cote de l'artiste Erol Akyavaş

Erol Akyavaş est un artiste visuel et peintre turc né le 26 novembre 1932 à Istanbul, en Turquie, et décédé le 7 novembre 1999 à Paris, en France. Il est reconnu pour avoir été l’un des artistes contemporains turcs les plus influents, et son travail a laissé une marque significative sur la scène artistique internationale. Découvrez ici l’histoire d’Aarseth Alf et ses peintures contemporaines emblématiques. Besoin d’une expertise gratuite et en ligne ? C’est sur Estimon’objet !

Estimation gratuite Erol Akyavas

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Qui est Erol Akyavas ?

Akyavaş étudie à l’École des beaux-arts de l’Université du Marmara à Istanbul et a également poursuivi des études en France. Son travail s’est manifesté dans diverses disciplines artistiques, notamment la peinture, la sculpture, la gravure et la photographie. Le peintre est connu pour son style éclectique, mêlant des éléments de l’art traditionnel turc avec des influences contemporaines occidentales.

Au cours de sa carrière, Erol Akyavaş expose ses œuvres dans de nombreuses galeries et musées à travers le monde, notamment en Turquie, en France, aux États-Unis et en Allemagne. En 1955, le peintre réalise sa première exposition individuelle à Istanbul. Cinq ans plus tard, il expose à Paris et découvre l’art contemporain européen. Ses créations abordaient souvent des thèmes universels tels que la nature, la spiritualité, l’identité et la quête de sens. Son art était caractérisé par des couleurs vives, des motifs géométriques complexes et une profondeur émotionnelle.

Les inspirations artistiques d’Erol Akyavas

L’inspiration d’Erol Akyavas provient tout d’abord de sa fascination pour son héritage culturel et la tradition de sa terre natale. Tout en mêlant une esthétique moderne aux références visuelles issues de l’art occidental et islamique, le peintre tente de réanimer l’imagerie coutumière. Il s’adresse à des questionnements universels comme l’Histoire, les croyances, la religion ou bien la notion du temps.

L’œuvre d’Akyavaş évolue au fil du temps, passant par différentes périodes stylistiques, mais restant toujours imprégnée de sa vision unique et de sa réflexion profonde sur le monde qui l’entourait. Ses expérimentations artistiques ont souvent repoussé les limites des conventions artistiques traditionnelles et ont contribué à élargir le champ de l’art contemporain en Turquie. L’œuvre la plus connue d’Erol Akyavas est Karbala, où il représente un moment important pour l’histoire de l’islam. Il s’agit de l’épisode de la bataille entre le calife Ummayad Yazid et le petit fils du Prophète Muhammad Imam Hussain.

La cote des œuvres d'Erol Akyavaş

La valeur des œuvres d’Erol Akyavas connaît une hausse considérable depuis l’année 2013 avec un chiffre d’affaire s’élevant à 522 000€ en 2023. Le principal marché se trouve en Turquie, pays d’origine du peintre. La catégorie la plus vendue est la peinture qui compose d’ailleurs, la quasi-totalité des ventes. La vente la plus récente de l’année 2023 s’élève à 79 630€ pour la toile Piramitli Kompozisyion peinte en 1979. Plus rares sur le marché, ses aquarelles et ses estampes se vendent entre 200€ et 100 000€. En 2013, l’œuvre Traces of things sacred/secret peinte en 1986 est acquise à 96 347€.

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Erol Akyavas, On the way to Karbala, 1989, non localisé.

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Estimation gratuite El Anatsui

El Anatsui

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Estimation et cote de l'artiste El Anatsui

El Anatsui a un impact majeur sur la scène artistique mondiale en présentant une nouvelle perspective sur l’art contemporain africain. Son utilisation imaginative des matériaux recyclés et sa réinterprétation des traditions artistiques locales permettent de nouvelles voies créatives pour les artistes en Afrique et ailleurs. Découvrez ici l’histoire d’Aarseth Alf et ses peintures contemporaines emblématiques. Besoin d’une expertise gratuite et en ligne ? C’est sur Estimon’objet !

Estimation gratuite El Anatsui

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Qui est El Anatsui, sculpteur contemporain

El Anatsui est né le 24 février 1944 dans le village d’Anyako, au Ghana. Dès son plus jeune âge, il a montré un intérêt pour l’art et la créativité. L’artiste grandi dans un environnement qui valorise la tradition artistique et l’expression culturelle. En 1965, il débute des études artistiques à l’Université Kwame Nkrumah à Kumasi, au Ghana, où il se spécialise dans la sculpture. Après avoir obtenu son diplôme, il continue de développer sa pratique artistique, explorant divers matériaux et techniques. Le sculpteur finit par intégrer le groupe d’artistes africains Nsukka.

Dans les années 1970, El Anatsui commence à se faire connaître pour ses sculptures en bois et en métal. Ses premières œuvres reflétaient déjà son engagement envers l’expérimentation et l’innovation. Le sculpteur incorporait des éléments de la culture africaine tout en intégrant des influences contemporaines. A cette époque, ses sculptures mettaient en exergue des thèmes sociaux et politiques, tout en exprimant également son attachement à ses racines culturelles. En 1990, l’artiste expose pour la première fois à l’international à New York à l’exposition Contemporary African Artists : Changing Traditions.

Cependant, c’est à partir des années 2000 que sa carrière prend un tournant majeur avec sa série emblématique de « tapisseries » réalisées à partir de capsules de bouteilles en aluminium. Ces tapisseries, qui prennent la forme de grands drapés métalliques, sont assemblées à partir de milliers de pièces individuelles de métal liées entre elles par des fils de cuivre. Elles créent des surfaces scintillantes et fluides qui jouent avec la lumière et l’espace, évoquant des textiles précieux tout en transmettant des commentaires sur la consommation, le recyclage et la mondialisation. En 2015, il a été récompensé du prix Charles Wollaston décerné par la Royal Academy of Arts à Londres. Cette reconnaissance a renforcé sa position en tant qu’artiste de renommée internationale.

Les inspirations artistiques d’El Anatsui

El Anatsui est fortement influencé par diverses sources tout au long de sa carrière, notamment ses origines culturelles africaines, les traditions artistiques locales, les enjeux sociaux et politiques, ainsi que les mouvements artistiques contemporains. Son œuvre reflète un mélange unique de ces influences, ce qui a contribué à façonner son style distinctif et novateur.

Né au Ghana, El Anatsui a grandi au sein d’une culture riche en traditions artistiques et en valeurs communautaires. Les tissus colorés, les motifs traditionnels et les rituels artistiques ont joué un rôle essentiel dans son éducation artistique. Il a puisé dans ces racines pour créer des œuvres qui célèbrent la diversité culturelle et les pratiques rituelles africaines. On peut retrouver cette esthétique dans sa série Old Cloth. La tapisserie a aussi une place majeure dans l’œuvre d’El Anatsu, transmit par son père, lui-même tapissier.

La cote des œuvres d'El Anatsui

Depuis 2022, les œuvres d’El Anatsui connaissent un regain d’intérêt sur le marché notamment au Royaume-Uni. La catégorie la plus vendue reste les sculptures de l’artiste, avec un chiffre d’affaire de 3 600 €. Pourtant ces sculptures s’estiment la plupart du temps entre 90 000€ et 600 000€. Exposé depuis peu sur le marché de l’art, les œuvres d’El Anatsui commencent à intéresser les acheteurs de par leur originalité et leur authenticité. Le relief intitulée Warrior réalisé en 2015 s’estime entre 809 688€ et 1 156 697€ à Paris en octobre 2023.

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El Anatsui, Mans’ Cloth, 2009, tissus, non localisé.

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Estimation gratuite Carlos José Alfonzo

Carlos José Alfonzo

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Estimation et cote de l'artiste Carlos José Alfonzo

Né en 1950 à La Havane, à Cuba, Carlos José Alfonzo est un artiste reconnu pour travail mêlant différents styles d’esthétique. De nos jours, la majorité des œuvres du peintre s’arrachent généralement à plusieurs milliers d’euros lors des ventes aux enchères. C’est notamment le cas de sa toile Circolo #9 (1990), évaluée entre 15 000 et 20 000 dollars, qui a été adjugée pour plus de 18 000 euros. Découvrez ici l’histoire de Carlos José Alfonzo et ses peintures contemporaines emblématiques. Besoin d’une expertise gratuite et en ligne ? C’est sur Estimon’objet !

Estimation gratuite Carlos José Alfonzo

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Qui est Carlos José Alfonzo, peintre contemporain

Animé depuis toujours par une grande sensibilité envers l’art et la peinture, Carlos José Alfonzo s’engage dans un parcours académique qui le conduit d’abord à l’Académie San Alejandro, puis à l’Université de La Havane. Ces étapes lui permettent d’approfondir sa compréhension de l’art et de son histoire. Au cours des années 70, le jeune Alfonzo devient un membre actif d’une communauté artistique clandestine. Au sein de ce groupe, ils rejettent la soviétisation de l’art cubain et cherchent à célébrer avec passion leurs racines afro-cubaines.

Déçu du régime et de son évolution, Carlos José Alfonzo part de Cuba en 1980 et tente d’approcher sa vérité de la liberté. Le peintre part pour vivre son expérience aux Etats-Unis et obtient un succès conséquent. Le triomphe rencontré par Carlos Alfonzo a été indiscutable, lui offrant ainsi l’accès à un vaste éventail d’institutions prestigieuses, qu’elles soient publiques ou privées. Des institutions telles que le Whitney Museum of American Art ainsi que la Smithsonian Institution ont choisi de consigner ses créations au sein de leurs collections. De plus, l’artiste est l’un des trois talents mis en lumière dans le film « Three artists profiles » réalisé par Maria Lino en 1998. Sa présence dans un tel projet est une preuve éloquente de l’intérêt persistant à son égard.

Les inspirations artistiques de Carlos José Alfonzo

Les premières créations picturales de Carlos Alfonzo sont inspirées et modelées par l’iconographie propagandiste de l’ère Castro. Cependant, son arrivée aux États-Unis l’expose à un tout nouvel horizon artistique, composé d’œuvres modernes et contemporaines radicalement différentes de celles qu’il avait jusqu’alors expérimentées. Cette immersion amène Carlos Alfonzo à assimiler les influences cubistes, surréalistes et expressionnistes auxquelles il est exposé, les intégrant à sa propre expression fluide pour bâtir son propre univers. À cette époque, sa touche et ses palettes lumineuses évoquent le style de Willem de Kooning, tandis que sa manière expansive de traiter la toile rappelle celle de Jackson Pollock.

Pendant cette phase de maturité artistique, Carlos José Alfonzo intègre à ses créations des figures mythologiques transculturelles au sein d’une œuvre autobiographique révélant les secrets de son âme et les expériences qu’il a vécues. Le peintre puise dans l’iconographie des divinités africaines, du catholicisme et des symboles de la Santería pour exprimer les paradoxes de l’existence humaine.

La cote des œuvres de Carlos José Alfonzo

La côte de l’artiste Carlos José Alfonzo ne cesse d’augmenter depuis l’année 2022, avec un chiffre d’affaire s’élevant à 94 000€. Son travail a du succès sur le marché américain, particulièrement dans la catégorie peinture qui reste la plus vendue. En 2022, la vente de la toile Wakeup Story (Historia para despertarse) réalisée entre 1988 et 1989, est acquise pour la somme de 161 141€. Le record est détenu par l’œuvre Water Seeds peinte en 1988 et acquise en 2019 à 250 992€. Bien que plus rares sur le marché, les aquarelles et les dessins de Carlos José s’estiment entre 200€ et 30 000€. La vente en 2022 de la tempera sur papier Untitled de 1991 est partie à 30 921€.

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Carlos José Alfonzo, Unknow , 1988, non localisé.

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Estimation gratuite Shakir Hassan Al Said

Shakir Hassan Al Said

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Estimation et cote de l'artiste Shakir Hassan Al Said

Né en 1925 en Irak à Samawan, Shakir Hassan Al Said est un peintre contemporain reconnu pour être le père de l’art moderne irakien. Le peintre est au centre d’un héritage arabo-islamique qui se nourrit de la culture populaire du XXe siècle. Découvrez ici l’histoire de Shakir Hassan Al Said et ses peintures contemporaines emblématiques. Besoin d’une expertise gratuite et en ligne ? C’est sur Estimon’objet !

Estimation gratuite Shakir Hassan Al Said

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Qui est Shakir Hassan Al Said ?

En 1948, Shakir Hassan Al Said débute sa carrière avec des études universitaire et professoral en sciences sociales. L’artiste étudie également l’histoire de l’art, l’art, la sculpture et la peinture à l’institut des arts de Bagdad en 1954 et à Paris. Le peintre accumule alors des compétences polyvalentes, ce qui lui vaut son influence. Durant sa carrière, Shakir Hassan Al Said l’artiste intègre plusieurs groupes artistiques influents dans lesquels il renforce son style et surtout sa vision de l’art contemporain. L’artiste devient membre du groupe Jama’et Bagdad lil Fann al-Hadith qui est le Groupe de Bagdad pour l’art moderne. Dès lors, Shakir Hassan Al Said rédige des manifestes présentant son engagement au regard de l’héritage culturel irakien et de la modernité. Par la suite, l’artiste intègre un nouveau groupe, le One Dimension Group où il développe son approche théorique de l’art inspiré par l’arabe littéraire et sa calligraphie.

Shakir Hassan Al Said porte l’héritage culture de son pays, pour autant, ses peintures dépeignent un point de rencontre entre les mouvements d’avant-garde européens. Dans les années 1960, le peintre s’intéresse au soufisme. De là, ses œuvres prennent une autre tonalité avec des couleurs proche de celles de la terre, plus neutres où prédomine la calligraphie. Durant sa carrière, Shakir Hassan Al Said participe à plusieurs expositions telles que son exposition au côté du peintre Mohammad Ghani à Bakouba en 1962 ainsi que sa participation au festival de Cagnes-sur-Mer en France en 1975. Il réalise deux expositions personnelles à Bagdad à l’Institut des Beaux-Arts en 1954 et 1961.

Les inspirations artistiques de Shakir Hassan Al Said

Les inspirations artistiques de Shakir Hassan Al Said proviennent tout d’abord de l’héritage culturel irakien avec notamment l’art de l’Islam, les miniatures du XIIIe siècle, et les objets populaires artisanaux tels que les tapis et les cuivres sculptés.

Shakir Hassan Al Said s’inspire également des mouvements avant-gardistes européens, de l’abstraction et enfin d’une palette de couleurs vives. A partir des années 1960 et avec la montée du nationalisme, le peinte se rapproche d’une palette plus neutres, proches des couleurs de la terre. Il est d’ailleurs fréquent de retrouver dans sa production, des collages de papier, ou de carton, voire même du sable incrusté.

La cote des œuvres de Shakir Hassan Al Said

La côte de Shakir Hassans Al Said s’élève en 2023 à 196 000€ avec un marché fluctuant au Royaume-Uni. De nombreuses ventes concernent la catégorie peinture avec une valeur située en 2000€ et 60 000€. En 2023 à Paris, la toile Raise (Erfao) peinte en 1974, est acquise pour 64 000€. Pour autant, la vente la plus importante de Shakir Hassan se déroule en 2015 avec l’œuvre Cubist Cockerel peinte en 1955 et vendu à 221 712€. Bien que plus rares sur le marché, les estampes et les dessins de l’artiste connaissent une hausse d’intérêt depuis 2021 avec des ventes s’élevant jusqu’à 40 000€. C’est le cas, par exemple, pour le dessin Untitled réalisé en 1958 vendu à 39 149€ en 2022.

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(Illus.) Shakir Hassan Al Said

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Estimation gratuite Félix Agostini

Félix Agostini

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Estimation et cote de l'artiste Félix Agostini

Né en 1910 à Paris, Félix Agostini est un artiste français autodidacte, particulièrement connu pour sa production de sculpture et de luminaires. Ses créations se distinguent par leur modernisme et leur surréalisme. Découvrez ici l’histoire de Félix Agostini et ses peintures contemporaines emblématiques. Besoin d’une expertise gratuite et en ligne ? C’est sur Estimon’objet !

Estimation gratuite Félix Agostini

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Qui est Félix Agostini, designer contemporain

C’est très tôt que Félix Agostini se passionne pour le dessin et s’avère être doué pour la création. Pour autant, l’artiste ne passera pas par de grandes écoles de design, mais forgera sa technique en tant qu’autodidacte. Le designer reçoit l’opportunité de travailler chez l’imprimeur Draeger. A partir de là, Félix Agostini débute sa carrière en tant que dessinateur publicitaire et travaille pour des grands noms comme Peugeot, Chanel, et Thomson. Inspiré par cette expérience, le designer créé son propre atelier de travail dans le 14em arrondissement de Paris et se met à réaliser la plupart de ses œuvres.

C’est dans cet atelier que Félix Agostini produit ses premiers modèles en fer forgé et en céramique. Ses réalisations se concentrent avant tout vers des appliques, des lampadaires, des tables basses avant de s’initier aux techniques du bronze.Durant sa carrière, Félix Agostini travaille en collaboration avec Alberto et Diego Giacometti. Leurs réalisation obtiendront énormément de succès. De plus, durant plusieurs années, l’artiste expose ses œuvres à la galerie Cusin et développe une grande partie de sa clientèle.

Les inspirations artistiques de Félix Agostini

Félix Agostini s’inspire de plusieurs sources d’inspirations, tout au long de sa carrière, telles que les femmes, l’amour, la nature, le ciel ou encore les animaux. Le designer produit ses œuvres d’une traite, dans un élan précis et sans jamais revenir en arrière. Généralement, ses œuvres dépeignent ses émotions et reflète ses rêves. L’artiste était connu pour son don pour le dessin, mais aussi pour son intérêt pour l’abstraction moderniste.

Une des œuvres les plus connues de Félix Agostini est, sans doute, le lampadaire Echassier. Cette œuvre est fortement sentimentale pour l’artiste car il rend hommage aux Giacometti avec lesquels il a déjà travaillé, dans le passé.

La cote des œuvres de Félix Agostini

La valeur des œuvres de Félix Agostini connaît une hausse croissante depuis 2015 surtout lorsqu’il s’agit de la catégorie luminaire. La côte de l’artiste s’élève aujourd’hui à 67 000€. La France occupe la première place sur le marché de l’art, avec de nombreuses ventes adjugées. Les luminaires composent la quasi-totalité des ventes dont la valeur peut atteindre les 32 000€. C’est le cas avec le modèle Lampadaire Echassier realisé en 1969, composé de plâtre platiné en or, vendu à 32 000€ en 2008 à Paris. Bien que Félix Agostini est exploré plusieurs domaines, le mobilier obtient la seconde place des ventes. Celles-ci peuvent atteindre les 10 000€. La table basse Phoebee de 1964 détient le record, avec une adjudication à 40 000€.

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Félix Agostini, Paire d’appliques, XXe, verre et bronze.

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