Maximilien Louis Fiot, dit Maximilien Fiot, est un sculpteur français né le 23 janvier 1886 à Grand Pressigny, dans l’Indre-et-Loire, et mort le 19 septembre 1953 à Corbeil-Essonnes. Elève du sculpteur Prosper Lecourtier, Maximilien Louis Fiot expose au Salon de Paris de 1910 à 1914. En parallèle, il participe aussi au Salon des Artistes Français, où il obtient une troisième médaille en 1911 puis une deuxième médaille en 1913. Il est ensuite appelé à se battre pour la France dès le début de la Première Guerre mondiale. 

Bien qu’il soit connu et reconnu comme artiste animalier, Maximilien Louis Fiot participe à la réalisation de Monuments aux Morts dans l’entre-deux-guerres, à l’instar de beaucoup de ses confrères. En 1930, il produit Le Lion veillant sur les enfants morts pour la Patrie pour La Ferté-Alais, ville où réside sa mère.

Maximilien Louis Fiot est un sculpteur dont les sujets de prédilection sont les animaux. Ses représentations favorites sont les chats, les chiens et les oiseaux mais l’intégralité de son bestiaire est assez diversifiée puisqu’il traite aussi de nombreux animaux sauvages. 

Le plus souvent, Maximilien Louis Fiot créé des œuvres figuratives en utilisant divers matériaux comme le bronze, la pierre, le bois et le métal.

Maurice Prost est un sculpteur animalier français, né le 13 mars 1894 et mort le 3 juillet 1967 à Paris. De 1906 à 1913, il suit les cours du sculpteur Léopold Morice avant d’entrer en apprentissage dans un atelier d’orfèvre jusqu’en 1914, à l’aube de la Première Guerre mondiale.

Mobilisé et envoyé au front en Argonne, Maurice Prost participe à un assaut durant lequel il se blesse gravement : il est amputé du bras gauche quelques mois seulement après le début de la guerre. Revenu à Paris, Maurice Prost doit abandonner son métier de ciseleur en joaillerie.

En 1916, il rejoint son frère Gaston Prost, peintre et graveur, à Montpellier où il décide de suivre les cours des beaux-arts. Deux ans plus tard, Maurice Prost retourne à Paris et se lie d’amitié avec des artistes qui partagent la même passion que lui, les représentations animalières.

C’est entre 1919 et 1945 que Maurice Prost réalise la plus grande partie de ses créations, souvent très originales.

En 1920, Maurice Prost ouvre son premier atelier dans le 14e arrondissement puis participe au Salon des Artistes Français l’année suivante. Tout au long de sa vie, il expose aussi régulièrement ses œuvres au Salon d’Automne et au Salon des artistes indépendants.

Quelques années plus tard, en 1928, Maurice Prost est invité à participer au premier Salon des Artistes Mutilés et Blessés de Guerre dont l’inauguration accueille toute la classe politique française et la presse internationale.

Entre 1948 et 1964, Maurice Prost qu’on soit de nombreuses sculptures monumentales à la demande de municipalités et d’institutions. Les années suivantes, la Monnaie de Paris lui commande une série de médailles.

Durant toute sa carrière, Maurice Prost reçoit de nombreuses distinctions : la médaille d’honneur du Salon des artistes français en 1922, la médaille de Vermeil de la ville de Paris en 1934, la médaille d’or du salon des artistes français en 1963 ou encore la médaille d’honneur du Salon d’Automne en 1966. Il est également nommé officier d’Académie en 1932 et officier de la Légion d’honneur au titre des arts en 1957.

S’étant rendu au Maroc pour mener à bien des travaux de construction portuaire, il est ébloui par la lumière propre à l’Afrique du Nord, qui le décide à se consacrer à l’art. 

En 1923, il se fixe dans le Sud de la France, d’abord en Arles puis à Saint-Paul-de-Vence, près de Nice, où il demeure pendant une vingtaine d’années. 

En Camargue, il croque des scènes folkloriques, puis réalise une série de peintures murales pour les mairies des Saintes-Maries-de-la-Mer et de Saint-Martin-en-Crau. Il brosse aussi des marines et des intérieurs méditerranéens dont la luminosité annonce Matisse. 

Son existence d’une grande simplicité, à la limite de l’indigence, transparaît dans la retenue et l’élégance de ses tableaux. 

Durant la Seconde Guerre mondiale, il s’enrôle dans la Résistance et prend le maquis.

Mateo Hernández Sánchez est un sculpteur animalier né en 1884 à Béjar, en Espagne, et décédé en 1949 à Meudon, en France. Fils d’un père architecte, il s’intéresse dès son plus jeune âge à la taille de la pierre. en 1906, Mateo Hernandez déménage à salamanque et intègre l’Académie royale des Beaux-Arts Saint-Ferdinand à Madrid où il étudie le dessin et le modelage pendant deux ans. En 1910, Mateo Hernandez s’installe à Paris et travaille en tant que tailleur de Pierre dans un chantier, ce qui lui permet de maitriser la technique de la taille directe. en parallèle, Mateo Hernandez exerce la sculpture la peinture et la gravure.

En 1920, les œuvres de Mateo Hernandez connaissent un vrai succès lors du Salon d’Automne. Le succès est tel que le baron Rothschild achète l’une de ses sculptures, Pantera. Cinq ans plus tard, Mateo Hernandez remporte le Grand Prix de sculpture lors de l’Exposition internationale des arts décoratifs de Paris. À partir de 1927, Mateo Hernandez devient un artiste reconnu dans son pays natal l’Espagne, notamment grâce à une vaste exposition dédiée à ces oeuvres et présentée à Madrid. En France, l’apogée de sa reconnaissance se fait grâce à une glorieuse exposition de ces sculptures au Musée des arts décoratifs de Paris au printemps 1928.

En 1930, Mateo Hernandez est décoré de la Légion d’honneur. Quelques années plus tard, il obtient une reconnaissance internationale grâce à une exposition individuelle à New York. À l’aube de la Seconde Guerre mondiale, Mateo Hernandez Ralenti son rythme de travail à cause de problèmes de santé mais il n’en est rien pour le passionné qu’il est. Mateo Hernandez continue à sculpter des œuvres conséquentes et reçoit le prix d’honneur lors d’une exposition de 1949, peu de temps avant sa mort.

Marino Marini est un sculpteur italien né le 27 février 1901 à Pistoia, en Toscane, et mort le 6 août 1980 à Viareggio, en Italie. En 1917, il entame sa formation artistique à l’Académie des Beaux-Arts de Florence où il suit les cours de sculpture de Libero Andreotti. Après ses études, il travaille comme assistant de son ancien professeur, puis enseigne à l’Académie des Beaux-Arts de Monza.

Dans les années 1930, Marino Marini s’établit en tant qu’artiste à part entière et commence à exposer ses sculptures à travers l’Italie. Il créé alors des œuvres représentant des figures humaines, des chevaux et des cavaliers. Son style est principalement figuratif, bien qu’il introduise des éléments hérités de l’Abstraction et de l’Expressionnisme.

Dans les années 1950, il acquiert une reconnaissance internationale et expose ses œuvres dans des galeries et des musées à travers toute l’Europe et les États-Unis.

Marino Marini connaît le succès à la Biennale de Venise de 1952 où il obtient le Grand Prix de Sculpture. Sa première rétrospective a lieu dix ans plus tard à Zürich, puis à Rome en 1966. Un musée lui est dédié à Florence et ses œuvres sont exposées au Japon en 1978.

Son œuvre est souvent associée à des thèmes symboliques et allégoriques. Marino Marini explore des sujets tels que la dualité de la nature humaine, la relation entre l’homme et l’animal, et les questions de la vie et de la mort. Tout au long de sa carrière, Marino Marini est très productif, tout en travaillant différents médiums, dont la sculpture, la peinture, le dessin et la gravure.

En parallèle, Marino Marini est un enseignant influent. Il occupe des postes dans diverses institutions artistiques en Italie, notamment à l’Académie des Beaux-Arts de Brera à Milan.

Léon-Marcel Marceau, dit Marcel Lémar, est un sculpteur animalier, né le 21 juin 1892 et mort le 20 septembre 1941 à Paris. Issu d’une famille modeste, il doit commencer à travailler à l’âge de 15 ans. En 1914, au commencement de la Première Guerre mondiale, Marcel Lémar est mobilisé. Grièvement blessé et gazé, il est réformé.

De retour à Paris, Marcel Lémar prend des cours d’anatomie et de paléontologie au Museum d’histoire naturelle. Il s’intéresse de près à l’art animalier et se lie d’amitié avec François Pompon, sculpteur animalier. C’est à cette époque qu’il débute ses sculptures animalières. 

Rapidement, Marcel Lémar présente ses œuvres lors de plusieurs expositions. En 1925, il expose pour la première fois au Salon des indépendants où il continue d’exposer régulièrement tout au long de sa vie.

En 1931, Marcel Lémar rejoint le groupe des Douze, formé par François Pompon et Jeanne Poupelet et destiné aux animaliers. Il participe au deux expositions montées par le groupe, en 1932 et 1933.

L’œuvre de Marcel Lémar est redécouverte récemment et une exposition rétrospective lui est consacrée en 2013, au musée de la Piscine de Roubaix.

Jules Desbois est un sculpteur français, né le 9 septembre 1851 à Paris et mort le 15 avril 1935 à Boulogne-Billancourt. Fils d’un père ouvrier, il est l’aîné d’une fratrie de quatre enfants. Dès son plus jeune âge, Jules Desbois montre un intérêt, et un certain talent, pour le dessin et la sculpture. Sa passion pour l’art l’amène à entrer à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris, où il devient l’élève du sculpteur Auguste Dumont. Rapidement, Jules Desbois gagne en reconnaissance pour son art, et ses sculptures sont reçues avec succès dans de nombreuses expositions.

Jules Desbois se distingue rapidement par ses créations naturalistes et symbolistes, traitant de thèmes et de sujets mythologiques ou spirituels. Il emploie divers matériaux comme le bronze, le marbre et le plâtre pour donner vie à ses œuvres. L’art de Jules Desbois est souvent décrit comme empreint d’une sensibilité émotionnelle et d’une attention minutieuse aux détails. Il est aussi connu pour capturer la beauté et la grâce du corps humain, en particulier celui des femmes.

L’œuvre la plus célèbre de Jules Desbois est probablement La Misère, un groupe sculptural en bronze qui représente une mère mourante et son enfant. Cette sculpture symboliste, saluée par la critique, suscite encore aujourd’hui beaucoup d’admiration pour son expressivité. Au cours de sa carrière, Jules Desbois reçoit de nombreuses distinctions, dont le titre de chevalier de la Légion d’honneur en 1900. Son travail détient une influence durable sur la sculpture française et inspire aussi bien des artistes de son époque que des artistes plus contemporains. Aujourd’hui, les œuvres de Jules Desbois sont exposées dans des musées et des collections privées à travers le monde.

Joseph Charles Marin est un sculpteur français, né en 1759 et mort le 18 septembre 1834 à Paris. Il réalise une grande partie de sa formation artistique sous les conseils de Clodion, son professeur de sculpture. Joseph Charles Marin tente à plusieurs reprises de remporter le grand prix de sculpture sous l’Ancien Régime, entre 1782 et 1787.

Après la Révolution, en 1791, Joseph Charles Marin participe pour la première fois au Salon, où il expose ensuite régulièrement jusqu’en 1833. Entre 1794 et 1799, il séjourne à Rome et réalise des sculptures inspirées des chefs-d’œuvre italiens. En 1801, Joseph Charles Marin remporte le grand prix de Rome en sculpture, grâce au bas-relief Caïus Gracchus quittant sa femme Licinia. Entre 1802 et 1807, il est pensionnaire de l’Académie de France à Rome. Vers 1805, Joseph Charles Marin opère un changement de style dans son œuvre, passant d’une manière légère et gracieuse à un style sévère.

Joseph Charles Marin est de retour à Paris en 1812. Il entreprend alors des travaux plus importants pour la coupole du Panthéon ou l’Arc de Triomphe. En 1813, Joseph Charles Marin est nommé professeur à l’Ecole des beaux-arts de Lyon. Il démissionne quatre ans plus tard pour retourner à Paris et restaurer le baldaquin du dôme des Invalides. Entre 1827 et 1829, Joseph Charles Marin sculpte les bustes du Dauphin et du duc d’Angoulême. Au début des années 1830, il travaille pour une clientèle privée d’amateurs tout en donnant des cours de sculpture. Cependant, c’est dans la pauvreté que Joseph Charles Marin meurt en 1834.

Les frères jumeaux Jean et Joël Martel sont des sculpteurs français, nés le 5 mars 1896 à Nantes et morts respectivement le 16 mars 1966 à Lille et le 28 septembre 1966 à Paris. Grâce au soutien de leur père, ils suivent les cours de sculpture de Pierre Vigoureux avant d’intégrer l’Ecole Nationale des Arts Décoratifs en 1912.

Les deux frères jumeaux partagent le même atelier et signent leurs créations « J. Martel ». 

A partir des années 1920, Jean et Joël Martel réalisent aussi des aménagements d’intérieur dans des villas, comme un bas-relief dans la Villa Noailles en 1923.

En 1925, Jean et Joël Martel collaborent avec des architectes dans le cadre de leur participation à l’Exposition des Arts décoratifs industriels et modernes de Paris. Ils réitèrent cette collaboration avec des architectes lors de l’Exposition internationale des Arts et Techniques de Paris en 1937.

Durant l’entre-deux guerres, Jean et Joël Martel participent à de grandes expositions parisiennes et internationales : aux Salons des Jeunes, aux Salons des Indépendants, aux Salons d’Automne, aux Salons de la Société des Artistes décorateurs, aux Salons des Tuileries et aux Salons de l’Union des Artistes modernes.

En 1935, Jean et Joël Martel contribuent à la parution de la revue L’Art Sacré. L’année suivante, ils sont nommés chevaliers de la Légion d’Honneur et commandeurs du Mérite culturel et artistique.

Malgré leur profond attachement à Paris, Jean et Joël Martel passent de nombreux séjours en Vendée tout au long de leur vie, notamment dans leur propriété située à Mollin. Ils se rendent aussi souvent à Saint-Jean-de-Monts, ville dans laquelle ils réalisent leur dernière œuvre monumentale intitulée Les Oiseaux de mer.