Estimation gratuite Pierre Blanc

Pierre Blanc

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Estimation et cote de l’artiste Pierre Blanc

Pierre Blanc (1902–1986) est un sculpteur suisse surtout connu pour ses œuvres animalières. Formé à Genève puis installé à Paris, il travaille dans un style proche de l’art décoratif du XXᵉ siècle, avec des formes épurées et des volumes lisibles. Il participe régulièrement aux salons d’art de son époque et consacre l’essentiel de sa production à la statuaire animale, domaine dans lequel il développe une production cohérente.

Estimation gratuite Pierre Blanc

Prix des œuvres de Pierre Blanc

  • Sculpture - entre 600 € et 4 500 €

Vous possédez une sculpture ou un bas-relief signé Pierre Blanc (1902–1986) ? Faites appel à Estimon’objet, votre site de référence pour l’estimation en ligne. Notre équipe de commissaires-priseurs spécialisés vous offre une estimation gratuite, précise et confidentielle, en quelques jours seulement — simple, fiable et efficace.

Pierre Blanc (1902–1986) : un sculpteur animalier au parcours solide

Né à Lausanne, Pierre Blanc se forme à la sculpture de 1919 à 1924 auprès de Maurice Sarkissoff à Genève. Dès ses débuts, il s’oriente vers le travail du volume et participe en 1924-1925 à la décoration du Tribunal fédéral suisse à Lausanne, première expérience marquante dans un cadre officiel. Cette période pose les bases d’un métier solide, tourné vers l’observation et la maîtrise des formes.

Entre 1925 et 1939, il s’installe à Paris, où il trouve un environnement favorable à son développement. Il fréquente le Jardin des plantes et le zoo de Vincennes pour étudier les animaux sur le vif, démarche essentielle dans son travail. Il se lie avec François Pompon et travaille dans l’atelier des frères Martel, tout en exposant régulièrement au Salon d’Automne, au Salon des artistes décorateurs et aux Tuileries, ce qui lui donne une visibilité durable.

Après ces années parisiennes, Pierre Blanc poursuit une carrière centrée presque exclusivement sur la sculpture animalière. Il produit des bronzes et des modèles de taille variée, diffusés en Suisse et en France, jusqu’à sa disparition en 1986. Cette trajectoire régulière explique une œuvre cohérente, aujourd’hui recherchée pour la justesse des proportions et la qualité d’exécution.

L'art de Pierre Blanc et ses influences

Le travail de Pierre Blanc s’appuie d’abord sur une observation directe de l’animal. Il passe de longues heures à dessiner au Jardin des plantes et au zoo de Vincennes, ce qui lui permet de saisir les attitudes naturelles plutôt que des poses figées. Ses sujets reviennent souvent : chevaux au repos, sangliers massifs, oiseaux au plumage simplifié. Il cherche moins le détail anatomique que l’équilibre général de la forme.

Ses sculptures se distinguent par des volumes clairs et lisibles. Les surfaces sont lisses, les lignes continues, avec peu d’effets décoratifs. Cette manière doit beaucoup à l’exemple de François Pompon, dont il est proche, et plus largement au courant de la sculpture animalière moderne des années 1920-1930. On retrouve aussi l’influence du milieu parisien des arts décoratifs, fréquenté lorsqu’il travaille dans l’atelier des frères Martel.

Pierre Blanc utilise des techniques variées selon les projets : grès de Sèvres, terre cuite, plâtre patiné et surtout le bronze. Pour ce dernier, il collabore régulièrement avec la fonderie Pastori à Genève, qui réalise des fontes à la cire perdue de bonne qualité. Certaines pièces sont éditées en petites séries, comme le modèle du « Pigeon boulant » diffusé des années 1930 aux années 1950.

Son œuvre reste fidèle à une idée simple : produire des sculptures destinées aux intérieurs, de taille mesurée, faciles à placer.

La cote de Pierre Blanc sur le marché de l’art

La cote de Pierre Blanc se situe surtout sur le marché de la sculpture animalière du XXᵉ siècle. Les bronzes constituent le segment le plus recherché, en particulier les fontes réalisées par la fonderie Pastori à Genève. Selon le modèle et les dimensions, les prix observés en vente publique se placent le plus souvent entre 800 € et 3 500 €. Les pièces de petit format, comme certains oiseaux ou études de chevaux, tournent plutôt autour de 600 € à 1 200 €, tandis que les sujets plus importants peuvent dépasser 4 000 € lorsqu’ils sont bien conservés et signés.

Parmi les résultats représentatifs, un « Sanglier » en bronze a été adjugé autour de 2 800 €, un « Cheval au pas » a atteint 3 200 €, et un « Pigeon boulant » issu d’une édition des années 1930-1950 s’est vendu près de 1 100 €. Les terres cuites et les plâtres patinés restent plus accessibles, généralement entre 300 € et 900 € selon l’état.

Dans une estimation, les points essentiels sont la signature, la qualité de la fonte, la patine d’origine et la présence d’une marque de fonderie. Les modèles connus et les tirages anciens conservent la meilleure valeur.

 

(Illus.) Sculpture bronze Pierre Blanc

En lien avec Pierre Blanc

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

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Estimation gratuite Federico Greca

Federico Greca

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Estimation et cote de l’artiste Federico Greca

Federico Greca est un designer contemporain reconnu pour ses créations aux formes géométriques affirmées. Il travaille principalement le bois laqué et des matériaux modernes, avec l’idée de concevoir des meubles à la fois graphiques et réellement utilisables. Ses fauteuils Ettore, aux lignes nettes et aux couleurs franches, illustrent bien ce style sobre et personnel.

Estimation gratuite Federico Greca

Prix des œuvres de Federico Greca

  • Mobilier design - entre 200 € et 2 500 000 €

Vous possédez un meuble, une série limitée ou une œuvre signée Federico Greca ? Pour connaître sa valeur réelle en toute simplicité, faites appel à Estimon’objet. Nos commissaires-priseurs spécialisés évaluent votre pièce avec précision, gratuité et confidentialité, dans un délai réduit — garantissant une estimation fiable pour assurance, revente ou curiosité patrimoniale.

Federico Greca : créateur visuel au style affirmé

Federico Greca travaille dans le design contemporain avec des formes simples et des matériaux lisibles. Ses meubles cherchent d’abord à être utilisés, avec une attention portée aux proportions et aux finitions. Diffusé de manière assez confidentielle, son travail circule surtout auprès d’amateurs qui s’intéressent aux pièces de caractère plus qu’aux signatures médiatiques.

Style et approche artistique du designer Federico Greca

L’œuvre de Greca se caractérise par plusieurs éléments : 

  • Design équilibré : Greca retranscrit un graphisme rigoureux à travers des volumes imposants et des contrastes visuels marqués.

  • Matériaux haut de gamme : bois laqué, velours, finitions sophistiquées confèrent à ses réalisations un luxe discret.

  • Édition limitée : de nombreux objets sont produits en petites séries, ce qui renforce leur attrait chez les collectionneurs avertis.

Réputation et reconnaissance de Federico Greca

Greca n’est pas présent dans les grandes rétrospectives d’art institutionnelles, mais sa production est prisée pour son originalité et son audace esthétique. Ses pièces se distinguent dans les ventes spécialisées en design contemporain, attirant amateurs de design et décorateurs d’intérieur.

La cote de Federico Greca sur le marché de l’art

Federico Greca développe un design contemporain aux formes nettes et aux volumes affirmés. Ses fauteuils et ses pièces de mobilier reposent sur des lignes claires, des matériaux visibles et une fabrication soignée. Ses créations circulent surtout auprès d’amateurs qui recherchent des objets de caractère, pensés pour un usage réel plus que pour l’effet de signature.

Sur le marché, la cote de Federico Greca reste assez variable selon les modèles et les circuits de vente. En galerie ou en vente privée, certaines pièces peuvent se situer entre 1 600 € et 4 100 €, tandis qu’aux enchères les résultats sont souvent plus mesurés, avec des adjudications observées autour de 600 € pour un fauteuil Ettore, et des estimations généralement comprises entre 200 € et 3 000 € selon l’édition et l’état.

Estimon’objet vous accompagne pour l’estimation de vos pièces signées Federico Greca. Nos experts examinent le modèle, les matériaux, l’édition et la conservation afin de vous donner une valeur fiable, utile pour une vente, une assurance ou une simple information.

(Illus.) Federico Greca, Fauteuil dit « Ettore

En lien avec Federico Greca

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Estimation gratuite Georges Falkenberg

Georges Falkenberg

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Estimation et cote de l’artiste Georges Falkenberg

Georges Falkenberg (actif entre 1894 et 1928) est un orfèvre français renommé pour son travail en argent massif, à la croisée des styles Empire, Consulat, et Art déco. Ses créations, souvent poinçonnées « minerve », témoignent d’un savoir-faire raffiné qui réunit élégance et créativité.

Estimation gratuite Georges Falkenberg

Prix des œuvres de Georges Falkenberg

  • Chocolatière ou saucière Empire - entre 650 € et 1 280 €

  • Suite de plats en argent massif - entre 800 € et 1 000 €

  • Couverts en argent massif - entre 700 € et 1 200€

Vous possédez un objet en argent signé Georges Falkenberg ou présentant un poinçon minerve ? Faites confiance à Estimon’objet : notre équipe de commissaires-priseurs spécialisés garantit une estimation gratuite, précise et confidentielle, en quelques jours seulement. Simple, fiable, efficace.

Georges Falkenberg : orfèvre à Paris à la Belle Époque

Georges Falkenberg a exercé comme maître orfèvre à Paris entre 1894 et 1928, comme en témoignent ses œuvres poinçonnées de la tête de Minerve. Il appartenait à une génération d’artisans raffinés, travaillant l’argenterie de prestige, combinant la tradition orfèvre Empire/Consulat et l’élégance Art déco.

Style et techniques artistiques de Georges Falkenberg

L’œuvre de Falkenberg se caractérise par plusieurs éléments devenus emblématiques :

  • Matière et finition : argent massif avec poinçon minerve, soulignant l’authenticité et la qualité du travail.

  • Design : influences Empire (formes classiques, lignes pures), Consulat (ornementations raffinées), et passage vers Art déco (formes plus stylisées, sobriété).

  • Objets emblématiques : chocolatières, saucières, caches-pots, ensembles de couverts, plats aux contours chantournés et frises travaillées.

Renommée et reconnaissance pour la maison Falkenberg

Rarement mentionné dans l’histoire de l’art comme figure majeure, Falkenberg est néanmoins apprécié par les amateurs d’arts décoratifs anciens pour la précision de son travail, la signature fiable (poinçon minerve) et la qualité des métaux utilisés.

La cote de Georges Falkenberg sur le marché de l’art

Voici quelques exemples récents illustrant la valeur des pièces de Falkenberg :

  • Lot 228 — Ensemble de couverts en argent et nacre : estimé 800–1 200 €, adjugé à 1 030 €
  • Saucière double Empire (Artdecor) : en vente à 650 € pour un objet raffiné et en très bon état
  • Chocolatière en argent massif : proposée à 1 280 € 
  • Suite de deux plats en argent (Marseille, Juillet 2025) : estimation 800–1 000 €
  • Chocolatière mise aux enchères sur Barnebys (style années 1920) : estimation autour de 750 €

Georges Falkenberg, orfèvre parisien de la fin du XIXᵉ – début XXᵉ siècle, propose un bel exemple d’artisanat en argent mêlant tradition et modernité. Ses œuvres, souvent signées et de belle facture, sont recherchées par les collectionneurs d’arts décoratifs. Les prix, allant de quelques centaines à un millier d’euros, reflètent la qualité et la rareté de ces objets anciens.

Estimon’objet vous accompagne pour estimer vos pièces avec soin, expertise et transparence. N’hésitez pas à nous contacter pour une estimation gratuite et confidentielle : c’est simple, rapide et fiable ! Pourquoi faire expertiser un objet Georges Falkenberg via Estimon’objet ?

  • Expertise de qualité : une équipe compétente en orfèvrerie ancienne garantit une évaluation juste, basée sur les ventes récentes.
  • Processus simplifié : estimation gratuite, rapide, confidentielle, à distance ou avec accompagnement.
  • Confiance et sécurité : vous bénéficiez d’un appui professionnel pour envisager une vente ou une assurance.

(Illus.) Georges Falkenberg, plat en argent massif

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Estimation gratuite Cesar Putzeys

César Putzeys

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Estimation et cote de l’artiste César Putzeys

César Putzeys (1929-1999) est un designer actif dans la seconde moitié du XXᵉ siècle, associé à la maison Verre Lumière. Il conçoit des suspensions et des appliques en verre et métal, reconnues pour la qualité de fabrication et le soin apporté à la diffusion de la lumière. Ses modèles, très présents dans les intérieurs des années 1960-1980, restent aujourd’hui recherchés pour leurs lignes simples et leur usage toujours actuel.

Estimation gratuite Cesar Putzeys

Prix des œuvres de César Putzeys

  • Luminaire - entre 200 € et 1 000 €

  • Appliques ou mobilier - entre 100 € et 800 €

Vous possédez une lampe, suspension ou applique signée César Putzeys (Verre Lumière) ? Faites estimer votre objet par Estimon’objet, plateforme d’expertise en ligne. Nos commissaires-priseurs spécialisés garantissent une estimation gratuite, précise et confidentielle, sous quelques jours seulement — un service fiable pour assurance, revente ou simple curiosité patrimoniale.

César Putzeys : créateur lumière au style universel

Designer actif au sein de Verre Lumière à Paris dès les années 1960, César Putzeys signe des luminaires emblématiques mêlant verre, aluminium et électricité moderne. Ses pièces, souvent repérées dans des expositions comme Lumières je pense à vous au Centre Pompidou (1985), traduisent un langage formel épuré et maîtrise technique

Style et caractéristiques des œuvres

Le travail de César Putzeys repose d’abord sur des choix de matériaux simples : aluminium, verre soufflé et systèmes d’éclairage halogène. Ses luminaires associent une structure métallique sobre à des verres travaillés pour diffuser la lumière sans éblouir.

Les formes restent mesurées, avec des proportions pensées pour des intérieurs des années 1960-1980. Suspensions et appliques se distinguent par des lignes lisibles et des montages techniques accessibles, ce qui explique leur bonne tenue dans le temps.

Éditées par Verre Lumière, ces pièces ont été produites avec un réel soin de fabrication. 

Rayonnement et reconnaissance de César Putzeys

Les luminaires et lampes de César Putzeys occupent une place reconnue dans la production française d’après-guerre. Ils intéressent aujourd’hui les amateurs de design pour leur qualité de fabrication et pour le rôle qu’ils ont joué dans l’évolution de l’éclairage domestique.

Ses pièces apparaissent régulièrement dans des ventes spécialisées consacrées aux années 1960-1980, aux côtés d’autres créations Verre Lumière. Elles sont aussi citées dans des sélections et expositions dédiées à l’histoire du luminaire français.

La cote de César Putzeys sur le marché de l’art

De manière générale, la cote de Putzeys reste accessible, le plus souvent entre 400 € et 800 € pour des suspensions ou appliques courantes, avec des variations selon le modèle, l’état du verre, l’électrification d’origine et la présence d’une étiquette Verre Lumière. Ce marché mesuré laisse encore une marge d’évolution pour les pièces complètes et bien conservées.

Ses créations, visions lumineuses et modernes, séduisent aujourd’hui les amateurs d’esthétique mid-century et de design industriel raffiné. 

Quelques ventes marquantes récentes de César Putzeys :

  • Suspension halogène Verre Lumière en aluminium anodisé (circa 1966) : estimation 500 € – 600 €, mise aux enchères à Marseille le 9 juillet 2025

  • Applique murale signée “César Putzeys” (catalogue Verre Lumière, circa 1970) : référence bibliographique dans l’exposition Lumières je pense à vous au Centre Pompidou (1985)

Bien que peu de ventes publiques soient documentées, ces exemples illustrent un marché encore accessible, mais en plein potentiel d’appréciation parmi les amateurs de luminaires d’auteur.

(Illus.) César PUTZEYS (1929-1999) Suspension à éclairage halogène

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Estimation gratuite Charles Catteau

Charles Catteau

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Estimation et cote de l’artiste Charles Catteau

Charles Catteau (1880-1966) est un céramiste et décorateur français incontournable de l’Art déco. Ses créations réalisées principalement pour la manufacture Boch Frères Keramis, en Belgique, sont aujourd’hui prisées par les collectionneurs du monde entier. Célèbre pour ses vases aux motifs géométriques et floraux, Catteau a marqué l’histoire des arts décoratifs du XXᵉ siècle par une modernité intemporelle.

Estimation gratuite Charles Catteau

Prix des œuvres de Charles Catteau

  • Vases et céramiques monumentales - entre 5 000 € et 80 000 €

  • Pièces de série courante - entre 500 € et 5 000 €

  • Émaux rares et modèles exceptionnels - jusqu’à 100 000 € et plus

Vous possédez un vase, une céramique ou un objet signé Charles Catteau et souhaitez en connaître la valeur ? Faites estimer votre pièce en toute simplicité grâce à Estimon’objet. Notre équipe de commissaires-priseurs et d’experts spécialisés dans les arts décoratifs vous garantit une estimation gratuite, précise et confidentielle, réalisée en quelques jours seulement.

 

Charles Catteau, un créateur au cœur de l’Art déco

Né en 1880 à Douai, dans le nord de la France, Charles Catteau se forme très tôt aux arts décoratifs. Diplômé de l’École nationale de céramique de Sèvres, il intègre en 1906 la manufacture Boch Frères Keramis, située à La Louvière en Belgique. Très rapidement, il prend la tête de l’atelier de décoration, où il restera actif jusqu’en 1950. C’est là qu’il développe son style unique, qui allie tradition artisanale et innovation esthétique. Inspiré par les grands courants de son époque (Art nouveau, cubisme, arts africains et japonais…),  Catteau transpose dans ses céramiques un langage visuel moderne et audacieux.

L’univers décoratif de Catteau

Les créations de Charles Catteau se distinguent par plusieurs caractéristiques fortes :

  • Des motifs géométriques et stylisés : triangles, chevrons, cercles et spirales se déploient en compositions dynamiques.

  • Une nature sublimée : fleurs, oiseaux, félins et insectes sont réinterprétés avec une élégance stylisée, souvent rehaussés d’émaux colorés.

  • Des contrastes chromatiques : Catteau excelle dans l’association des teintes franches et vives, parfois relevées d’or ou de noir profond.

  • Une grande diversité de formes : vases ovoïdes, cruches élancées, assiettes décoratives ou pièces monumentales, chaque création est pensée comme une œuvre d’art à part entière.

Ces éléments font de son œuvre un symbole de l’Art déco international, recherché aussi bien en Europe qu’aux États-Unis et en Asie.

Une carrière marquée par l’innovation

Tout au long de sa carrière, Charles Catteau ne cesse d’expérimenter : nouvelles techniques d’émaillage, recherches de textures, jeux de reliefs et finitions variées. Il a su s’entourer d’une équipe talentueuse, donnant naissance à des séries où la créativité rivalise avec la maîtrise technique. Ses œuvres sont régulièrement présentées lors des expositions internationales, notamment l’Exposition des Arts décoratifs et industriels modernes de Paris en 1925, où son nom s’impose parmi les grands créateurs de l’Art déco. Aujourd’hui, ses pièces sont conservées dans de nombreux musées, comme le Keramis – Centre de la Céramique de La Louvière, mais aussi dans des collections privées prestigieuses.

Charles Catteau sur le marché de l’art

La cote de Charles Catteau est en constante progression depuis plusieurs décennies. Ses œuvres séduisent un large public de collectionneurs passionnés d’Art déco, et les grandes maisons de ventes aux enchères lui consacrent régulièrement des catalogues spécialisés. Voici quelques ventes marquantes :

  • Un vase en grès émaillé à décor de panthères stylisées, 47 cm, adjugé 87 500 € 

  • Un vase monumental en grès polychrome, décor floral géométrisé, vendu 61 000 € 

  • Une cruche décorée d’oiseaux exotiques aux émaux vifs, adjugée 18 000 € en 2018.

  • Des vases de taille moyenne, typiques de l’atelier Boch Frères Keramis, se vendent régulièrement entre 1 000 € et 8 000 € selon leur rareté.

Si vous possédez une œuvre de Charles Catteau (vase, assiette décorative, cruche ou céramique monumentale) et que vous souhaitez en connaître la valeur, faites appel à Estimon’objet. Notre équipe d’experts réalise pour vous une estimation rapide, fiable et confidentielle, adaptée aux réalités du marché de l’art actuel. Grâce à notre expertise et à notre réseau de partenaires dans le monde des enchères, nous vous accompagnons dans la mise en vente de vos objets afin d’en obtenir le meilleur prix. 

(Illus.) Charles CATTEAU (1880- 1966) Vase monté en pied lampe Épreuve en céramique émaillé

Reconnaître la signature de Charles Catteau

Savoir reconnaître la signature de Charles Catteau est indispensable pour authentifier une céramique de cet artiste majeur de l’Art déco, directeur artistique des ateliers Boch Frères à La Louvière entre 1907 et 1948. Les œuvres de Charles Catteau, notamment les vases, coupes et grès émaillés produits pour Boch Frères Keramis, portent généralement une signature située sous la base, composée du monogramme incisé « Ch. Catteau » ou simplement « Catteau », accompagné du cachet « Boch Frères » ou « Keramis », ainsi que d’un numéro de forme et parfois d’un numéro de décor. Ces inscriptions, réalisées avant cuisson, présentent une écriture cursive précise et légèrement inclinée. Sur des modèles emblématiques comme le vase décoré de paons vers 1925 ou les vases géométriques et animaliers exposés au Musée Keramis et passés en ventes publiques, la signature et les références techniques constituent des éléments essentiels pour l’identification. Certaines pièces portent également le tampon circulaire « Keramis » avec trois tours stylisées, caractéristique de la manufacture. Dans un marché très actif où les céramiques Art déco de Charles Catteau atteignent des résultats élevés, la vérification de la signature et des marques d’atelier est déterminante. Les experts d’Estimon’Objet vous accompagnent dans l’authentification et l’estimation de vos céramiques signées Charles Catteau afin d’en déterminer la valeur sur le marché des arts décoratifs du XXe siècle.

Signature Charles Catteau
Expertise signature Charles Catteau

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Estimation gratuite Robert Tatin

Robert Tatin

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Estimation et cote de l’artiste Robert Tatin

Robert Tatin (1902-1983) est un peintre et sculpteur français au parcours atypique. Il travaille la toile, la céramique et surtout la sculpture en ciment peint, avec des formes très directes et un imaginaire personnel nourri de voyages et de lectures. Son œuvre la plus connue reste l’ensemble qu’il a construit à Cossé-le-Vivien, devenu le Musée Robert Tatin, lieu conçu comme une création artistique à part entière.

Estimation gratuite Robert Tatin

Prix des œuvres de Robert Tatin

  • Peintures - entre 2 000 € et 40 000 €

  • Dessins et gouaches - entre 500 € et 8 000 €

  • Sculptures et céramiques - entre 1 000 € et 20 000 €

Vous possédez une peinture, une céramique ou une sculpture de Robert Tatin et souhaitez en connaître la valeur ? Faites estimer votre œuvre en toute simplicité grâce à Estimon’objet. Nos commissaires-priseurs et experts en art vous garantissent une estimation gratuite, précise et confidentielle en seulement quelques jours. Qu’il s’agisse d’un tableau surréaliste, d’une céramique ou d’une pièce sculptée provenant de son univers, notre expertise vous accompagne dans la vente ou l’assurance de vos biens.

Robert Tatin, un artiste hors norme

Né en 1902 à Laval, Robert Tatin grandit dans un milieu modeste et s’intéresse au dessin et à l’artisanat. Il suit un apprentissage de peintre-décorateur, puis entreprend plusieurs voyages en Europe avant de s’installer à Paris dans les années 1930. Dans la capitale, il fréquente des artistes comme Jean Dubuffet et Gaston Chaissac, rencontres qui comptent dans son parcours et l’encouragent à travailler en dehors des cadres académiques.

Après la Seconde Guerre mondiale, Robert Tatin se tourne vers la céramique et s’installe en Bretagne pour développer cette pratique. Ses créations, marquées par des couleurs vives et des formes très affirmées, attirent l’attention du public. À partir de cette période, il expose en France mais aussi au Japon et au Brésil, où son travail commence à être suivi par des collectionneurs.

La quête d’un univers total : le Musée Robert Tatin

En 1962, Robert Tatin achète une ancienne ferme en Mayenne et décide d’y réaliser son œuvre ultime : un musée-jardin monumental. Pendant plus de vingt ans, il érige, sculpte et peint des dizaines de statues et fresques, inspirées à la fois des mythes universels, du bouddhisme, du christianisme et de l’art primitif. Parmi les réalisations majeures de ce lieu unique :

  • L’Allée des Géants : une procession de sculptures monumentales représentant les grandes figures artistiques qui ont marqué Tatin (Picasso, Léonard de Vinci, Van Gogh…).

  • La Maison des Champs : espace de vie et de création de l’artiste, transformé en lieu de mémoire.

  • La Porte des Géants : un ensemble monumental symbolisant la rencontre entre Orient et Occident.

Ce site, aujourd’hui classé, est reconnu comme l’un des ensembles artistiques les plus singuliers du XXe siècle en France, et attire chaque année des milliers de visiteurs.

L’art de Robert Tatin : entre surréalisme et art brut

Le travail de Robert Tatin repose sur un ensemble de thèmes récurrents. Les figures et les motifs qu’il utilise renvoient souvent à des récits mythologiques ou à des références spirituelles, sans chercher une explication unique. Ses voyages en Asie et en Amérique latine laissent aussi des traces visibles dans ses formes et ses personnages.

Tatin veut un art compréhensible par tous. Ses œuvres sont souvent monumentales, mais elles restent proches de l’art populaire par leurs couleurs franches et leurs sujets faciles à lire. Peintures et dessins naviguent entre figuration et abstraction, avec des visages simplifiés, des animaux et des personnages inventés.

Ses céramiques et ses sculptures, couvertes de teintes vives, constituent une part importante de sa production. Elles intéressent aujourd’hui les amateurs d’art moderne et d’art singulier pour leur aspect direct et leur forte présence.

Robert Tatin sur la scène artistique internationale

Si Robert Tatin reste aujourd’hui intimement associé à son musée en Mayenne, il a bénéficié de nombreuses expositions de son vivant : à Paris, à Tokyo, à São Paulo ou encore à New York. Ses œuvres ont intégré des collections publiques et privées, et son nom figure parmi les artistes français singuliers dont la cote continue d’évoluer.

Cote et marché des œuvres de Robert Tatin

La cote de Robert Tatin connaît un regain d’intérêt grâce à l’attrait pour les artistes marginaux et l’art singulier. Ses peintures et sculptures suscitent l’intérêt des collectionneurs recherchant des œuvres originales, chargées de symbolisme. Quelques ventes marquantes :

  • « Composition surréaliste », huile sur toile, vendue 24 000 € en 2019

  • « Personnage mythologique », sculpture en terre cuite polychrome, adjugée 12 500 € en 2021.

  • « Gouache sur papier », années 1950, vendue 3 800 € en 2020.

Les œuvres majeures, notamment celles liées à son cycle monumental ou provenant de collections reconnues, peuvent dépasser largement les 30 000 à 40 000 euros. 

Vous souhaitez vendre une peinture, une céramique ou une sculpture de Robert Tatin ? Grâce à Estimon’objet, vous bénéficiez d’une expertise reconnue et de la force d’un réseau de commissaires-priseurs et d’experts spécialisés. Notre objectif : vous garantir une estimation sérieuse et un accompagnement sur-mesure pour mettre en valeur vos œuvres. Demandez dès aujourd’hui une estimation gratuite en ligne de votre œuvre de Robert Tatin et profitez de notre savoir-faire pour concrétiser votre projet en toute sérénité.

(Illus.) Robert TATIN (1902-1983) Vase dit Visage Épreuve en terre cuite vernissée Signé

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Estimation gratuite Alice Gavalet

Alice Gavalet

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Estimation et cote de l’artiste Alice Gavalet

Alice Gavalet (1978-) est une artiste contemporaine française, connue pour son travail autour de la céramique et de la couleur. Elle a développé son propre langage artistique, véritable alliance du design et de la sculpture.

Estimation gratuite Alice Gavalet

Prix des œuvres d'Alice Gavalet

  • Céramiques - entre 800 € et 8 000 €

  • Sculptures - entre 1 500 € et 15 000 €

  • Objets décoratifs / éditions limitées - entre 500 € et 3 500 €.

Vous possédez une céramique, une sculpture ou un objet décoratif signé Alice Gavalet et souhaitez en connaître la valeur ? Faites appel à Estimon’objet, la référence en expertise en ligne. Nos commissaires-priseurs et spécialistes du marché de l’art vous garantissent une estimation précise et documentée, un service gratuit, rapide et confidentiel, un accompagnement pour vente aux enchères, succession ou assurance. L’estimation d’une œuvre d’Alice Gavalet dépend de plusieurs critères : la rareté de la pièce, sa taille, son état de conservation, son année de création, ainsi que sa provenance.

Alice Gavalet, une céramiste entre héritage et modernité

Née en 1978, Alice Gavalet s’oriente très tôt vers les arts appliqués et la céramique, domaine où elle exprime pleinement sa sensibilité artistique. Formée dans les grandes écoles françaises et nourrie par une passion pour la couleur et les volumes, elle développe une écriture artistique reconnaissable. Ses œuvres sont caractérisées par :

  • Un goût pour la couleur : souvent vives, franches ou contrastées, elles confèrent à ses créations une énergie contemporaine.

  • Un travail sur le volume : Gavalet joue des formes géométriques et organiques. Le résultat ? Des pièces sculpturales qui dépassent leur fonction d’objet de décoration.

  • Une recherche entre artisanat et design : ses réalisations dialoguent avec l’histoire de la céramique française, tout en s’inscrivant dans une esthétique actuelle, parfois proche du design.

Alice Gavalet est également la fille de Jean Gavalet, figure reconnue de la céramique française du XXe siècle, ce qui confère à son œuvre une continuité familiale et artistique… Mais en gardant sa propre identité.

Les créations d’Alice Gavalet

Alice Gavalet a réalisé de nombreuses pièces remarquables, allant de la céramique utilitaire revisitée aux pièces monumentales exposées dans des galeries et institutions. Elle collabore avec des architectes et décorateurs, intégrant ses œuvres dans des projets d’intérieur et de scénographie. Son travail se distingue notamment par :

  • Des formes sculpturales audacieuses, parfois asymétriques, qui réinventent la perception de la céramique.

  • Des émaux originaux, jouant sur les brillances, les mats et les textures.

  • Des collections contemporaines, éditées en petites séries ou uniques, destinées à séduire collectionneurs, amateurs d’art décoratif et institutions.

Une carrière entre ateliers, galeries et expositions

L’œuvre d’Alice Gavalet a été présentée dans plusieurs galeries spécialisées en céramique contemporaine, en France et à l’étranger. Ses pièces sont régulièrement exposées lors de salons d’art et de design, ce qui contribue à la reconnaissance de son travail dans un marché de plus en plus sensible à la céramique contemporaine.

Cote des œuvres d’Alice Gavalet sur le marché de l’art

La cote d’Alice Gavalet connaît un intérêt croissant. L’essor de la céramique contemporaine sur le marché international a entraîné une revalorisation de ses œuvres, recherchées pour leur modernité et leur rareté. Voici quelques ventes marquantes :

  • Sculpture en céramique polychrome, adjugée 11 500 € 

  • Vase monumental signé Alice Gavalet, vendu 7 200 € 

  • Ensemble de trois céramiques décoratives, estimé 3 000 € – 4 000 €, adjugé 3 800 € en 2020.

Vous possédez une œuvre d’Alice Gavalet ? Que ce soit pour une succession, une vente ou une assurance, Estimon’objet est votre partenaire privilégié. Nos experts vous fournissent une estimation fiable et adaptée au marché actuel. Demandez dès maintenant votre estimation gratuite et confidentielle sur notre site et découvrez la valeur réelle de vos œuvres.

(Illus.) Alice GAVALET (1978) Vase Céramique Cachet Gavalet sur le coté

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Estimation gratuite Bruno Gambone

Bruno Gambone

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Estimation et cote de l’artiste Bruno Gambone

Bruno Gambone (1936-2021) est un artiste italien reconnu pour son rôle majeur dans le renouveau de la céramique contemporaine, mais également pour son activité de peintre, sculpteur et designer. Héritier d’une grande tradition artistique, il s’est imposé comme un artiste incontournable du XXe siècle, portant plus loin l’héritage de son père, Guido Gambone, tout en développant une identité propre. 

Estimation gratuite Bruno Gambone

Prix des œuvres de Bruno Gambone

  • Céramiques - entre 500 € et 15 000 € selon le format, la rareté et l’époque.

  • Sculptures - entre 2 000 € et 25 000 €.

  • Dessin ou œuvre sur papier - entre 300 € et 5 000 €.

  • Mobilier et design - certaines pièces peuvent dépasser les 20 000 € selon leur provenance et leur état de conservation.

Vous possédez une céramique, une sculpture ou un dessin de Bruno Gambone et souhaitez en connaître la valeur ? Faites estimer votre œuvre en toute simplicité grâce à Estimon’objet. Notre équipe de commissaires-priseurs et d’experts en art moderne et contemporain vous garantit une estimation gratuite, précise et confidentielle en quelques jours seulement. Que vous déteniez un vase en céramique, une pièce de mobilier ou une œuvre sculptée signée de Bruno Gambone, notre service vous permet d’obtenir une expertise fiable et un accompagnement pour la mise en vente, aux enchères ou de gré à gré.

Bruno Gambone, héritier et créateur indépendant

Né en 1936 à Vietri sul Mare, en Campanie, Bruno Gambone grandit dans l’atelier de son père, Guido Gambone, l’un des plus grands céramistes italiens du XXe siècle. Très tôt, il se familiarise avec les arts du feu, mais choisit d’élargir son horizon artistique. Dans les années 1960, il s’installe à New York où il fréquente des artistes majeurs de la scène internationale tels que Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein ou encore Andy Warhol. Cette immersion dans le milieu de l’avant-garde new-yorkaise marque profondément son approche : Gambone ne se limite plus à la céramique mais explore la peinture, la sculpture et le design. En 1969, après le décès de son père, il retourne en Italie et reprend l’atelier familial de Florence. Il y réinvente la céramique en privilégiant des formes épurées et géométriques, rompant avec l’aspect décoratif pour tendre vers un langage artistique plus conceptuel.

Les caractéristiques de l'oeuvre de Bruno Gambone

Les créations de Bruno Gambone se distinguent par :

  • Une esthétique minimaliste : vases, assiettes et sculptures jouent sur des lignes simples et des volumes purs.

  • Des surfaces sobres et élégantes : ses céramiques privilégient des teintes neutres, souvent blanches, grises ou sable, parfois rehaussées de motifs géométriques noirs ou colorés.

  • Une modernité intemporelle : ses œuvres dialoguent autant avec la tradition artisanale italienne qu’avec le design contemporain.

  • Une pluridisciplinarité assumée : Gambone ne se limite pas à la céramique, il crée aussi des sculptures en métal, des dessins et des pièces de mobilier.

Une carrière internationale

Le travail de Bruno Gambone a été exposé dans de nombreuses galeries et institutions en Italie, en Europe et aux États-Unis. Ses œuvres sont présentes dans des musées prestigieux, parmi lesquels le Victoria and Albert Museum de Londres, le Musée de la Céramique de Faenza, ou encore le Metropolitan Museum of Art de New York. Sa carrière témoigne de la rencontre réussie entre l’héritage artisanal et l’avant-garde artistique. Cet équilibre explique l’intérêt croissant des collectionneurs pour ses œuvres, particulièrement depuis sa disparition en 2021 qui a contribué à renforcer sa cote sur le marché de l’art.

Cote des œuvres de Bruno Gambone sur le marché de l’art

La cote de Bruno Gambone connaît une forte progression depuis quelques années. Ses céramiques, en particulier celles des années 1970-1980, attirent un public international séduit par leur pureté formelle et leur intemporalité. Les collectionneurs italiens, américains et japonais sont particulièrement actifs sur ce marché. Voici quelques résultats de ventes marquants :

  • Vase en céramique blanche et noire, années 1970, adjugé 9 375 € 

  • Sculpture en céramique polychrome, hauteur 45 cm, vendue 12 500 € en 2022.

  • Ensemble de quatre vases minimalistes en céramique, Florence, années 1980, vendu 18 000 € 

  • Table basse en céramique et métal, design unique, adjugée 22 000 € en 2024.

Vous possédez une céramique, une sculpture ou une œuvre de Bruno Gambone ? Confiez votre demande d’estimation à Estimon’objet. Nos experts en art contemporain et design vous accompagnent dans l’évaluation et la mise en vente de votre bien. Grâce à notre expertise, vous bénéficiez d’une estimation fiable, rapide et confidentielle, adaptée aux tendances actuelles du marché de l’art.

(Illus.) Bruno GAMBONE (1936) coupe Céramique Signé

Reconnaître la signature de Bruno Gambone

Savoir reconnaître la signature de Bruno Gambone est indispensable pour authentifier une œuvre de ce céramiste italien majeur, figure incontournable du design et de la céramique contemporaine à Florence. Fils du célèbre Guido Gambone, Bruno Gambone développe dès les années 1960 un style épuré et architectural, caractérisé par des formes sobres et des surfaces mates aux tons blancs, gris ou noirs. Il signe généralement ses pièces « Gambone », « Bruno Gambone » ou plus simplement « B. Gambone », le plus souvent incisé ou gravé sous la base avant cuisson. Sur certains vases cylindriques minimalistes ou sculptures géométriques présentés dans des galeries internationales et vendus chez Sotheby’s ou Phillips, la signature apparaît accompagnée de la mention « Italy » ou « Firenze ». L’écriture est sobre, régulière, souvent en capitales simples, parfaitement intégrée à la pâte. L’authenticité de cette signature est essentielle sur un marché où les œuvres de Bruno Gambone peuvent atteindre plusieurs milliers d’euros selon la rareté du modèle et la période de création. Sur Estimon’Objet, nos experts en céramique et design italien vous accompagnent dans l’identification, l’authentification et l’estimation de vos pièces signées Bruno Gambone afin d’en déterminer la valeur exacte sur le marché de l’art.

Signature Bruno Gambone
Expertise signature Bruno Gambone

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Estimation gratuite Danilo Curetti

Danillo Curetti

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Estimation et cote de l’artiste Danillo Curetti

Danilo (Danillo) Curetti (1953–1993) est un artiste céramiste d’origine suisse dont le travail a insufflé un souffle moderniste aux faïenceries de Longwy durant les années 1980. Ses formes puissantes (comme les fameuses « colonial balls ») et ses décors Art déco stylisés ont fait de lui une figure incontournable de la céramique contemporaine.

Estimation gratuite Danilo Curetti

Prix des œuvres de Danillo Curetti

  • Vases courants (édition limitée) - entre 500 € et 3 000 €

  • Sculpture ou Grandes pièces ou éditions spéciales (ex. motifs Iceberg, Panthère) - entre 1 500 € et 5 000 €éramique décorative - entre 1 200 € et 15 000 €

  • Pièces monumentales ou rares - jusqu’à 8 000 €

Vous possédez un vase ou un objet en céramique de Danilo Curetti et souhaitez en connaître la valeur ? Faites confiance à Estimon’objet, la plateforme d’expertise en ligne de référence. Nos commissaires-priseurs spécialisés dans les arts décoratifs vous proposent une estimation gratuite, rapide et confidentielle, basée sur le modèle, la signature, l’émail, l’état et les références aux ventes récentes.

Danillo Curetti : un souffle Art déco à Longwy

Né en 1953, Danillo Curetti rejoint les faïenceries de Longwy en 1983. Il repense les vases traditionnels, notamment la « colonial ball », en y imprimant un style résolument Art déco. Il crée des motifs emblématiques : Panthères, Zodiaques, Iceberg, Eiffel Tower, mais aussi des thèmes plus personnels comme Paul & Virginie, ou Marylin Ball, souvent en version émaillée raffinée et dorée. Ses pièces étaient produites en éditions limitées, signées et numérotées. En 1989, il quitte temporairement Longwy pour fonder sa propre fabrique en Suisse, puis revient en 1991 à Longwy appelé par les nouveaux propriétaires Kostka. Il poursuit la création de faïences jusqu’à sa disparition prématurée en 1993, laissant derrière lui un héritage esthétique marqué par l’Art déco modernisé.

Le style de céramiques de Danillo Curetti

Le style de Danillo Curetti se distingue par :

  • Motifs décoratifs Art déco audacieux : panthères, zodiac, paquebots, paysages stylisés, combinant couleur et dorure.

  • Formes emblématiques : surtout la « colonial ball », ronde et imposante, mais aussi des gobelets ou formes « Marylin ».

  • Technique du décor émaillé : maîtrise des émaux colorés, grandes surfaces lisses et aplats vibrants, souvent rehaussés de touches dorées.

  • Format limité : chaque référence est produite en séries limitées, assurant rareté et attractivité auprès des collectionneurs.

Ses pièces, encore disponibles dans les collections Longwy actuelles (« Curetti Recoloré »), témoignent de son influence durable dans le design céramique contemporain.

Cote des œuvres de Danillo Curetti sur le marché de l’art

Les ventes aux enchères permettent de situer la valeur de ses œuvres, souvent estimées puis adjugées dans les fourchettes suivantes :

  • Lot « Perles de rosée » (Longwy, modèle Tubulaire) : estimation 230 € – 300 €

  • Vase « Banquise » (édition limitée, Longwy) :  1 700 €.

  • Vase Curetti pour Longwy vendu à environ 3 800 € 

Vous détenez un vase ou un objet en céramique de Danillo Curetti ? Faites estimer votre pièce avec Estimon’objet :

  • Une estimation gratuite, rapide et confidentielle par des commissaires-priseurs spécialisés en arts décoratifs.

  • Une analyse experte basée sur l’édition, le décor, l’état, la provenance et les ventes récentes.

  • Des conseils personnalisés pour maximiser vos chances de vente (que ce soit en salle ou auprès de collectionneurs privés).

(Illus.) Danillo CURETTI (1953-1993) Vase dit Normandie Céramique Edition à 50 exemplaires

Reconnaître la signature de Danillo Curetti

Savoir reconnaître la signature de Danillo Curetti est essentiel pour authentifier une œuvre de ce céramiste italien contemporain, reconnu pour ses sculptures et objets en céramique aux formes organiques et aux surfaces texturées. Actif principalement à partir des années 1970, Danillo Curetti signe généralement ses pièces sous la base, avec la mention incisée « Curetti » ou « D. Curetti », parfois accompagnée d’une date ou de la mention « Italy ». Cette signature est le plus souvent gravée dans la pâte avant cuisson, avec un tracé spontané mais lisible, caractérisé par des lettres cursives légèrement inclinées. Sur certains vases sculpturaux et formes abstraites passés en ventes publiques, notamment des céramiques en grès aux émaux mats ou satinés, la signature apparaît discrètement, intégrée à la surface non émaillée du talon. La présence de cette signature constitue un élément déterminant pour confirmer l’authenticité et la valeur de l’œuvre, les pièces de Danillo Curetti étant recherchées par les collectionneurs de céramique italienne contemporaine. Sur Estimon’Objet, nos experts vous accompagnent dans l’identification, l’authentification et l’estimation de vos céramiques signées Danillo Curetti, afin d’en établir la valeur sur le marché de l’art et du design.

Signature Danillo Curetti
Signature Danillo Curetti

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Estimation gratuite Leah Kaplan

Leah Kaplan

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Estimation et cote de l’artiste Leah Kaplan

Leah Kaplan est une céramiste contemporaine installée à Philadelphie. Ses vases en porcelaine faits à la main, épurés et texturés, explorent les notions de mouvement, de lumière et de translucidité. Avec son style minimaliste, elle travaille exclusivement dans les tonalités blanches, sans glaçure ou pigment ajouté, pour mettre en valeur la pureté du matériau.

Estimation gratuite Leah Kaplan

Prix indicatifs des œuvres de Leah Kaplan

  • Petits vases sculpturaux - entre 1 500 € et 5 000 €

  • Pièces de taille moyenne ou plus complexes - jusqu’à 10 000 €

  • Œuvres majeures ou en galerie renommée - entre 10 000 € et 20 000 € selon la rareté et renommée

Vous possédez un vase ou un objet en porcelaine de Leah Kaplan et souhaitez en connaître la valeur ? Faites confiance à Estimon’objet, la plateforme d’expertise en ligne référente. Nos commissaires-priseurs spécialisés dans la céramique contemporaine vous offrent une estimation gratuite, rapide et confidentielle, basée sur l’analyse de la matière, du format, du style, et des ventes récentes.

Leah Kaplan : artiste, matériaux et inspirations

Active dans le domaine de la céramique depuis plus de trente ans, Leah Kaplan s’est forgé une expertise solide dans les techniques manuelles telles que le pinçage, le coil-building et le slab-building. Un tournant décisif survient en 2018, lorsqu’elle installe son propre atelier dans une ancienne verrerie de Philadelphie. Cet espace lui offre la liberté d’adopter une pratique plus autonome, quotidienne et profondément créative. Elle y réalise des objets et des vases d’une grande finesse. Travaillant exclusivement la porcelaine blanchie (parfois simplement rehaussée d’une glaçure claire, voire laissée brute), elle s’attache à révéler la matérialité du matériau, sa lumière et sa texture la plus pure. Son inspiration puise autant dans l’architecture que dans la nature, les textiles, les paniers ou encore les formes organiques comme les lamelles de champignons, les plumes ou les nids d’insectes. Ces références nourrissent sa recherche sur le mouvement et la forme. Son processus créatif, à la fois intuitif et réfléchi, laisse une grande place à l’imprévu : elle se laisse volontiers surprendre par la matière, faisant de chaque pièce le résultat d’un subtil dialogue entre intention et accident heureux.

Les expositions marquantes de Leah Kaplan

  • Associations artistiques : ancienne « Associate Artist » à The Clay Studio, elle siège également au sein de son conseil d’administration et soutient activement le développement de la céramique contemporaine.

  • Expositions internationales :

    • Sisterhood, Palm Beach Gallery (Floride, 2024)

    • Homo Faber, Venise, Italie (2024)

    • Onna House, East Hampton, NY (2023)

    • Strohl Art Center, Chautauqua, NY (2022)

    • Foires et expositions aux États-Unis (jusqu’en 2025)

  • Presse et publications : son travail est évoqué dans Ceramics Monthly, Ceramics Review, Interior Design Magazine, Telopea et plusieurs revues spécialisées

Cote de Leah Kaplan sur le marché de l’art

Bien que les ventes publiques soient rares, l’offre via galeries ou plateformes comme Artsy montre l’intérêt pour son travail :

  • Quill Chapell (2025), porcelaine unique : US $2 050 (~1 900 €)

  • Ribbon Orlando (2024), porcelaine unique : US $3 950 (~3 600 €

Ces prix témoignent de la reconnaissance de son travail sur le marché contemporain, en particulier pour des pièces uniques et esthétiquement fortes. Quelques exemplaires récents permettent une meilleure compréhension de son positionnement tarifaire :

  • Quill Chapell (2025),  porcelaine sculptée, unique, vendu ~1 900 € (US $2 050)

  • Ribbon Orlando (~2024),  porcelaine organique, unique, vendu ~3 600 € (US $3 950)

  • Pièce de galerie Onna House (2023),  en exposition, estimation privée : entre 2 500 € et 5 000 € selon la complexité et taille (estimation de marché interne).

  • Œuvre de grand format présentée à Homo Faber (2024),  estimation galerie haut de gamme : jusqu’à 10 000 €.

Vous détenez une création en porcelaine de Leah Kaplan ? Profitez de l’expertise en ligne d’Estimon’objet :

  • Estimation gratuite, rapide et confidentielle par des commissaires-priseurs spécialisés en céramique contemporaine.

  • Analyse précise basée sur la matière, la technique, le style, les galeries ou expositions associées et les ventes récentes.

  • Conseils personnalisés pour une vente éclairée et judicieuse, que ce soit en galerie ou auprès de collectionneurs.

(Illus.) Leah KAPLAN (XX) Vase de la collection Crewel Porcelaine Pièce unique Monogrammée sur l‘envers

Reconnaître la signature de Leah Kaplan

Savoir reconnaître la signature de Leah Kaplan est essentiel pour authentifier une œuvre originale de cette céramiste contemporaine américaine, reconnue pour ses sculptures en porcelaine blanche minimaliste. Leah Kaplan signe généralement ses créations par une marque incisée ou estampée à la base de la pièce, souvent sous la forme de ses initiales « LK » ou d’un monogramme stylisé. Sur plusieurs vases en porcelaine présentés en galerie et lors d’expositions à Philadelphie, cette signature apparaît discrètement gravée dans la pâte encore crue, avant cuisson, produisant une empreinte nette mais volontairement sobre, en cohérence avec son esthétique épurée. Certaines œuvres présentent également une signature manuscrite complète « Leah Kaplan » ou une variante abrégée, toujours réalisée sans ajout de pigment, directement dans la matière blanche caractéristique de son travail. La présence de cette signature incisée, associée à la qualité de la porcelaine non émaillée et aux textures organiques typiques de l’artiste, constitue un élément déterminant pour l’identification d’une œuvre authentique. Dans un marché en pleine reconnaissance pour la céramique contemporaine, faire expertiser une pièce signée Leah Kaplan est indispensable. Les experts d’Estimon’Objet vous accompagnent dans l’authentification, l’estimation et la valorisation de vos céramiques contemporaines, afin de déterminer avec précision leur origine et leur valeur sur le marché de l’art.

Signature Leah Kaplan
Expertise signature Leah Kaplan

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