Estimation gratuite Louis Sognot

Louis Sognot

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Estimation et cote de l'artiste Louis Sognot

Né en 1892 et décédé en 1970, Louis Sognot est un artiste décorateur et un designer français. Il a été élève à l’École Bernard Palissy, puis chez Jansen, une maison de décoration d’intérieur qui lui enseigne l’ébénisterie. Il dirige par la suite l’atelier Primavera à Paris qui est le lieu de l’Art déco. Cela lui permet d’y présenter ses propres créations, tel son Fauteuil, édité en 1925, en cuir et aux accoudoirs courbés en métal.

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Louis Sognot, artiste du courant moderne et fonctionnaliste

Il adhère à partir de cette période au mouvement moderne et au fonctionnalisme, ce qui transparaît dans son travail de la ligne, des matériaux utilisés et de l’esthétique d’ensemble du mobilier qu’il crée. Le fonctionnalisme est un courant né dans l’architecture d’abord, puis qui s’est développé dans le design qui prône l’idée selon laquelle un objet est beau selon la manière dont il est employé par son utilisateur.

À l’occasion du Salon d’Automne de 1927, il présente un tabouret de bar en tubes de métal chromé. Il s’appuie sur les exemples du design français tels que Robert-Mallet Stevens ou Francis Jourdain. Il est aussi évidemment influencé par le travail de Marcel Breuer. Ces trois figures de l’architecture et du design sont des fers de lance du mouvement moderne, un mouvement qui accompagne les changements sociaux, culturels et techniques en ce début du XXème siècle et qui prône un habitat individuel et fonctionnaliste en milieu urbain. En 1930, Louis Sognot adhère à l’Union des Artistes Modernes, un mouvement qui réunit les artistes décorateurs et les architectes, fondé par Charlotte Perriand, Jean Prouvé, Charles Edouard et Pierre Jeanneret et Robert Mallet-Stevens.

Un pionnier du design du XXe siècle

À la fin des années 1920 et jusqu’en 1933, il collabore avec la peintre et décoratrice Charlotte Alix. Tous deux fondent le Bureau International des Arts Français. C’est dans ce cadre-là que les deux artistes travaillent avec la société du Duralmin, spécialisée dans le travail de l’aluminium et plus particulièrement dans la fabrication des tubes d’aluminium à destination des architectes et designers. En 1929, ils créent ainsi un salon de thé en duralium, un alliage d’aluminium, de cuivre, de magnésium et de manganèse, à destination des grands magasins du Printemps. La réception de leur travail par la critique est très positive et Raymond Cogniat vante notamment leur capacité à allier l’industriel au décoratif. Pour cela, ils sont parvenus à allier bois et métal selon un mélange finement réfléchi. Louis Sognot se fait aussi remarquer dans sa capacité à utiliser des matériaux modernes, en plus du duralium, à savoir le verre ou la glace, produits à échelle industrielle depuis peu. Louis Sognot crée par exemple en 1929 un Guéridon en ébène de Macassar et métal. Le pied est en métal courbé et l’ensemble est dans des tons sombres. Les formes sont réduites à l’essentiel.

La collaboration entre Charlotte Alix et Louis Sognot continue d’être fructueuse et participe de l’évolution du mobilier moderne. En 1932, ils exposent un nouveau procédé de fabrication, le lakarmé. C’est un plastique moulé incombustible et léger. Il est très vite plébiscité car il offre de grandes libertés quant à la forme des objets créés. Les deux artistes atteignent une reconnaissance internationale lorsqu’à la demande d’Eckhart Multhesius, qui construit le Palais du Maharaja d’Indore, ils éditent différents meubles pour le palais. Louis Sognot travaille aussi à l’aménagement du grand paquebot Le Normandie. Leur travail s’exprime aussi dans une recherche d’élégance et de confort.

Enseignant, Louis Sognot a formé de nombreuses générations de designers dans des écoles prestigieuses parisiennes : l’École Boulle, le collège technique de la rue Duperré, l’École des Arts appliqués à l’industrie, l’École nationale supérieure des arts décoratifs et l’Union centrale des arts décoratifs.

Grand nom du design français, Louis Sognot et son œuvre restent encore très appréciés aujourd’hui. Sa cote actuelle est d’environ 2 300 euros en ce qui concerne les lots de chaises ou chauffeuses en bois, rotin et plastique. Un lot de chaises datant des années 1950, en chêne et plastique, mesurant 86 x 56 x 44 centimètres, a ainsi été adjugé 2 500 euros lors d’une vente aux enchères en octobre 2019.

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UAM

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Estimation et cote UAM, Union des Artistes Modernes

L’Union des Artistes Modernes, communément appelée « UAM », est un mouvement artistique lancé en 1929 à l’initiative d’artistes décorateurs et architectes avant-gardistes de l’époque. Ce mouvement naît du schisme qui survient entre deux styles bien distincts à la fin des années 1920 : l’Art déco et l’architecture avant-gardiste. Ces derniers présentent au Salon des Artistes Décorateurs de 1928 un appartement modèle dédié à la création industrielle.

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Les origines de l'UAM

La Société des Artistes Décorateurs, choquée par ces productions, refuse d’exposer à nouveau cette avant-garde. Cet événement signe alors la naissance de l’Union des Artistes Modernes en 1929, qui a pour volonté de poursuivre la production en série industrielle.

Les membres fondateurs, comme de Robert Mallet-Stevens, Charlotte Perriand ou encore René Herbst, ont pour volonté commune la réunion des différentes disciplines artistiques ( peinture, sculpture, design ), la lutte contre le classicisme et la tradition, mais aussi et surtout l’évolution du cadre de vie grâce aux apports de la modernité. Ce mouvement est également doté d’une dimension sociale : les membres fondateurs souhaitent que leurs productions, issues de la collaboration entre artistes et artisans, soient de qualité, produites en série et à un tarif abordable. Ce courant contraste alors en tous points avec l’Art déco, vu à l’époque comme élitiste et réservé aux plus fortunés.

L’UAM organise son exposition inaugurale du 11 juin au 14 juillet 1930, au sein du Musée des Arts Décoratifs de Paris. En 1937, l’UAM érige son pavillon à l’occasion de l’Exposition Universelle. Cependant, avec le décès de son premier président, Robert Mallet-Stevens, le collectif perd de son influence. René Herbst, dès lors à la tête du mouvement, tente de réactiver les recherches et productions du collectif à la fin des années 1940.

L'UAM : des oeuvres qui perdurent dans le temps

Stoppé par la Seconde Guerre mondiale, l’UAM reprend ses activités avec les expositions Formes Utiles à partir de 1949. Ces dernières consistent en la sélection d’objets industriels avec une thématique annuelle pour une présentation au Salon des arts ménagers. A titre d’exemple, les appareils sanitaires étaient à l’honneur en 1951, le fer à repasser en 1954.

De plus en plus spécialisé dans le design industriel, l’UAM ne séduit plus. De plus, les idées en vogue à la fin des années 1950 se découvrent majoritairement dans les congrès internationaux d’architecture moderne, et non plus au sein du collectif.

L’UAM prend fin définitivement en 1958, mais les expositions Formes Utiles perdurent jusqu’en 1969. Aujourd’hui, les productions des artistes fondateurs du mouvement, à l’instar des fauteuils de Robert Mallet-Stevens, apparaissent à des montants excédant plusieurs milliers d’euros, comme un fauteuil de 1927 en acier laqué vendu 4 106 euros en juin 2021.

(illus.)Pierre Legrain – Étui à cigarette – c.1925

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Estimation et cote de l'artiste Poltronova

Poltronova est une société italienne alliant designs progressifs, nouvelles technologies et artisanat de qualité. Au cours des années 1960 et 1970 se développe un mouvement radical dans le domaine de l’ameublement, l’anti-design. De nombreuses entreprises italiennes y prennent part, dont la société Poltronova.

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Poltronova, le design avant-gardiste

Fondée en 1957 au nord de Florence par Sergio Cammilli, cette entreprise conçoit d’abord des meubles au design moderne et épuré, s’apparentant aux modèles scandinaves. L’année suivante, Cammilli confie la direction artistique de Poltronova au jeune visionnaire Ettore Sottsass. Ce dernier aiguille la ligne de la société vers des productions plus osées, à l’instar du secrétaire Barbarelle ou de la série des Mobili Grigi.

Très inspirés par Superstudio, collectif d’architecture d’avant-garde, et Archizoom, agence de design, fondés en 1966, Cammilli et Sottsass proposent aux jeunes artistes y appartenant de produire des collections pour Poltronova. L’histoire du design s’en trouve alors changée. Sous la direction artistique d’Ettore Sottsass, le siège social de Poltronova devient lieu de prédilection pour les avant-gardes et leurs expérimentations. Les plus grands talents de l’époque y sont soutenus dans leur vision de déconstruction de l’habitat bourgeois afin d’instaurer un nouveau style de vie, coloré, et à distance de la pensée conformiste. La cote des productions de Sottsass durant ces décennies continue d’augmenter : Composizione di elementi di legno est l’objet adjugé au montant le plus élevé, vendu 287 306 euros en 2014.

Les designs emblématiques de la marque

Ainsi, durant les vingt premières années d’existence de Poltronova, l’entreprise bénéficie d’une identité claire et précise, entre designs progressifs, nouvelles technologies et artisanat de qualité. Cependant, lorsque Cammilli et Sottsass quittent la société dans les années 1970, la nouvelle équipe cherche à donner un tournant plus industriel et commercial à la société afin de générer davantage de profits. Dès 1985, Poltronova est méconnaissable et peine à trouver son public.

L’arrivée de Roberta Meloni imprime un souffle nouveau aux productions de la maison Poltronova, dont elle prend la direction en 2000. Elle redouble également d’efforts pour protéger l’héritage de la contre-culture des années 1960, tout en perpétuant la production de designs emblématiques, tels que le Superonda Sofa de 1967 ou la Joe Chair de 1970. Poltronova soutient désormais un environnement sans contraintes, où les objets sont créés à partir d’histoires souvent contradictoires. Les productions de cette maison, souvent à contre-courant, font désormais partie des collections des musées du monde entier.

Aujourd’hui, les productions de la société Poltronova sont fréquemment représentées en galerie ou en salle des ventes: ainsi, le sofa Superonda oscille entre 800 et 1600 euros, tandis que le sofa Safari a été adjugé 16 275 euros en novembre 2016.

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Estimation gratuite Philolaos

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Estimation et cote de l'artiste Philolaos

Philolaos Tloupas, dit Philolaos, est un sculpteur grec né en 1923. Après avoir suivi les cours de l’école des Beaux-Arts d’Athènes entre 1944 et 1947, il se rend à Paris où il intègre l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts. Durant ces années d’étude en France, il découvre le travail de nouveaux matériaux comme le métal, et participe régulièrement à des salons, à l’instar du Salon de la Jeune Sculpture et du Salon de Mai, en 1954. Il y expose la sculpture dite de Max, en plomb.

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Philolaos, l'art du design et des sculptures

Durant les années 1960, Philolaos travaille avec de nombreux architectes et paysagistes. Ces collaborations lui permettent d’intégrer davantage son art à son environnement. Entre 1963 et 1971, il réalise les Châteaux d’eau de Valence, structures verticales évasées en métal, hautses de 52 et 57 mètres. L’artiste obtient pour ce projet le Prix du Quartier de l’Horloge en 1981, qui récompense la meilleure réalisation d’art urbain des années 1970 en France.

Philolaos réalise également des sculptures entre 1950 et 1990. Moins connues du grand public, elles se distinguent des œuvres monumentales présentes dans l’espace urbain français. Utilitaires ou figuratives, il s’agit de statues, figurines, portraits et miniatures. À titre d’exemple, la série des Gogottes représente des animaux imaginaires, reflétant une certaine joie de vivre, et une vision du monde changeant au gré des humeurs du sculpteur. Ces productions sont principalement en terre cuite, mais sont transposées dans l’espace urbain à partir des années 1990. Elles sont alors reproduites en béton lavé et acier inoxydable afin d’occuper une fonction de fontaine dans des jardins publics, comme au sein du Jardin des Gogottes à Saint-Quentin-en-Yvelines.

Estimation des oeuvres de Philolaos

Concernant les objets utilitaires, Philolaos réalise de nombreuses séries en fer, en acier ou en bois entre 1960 et 1970.  L’art cache alors une fonction, animant l’espace intérieur, créant beauté et cohérence à l’échelle de l’habitat. Ces séries à mi-chemin entre la sculpture décorative et utilitaire sont exposées à plusieurs reprises, notamment aux Arts Décoratifs à Paris en 1962, ou à la Maison des Arts de Créteil en 1976.

L’artiste meurt en 2010, mais ses créations demeurent présentes sur le marché de l’art. Les chaises en fer des années 1960 atteignent une valeur d’environ 1 000 euros la pièce, et se vendent souvent par lot. Les luminaires conçus par Philolaos atteignent des montants bien plus élevés, qui se chiffrent en dizaines de milliers d’euros, à l’instar d’un lustre en acier datant de 1961, adjugé 26 000 euros en avril 2021.

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Estimation gratuite Luigi Colani

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Estimation et cote de l'artiste Luigi Colani

Né en 1928 à Berlin, Luigi Colani est un designer allemand de la seconde moitié du XXème siècle. Il étudie à l’École des Beaux-Arts de Berlin entre 1946 et 1948 où il apprend la peinture et la sculpture. Arrivé à Paris, il découvre ensuite l’aérodynamique à l’École polytechnique et la philosophie analytique à la Sorbonne.

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Luigi Colani, le maître du design allemand

En parallèle, il travaille pour des magazines spécialisés dans le domaine des motos et des automobiles en analysant le design des véhicules. Entre 1952 et 1953, le designer est embauché par la Douglas Aircraft Company, un avionneur californien pour qui il étudie les matériaux adaptés aux très grandes vitesses. Une fois de retour en Europe, il travaille avec de nombreux constructeurs de véhicules terrestres ou aériens parmi lesquels on trouve Alfa-Roméo, Lancia, Volkswagen, BMW, Thyssen, Boeing, Rosenthal, Villeroy & Boch et Rockwell.

Ses œuvres sont toutes imprégnées de ses recherches sur les matériaux, alliant ergonomie et fonctionnalité. Son travail ne l’empêche donc pas de créer des objets qui sont les plus adaptés aux besoins des utilisateurs. Luigi Colani est en effet l’inventeur du biodesign dans les années 1960. Il s’agit d’un courant du design industriel qui s’inspire des solutions techniques qu’on retrouve dans la nature pour les utiliser au profit de la conception d’objets industriels et dont la forme est mise au service d’un usage optimisé et efficace. Le travail de Colani présente également une dimension ludique qui s’exprime par exemple dans l’emploi de couleurs vives dans la réalisation des objets.

Les oeuvres emblématiques de Colani

Parmi les œuvres les plus emblématiques de son travail, se trouvent notamment ses Sitzgerät créées en 1971-1972. Il s’agit de tabourets en plastique aux couleurs vives qui se distinguent par leurs usages multiples, leur ligne organique tout en rondeur et leur assise qui épouse l’anatomie humaine. Citons également son service à thé Drop, réalisé en 1970. Tout en porcelaine blanche, ce dernier se caractérise par une ligne très épurée où la théière et les pots à crème reprennent les formes d’une goutte d’eau.

Luigi Colani est un designer qui de son vivant rencontre un grand succès, qui se traduit notamment dans le domaine du marché de l’art. Sa cote actuelle pour un siège type Sitzgerät est d’environ 600 euros. Le 29 juin 2021 à Munich, la Sitzgerät « Der Colani » (1971-72), un siège en polyéthylène jaune de 66 centimètres de haut, a été adjugée pour 800 euros.

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Estimation gratuite Gaetano Pesce

Gaetano Pesce

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Estimation et cote de l'artiste Gaetano Pesce

Gaetano Pesce (1939-2022) est une figure majeure du design et de l’architecture contemporaine. Connu pour ses créations audacieuses et son approche expérimentale des matériaux, il a marqué durablement l’histoire du mobilier et de l’art appliqué. Ses œuvres, à la frontière entre sculpture et objet utilitaire, défient les conventions et incarnent une liberté créative rare.

Estimation gratuite Gaetano Pesce

Prix des œuvres de Gaetano Pesce

  • Mobilier (chaises, fauteuils, tables, armoires) - entre 2 000 € et 200 000 €

  • Objets de design (lampes, vases, prototypes, éditions limitées) - entre 800 € et 60 000 €

  • Œuvres uniques ou sculptures : jusqu’à plusieurs centaines de milliers d’euros

Vous possédez une chaise, une lampe ou une œuvre de Gaetano Pesce et souhaitez en connaître la valeur sur le marché de l’art et du design ? Faites estimer votre pièce en toute simplicité grâce à Estimon’objet. Notre équipe de commissaires-priseurs experts vous garantit une estimation précise, gratuite et confidentielle, délivrée sous quelques jours seulement.

Gaetano Pesce, un créateur iconoclaste

Né en 1939 à La Spezia, en Italie, Gaetano Pesce étudie l’architecture à l’université de Venise avant de s’orienter vers le design. Dès ses débuts dans les années 1960, il adopte une posture résolument avant-gardiste, refusant de considérer le mobilier uniquement sous l’angle fonctionnel. Ses créations s’imposent comme des manifestes esthétiques et politiques, célébrant la diversité, la souplesse des formes et la liberté individuelle. Pesce n’est pas seulement un designer : il est aussi un penseur. Pour lui, chaque objet doit porter un message, une idée, et dépasser son simple usage. Sa démarche expérimentale avec les résines, les plastiques et les matériaux industriels l’a placé parmi les pionniers du design postmoderne.

L’univers créatif de Gaetano Pesce

L’œuvre de Gaetano Pesce est caractérisée par :

  • Une expérimentation constante : il utilise des matériaux innovants, notamment les polyuréthanes et les résines, pour créer des pièces uniques aux formes organiques.

  • Un design engagé : ses créations questionnent les rapports sociaux, politiques et culturels, notamment la place des femmes, la liberté et l’égalité.

  • Des objets hybrides : entre œuvre d’art et objet utilitaire, ses réalisations brouillent les frontières entre sculpture et design industriel.

Les œuvres emblématiques de Gaetano Pesce

Certaines de ses créations sont devenues des icônes du design international :

  • La série « Up » (1969) : un ensemble de fauteuils édités par B&B Italia, dont le célèbre « UP5 & UP6 », surnommé la « Donna » ou « La Mamma ». Ce fauteuil, associé à un pouf sphérique, symbolise à la fois le confort et l’oppression féminine, devenant un manifeste politique et artistique.

  • La chaise « Nobody’s Perfect » (années 2000) : produite en résine colorée, chaque exemplaire est unique, affirmant l’imperfection comme valeur fondamentale.

  • La table « Sansone » (1980) : une pièce monumentale en résine, aux couleurs vives et aux formes irrégulières, incarnation de son esthétique libre.

  • La lampe « Moloch » (1970) : une version monumentale de la lampe de bureau, transformée en œuvre ironique et spectaculaire.

  • Les vases et objets en résine : souvent produits en séries limitées, ils sont aujourd’hui très recherchés par les collectionneurs.

Une carrière internationale

Le succès de Gaetano Pesce dépasse largement l’Italie. Dès les années 1970, il expose dans des musées prestigieux tels que le MoMA à New York, le Centre Pompidou à Paris, ou encore le Victoria & Albert Museum à Londres. Ses œuvres figurent dans les collections permanentes des plus grandes institutions, attestant de son importance dans l’histoire du design et de l’art contemporain. En parallèle, il collabore avec des éditeurs majeurs comme Cassina, B&B Italia, Vitra ou Meritalia, qui diffusent ses créations à l’échelle mondiale. Son approche, à la fois artisanale et industrielle, a profondément influencé plusieurs générations de designers.

La cote de Gaetano Pesce sur le marché de l’art et du design

La cote de Gaetano Pesce a fortement progressé ces dernières années, portée par l’intérêt croissant des collectionneurs pour le design d’auteur et les pièces iconiques du XXe siècle. Les fauteuils « Up » se négocient régulièrement aux enchères, de même que ses vases et ses chaises uniques en résine. Quelques ventes marquantes :

  • Fauteuil « UP5 et UP6 » (édition B&B Italia, 1969) : vendu 63 000 € en 2022.

  • Table « Sansone » (1980, résine colorée) : adjugée 180 000 € en 2019.

  • Chaise « Nobody’s Perfect » (résine multicolore, vers 2005) : vendue 22 500 € en 2021.

  • Vase en résine « Spaghetti » (années 1990) : vendu 12 000 € en vente aux enchères en 2020.

L’œuvre de Gaetano Pesce allie audace, modernité et rareté, des qualités qui séduisent de plus en plus d’investisseurs et d’amateurs d’art. Ses pièces emblématiques atteignent des prix élevés et confirment son statut d’icône du design contemporain. Si vous possédez un fauteuil, une table, une lampe ou un objet de Gaetano Pesce, n’hésitez pas à faire appel à Estimon’objet pour une estimation gratuite et rapide. Notre expertise vous permettra de connaître la valeur actuelle de votre œuvre et d’envisager une vente dans les meilleures conditions. Faites estimer dès aujourd’hui votre œuvre de Gaetano Pesce avec Estimon’objet, le site de référence en expertise en ligne.

(Illus.) Gaetano PESCE (1939- 2024) Chaise de la série Nobody’s Perfect chair, 2002, à structure en résine vert et rouge

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Nanna Ditzel

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Estimation Nanna Ditzel, la grande dame du design scandinave

Surnommée « la grande dame du design scandinave », Nanna Ditzel est connue pour sa réalisation de bijoux, de tissus et de meubles. Née en 1923 et décédée en 2005, elle est à la fois architecte et designer danoise. Elle étudie à l’école des arts appliqués de Copenhague dont elle est diplômée dans le domaine de l’ébénisterie en 1943. Elle poursuit ses études à l’Académie royale des beaux-arts du Danemark dont elle obtient un diplôme en architecture en 1946.
Estimation gratuite Nanna DITZEL

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Le design scandinave à l'international

Durant ses années estudiantines, elle rencontre son futur mari, Jorgen Ditzel, avec qui elle collaborera sur plusieurs projets. En 1956, Nanna Ditzel reçoit avec son mari le prix Lunning pour la qualité de leur travail. Cette distinction, décernée entre 1951 et 1970, permettait de récompenser chaque année l’excellence de deux designers scandinaves. Si Nanna Ditzel est reconnue comme une des grandes représentantes du design scandinave, c’est parce que son œuvre se caractérise par des créations pratiques et multifonctionnelles, notamment pour les enfants. Y dominent le bois de teck, l’osier, la laine ou la fibre de verre et ce dans des teintes colorées. Son travail s’inscrit dans la tradition d’un design scandinave où prime l’approche innovante des matières. En effet, il se distingue des autres styles de design par une esthétique qui s’inspire de la nature, que ce soit au niveau des formes que des matériaux ou des ornements. Ceci s’explique notamment par les conditions climatiques de cette région couplées à des ressources restreintes qui ont ainsi contribué à l’émergence d’un style épuré dans une logique d’économie des moyens. Le design a aussi beaucoup hérité de l’artisanat traditionnel de ces pays, ce qui est aussi à l’origine de créations où la dimension industrielle est absente.

Les oeuvres significatives de Nanna Ditzel

Parmi ses œuvres emblématiques, on peut compter en particulier la Chaise haute pour enfant (1955) dont les premiers modèles sont en chêne. De forme conique, l’ensemble est très épuré et toutes les parties sont de forme circulaire. Le fauteuil suspendu en forme d’œuf (Hanging egg chair) illustre aussi la quintessence de son travail, autant par la prédominance de l’osier que par sa forme enveloppante ou par la grande simplicité de ses lignes. Le mobilier dessiné par Nanna Ditzel fait encore aujourd’hui l’objet de d’un grand succès, qui s’illustre dans le domaine du marché de l’art par des ventes très récentes. Ainsi, la cote actuelle de l’artiste est d’environ 4 000 euros pour un vaste choix de mobilier type table ou fauteuil. Le 11 mars 2021 a eu lieu une vente aux enchères d’une Easy chair datant de 1950, en osier. Elle a été adjugée pour 5 378 euros.

En lien avec Nanna Ditzel ​

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Estimation gratuite Sentou

Sentou

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Estimation et cote de l'artiste Sentou

Sentou est une marque de fabrique de design français créée par Robert Sentou en 1947, qui souhaitait de cette manière diffuser son travail. Il crée alors son premier atelier « La Chaise Paillée”, dans le Sud-Ouest de la France. Il a une vocation sociale : la réinsertion des anciens prisonniers de Mauzac. Sentou se spécialise dans le savoir-faire du siège paillé. Face à son succès rapide, l’atelier se voit complété d’une fabrique.

Estimation gratuite Sentou

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Sentou, le design français dans le monde entier

En 1977, Robert Sentou finit par ouvrir une boutique à Paris afin de diffuser et de faire rayonner sa production. Finalement, il crée Sentou galerie, aidé par le designer Roger Tallon et l’architecte d’intérieur Roger Fatus dont il édite aussi les créations. Cette galerie propose un concept particulier : promouvoir le travail de jeunes designers, et ce en particulier auprès des professionnels de la décoration. À partir des années 1990, Robert Sentou et son associé Jacques Boisonnas laissent les rênes de la galerie au jeune designer Pierre Romanet qu’ils ont rencontré car ils partagent les mêmes idées autour du design et Sentou prend sa retraite. La galerie Sentou devient par la suite le distributeur exclusif du Japonais Isamu Noguchi et de ses célèbres luminaires dont le savoir-faire est hérité d’une tradition ancestrale japonaise du travail du papier. Ce partenariat est rendu possible suite à un accord avec la fondation Noguchi de New-York.

Estimation mobilier Sentou, l'art de vivre à la française

C’est à partir de cette période de transition que la galerie diversifie son offre et propose un choix de pièces de design plus large : au mobilier s’ajoutent des objets et des luminaires. Elle diffuse en outre les créations des artistes suivants : Tsé-Tsé, Sori Yanagi, Robert le Héros et Migeon & Migeon. Enfin, Sentou commence à s’associer à des designers scandinaves, notamment la célèbre entreprise finlandaise d’ameublement Artek. Sentou propose ainsi un large choix de design, du canapé aux tables, tabourets, jusqu’aux luminaires.

Sentou ne cesse d’innover avec l’ouverture en 2001 d’un plus grand espace d’exposition dans le Marais à Paris, suivi en 2003 d’une galerie Boulevard Raspail. La société ne veut dès lors plus être considérée comme une galerie, mais comme un « univers complet dédié à l’Art de vivre ». Sentou se distingue encore et toujours par un environnement coloré, poétique et original.

La cote actuelle de Robert Sentou est d’environ 1 100 euros en ce qui concerne ses chaises modèle Dordogne réalisées dans les années 1960. Un lot de chaises dites Dordogne, en bois et en paille, mesurant 62 x 45 x 45 centimètres, a ainsi été adjugé pour 800 euros lors d’une vente aux enchères en mai 2021. La cote de Isamu Noguchi en ce qui concerne ses luminaires est quant à elle d’environ 3 000 euros pour les modèles lampe de table. L’un de ses modèles de lampe de table, UF1-FF – Collection, réalisé en papier washi, mesurant 50 x 31 cm, a ainsi été adjugé 3 000 euros lors d’une vente en juillet 2021.

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Estimation gratuite Serge MANZON

Serge Manzon

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Estimation Serge Manzon, styliste de mode, créateur de meubles et d'objets de design

Né en 1930 et décédé en 1998, Serge Manzon a d’abord été styliste de mode, en créant des bijoux et des accessoires. Progressivement, il s’oriente vers la création de meubles et d’objets de design. Il cherche à créer des objets qui, tout en étant structurés, dépassent la standardisation imposée par la modernité.
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Serge Manzon et ses lampes signatures

Perfectionniste, il privilégie toujours la qualité, au détriment du coût de fabrication. Son travail est tant remarqué que certains de ses meubles sont édités par le Mobilier National ou par la galerie de Pierre Cardin. Le travail de Serge Manzon est particulièrement connu pour ses lampes. De formes complexes et très structurées, ses lampes sont à l’image de véritables sculptures. Sa lampe Demi-lune, par exemple, est une lampe de table qui a été dessinée par Pierre Cardin. En laiton, elle est constituée de trois parties d’une sphère décomposée : le pied de la lampe est composé d’une des parties de la sphère et la lampe qui est constituée de la sphère dont on a découpé un tiers. Cette lampe donne de la lumière par son ampoule mais reflète aussi la lumière alentour par sa matière. Le designer aime jouer dans ses créations sur l’alternance entre donner et recevoir la lumière. L’une de ses autres œuvres très célèbres est un lampadaire en forme de balancier tout en apesanteur. La tête du lampadaire est de couleur blanche rappelant encore ce jeu double sur la lumière.

Estimation de mobilier à l'inspiration cubique

Serge Manzon a également réalisé de nombreuses tables en métal doré ou argenté. Le travail sur la réverbération de la lumière naturellement présente dans l’espace où se trouve la table est le même que pour les lampes. En U renversé, les pieds de table enserrent le plateau de table de couleur vive, tel le rouge vermillon. Finalement, le travail de décomposition des formes de Serge Manzon n’est pas sans rappeler le premier cubisme de Picasso et de Braque et leur recherche de décomposition de la forme. Par exemple, son travail peut prendre la forme d’une sphère découpée en morceaux, lesquels sont juxtaposés pour former une lampe. Il y a sans cesse la recherche d’un équilibre de la sphère et de la ligne, selon un savant mélange dont lui seul connaît le secret. En 1978 il dessine un prototype de secrétaire en poirier, polyester, laqué, aluminium, laiton et cuivre pour le Mobilier National. Ce secrétaire repose sur une base cylindrique rouge sur lequel se trouve une sphère en laiton doré au-dessus de laquelle a été ajoutée une demi sphère découpée. La partie extérieure est donc arrondie tandis que la partie intérieure abrite un quart de cercle pivotant qui sert de secrétaire. Ce prototype exprime tout l’art de Manzon : faire cohabiter les formes et les matières les plus différentes, le bois et le métal, la couleur brute ou la couleur vive, dans un même objet. Sa cote actuelle est d’environ 5 000 euros pour des luminaires de table. Une de ses réalisations, Lampe de bureau de forme géométrique, réalisée dans les années 1980 en bois laqué et disque laiton, mesurant 55 centimètres, a été adjugée 4 800 euros lors d’une vente aux enchères qui s’est tenue en juin 2020.

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Arteluce

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Estimation et cote de l'artiste Arteluce

Fondée en 1939 par l’entrepreneur Gino Sarfatti, Arteluce est la première entreprise d’éclairage italienne. Depuis sa création, Arteluce développe un langage nouveau et moderne dans le domaine de l’éclairage. Les lampes pendantes ou à suspensions, mais aussi chandeliers et autres formes de luminaires ont été élaborés principalement par Gino Sarfatti lui-même.

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Gino Sarfatti et les origines d'Arteluce

Son père étant juif, Gino Sarfatti est contraint de quitter Milan en 1943, où il avait fondé le studio d’éclairage Arteluce, pour la Suisse. Avec l’aide de son assistante, Pinuccia Azzaroni Bassani, Gino Sarfatti parvient à diriger son entreprise au succès croissant depuis la Suisse, jusqu’à ce qu’il puisse retourner à Milan en 1946. Dès lors, Arteluce se développe comme première entreprise de design de luminaires, récompensée pour son style novateur, à l’ingénierie minutieuse et utilisant des matériaux de grande qualité.

En 1950, Gino Sarfatti part aux Etats-Unis pour un voyage d’apprentissage. Durant son absence, il confie la direction artistique d’Arteluce à son ami architecte et designer Vittoriano Viganó. Ce dernier permet la création de nouvelles lignes, dont celle des luminaires à larges cônes et bras articulés, telles que le plafonnier Modèle 2062.

En 1954, Arteluce se voit décerner le Grand Prix lors de la Triennale de Milan pour l’innovante et minimaliste lampe sur pied Modèle 1063, dont le design est pensé autour d’un bulbe tubulaire fluorescent. Ce modèle reste très en vogue aujourd’hui, certaines pièces étant estimées autour de 20 000 euros.

Des lampes Arteluce aux lampes Flos

Entre la fin des années 1950 et l’année 1973, Arteluce collabore avec les designers italiens les plus en vogue, à l’instar de Franco Albili, Franca Helg, Massimo Vignelli ou encore Carlo Mollino.

À la fin des années 1960, l’entreprise Arteluce a pris une ampleur considérable, et nécessite une équipe managériale plus importante. C’est ainsi que les fils de Gino Sarfatti et d’autres membres de la famille rejoignent la société. Cependant, ce dernier décide de vendre Arteluce à Flos, entreprise de luminaires italienne, en 1973, au moment de l’apogée des ventes et profits.

Depuis la vente à Flos, la firme Arteluce n’a pas été promue, et les modèles Arteluce sont désormais vendus sous le nom de la marque Flos.

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