Estimation Sculpture religieuse

Sculpture religieuse

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Estimation gratuite de sculpture religieuse

Les sculptures religieuses accompagnent le développement du christianisme depuis l’époque paléochrétienne, après une réticence première à la représentation du Christ et des Saints

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Les sculptures religieuses pré romanes

Les sculptures chrétiennes sont relativement rares avant la période romane. En effet, les sculptures religieuses se développent tardivement dans le monde chrétien, par crainte qu’elles n’encouragent l’idolâtrie, et ne détournent les fidèles du message chrétien. A partir du IIIème-IVème siècle, on voit apparaitre des sculptures qui reprennent les codes romains pour représenter le Christ en Bon Pasteur. Ces sculptures s’approprient les symboles romains, sans pour autant chercher à proposer un portrait du Christ. 

Les sculptures religieuses romanes

Les sculptures religieuses se multiplient à la période romane. Les sculptures de la Vierge en majesté, assise sur un trône, sont un modèle fréquent de la sculpture romane. La Vierge, hiératique et en frontalité, peut être plaquée d’or, ou bien peinte. Les vierges auvergnates constituent un corpus de sculptures religieuses particulièrement représentatif de cette période. 

Les représentations du Calvaire sont également très nombreuses dans la sculpture religieuse romane. Le Christ en croix est d’abord représenté vivant, les yeux ouverts, puis mort, les yeux clos. Le Christ est souvent entouré de sculptures de la Vierge et de saint Jean, disposées au-dessus de l’autel dans les églises au XIIème et au XIIIème siècle. 

La sculpture religieuse gothique

L’art de la sculpture religieuse connaît un essor nouveau à la période gothique, avec le développement des cathédrales. Les sculptures parent la façade des églises, notamment avec les statues-colonnes sur le portail, et les tympans sculptés. Les rois de l’Ancien Testament et les représentations du Jugement dernier et du Christ bénissant sont des thématiques privilégiées des sculptures monumentales gothiques. 

L’essor du culte marial au XIVème siècle se traduit par la diffusion des statues de la Vierge. La représentation de la Vierge s’humanise. Elle peut être représentée en majesté (Reine du ciel, avec un sceptre et une couronne), ou bien comme image de la tendresse, ou encore de la lutte contre le mal.

La sculpture religieuse de la Renaissance

Les sculptures religieuses bénéficient du développement de la dévotion privée à la Renaissance, ainsi que du renouvellement de l’art de la sculpture par des artistes novateurs tels que Donatello. La représentation des figures s’humanise progressivement. Ce phénomène est perceptible dans la représentation de la Vierge et de l’Enfant par des artistes tels que Guillaume Regnault en France dès le début du XVIème siècle. Une attention nouvelle est portée à la présence corporelle des saints, et à la représentation des émotions, comme le montre la Pietà de Michel-Ange. 

La sculpture religieuse de la Contre-Réforme

De la fin du XVIème siècle au XVIIIème siècle, les sculptures s’adaptent au contexte religieux troublé par la Réforme. Les catholiques de la Contre-Réforme choisissent de réaliser des sculptures aptes à émouvoir et toucher le fidèle. Les sculpteurs proposent désormais des mises en scène spectaculaires, au service de l’Église.  

Les thématiques du triomphe, de l’apothéose ou de l’extase sont très appréciées d’artistes baroques et rocaille tels que Le Bernin ou Germain Pilon au XVIIème siècle. Ce goût perdure jusqu’au XVIIIème siècle avec des artistes tels que Michel-Ange Slodtz. 

Une tendance néoclassique plus sobre émerge dans la seconde moitié du XVIIIème siècle, en réaction aux pathétisme exacerbé de la sculpture baroque. Le calme des œuvres d’un artiste tel qu’Edmé Bouchardon incarne ce mouvement. 

Le renouveau de la sculpture religieuse au XIXème et XXème siècle

Après le déclin de la première moitié du XIXème siècle, la sculpture religieuse connaît un renouveau dans les années 1870. En effet, dans le contexte de l’Ordre moral, des figures telles que sainte Jeanne d’Arc ou encore saint Michel terrassant le dragon deviennent des emblèmes de l’orgueil national. Les sculptures de ces saints se multiplient, bénéficiant des nouvelles techniques de fonte.

La sculpture religieuse connaît de nouveau un désintérêt des artistes contemporains dans la première moitié du XXème siècle. Cependant, grâce aux grandes commandes des années 1950 et à l’ouverture de l’Église à l’art contemporain, la sculpture religieuse est de nouveau un sujet interprété par les artistes d’Avant-garde. Le Christ de Germaine Richier (1950) est l’œuvre qui inaugure ce nouvel élan. 

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L’estimation d’une sculpture religieuse dépend de la nature et de la taille de la sculpture, de son ancienneté, de la cote de son auteur, et de son état de conservation

Le marché de la sculpture religieuse reflète l’état actuel de l’intérêt pour l’art ancien. Ainsi, les sculptures religieuses demeurent accessibles à un très large public, à moins qu’il ne s’agisse d’une œuvre d’un sculpteur majeur de l’histoire de l’art. Étant donné la rareté de celles-ci sur le marché de l’art, elles remportent des records. 

Les œuvres de la modernité suscitent elles-aussi de belles enchères. Ainsi, une Via Crucis (1993) de marbre de Carrare de Pablo Atchugarry peut être acquise pour 120 000 € (2019, Vienne). 

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(Illus.) L’Église et la Synagogue, cathédrale de Strasbourg, XIIIème siècle, photographie d’une exposition à Tel Aviv, Diaspora Museum

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Estimation gratuite de sculpture en bois

Sculpture Bois

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Estimation gratuite de sculpture en bois

La sculpture en bois est l’une des formes d’art les plus anciennes. Matériau accessible, d’une grande plasticité et bon marché, le bois est un support de représentation couramment utilisé depuis la Préhistoire. Néanmoins, l’origine exacte de la sculpture en bois est difficile à déterminer, car le matériau bois souffre d’un inconvénient majeur : il est fragile, car facilement périssable, vulnérable au passage du temps. De ce fait, le bois a longtemps été considéré comme inférieur dans la hiérarchie des arts contrairement à la pierre ou au bronze, bien qu’il soit aujourd’hui très apprécié par les artistes contemporains.

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Origines de la sculpture en bois

L’Idole de Shigir est la plus ancienne sculpture en bois connue. Elle daterait de l’ère du mésolithique, soit 11 000 ou 12 000 ans avant notre ère. Elle a été retrouvée en Russie, à Kirovgrad, et doit sa conservation miraculeuse aux propriétés antibactériennes de la tourbe qui l’enveloppait. Ensuite, on retrouve la sculpture en bois dans toutes les civilisations anciennes, que ce soit l’art mésopotamien, l’art égyptien, mais également dans l’art océanien ou les arts d’Afrique pour la réalisation de masques, de statuettes ou tous autres objets de cérémonie. 

La sculpture en bois dans l’Antiquité gréco-romaine et l’art médiéval

Dans l’Antiquité gréco-romaine, la sculpture en bois était courante, mais considérée comme moins prestigieuse que la sculpture en marbre ou en bronze, matériaux nobles par excellence puisque résistants au passage du temps. La sculpture en bois sera très présente au Moyen-Âge, notamment dans la statuaire religieuse pour des crucifixions (Croix de Géro, vers 965-970) ou des Pietà (Pietà Roetggen, vers 1325).  Comme dans l’Antiquité, la plupart de ces sculptures en bois étaient généralement recouvertes d’une polychromie. 

Sculptures en bois à l’époque moderne

À la Renaissance, le travail du bois continue son évolution et gagne en intensité dramatique. On commande aux artistes de grands retables sculptés, tels le Retable de Saint Wolfgang de Michael Pacher (1435-1498) réalisé entre 1471 et 1481 ou le Retable du Saint-Sang de Tilman Riemenscheider (1460-1531) créé entre 1501 et 1505. C’est également à cette période qu’on trouver deux des chefs-d’œuvre de Donatello (1386-1466), son Saint Jean-Baptiste en 1457 et sa Marie Madeleine en 1453-1455. À l’époque classique, à la suite du regain d’intérêt pour l’art de l’Antiquité provoqué par les écrits de Winckelmann (1717-1768), les artistes ne jurent que par le marbre. Le bois est relégué à l’art décoratif et au design. En Angleterre, Charles Gibbons (1648-1721) se distingue tout particulièrement par la virtuosité de son travail sur bois. Avec l’explosion de la hiérarchie des genres à la fin du 19e siècle, les matériaux sont utilisés plus librement et avec un cadre conceptuel moins rigide. De nombreux d’artistes s’intéressent à la sculpture en bois, tels Paul Gauguin (1848-1903), Constantin Brancusi (1876-1957) ou Henry Moore (1898-1986). 

Caractéristiques du travail de la sculpture en bois

Il existe de nombreuses méthodes pour sculpter le bois, ainsi que de nombreux outils – gouges, burins, veineuses, marteaux – permettant de travailler en finesse un matériau réputé pour sa souplesse et sa malléabilité. Pour les sculptures de grandes tailles, plusieurs pièces de bois sont travaillées et assemblées. Après avoir terminé son travail, le sculpteur polit la surface avec différents papiers de verre, et protège généralement le bois avec de l’huile de lin ou de noix avant de le peindre avec de la résine, du vernis ou de la cire pour le préserver.  

L’estimation des sculptures en bois

Selon l’état de conservation de l’œuvre, la côte de l’artiste et la période historique, les sculptures en bois atteignent des prix qui vont de quelques dizaines d’euros à des millions. Ainsi, lorsqu’elles ne sont pas signées, on trouve des sculptures sur bois égyptienne ou des Vierges à l’Enfant du Moyen-Âge pour quelques centaines d’euros. Au contraire, un buste en bois de Gauguin, Jeune tahitienne réalisée entre 1890 et 1893, a été adjugée 7,52 millions d’euros en 2011. Les statuettes et masques africains atteignent également des records, tels une statuette en bois de Côte d’Ivoire vendue 67 000 euros en 2022 et un masque Fang du Gabon datant du 19e siècle à 5,9 millions d’euros en 2006. 

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(Illus.)La Pietà Roettgen, vers 1325, sculpture en bois (tilleul) peint, Rheinisches Landesmuseum (Bonn, Allemagne)

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Sculpture Art Déco

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Estimation gratuite de sculpture art deco

L’Art nouveau, qui a mis en avant une faune et une flore extravagante dans des courbes et arabesques, laisse place dans les années 1910 à l’Art déco. Ce nouveau mouvement connaît son apogée en 1925 à l’Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de Paris dont il tire son nom, avant de décliner dans les années 1930. Bien que de courte durée, ce mouvement a marqué durablement l’histoire de l’art moderne et contemporain.

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Le mouvement art deco

C’est un mouvement qui s’intéresse à l’architecture (Chrysler Building à New York) et surtout à l’ameublement et au décor intérieur : vitraux, objets d’arts, tissus, mobilier. Ce style se retrouve également dans la typographie des affiches publicitaires ou sur les vêtements. Aux déliés de l’Art nouveau, il oppose rigueur et symétrie. Les animaux et les végétaux sont remplacés par des formes répétitives géométriques ou plus abstraites : spirales, chevrons, cercles, triangles, motifs de palmier… Les fleurs sont encore présentes mais très stylisées. En sculpture, les artistes utilisent des matériaux comme des bois luxueux : acajou, érable, citronnier, amarante ou thuya.

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Parmi les sculpteurs célèbres, le français Paul Niclausse (1879 – 1958) a produit de nombreuses sculptures et médailles dans le style Art déco. L’italien Amedeo Gennarelli (1881-1949) est quant à lui célèbre pour ses nus féminins, ses œuvres de bronze, parfois ornées d’ivoire. La Ceres de John Bradley Storrs (1885 – 1956) est particulièrement représentative de l’évolution des formes et du style de l’Art déco. Cette œuvre de 1928 a été conçue pour le sommet du Chicago Board of Trade Building. C’est un sujet classique, issu du répertoire antique, aux formes marquées, au design épuré et particulièrement longiligne.

Dans le domaine des objets d’art, la vaisselle est aussi un support de l’Art déco. Le vase du maître verrier Jean Sala (1895 – 1976) pour la manufacture Saint-Louis présenté en 1937 à l’Exposition universelle de Paris est un chef d’œuvre. Il est fait de cristal avec un pied à quatre anses et un vase circulaire posé sur deux cylindres. Sa réédition récente par la manufacture de Saint-Louis en dix-huit exemplaires témoigne de son intemporalité. Ce goût actuel pour l’Art déco s’observe également avec des créations contemporaines. Accessible, le style Art déco se trouve en sculpture avec des médailles ou des œuvres de petites tailles à moins de 100€ : une médaille d’Edouard Pierre Blin (1877 – 1946) a été adjugée en 2016 à 80€. Des poissons de Jean Sala ont été adjugés entre 250 et 2000€. Pour les prix les plus élevés, une sculpture chryséléphantine de Thais de Dimitri Chiparus (1886 – 1947) a été adjugée à 85 000€ en 2018.

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(Illus.) Paul_Jouve._Jeune_panthere.1938

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Sculpture contemporaine

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Estimation gratuite de sculpture contemporaine

La sculpture est une œuvre en trois dimensions façonnée dans la matière, par ajout ou réduction. C’est un art autonome ou bien intégré dans un ensemble (sculpture d’un tympan d’église ou couverture d’un livre sculptée dans l’ivoire). En histoire de l’art, sont considérées comme contemporaines les productions des années 1960 à nos jours.

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Tout savoir sur la sculpture contemporaine

La sculpture contemporaine est composée d’œuvres de toutes tailles, de la miniature à la sculpture monumentale comme le Pouce de César (1921 – 1998), en 1981, qui représente un pouce en bronze de douze mètres de haut et de dix-huit tonnes exposé à la Défense à Paris. Les matériaux utilisés en sculpture sont multiples, plus encore aujourd’hui : des matières traditionnelles comme le bois, le marbre ou le bronze, mais aussi des matériaux modernes comme l’acier, le plastique ou le verre. Certains matériaux sont tout simplement atypiques car ils n’étaient initialement pas destinés à être supports de sculptures. On peut évoquer le chien de fleurs, de douze mètres de haut, Puppy créé par Jeff Koons (né en 1955) en 1997 pour le musée Guggenheim de Bilbao. Cette sculpture est créée avec une base d’acier inoxydable, une toile géotextile, un système d’irrigation internet et des fleurs.

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Les sujets abordés sont issus d’un héritage artistique : œuvres abstraites, portraits, animaux… Cependant, leur traitement rompt avec cette tradition. Louise Bourgeois (1911 – 2010) traite des animaux rarement représentés en art comme sa gigantesque araignée, Maman (1999-2002), tandis que le Grand éléphant de l’île de Nantes est une œuvre d’art mécanique du théâtre de rue La Machine créée en 2007. La figure humaine occupe une place importante avec de nombreuses œuvres anthropomorphes comme Expansion de Paige Bradley (née en 1974), représentant une femme saignant de lumière.

Les œuvres les plus coûteuses atteignent plusieurs millions comme le Rabbit, 1986, de Jeff Koons, son œuvre la plus chère, adjugée à 71 400 000€ en 2019. Certaines s’élèvent à quelques centaines de milliers d’euros, comme la Nana danseuse noire de Niki de Saint-Phalle (1930 – 2002) adjugée à 800 000€. Des œuvres de tailles plus réduites ou d’artistes moins célèbres se vendent également à moins de 10 000€ comme la sculpture anthropomorphe de 1964 en grès d’Elisabeth Joulia (1925 – 2003), adjugée à 6 600€ en 2014 ; ou à moins de 1000€, comme le Contemporary bronze de Tammy Garcia (née en 1969) adjugé à 630€.

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(Illus.)Jeff Koons, Puppy, 1992. Bilbao, Musée Guggenheim

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Estimation gratuite sculpture cubiste

Sculpture cubiste

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Estimation gratuite de sculpture cubiste

Cassant tous les codes de l’art « classique », le cubisme est l’un des mouvements les plus radicaux du début du XXème siècle. C’est une réaction à l’école naturaliste et une rupture avec le post-impressionnisme de Georges Seurat (1859 – 1891). Il est considéré comme l’origine de tous les courants abstraits et a fortement influencé tant l’architecture que les arts industriels. C’est un mouvement intellectuel total qui se rapproche du fauvisme, du surréalisme, du futurisme italien et du constructivisme russe. Il est à l’origine du Bauhaus, du style De Stijl et du dadaïsme.

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L'art cubiste : Pablo Picasso le créateur

L’art cubiste se caractérise par l’usage de formes géométriques, la recherche de la pureté de la forme et la représentation simultanée de toutes les facettes d’un même motif sur une seule surface, peut-être l’une des plus grandes innovations en matière de peinture. Dans la sculpture, le cubisme s’intéresse aux vides plus qu’aux pleins et aux jeux de lumières. L’iconographie controversée représente le plus souvent un sujet de la vie quotidienne.

Le cubisme est initié par Pablo Picasso (1881 – 1973) en peinture avec Les demoiselles d’Avignon en 1907, comme en sculpture avec la Tête de Fernande en 1909. Ce bronze est un portrait qui utilise des techniques traditionnelles mais avec une surface modelée en facettes, inspirées du cubisme analytique pictural. Si le cubisme pictural se clôt en 1914 ou 1925, le cubisme sculptural dure jusque dans les années 1950. Cet art international touche de nombreux sculpteurs dans plusieurs pays avec des solutions plastiques novatrices.

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Parmi les grands sculpteurs cubistes, on peut évoquer Emil Filla (1882 – 1953), Henri Laurens (1885 – 1954), Chaim Jocob Lipchitz (1891 – 1973) ou encore Alexander Archipenko (1887 – 1964). Les recherches des divers sculpteurs cubistes sont dissemblables mais ont suffisamment de traits communs notamment sur le travail des surfaces, de la lumière et la géométrisation, pour être rassemblées dans cette catégorie. Lipchitz s’inspire de l’art africain comme dans les œuvres de Picasso et s’attache à donner une place à la lumière et à ses reflets sur son œuvre. Archipenko s’intéresse également à la lumière, il crée des formes convexes et concaves et refuse les effets décoratifs. Torse de 1909 est l’une de ses premières sculptures de ce style. La sculpture cubiste s’expose autant que les tableaux notamment au Salon d’Automne de 1912. Ce style controversé est tout de même apprécié, si bien que lorsque l’État bulgare décide en 1981 de faire ériger un monument commémoratif des 1300 ans de la fondation du pays, il commande à Krum Damyanov (né en 1937) et Ivan Slavov (1928 – 2012) dans un style cubique. C’est l’un des seuls monuments qui dépeigne l’histoire de tout un pays, de sa création à l’époque moderne.

La sculpture cubiste se retrouve dans des objets de diverses tailles et à des prix tout aussi variés, selon la côte des artistes : la Rencontre, 1913, en bronze de Chaim Jacob Lipchitz (1891 – 1973) a été adjugée à 970 000€ en 2021, la Woman combing her hair, 1915, d’Archipenko, s’est vendue à 1 580 000€ en 2015. Mais l’on peut trouver des sculptures à des prix plus abordables : on trouve des œuvres d’Archipenko dès 400€ (Black torso en 2016) et des œuvres à une centaine d’euros comme celles de Jesus Lizaso, El hombre y la cubica 21, vendu à 120€.

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(Illus.)Monument aux 1300 ans de la Bulgarie, ou monument des fondateurs de l’État Bulgare. 1981, Krum Damyanov et Ivan Slavov, béton, Choumen, Bulgarie.

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Sculpture médiévale

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Estimation gratuite de sculpture médiévale

Il est communément admis que le Moyen Âge commence en 476 à la chute du dernier empereur romain et se termine en 1492 pour laisser place, à la Renaissance. C’est donc une période très longue, qui connaît de nombreuses évolutions.

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Histoire de la sculpture médiévale

Les sculptures médiévales peuvent faire partie d’ensembles ou bien être des objets autonomes. La majorité s’inscrivent dans un contexte architectural : à Paray-le-Monial, vers 1080/1090, des artistes sculptent 365 chapiteaux romans représentants des végétaux, des animaux et des personnages du répertoire biblique, qui viennent décorer la basilique. La sculpture comme objet autonome, hors d’une architecture, est courante seulement dans le sens où les objets médiévaux n’existent pas pour eux-mêmes, ils ont nécessairement une fonction et un contexte. Il existe ainsi de très belles statues de Christ ou Vierge à l’Enfant. La production de la sculpture sur ivoire se développe notamment dans le décor de couvertures de livres comme celle du Sacramentaire de Drogon de 845-855.

L’art qui se développe alors est éclectique avec de très diverses influences. Durant la période mérovingienne, l’art connaît une forte influence des peuples germaniques dit « barbares », notamment dans les ornements comme le chancel de Saint-Pierre-aux-Nonnains à Metz, avec des motifs animaliers, des entrelacs, des éléments végétaux et géométriques. Le début du Moyen Âge n’est pas un changement brutal mais une longue évolution, il en va de même dans l’art où l’on trouve donc de fortes influences de l’Antiquité chrétienne, notamment durant la période carolingienne qui se veut une renaissance de l’art antique récent dont il nous reste la statue équestre de Charlemagne (727 – 814) d’un atelier royal. Cette œuvre est à la fois un remploi d’un objet antique, le cheval est du IIIème siècle, et une sculpture carolingienne de bronze, le cavalier représentant l’empereur à la manière antique, glaive (disparu) et sphère, symbole de son pouvoir à la main. La sculpture médiévale bien qu’influencée a aussi un style propre. Les deux statues expressives de l’Église et de la Synagogue, de la cathédrale de Notre-Dame de Strasbourg, taillées vers 1225, sont de très belles allégories représentatives du « style 1200 » en France. La statue de Sainte Barbe d’un artiste anonyme datée de 1470 est dans la continuité du style gothique tout en présentant dans son déhanchement les prémices de la Renaissance, dont les premiers artistes ont déjà émergé en Italie à la fin du Moyen Âge.

Estimer une sculpture d'époque médiévale

La sculpture médiévale est un art qui n’existe pas sans contexte. Ses œuvres sont donc au service de la religion et au service des dirigeants. La statue équestre de Charlemagne est l’un des rares exemples de représentation d’un souverain médiéval hors d’un contexte religieux. Les représentations sculptées des monarques sont le plus souvent visibles sur leur gisant. Jeanne d’Évreux (1307 – 1371) est l’une des premières reines françaises à avoir commandé son gisant de son vivant. Philippe le Hardi (1342 – 1404) a commandé l’un des gisants les plus célèbres du Moyen Âge à Jean de Marville ( ? – 1389), Claus Sluter (1350 – 1406), Claus de Werve (vers 1370 – 1439) et Jean Malouel ( ? – 1415). Cette immense pièce d’albâtre, de marbre blanc et de marbre noir représente le Duc de Bourgogne gisant sur un socle noir porté par quarante et un pleurants. L’œuvre fut déjà célèbre de son temps, si bien que des chroniques racontent que certains visiteurs en ont emporté des fragments.

La sculpture médiévale est syncrétique, elle évolue au contact des autres civilisations et de leurs traces. Cette sculpture se retrouve majoritairement dans le contexte religieux soit comme objet autonome, soit comme élément architectural. Sur le marché de l’art, il faut faire attention aux objets partiellement composés d’ivoire dont le commerce est codifié par la réglementation de Washington de 1975. Parmi les pièces les plus chères, deux pleurants, pièces très rares, issues du cortège funéraire du Tombeau de Jean de France, duc de Berry, ont été adjugées à 4 400 000€ en 2016. Pour un budget plus réduit, une Licorne porte-écu en calcaire et fer forgé de la fin de la période médiévale, a été adjugée à 10 000€ en 2014. Les objets les plus courants sur le marché restent les statues de pierre ou de bois représentant des saints, la Vierge Marie ou des scènes religieuses ainsi que quelques chapiteaux. En 2012, un chapiteau roman de trois quarts en pierre calcaire du XIIème siècle au décor de feuilles d’eau stylisées a été adjugé à 1600€.

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(Illus.)Sainte Barbe, vers 1470, sculpture sur bois peinte. Paris, Petit Palais.

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Estimation gratuite sculpture abstraite

Sculpture abstraite

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Selon Paul Klee (1879 – 1940), « L’art ne reproduit pas le visible, il rend visible ». C’est une définition simple de l’art abstrait qui se développe durant le XXème siècle en France comme à l’international : on le retrouve tant en peinture chez le russe Vassily Kandinsky (1866 – 1944) ou le néerlandais Piet Mondrian (1872 – 1944) qu’en photographie avec l’américain Man Ray (1890 – 1976) ou l’artiste hongrois Laszlo Moholy-Nagy (1895 – 1946).

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Naissance de la sculpture abstraite

Cette abstraction résulte de bouleversements artistiques initiés dès le XIXème siècle : les impressionnistes et les fauvistes ont renouvelé le travail de la couleur, l’Art Nouveau a renouvelé ses sujets en mettant la nature au premier plan, l’Art déco initie de nouvelles formes moins réalistes, les cubistes ont créé des représentations décomposées. Le début du XXème siècle est aussi marqué par le développement de la pensée scientifique moderne et la théorie de la relativité qui sont également des facteurs de la naissance de l’art abstrait puisque la notion même de réalité expliquée par la science évolue. L’art abstrait peut se définir en opposition à l’art figuratif mais aussi comme une non-représentation des sujets. Il s’agirait d’une recherche de rationalité qui existe sans rapport avec la réalité ou indépendamment de tout point de référence. L’art abstrait a des définitions variées selon les supports ou les artistes, ce qui le rend parfois difficile à appréhender. Certaines théories dites « darwiniennes » posent l’art abstrait comme l’évolution ultime de l’art, tandis que d’autres estiment que l’art véritable a toujours eu une part d’abstraction. Quelle que soit la théorie favorite des connaisseurs, aujourd’hui, ce mouvement artistique révolutionnaire est intégré dans le paysage artistique est paraît moins radical qu’initialement.

 

Les premiers artistes abstraits comme le sculpteur Hermann Obrist (1863 – 1927) ou la peintre et sculptrice Sophie Taeuber-Arp (1889 – 1943) laissent la place dans les années 1940 à une nouvelle génération d’artistes de tous horizons qui s’essaient à cette abstraction. Saloua Raouda Choucair (1916 – 2017) est considérée comme la première artiste abstraite au Liban : elle a créé des sculptures de bois ou de pierre, comme Poem, en 1960, une sculpture gris métallisé composée de formes semi-géométriques de 1,25m de haut. Le sculpteur américain Raoul Hague (1905 – 1993) fait également partie de cette génération d’artistes dont l’art se compose presque strictement d’œuvres abstraites. Walnut, une sculpture de bois de 1953, semble ainsi représenter un buste allongé sur un socle mais chacun peut y voir une forme différente. Au XXIème siècle, l’art abstrait est encore un courant exploré par les artistes, dans la sculpture mais aussi dans des installations de plus grande envergure comme celles de la japonaise Yayoi Kusama (née en 1929).

Expertise sculpture abstraite : les œuvres célèbres

L’art de la sculpture abstraite fait aujourd’hui partie des mouvements courants en sculpture. C’est pourquoi ces sculptures se retrouvent couramment dans les ventes aux enchères. Les prix sont particulièrement variés selon la côte de l’artiste et selon le type d’œuvres : des sculptures de Paul Luchowski (né en 1969) peuvent être adjugées à moins de 50€ comme l’Abstraktes schachspiel de 1995 en 2014 ; et certaines de Christian Berg (1893 – 1976) sont vendures à plusieurs milliers d’euros comme la Femme abstraite en bronze adjugée à 64 000€ en 2019. L’art abstrait reste un domaine vaste qui permet à tous les artistes de s’exprimer et à tous les collectionneurs de trouver une œuvre à leur goût. Salvatore Garau (né en 1953) a ainsi vendu Davanti a te, une sculpture immatérielle à placer dans un espace libre de toute obstruction, créée en 2020 pour 22 000€.

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(Illus.)Raoul Hague (1905 – 1993), Walnut, 1953, Bois, Art Institute of Chicago

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Les Bronzes modernes

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Selon le critique d’art du XIXème siècle, Anatole-François Gruyer (1825 – 1909), dans son article sur L’Art et l’Industrie du bronze, « autrefois la question d’art primait la question industrielle ». En effet, la question commerciale et la nécessité de la production de masse caractérise une part de l’art depuis le XIXème siècle. Ainsi les bronzes modernes peuvent être distingués selon deux catégories : un art bon marché produit en grande quantité qui permet à tous d’acquérir à bas prix un morceau d’art et de luxe, et un art parfois plus grandiose, plus raffiné ou recherché destiné à des commanditaires plus riches (État, Église, noblesse et bourgeoisie).

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Histoire du bronze moderne

Le bronze est un alliage de cuivre et d’étain (environ 10 à 15%). Lorsque l’étain est remplacé par du zinc, on parle de laiton. À partir du XIXème siècle, on trouve également le développement du régule, un alliage d’étain et d’antimoine plus économique, à l’apparence très proche du bronze. Cet alliage peut être travaillé à la fonte ou également par déformation mécanique puis travaillé avec des acides pour en modifier la couleur finale : doré, brun, vert…

Le bronze dans l’ameublement connaît un grand succès depuis le travail d’André-Charles Boulle (1642 – 1732) où il vient orner les meubles en guise de marqueterie à la place des traditionnelles essences de bois. On peut également évoquer les meubles de Pierre-Philippe Thomire (1751 – 1843), l’un des bronziers les plus célèbres du Premier Empire, ou ceux de Pierre Fontaine (1762 – 1853) et Charles Percier (1764 – 1838), architectes et décorateurs de Napoléon Ier et créateurs du style Empire. Durant le XIXème siècle, le bronze est fortement utilisé pour les objets d’art mais aussi pour la statuaire pour qui il reste, avec le marbre, l’un des matériaux les plus nobles. Les romantiques, notamment représentés par François Rude (1784 – 1855) et Jehan Duseigneur (1808 – 1866), le préfèrent d’ailleurs au marbre: il est plus léger, plus simple à travailler et plus facilement reproductible. Les bronzes animaliers connaissent leur apogée avec le développement d’un véritable bestiaire d’airain, en partie influencé par le romantisme puis dans divers courants comme l’Art nouveau ou moderne comme le Grand cerf de 1929 de François Pompon (1855 – 1933). À la fin du XIXème siècle, l’art connaît de grands bouleversements stylistiques et techniques. Le bronze reste en usage mais l’iconographie continue d’évoluer, quitte à choquer le public. Degas présente ainsi sa Petite danseuse en 1881, statue réaliste qui a fait scandale et est aujourd’hui l’une de ses œuvres les plus célèbres et les plus reproduites. Depuis le XXème siècle, il est concurrencé par des matériaux nouveaux, parfois plus simples à travailler, souvent moins onéreux. On trouve ainsi des sculptures de plastique, de résines, de polymères, du fil, des fleurs, du cuivre…

Comment reconnaître un vrai bronze moderne ?

Comme tout alliage, la définition du bronze est réglementée : il s’agit d’un alliage composé de 65% de cuivre minimum selon la loi française (8.03.1935). De plus, la facilité de reproduction liée aux techniques de fonte a conduit à légiférer sur le sujet. Les œuvres d’art originales doivent être signées ou dûment autorisées, du vivant ou non de l’artiste, pour les éditions de sculptures, et sont limitées à douze exemplaires numérotés. Les bronzes d’art regroupent les contrefaçons et les reproductions non numérotées, des copies conformes qui ne sont pas des originaux. On peut ainsi acheter des originaux de Rodin fondus l’an dernier puisque le musée dispose des droits et des moules de l’artiste, tandis que les sculptures de François Pompon (1855 – 1933) réalisées après sa mort sont des contrefaçons puisque l’artiste avait exigé la destruction des moules.

Le 27 octobre 2021, le Jeune cerf se grattant le cou de 1906 de Rembrandt Bugatti a été adjugé pour 177 000€. Sur le marché de l’art, on peut trouver des œuvres à moins d’une centaine d’euros et d’artistes renommés à tous les prix. La sculpture la plus chère du monde, vendue aux enchères, est actuellement un bronze, L’Homme au doigt d’Alberto Giacometti de 1947, qui a été adjugé à plus de 125 millions d’euros en 2015. Les sculptures de Giacometti sont les plus chères sur le marché de l’art mais on trouve des œuvres d’autres artistes importants comme Rodin avec des œuvres de 60€ à 13 500 000€ ou Camille Claudel, un peu moins célèbre, avec de très belles œuvres entre 1 350€ et 5 270 000€.

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(Illus.)Edgar Degas (1834-1917), La petite danseuse de quatorze ans, 1875-1880, bronze, Washington, National Gallery of Art.

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Sculpture en marbre

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Le marbre, roche métamorphique calcaire très dure, est, à l’image du lapis lazuli et de l’or, l’un des matériaux de prestige utilisés dans les arts. De couleur blanche, grise ou rose, avec ou sans veines, cette pierre compacte est connue et extraite depuis l’Antiquité. La plupart des gisements français se situent dans les Pyrénées. Le plus beau marbre du monde est réputé provenir des carrières de Carrare en Italie et la plus ancienne carrière est probablement celle de Paros, en Grèce.

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Histoire de la sculpture en marbre

Le marbre est un matériau naturellement résistant, il est le plus souvent utilisé pour des productions artistiques : décors, objets d’art, revêtements, sols et même des temples complets. Extraites dans des carrières à ciel ouvert, les pierres sont taillées en blocs avant de partir pour les ateliers. Les artistes et les artisans les travaillent ensuite selon le sujet voulu : des blocs de construction, des plaques murales, des carreaux pour le sol, des statues… Les artistes utilisent divers ciseaux acérés, marteaux et scies pour créer les formes avant de les polir. Réduit en poudre, le marbre se retrouve dans les sculptures de stuc. De l’Antiquité grecque, on connaît des sculptures de marbres monumentales comme la célèbre Victoire de Samothrace (vers 200 – 185 avant J.-C., Grèce). Le marbre est utilisé pour des sculptures sur les frontons ou les frises de temples comme au Parthénon (Statue de Dionysos, fronton est du Parthénon, 438 à 432 avant J.-C.). Son usage est adopté dans le reste de l’Europe méditerranéenne antique, notamment avec la diffusion de l’art romain dans tout l’Empire. Durant le haut Moyen Âge en Occident, le marbre provient essentiellement du réemploi des œuvres antiques, notamment les chapiteaux et les colonnes réutilisés dans les églises. Ainsi Charlemagne a-t-il été inhumé dans un antique sarcophage de marbre représentant l’enlèvement de Proserpine (IIIème siècle après J.-C.). Les carrières pyrénéennes sont exploitées pour la rare création de meubles liturgiques comme pour le Linteau de l’abbaye Saint-Génis-des-Fontaines, daté de 1020 – 1021. Au XVème siècle, le marbre reprend ses lettres de noblesse, devenant parement, mobilier ou statuaire. À la Renaissance, il devient le support de chefs-d’œuvre de l’histoire de l’art comme la très célèbre Pietà de 1499 de Michel-Ange (1475 – 1564). La Vierge voilée de Giovanni Strazza (1818 – 1875) prouve la virtuosité des créateurs avec ce voile de pierre opaque saisissant par son effet de transparence. Durant l’époque moderne, la sculpture se détache de l’architecture pour se rapprocher d’un art plus strictement décoratif.

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Depuis le développement de l’ère industrielle, de nouveaux matériaux et outils permettent aux artistes d’innover. Ces évolutions ont permis l’usage de supports différents comme les résines, les plastiques, les polymères… Cependant le marbre, bien que plus rare, conserve une place importante par sa noblesse et son intemporalité.

Les sculptures de marbre ne sont pas les plus courantes en vente aux enchères mais on en trouve de toutes tailles et à tous les prix. Les œuvres contemporaines comme celles du sculpteur cubain Augustin Cardenas (1927 – 2001) en marbre sont adjugées entre 1 300 et 10 000€ et celles du sculpteur français François-Xavier Lalanne (1927 – 2008) entre 10 000€ et 340 000€. Les œuvres en marbre peuvent être particulièrement accessibles : moins d’une centaine d’euros pour des sculptures d’Augusto Ortega Escobedo (1914 -1995), d’Henri Emile Allouard (1844 – 1929) ou encore Marilyn Newman (née en 1853). Parmi les marbres les plus chers, on peut évoquer le Buste de la Paix de 1814 – 1815 d’Antonio Canova (1757 – 1822) vendu à 5 000 000€ en 2018, l’Automne du Bernin à 6 100 000€ (2021) ou L’éternel printemps de 1884 de Rodin (1840 – 1917) à 15 700 000€ (2016).

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Les Bronzes anciens

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Le bronze est un alliage de métaux support d’œuvres d’arts, d’ornements, d’objets du quotidien et d’armes. On le retrouve parfois dans la littérature sous le nom d’airain. Cet alliage est constitué de cuivre et d’étain pour environ 10 à 15%. On y retrouve parfois d’autres métaux : plomb, aluminium, argent…

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Le bronze, plus qu'un matériau

C’est un matériau résistant à l’usure qui a l’intérêt d’être plus fluide en fusion et plus dur à froid que d’autres métaux anciens. Il est également apprécié pour sa résistance qui permet de produire armes et outils, et pour sa couleur proche de l’or. Le cuivre est travaillé par déformation mécanique : martelage, torsion, gravure, ou bien fondu, le plus généralement avec la technique de la fonte à la cire perdue, en fonte pleine ou creuse. Les Grecs et les Romains ont particulièrement utilisé cet alliage, attesté dès le VIIIème millénaire avant notre ère, dans leur art statuaire. Il est utilisé pour des œuvres de petit format dès le VIIème siècle avant J.-C. mais également pour des sculptures monumentales tel que l’Athéna Promachos de 16,4m de haut, commandée à Phidias vers 460 avant J.-C. La statuaire monumentale de bronze, grecque comme romaine, a majoritairement disparu, objet de fonte, de pillages. On la connaît essentiellement par les reproductions de marbre. Les fouilles des sites grecs ont permis de mettre à jour plusieurs milliers de bronzes de petite taille comme les statues géométriques du stade d’Olympie ou la vaisselle de Macédoine ou de Thrace. Des œuvres contemporaines sont connues dans des tombes, notamment chez les peuples celtes ou nordiques. Les Gaulois ont ainsi excellé dans le travail du bronze torsadé nécessitant une technique complexe que l’on ne sait pas reproduire totalement aujourd’hui. En Asie, le cuivre et l’étain sont présents en abondance, le bronze y détient un caractère sacré. Il est utilisé en Chine pour créer des armes ou des vases rituels destinés aux cérémonies funéraires. En Inde, des statues sont fondues ou bien martelées pour prendre les traits des divinités hindoues ou bouddhiques avant d’être dorées puis incrustées de pierres précieuses. Durant le Moyen Âge, en Europe, le bronze est peu utilisé. C’est surtout à la Renaissance qu’il reprend une place majeure avec de nouvelles recherches plastiques. En effet, du XIVème au XVIIème siècle, les artistes cherchent à créer des œuvres de bronze d’un seul tenant. Ces pièces sont particulièrement lourdes et coûteuses en matière première. Cela en fait des objets d’art de grande valeur financés grâce au mécénat de l’Église, des rois et des riches princes. On peut citer les Portes du Paradis de Lorenzo Ghiberti (1378 – 1455) pour le baptistère de Florence, créées entre 1402 et 1424, commandées par l’Arte di Calimala, grande guilde marchande de la cité. La porte est entièrement faite de bronze doré et se compose de vingt-huit panneaux moulés en une fois.

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Bien que supplanté par le marbre durant la période Rococo, le bronze continue de séduire les commanditaires, les artisans et les artistes pour la fabrication de meubles, d’objets d’art et de statues. De nouvelles techniques sont élaborées, telle que la fonte au sable. À Versailles, on en retrouve dans les jardins sous les traits des quatre grands fleuves de France ornant l’une des fontaines de Jean-Balthazar Keller mais aussi dans le palais : ornements, vases, appliques, marqueterie de meubles Boulle ou superbes horloges et pendules…

Les œuvres en bronze sont courantes sur le marché de l’art. On trouve de grands noms mais aussi beaucoup de bronzes anonymes. Pour moins d’une centaine d’euros, on peut acquérir des sculptures du XIXe et du XXe siècle, mais aussi des pièces ou clefs dans les ventes de matériel archéologique. De petites sculptures, des ornements et des bijoux de 100 à 1000€ pour les prix les plus accessibles. Les bronzes d’ameublement sont aussi présents sur le marché. Les meubles d’André-Charles Boulle marquetés et ornés de bronze se trouvent entre 100 000€ et 2 500 000€. Les bronzes étrangers (Asie, Afrique, Moyen Orient) sont également présents en enchères dès 100€ jusqu’à 6 200 000€ pour un lot de trois bronzes de Bouddhas chinois de la dynastie Ming (XVème siècle) en 2016. Récemment, la Tireuse d’épine, bronze du XVIème siècle, de Ponce Jacquiot (1515-1570) a été préemptée à 1 150 000€ par le musée du Louvre.

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