Estimation gratuite Ugo la pietra

Ugo La Pietra

by Design et Arts décoratifs du XXe siècle

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Estimation et cote de l'artiste Ugo La Pietra

Ugo La Pietra est un artiste, architecte et designer italien, né en 1938. Diplômé de l’École Polytechnique de Milan en 1964, il enseigne dans plusieurs facultés d’architecture. Dès le début des années 1960, il s’intéresse aux expérimentations des architectes autrichiens avant-gardistes, tels que Hans Hollein, Walter Pichler ou Frederick Kiesler. Durant ses premières années d’exercice, l’artiste amorce une réflexion portant sur une approche anthropologique des différents phénomènes urbains de la ville de Milan, et étudie les relations entre les individus et leur environnement.

Estimation gratuite Ugo la pietra

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Ugo La Pietra, un artiste de talent

Par la suite, Ugo La Pietra commence à explorer le concept de “Synesthésie des Arts”, essayant de décloisonner les différentes disciplines artistiques telles que le dessin, la peinture ou l’architecture. Ainsi, avec la série de dessins Nodi urbani, entre 1962 et 1966, l’artiste détourne des œuvres d’arts connues qu’il transpose dans la ville à une échelle architecturale. À la fin des années 1960, ses expérimentations s’enrichissent grâce à l’emploi de nouveaux matériaux, comme le méthacrylate, allié à l’usage des nouvelles technologies électroniques. Ugo La Pietra élabore notamment un régulateur d’intensité lumineuse qu’il applique en 1967 à la lampe Globo tissurato.

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Un style artistique affirmé

Son style se radicalise à partir de cette même année avec la théorie du “Sistema disequilibrante”, tentative d’intervention sur l’espace physique et sur le territoire, au travers d’actions symboliques, utilisant l’image comme un outil révélateur. Ainsi, l’artiste propose au spectateur des expériences sensorielles et auditives nouvelles, grâce à des casques sonores et à des sphères lumineuses, afin d’inciter le public à prendre conscience du rapport physique qu’il entretient au sein du milieu dans lequel il évolue.

Ugo La Pietra poursuit son questionnement sur l’environnement urbain durant les années 1970, et publie l’ouvrage I gradi di libertà, qui donne une réponse radicale à l’utopie moderniste, en se basant sur les observations et réflexions effectuées durant les années précédentes.

Au cours des années 1980, l’artiste travaille sur le thème de la nature, du territoire et de la Méditerranée. Il travaille également sur une nouvelle typologie de meubles, les cabinets à crédence, qui utilisent plusieurs matériaux, tels que le bois et la céramique. Les productions d’Ugo La Pietra sont aujourd’hui plutôt rares sur le marché de l’art, ce qui peut indiquer leur prix d’adjudication, montant jusqu’à 6 500 euros sur certaines œuvres, à l’instar du Lampadaire Catasta en métal laqué, vendu en mai 2021.

(Illus.)Œuvre d’Ugo la Pietra pour la Triennale de Milan

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Estimation gratuite Shiro Kuramata

Shiro Kuramata

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Estimation et cote Shiro Kuramata, designer japonais

Shiro Kuramata (1934-1991) est un designer japonais, au style marqué par l’humour et la poésie, alliés à la recherche de légèreté et de minimalisme.
Estimation gratuite Shiro Kuramata

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Un designer contemporain de talent

Après des études d’architecture à Tokyo puis de design à l’École de Design Kuwasawa, l’artiste fonde son propre atelier, le Kuramata Design Office, en 1965. Au cours des années 1970 et 1980, il travaille comme architecte d’intérieur et designer de mobilier. Durant ces années, son travail sur la transparence et la lumière en fait un précurseur : en 1969, il crée une table lumineuse en acrylique, et en 1976, il imagine Glass Chair, une chaise entièrement en verre. En 1988, il dessine le fauteuil Miss Blanche, en matière plastique transparente incluant des pétales de rose. Son travail est notamment influencé par d’autres artistes contemporains, à l’instar de Piet Mondrian ou de Donald Judd.

Shiro Kuramata, un artiste mondialement reconnu

Il crée également des boutiques pour Issey Miyake, styliste japonais, à Paris, Tokyo et New York. En 1988, Kuramata s’installe à Paris où il fonde son atelier de design. C’est à partir de ce moment que ses designs évoluent vers des couleurs plus vives. En effet, Kuramata s’inspire notamment des palettes de l’architecte italien Ettore Sottsass. Ce dernier décrit les productions de l’artiste japonais comme en « état de suspense permanent ». Son œuvre est alors marquée par la recherche des frontières entre la légèreté et la gravité, et entre le matériau et l’immatériel, comme en témoigne l’artiste lui-même : « mon désir le plus fort est d’être libre de toute gravité, de toute servitude. Je veux flotter ».

Ainsi, Shiro Kuramata révolutionne le design japonais d’après-guerre. Son travail est empreint de l’élégance et de la simplicité japonaise alliées à la modernité des matériaux et techniques de pointe.

Cote des oeuvres de Shiro Kuramata

Sa production est essentiellement constituée de séries limitées et rares. Du fait de leur rareté, ses créations atteignent des prix élevés sur le marché de l’art. À titre d’exemple, le sofa en acier How High the Moon s’est vendu 58 244 euros en juin 2021.

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Estimation gratuite Marc HELD

Marc Held

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Estimation et cote de l'artiste Marc Held

Marc Held est un architecte, designer et photographe français, né en 1932 à Paris. Il découvre d’abord la photographie à vingt ans, après avoir été animateur de théâtre et professeur d’éducation physique. Par la suite, il se passionne pour l’architecture et le design, dessinant ses tous premiers meubles pour son appartement, puis pour de petits chantiers.

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Les débuts de l'œuvre de Marc Held

Tout commence véritable lorsque l’un des amis de Marc Held lui conseille d’ouvrir un showroom : c’est ainsi que naît l’Échoppe, en 1965, boutique située au 51 rue de Seine, à Paris. L’artiste y expose ses créations ainsi que le meilleur du design scandinave, italien et allemand. La même année est élaboré le célèbre fauteuil Primo Culbuto, dont un exemplaire de la série est exposé au Musée des Arts Décoratifs. Ce fauteuil au dossier à l’arrondi parfait et à la base convexe permettant la bascule est doté de deux pieds à l’arrière pour le stabiliser. Réalisé en fibre de verre, le Primo Culbuto est réédité en 2013 par Marc Held et sa fille Marion Held-Javal, en série limitée de huit exemplaires. L’une des spécificités de l’artiste est son impressionnante polyvalence : designer d’un fauteuil devenu célèbre, il conçoit également un service de table complet pour la marque de porcelaines Coquet, en 1973, qui devient un classique des arts de la table. En 1978, il réalise durant cinq ans des études de concept pour Renault, dont la voiture La Méridienne, qui sert de modèle à la Renault Espace, novatrice pour l’époque car permettant un gain de place à l’intérieur du véhicule non négligeable.

Mark Held, un designer de génie polyvalent

Son ascension fulgurante culmine sûrement en l’année 1983, lorsque le Président de la République François Mitterrand le sollicite pour réaliser les aménagements intérieurs de l’appartement présidentiel. Il crée alors pour l’Élysée, en collaboration avec des ébénistes, des dessertes, des chaises, un secrétaire et une table de salle à manger. L’année suivante, Marc Held est sollicité par la compagnie de paquebots américaine Windstar Cruises afin de concevoir les aménagements intérieurs et le mobilier de trois grands paquebots touristiques : Wind Star, Wind Song et Wind Spirit.

Cote des oeuvres de Marc Held

La côte de l’artiste dépend du type de production : si elle est d’environ 200 euros pour les modèles de lits, elle oscille entre 4 000 et 6 000 euros pour les fauteuils de type Culbuto, parfois également présentés avec leur repose-pied.

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F-X et Claude Lalanne

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Estimation et cote de l'artiste Fx et Claude Lalanne

François-Xavier et Claude Lalanne se rencontrent en 1952. Amis des surréalistes et des nouveaux réalistes, ils mènent des recherches communes à partir de 1956. Leur œuvre témoigne d’un grand sens de l’humour et d’un goût commun pour le merveilleux.

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Les origines des œuvres des Lalanne

François-Xavier Lalanne pratique beaucoup le dessin et la peinture au cours de ses études chez les Jésuites. Un fois majeur, il s’installe à Paris et fréquente l’Académie Julian, où il suit les leçons de Jules Cavaillès en peinture, de Jacques Zwobada en dessin, et de Marcel Gimond en sculpture. En 1949, il loue un atelier à Montparnasse à côté de celui de Constantin Brancusi, dont il admire les sculptures aux formes épurées. En parallèle, il est gardien au musée du Louvre, dans les salles d’archéologie orientale, d’où il tira par la suite une inspiration pour son approche hiératique et stylisée de la sculpture. A l’atelier, il peint des paysages et des portraits fortement cernés, aux couleurs soutenues. C’est dans le cabinet de l’architecte André Sive qu’il apprend à utiliser le polyester, avec lequel il se tourne vers la sculpture. Il rencontre Claude à son premier vernissage de peinture en 1952, et ils commencent rapidement un travail commun.

Claude Lalanne, née Claude Dupeux, est fascinée dès l’enfance par les expériences d’alchimie de son père, qui cherche à trouver la pierre philosophale dans le sous-sol de leur maison familiale à Colombes. Elle suit divers enseignements artistiques, préparant l’Ecole des Arts Décoratifs auprès du peintre François Desnoyers, puis suivant les cours d’architecture de Pierre Vivien à l’Ecole des Beaux-Arts, et fréquentant l’Académie libre de la Grande-Chaumière à Montparnasse. Elle apprend également le modelage chez le sculpteur Robert Coutin. Au cours de ces diverses formations, Claude manifeste un grand sens de l’observation et déploie une liberté d’imagination.

Claude et François-Xavier Lalanne travaillent de concert à partir de 1956 dans l’impasse Ronsin, aux côtés de Jean Tinguely, David Spoerri, Niki de Saint-Phalle. Ils nouent des amitiés solides, mais doivent quitter les lieux à la mort de Constantin Brancusi. Les Lalanne s’installent alors impasse Robiquet, et se marient en 1962. Claude Lalanne s’intéresse à la galvanoplastie, une technique du XVIIIème siècle qu’elle perfectionne pour l’utiliser sur des pièces délicates, telles que les animaux et les fleurs. Elle apprécie la magie de ce procédé qui lui permet de transformer tout ce qu’elle touche en cuivre. Claude Lalanne fait également des empreintes sur corps humain, qui la rapprochent des expériences du Pop Art américain et du Nouveau réalisme français. François-Xavier Lalanne privilégie le métal martelé. Claude s’intéresse à la flore, et François-Xavier se consacre davantage à la faune. Tous deux associent une hardiesse imaginative à la sophistication de leur savoir-faire technique.

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Un art de la sculpture diversifié et humoristique

Leur première exposition commune a lieu chez Jeannine Goldschmidt à Saint-Germain-des-Prés en 1964. François-Xavier y présente son rhinocéros en laiton et Claude ses choux sur pattes qui démontrent leur goût pour les jeux de mots. La série des moutons de laine commencée par François-Xavier en 1965 témoigne de son sens du détournement et de l’humour. C’est le début d’un cycle de sculpture animalière qui dura cinquante ans dans la carrière de François-Xavier Lalanne, passant par les Stabiles dans les années 1960, les Animobiles dans les années 1970. Il cherche à donner une dimension utilitaire à la sculpture, qu’il considère comme trop sacralisée en Occident. Inspiré par l’art de Brancusi et l’archéologie orientale, il privilégie les formes linéaires et hiératiques.

Souhaitant être au plus près de la nature, Claude et François-Xavier Lalanne s’installent en 1967 à Ury, en bordure de la forêt de Fontainebleau. Claude Lalanne utilise directement les fleurs et branchages du jardin qu’elle y cultive pour ses compositions. Elle réalise un premier service de couverts inspiré de la nature pour Salvador Dali en 1965, puis en compose un second en 1974. Claude Lalanne moule également des corps, qu’elle intègre à des œuvres. C’est avec un moulage du corps de François-Xavier qu’elle participe au happening gastronome organisé par Daniel Spoerri en décembre 1970, le Diner cannibale. Les moules servent de plats à cuire, puis sont vendus aux enchères.

Tous deux investissent l’art topiaire en 1979, et reçoivent plusieurs commandes d’œuvres monumentales. François-Xavier Lalanne réalise des sculptures pour Grigny-la-Grande-Borne puis la Promenade des Halles à Paris en 1979. Claude dans la suite de ce projet fait le Jardin des enfants, à proximité du Forum des Halles. Elle cherche à créer un espace féérique permettant aux enfants de voyager dans le temps.

Cote des oeuvres de Fx et Claude Lalanne

L’humour de leurs pièces séduit les collectionneurs, et les Rothschild, les Noailles, ou encore Yves Saint Laurent et Pierre Bergé leur en commandent. L’estimation de leurs œuvres ne cesse de croitre encore aujourd’hui. L’indice des ventes de François-Xavier Lalanne a augmenté de 287% entre 2000 et 2022, et celui de Claude enregistre une croissance encore plus fulgurante, avec une hausse de 545% sur cette même période. Leurs œuvres s’échangent principalement en France. Pour François-Xavier, ce sont les sculptures qui attirent le plus les collectionneurs, avec des prix de vente entre 10 000 et 50 000 €. Le record des ventes est détenu par le Léopard I (2005), vendu à Paris en 2021 pour 7 100 000 €. En ce qui concerne Claude, ce sont les sculptures qui se vendent le plus, à des prix allant de 1 000 à 50 000€. C’est cependant le mobilier et les luminaires qui assurent le chiffre d’affaires de ses ventes, avec une fourchette moyenne des prix oscillant entre 100 000 et 500 000 €. C’est d’ailleurs un luminaire qui détient le record des ventes, le lustre « Structure végétale » aux papillons, 16 bougies (2003), vendu pour 3 100 000 € à Paris en 2021.

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Mario Bellini

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Estimation et cote de l'artiste Mario Bellini

Né en 1935 à Milan, Mario Bellini est un architecte et designer italien. Il commence par étudier à l’École polytechnique de Milan dont il est diplômé en 1959. Parmi ses professeurs, il suit les enseignements de l’architecte Ernesto Nathan Rogers, de l’architecte rationaliste Piero Portaluppi et de l’architecte, designer et peintre Gio Ponti.

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L'histoire de l'architecte Mario Bellini

Il commence sa carrière en devenant le directeur artistique de la Rinascente, une chaîne italienne de grands magasins qui a joué un rôle important dans la promotion du design industriel d’après-guerre. Puis en 1963, il devient conseiller en design chez Olivetti. Cette société italienne créée en 1908 par Camillo Olivetti se spécialise dans la fabrication de machines à écrire mécaniques puis électriques, domaine dans lequel elle devient rapidement l’entreprise la plus importante mondialement. Chez Olivetti, Bellini se distingue notamment par deux créations qui ont été de véritables succès, la calculette Divisumma 18/28 (1973) et les deux machines à écrire Praxis 35 et 45 (1981). Il s’inscrit ainsi dans le mouvement émergent du design industriel.

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Cote des oeuvres phares de Mario Bellini

Il se fait plus particulièrement remarquer à l’international lors de l’exposition « L’Italie : le nouveau visage domestique », qui se déroule au Museum of Modern Art de New-York en 1972 et dans lequel il présente son environnement mobile intitulé le Kara-a-Sutra. C’est aussi durant les années 1970 qu’il crée des ateliers qui étudient les relations que les Hommes entretiennent avec leur environnement artificiel et urbain. En parallèle, Bellini est professeur dans différentes écoles et instituts de design en Italie et en Autriche. Il a reçu de nombreux prix pour son travail de designer, notamment sept Compasso d’Oro, le prestigieux prix du design décerné par l’Italie. Parmi les œuvres phares qui jalonnent son travail, on retrouve un ensemble de sièges, Le Bambole, réalisé pour B&B Italia en 1972. Le Bambole ’07 est un canapé compact en cuir et aux formes rembourrées. Pour le réaliser, Bellini est parti de l’idée d’un sac qui, une fois déposé sur le sol, s’écrase. Icône des années 1970, ce canapé est conçu pour durer dans le temps, offrant une assise confortable sans structure portante apparente.

Le travail de Mario Bellini est toujours très prisé, comme en témoignent les ventes dont son mobilier fait l’objet. Sa cote actuelle est d’environ 2 000 euros pour des fauteuils type Bambole par exemple. En juin 2021, un de ses modèles de la série des Bambole (1970), en polyuréthane et tissu et aux dimensions suivantes : 72 x 173 x 225 centimètres, a été adjugé 1 250 euros.

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Estimation gratuite Daniel Buren

Daniel Buren

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Estimation et cote de l'artiste Daniel Buren

Daniel Buren, peintre, sculpteur et plasticien français, naît en 1938 à Boulogne-Billancourt. Figure majeure de l’art contemporain, il fait partie des artistes les plus reconnus à l’échelle internationale, dont les œuvres in situ côtoient les plus grandes institutions du monde.

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Daniel Buren, sa quête du degré zéro de la peinture

Daniel Buren rejoint l’École des métiers d’arts en 1958 pour y apprendre la peinture et la décoration générale. Dès les premières années, son style se développe et se précise puisque début 1960, sa peinture se veut déjà radicale. Dans ces années-là, Buren expérimente les tailles, les formes et les matériaux, et joue sur l’économie des moyens en utilisant notamment des objets trouvés sur place.

En 1965, alors qu’il visite le marché Saint-Pierre à Paris, Daniel Buren rencontre ce qui deviendra son motif pour les nombreuses années à venir : les rayures. Il reproduit ces raies de 8,7 cm de largeur sur une toile, puis sur du tissu, sur de la toile de jute, et même sur des murs. Ce motif récurrent deviendra alors sa marque de fabrique, notamment au cœur du groupe iconoclaste BMPT dès 1966. Dans ces œuvres, Daniel Buren questionne autant le fond que la forme, et par extension la peinture en elle-même. Déchargé de toute influence, Buren croit en ce qu’il appelle désormais le « degré zéro de la peinture ». C’est avec ce principe qu’il va progressivement se détacher du format imposé par la peinture, pour exposer ses œuvres in situ.

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Daniel Buren, ses axes d'interrogation artistique

Daniel Buren est conduit toute sa vie par une réflexion profonde sur la peinture et l’art de manière globale. Il se questionne sur l’espace, l’exposition, le mur, le cadre, et en vient à étudier le sujet du lieu qui accueille les œuvres. À savoir le travail in situ, mais aussi le travail situé, l’outil visuel, la photographie, l’emprunt du paysage, la révélation, le point de vue, le mouvement, la couleur et la lumière.

Chacune de ces pistes de réflexion est déterminante pour créer et comprendre les travaux de Daniel Buren. En explorant ces éléments, l’artiste souhaite faire en sorte que le visiteur ne se contente pas d’un face à face avec l’œuvre, mais qu’il puisse l’expérimenter au gré de ses déplacements. Ainsi, les œuvres de Buren ne s’inscrivent pas seulement dans le cadre de la peinture mais également dans l’articulation de l’espace.

Daniel Buren, artiste polyvalent et ses travaux in situ

Les motifs verticaux et la vision contemporaine de Daniel Buren se poursuivent directement dans les lieux, où il intègre le paysage à ses œuvres. Cette pratique inspirée des jardins traditionnels japonais, ou shakkei, invite à découvrir les lieux autrement, par le biais d’œuvres in situ réalisées avec des matériaux simples. C’est une manière pour lui de transformer le lieu d’accueil, d’emprunter le paysage car, même agrémenté, celui-ci ne saurait lui appartenir. Daniel Buren sort du cadre de l’appropriation pour une démarche visuelle, plus proche de l’expérience et du voyage en offrant une autre vision.

Bien qu’il soit controversé par certains de ses pairs, Daniel Buren n’est en rien freiné par les critiques et va jusqu’à réaliser en 1985 ce qui deviendra son œuvre la plus célèbre : Les Deux Plateaux, ou les « colonnes Buren », une installation in situ commandée pour la cour d’honneur du Palais-Royal. Il obtient alors en 1986 le Lion d’Or pour le meilleur pavillon.

La cote des œuvres de Daniel Buren

Artiste polyvalent, Daniel Buren a exploré les différents médiums et s’est essayé à de nombreuses matières. Dessins, objets, estampes, sculptures ou encore peintures : ce sont là tous les travaux qu’il laisse derrière lui, car plus l’artiste a progressé dans sa démarche artistique, et plus ses œuvres sont devenues éphémères au fil du temps. Ces pièces rares peuvent être accessibles comme être particulièrement prisées des collectionneurs, notamment en ce qui concerne ses peintures et ses sculptures.

L’estimation d’une peinture de Daniel Buren varie entre 469 € et 1 338 825 €. À titre d’exemple, une Peinture aux formes variables de 1966 est estimée entre 400 000 € et 600 000 €. Quant aux sculptures, le modèle sur bois Barre haute de 2001 s’est vendu à 8900 €, mais son Cadre décadré – 04 a4, lui, est estimé entre 35 000 € et 45 000 €.

(Illus.)Daniel Buren – Les Deux Plateaux, Cour d’Honneur du Palais-Royal, Paris.
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