Les deux premiers représentants officiels de la peinture flamande sont les deux frères Van Eyck : on accorde même l’invention de la peinture à l’huile au plus jeune, qui prit le nom de Jean de Bruges. Il abandonne les formes traditionnelles de l’école de Cologne pour s’inspirer de la nature et retranscrire les mouvements de la vie réelle, tout en incluant des perspectives plus profondes.

La peinture flamande se développe véritablement au début du XVe siècle jusqu’au XVIIe siècles, avant l’arrivée de la peinture baroque. Cette époque est alors marquée par de célèbres peintres de l’Europe du Nord : les peintres flamands sont invités dans les cours étrangères et influent profondément et historiquement sur l’art européen. Par la suite, divers évènements historiques viennent atténuer la splendeur de la peinture flamande jusqu’au milieu du XIXe siècle.

La marine est un genre dont le sujet principal est la représentation de la mer. Tantôt sous forme de tempêtes, tantôt sous forme de vues de port, elle est aussi prétexte à représenter des batailles navales, et ainsi, la puissance des monarchies européennes.

L’artiste qui a véritablement donné ses lettres de noblesse à la marine est le peintre français Joseph Vernet. Né en 1710 à Avignon, celui-ci est reçu à l’Académie royale de peinture et de sculpture en 1753. Il reçoit une commande de Louis XV la même année consistant à réaliser une série des Ports de France. Derrière cette commande se trouve la volonté de montrer la puissance du monarque. En effet, de nombreux ports ont été aménagés depuis le règne de Louis XIV, et le commerce triangulaire, c’est-à-dire le marché des esclaves avec l’Amérique, renforce leur importance dans l’économie du royaume. Le roi demande donc à Joseph Vernet de représenter les vingt-deux principaux ports français. Mais il n’en exécute finalement que quinze. Cette série rencontre un grand succès car elle est dès le départ exposée dans des lieux prestigieux, à commencer par le Salon des peintures et des sculptures à Paris.

Néanmoins, nous nous pencherons ici davantage sur la période moderne de la peinture russe. C’est sous l’impulsion du tsar Pierre le Grand, qui règne de 1682 à 1725, que la Russie s’ouvre aux pays occidentaux, car les artistes sont encouragés à y puiser leur inspiration. Le XIXème siècle est une période très florissante pour l’art russe. Le pays connaît alors une période romantique, avec la figure d’Oreste Kiprenski par exemple, avant l’apparition des réalistes qui prennent pour sujet à la fois le paysage typique et les figures du peuple russe. Ce réalisme est aussi teinté, chez certains artistes, d’une critique sociale orientée contre les dirigeants du pays. Ainsi, il faut rappeler que le système du servage a perduré jusqu’en 1861. Le groupe de peintres nommé les « Ambulants » ou les « Itinérants », réagit quant à lui aux codes et méthodes imposés par l’Académie des beaux-arts de Saint-Pétersbourg. Parmi ses membres fondateurs se trouve notamment Ivan Chichkine, Nikolaï Gay ou Nikolaï Makovski. Les « Ambulants » organisent des expositions jusqu’en 1923. Ils prônent un rejet de l’influence de la peinture occidentale et souhaitent dépasser tout idéalisme esthétique lorsqu’ils peignent. Il en résulte une peinture très réaliste à la touche fine.

La fin du XIXème siècle, à savoir la période comprise entre 1890 et 1910 en Russie, est désignée a posteriori comme « l’Âge d’argent ». Cette appellation ne désigne pas seulement la peinture, mais aussi la littérature et le théâtre. Elle fait référence à un premier âge, à savoir l’Âge d’or de la littérature russe, qui s’est étendu de 1810 à 1830. « L’Âge d’argent » désigne la période où naît le modernisme dans la peinture russe. Nous remarquons aussi que de nombreux artistes russes de cette période ont eu une grande renommée, et ce bien au-delà de la Russie, tels Karl Fabergé, Wassily Kandinsky, ou encore Kasimir Malevitch.

« L’Âge d’argent » se juxtapose aussi à l’avènement des avant-gardes russes qui s’étendent de 1890 à 1930. Les artistes des avant-gardes russes, venant de tout l’Empire russe, de la Biélorussie à l’Ukraine, font partie ou sont à l’origine des styles et mouvements artistiques suivants : le symbolisme, le futurisme, le néo-primitivisme, le rayonnisme, le suprématisme et le constructivisme. Les avant-gardes russes sont partie prenantes des avant-gardes historiques, qui ont remis en cause les canons des beaux-arts centrés autour de la notion de figuration et de sujet.

Les peintres se forment au sein de la corporation Arte dei Medici et Speziali à Florence, fondée en 1313. Les sujets restent, durant la première moitié du XVème siècle, uniquement tournés autour de la tradition religieuse. Ce n’est qu’à partir de la seconde moitié du siècle que l’on voit apparaître des portraits indépendants ou des sujets tirés de la mythologie. L’image répond alors à trois nécessités : enseigner l’histoire religieuse, et la faire mémoriser aux fidèles tout en jouant sur l’affectivité. Cependant, au cours du Quattrocento, on assiste à une évolution du rôle de l’image qui ne doit plus tant être mnémonique que narrative, c’est-à-dire que les peintres cherchent à raconter une histoire.

Parmi les peintres majeurs de ce Quattrocento italien, on retiendra plusieurs noms. Tout d’abord, Gentile da Fabriano qui, à travers son retable polyptyque de l’Adoration des mages, une peinture a tempera sur bois réalisée en 1423, représente le trajet des rois-mages venus rendre hommage à l’enfant Jésus. Cette histoire est transmise selon une construction hybride, avec trois lunettes en haut et un panneau en bas du retable. Ce tableau d’autel, d’une grande richesse et aux détails très minutieux, a été commandé par Palla Strozzi. Masaccio, quant à lui, applique à La Sainte Trinité, une fresque au format monumental qui se trouve dans l’église de la Santa Maria Novella, les préceptes de Filippo Brunelleschi relatifs à une nouvelle perspective. Il s’agit d’utiliser un seul point de fuite pour réaliser toute la construction du dessin. Fra Angelico est, quant à lui, peintre dévotionnel à Florence dès 1417. Il travaille au service de couvents ou d’établissements dominicains. Il est particulièrement connu pour avoir réalisé les fresques du couvent San Marco à Florence à partir de 1439. Il y réalise des fresques du maître-autel et de chacune des cellules monacales. Obéissant d’abord à un but pédagogique, ses œuvres, qui racontent des épisodes de la Passion, sont d’une grande finesse dans le rendu des détails.

Les peintres se forment au sein de la corporation Arte dei Medici et Speziali à Florence, fondée en 1313. Les sujets restent, durant la première moitié du XVème siècle, uniquement tournés autour de la tradition religieuse. Ce n’est qu’à partir de la seconde moitié du siècle que l’on voit apparaître des portraits indépendants ou des sujets tirés de la mythologie. L’image répond alors à trois nécessités : enseigner l’histoire religieuse, et la faire mémoriser aux fidèles tout en jouant sur l’affectivité. Cependant, au cours du Quattrocento, on assiste à une évolution du rôle de l’image qui ne doit plus tant être mnémonique que narrative, c’est-à-dire que les peintres cherchent à raconter une histoire.

Parmi les peintres majeurs de ce Quattrocento italien, on retiendra plusieurs noms. Tout d’abord, Gentile da Fabriano qui, à travers son retable polyptyque de l’Adoration des mages, une peinture a tempera sur bois réalisée en 1423, représente le trajet des rois-mages venus rendre hommage à l’enfant Jésus. Cette histoire est transmise selon une construction hybride, avec trois lunettes en haut et un panneau en bas du retable. Ce tableau d’autel, d’une grande richesse et aux détails très minutieux, a été commandé par Palla Strozzi. Masaccio, quant à lui, applique à La Sainte Trinité, une fresque au format monumental qui se trouve dans l’église de la Santa Maria Novella, les préceptes de Filippo Brunelleschi relatifs à une nouvelle perspective. Il s’agit d’utiliser un seul point de fuite pour réaliser toute la construction du dessin. Fra Angelico est, quant à lui, peintre dévotionnel à Florence dès 1417. Il travaille au service de couvents ou d’établissements dominicains. Il est particulièrement connu pour avoir réalisé les fresques du couvent San Marco à Florence à partir de 1439. Il y réalise des fresques du maître-autel et de chacune des cellules monacales. Obéissant d’abord à un but pédagogique, ses œuvres, qui racontent des épisodes de la Passion, sont d’une grande finesse dans le rendu des détails.