Émile Froment-Meurice reprend l’atelier familial au décès de son père, en 1859, devenant à son tour orfèvre et joaillier. Il s’associe alors à deux anciens collaborateurs de ce dernier : Louis et Philibert Audouard. Comme son père, Émile est l’Orfèvre-joaillier de la ville de Paris, même s’il produit également des pièces pour certains grands noms tels que Napoléon III ou encore le duc d’Aumale. Suivant les traces de son père, il connaît un immense succès lors de sa première participation à l’Exposition universelle de 1867, à l’occasion de laquelle il reçoit une médaille d’or. Émile Froment-Meurice devient dès lors l’un des orfèvres et joailliers les plus importants du Second Empire.

Le style des œuvres d’Émile Froment-Meurice est indéniablement inspiré de celui de son père, allant même parfois jusqu’à reprendre les dessins de ce dernier. Ainsi, il produit des pièces romantiques, inspirées par la Renaissance, le Moyen-Âge et l’Égypte antique. Malheureusement, quand Émile Froment-Meurice se retire, aucun de ses fils ne prend sa succession. La maison est reprise par Georges Auger, expliquant ainsi que des pièces marquées Auger-Froment-Meurice voient le jour dans les années qui suivent.

Si Albert Duraz travaille dans un premier temps le cuivre, l’argent devient dès 1952 son matériau de prédilection. Il tire de ce métal des pièces géométriques et ajourées, aux angles aigus ou aux lignes courbes organiques. Certains bijoux imitent des motifs animaliers (oiseaux, taureaux, hiboux, araignées…) mais toujours de manière très allusive. La monochromie froide du métal est parfois rehaussée de pierres semi-précieuses de couleur. Leur usage se limite alors à l’incrustation de petits cabochons d’onyx, de grenat ou de lapis-lazuli. Albert Duraz travaille tous types de bijoux, mais aime particulièrement les pièces volumineuses, tels les grands pectoraux articulés, présents dès les débuts de sa production. Ceux-ci lui offrent un important espace d’expression pour dévoiler sa personnalité.

Le joaillier s’inspire parfois de son enfance pour créer. Le motif récurrent du pied ailé de Lucifer est ainsi extrait de ses dessins de jeunesse. L’ampleur de ses créations a été qualifiée par l’artiste lui-même de « baroque », un style exubérant dont il s’est beaucoup imprégné durant son enfance savoyarde. La littérature compte aussi parmi les influences majeures du joaillier, lecteur assidu de Milton, Walter Scott ou Edgar Allan Poe. Un goût pour l’étrange, le mystérieux, le fantastique et le romantisme noir transparaît dans ses créations. Certaines font même explicitement référence à des textes, tel un pectoral s’inspirant du roman gothique d’Horace Walpole Le Château d’Otrante. Les bijoux d’Albert Duraz en deviennent presque narratifs, comme le prouvent les noms que leur attribuait l’artiste : La Vénitienne, La Prisonnière de l’Escorial ou Le pied de Lucifer. Alors conservateur du musée d’Arles, Jean-Maurice Rouquette le qualifiait même de « poète orfèvre ». Cet attrait pour la littérature est consacré par l’utilisation de bijoux d’Albert Duraz au théâtre. Roger Planchon utilise ainsi certaines de ses créations en 1951, pour une mise en scène de La Nuit des rois de William Shakespeare. Cette collaboration se poursuit avec Marcel Maréchal, pour ses pièces Tamerlan et Le Cavalier seul.

Les créations d’Eugène Fontenay sont marquées par un goût historiciste porté vers la Renaissance, et un désir d’imiter les bijoux antiques. Le joaillier est par exemple très influencé par la collection Campana, achetée en 1861 par Napoléon III, et exposée au Palais de l’Industrie puis au musée du Louvre. Il y découvre les bijoux gréco-romains et leurs ornements, tels le filigrane et les perles, qu’il se met à utiliser abondamment dans ses propres créations. Fontenay affectionne aussi le graineti, une imitation des boules d’or microscopiques dont les Étrusques ornaient leurs bijoux. 

La réutilisation de ces techniques antiques ne lui est cependant pas propre. De nombreux joailliers se fascinent dès 1850 pour la Grèce ou l’Égypte suite au développement des fouilles archéologiques ou au percement du canal de Suez. La maison Castellani, qui a restauré les bijoux de la collection Campana, est ainsi très admirée par Fontenay pour ses bijoux historicistes. Un bijou fréquemment produit par la maison Fontenay est le collier, souvent ornés de pampilles en gouttes et de perles à volutes. Le joaillier crée des effets de polychromie variés, en utilisant le corail, ou le lapis-lazuli très fréquent dans la bijouterie égyptienne. L’apparition du jade dans la production d’Eugène Fontenay est aussi à souligner, et coïncide avec les expéditions françaises en Chine, menées dès 1858.

Simon Petiteau réalise des bijoux dans un style très reconnaissable. Il recourt fréquemment à l’or ajouré et estampé (imprimé de motifs grâce à une matrice). Il affectionne aussi la cannetille, un fil d’or très fin enroulé autour d’un fil plus épais, qui produit un effet très précieux. Petiteau utilise encore le graineti, une imitation des boules d’or microscopiques dont les Étrusques ornaient leurs bijoux. Tous ces procédés sont très appréciés dans le cadre historiciste du XIXe siècle, car ils évoquent le rendu des bijoux antiques. Simon Petiteau agrémente ses pièces de perles fines, topazes, turquoises ou opales, et les rehausse d’émail noir ou bleu. Un bracelet conservé au Museum of Fine Arts de Boston en est un parfait exemple. Réalisé pour la femme d’un officier, il mêle l’or ajouré et la cannetille, tout en étant incrusté d’émeraudes, de rubis, de diamants, et d’une perle baroque. Une de ses pièces les plus fameuses est la parure d’or, réalisée pour la reine Désirée de Suède, et présentée aujourd’hui au Nordiska Museet de Stockholm. Elle est ornée de camées de malachite gravés de scènes à l’antique, illustrant une nouvelle fois le goût de Simon Petiteau pour l’imitation des bijoux du passé.

L’inclinaison stylistique de Liénard envers l’Art nouveau se traduit par des représentations de la nature et un travail poussé sur les formes végétales. Le joaillier apprécie en particulier les insectes (cigales ou libellules), un thème récurrent chez les joailliers de l’Art Nouveau français, tel René Lalique. Techniquement, les créations de Paul Liénard vont se distinguer de celles de ses contemporains par l’emploi de l’émail cloisonné à jour sur or, aussi connu sous le nom de plique-à-jour. Datant du XVème siècle, cette technique est  remise au goût du jour par le verrier André-Fernand Thesmar avant d’être adaptée à la joaillerie par René Lalique. Elle consiste à séparer les couches d’émail translucide par de fines cloisons d’or, et permet au joaillier de traduire les couleurs les plus vibrantes des insectes, en laissant habilement passer la lumière à travers les émaux. L’effet rendu est ainsi proche de celui d’un vitrail. Une broche orchidée en diamants et pierres de lune, récemment passée en vente aux enchères, montre la finesse des nuances d’émail à jour maîtrisées par Paul Liénard.

Le plique-à-jour permet un grand jeu de lumière, tout comme la corne, très utilisée dans la joaillerie Art nouveau, et dont Liénard fait grand usage. Une de ses plus belles pièces réalisée dans ce matériau est probablement une tiare à décors de fleurs de pommier, rehaussée de pistils de diamants et de perles baroques. L’usage des diamants ou de gemmes tels que la pierre de lune (parfois sculptées en camée) permet aussi à Liénard de faire jouer ses pièces avec la lumière et est assez fréquent dans ses créations. De même, le joaillier affectionne les grappes retombantes de perles rondes qui lui servent à imiter des rangées de boutons de fleurs, et les perles baroques aux formes surprenantes (perles « dents de chien », ou perles Mabé, plates sur une face). Ces ornements reproduisent les courbes végétales et leur asymétrie organique, dans un esprit japonisant qui a intensément nourri l’Art nouveau. Parallèlement à cette orientation stylistique majeure, Liénard a également créé vers 1907 des bijoux de style assyrien ou égyptien, qui s’ornent de l’oeil oudjat, de fleurs de lotus, d’ailes de faucon déployées ou de scarabées stylisés. Ces pièces portent déjà en germe des motifs stylisés et géométriques caractéristiques de l’Art déco, qui s’épanouit vers 1910 dans la production de Paul Liénard.

Difficiles à appréhender en raison de l’anonymat de leur auteur, les pièces de Georges Le Saché peuvent cependant être reconnaissables. Le joaillier s’est ainsi spécialisé dans les petites sculptures en ivoire et or, souvent émaillées par petites touches de rouge et de vert, dans un style évoquant certains jades moghols incrustés. Cette production se centre sur des bibelots tels des allume-cigares, des tabatières, des bouteilles de parfum ou des paires de jumelles, dans un style historiciste et éclectique très affirmé. 

Certaines pièces présentent ainsi un vocabulaire stylistique néo-Renaissance (motifs floraux, rinceaux végétaux, profils numismatiques, sphinges, chimères, mascarons…). De petits coffrets imitant des châsses à décors de trilobes (motifs tréflés) s’avèrent davantage néo-médiévaux. Certaines pièces au décor végétal et souple évoquent un revival du XVIIIe siècle. Une vraie recherche technique est également présente dans la maîtrise des gemmes serties (saphirs, rubis) ou de l’émail champlevé, c’est-à-dire coulé dans des alvéoles de métal creusées. Le matériau de prédilection de Georges le Saché reste l’ivoire, utilisé dans quasiment chacune de ses pièces.