Le nom de Robert Davière est irrémédiablement associé à celui de la prestigieuse maison Boivin où l’on recense un grand nombre de ses créations emblématiques qui ont contribué à développer le style et l’image de cette joaillerie. La maison Boivin, fondée en 1890 par René Boivin, est à l’origine un atelier de fabrication de bijoux pour de grandes maisons de joaillerie telles que Meller ou encore Boucheron. Cependant au début du XXème siècle, elle se développe fortement afin de proposer des productions originales au sein de sa première boutique parisienne, rue des Pyramides.

Dès 1904, Robert Davière rejoint cette maison en tant qu’artisan joaillier et s’inscrit dans le « style Boivin ». Ce dernier se démarque par un travail d’association innovante de matériaux bruts et polychromes, assemblant de façon sobre et élégante sur des montures en or jaune ou en or émaillé noir, des pierres préciseuses telles que des améthystes, des topazes et des diamants roses. Il est aussi tout à fait intéressant de souligner le rôle des arts extra-européens et antiques dans le choix des formes et des motifs des joailliers de la maison Boivin. La maison Boivin est marquée en 1917 par le décès prématuré de son créateur, René Boivin, et voit apparaître ce qu’on appelle « l’atelier des dames » c’est-à-dire la direction de la maison par plusieurs femmes successives comme Jeanne Boivin, Juliette Moutard ou encore Germaine Boivin. Dès la période de création dirigée par Jeanne Boivin, l’épouse de René Boivin, se développe des formes plus arrondies et sphériques insistant sur le volume des pièces que l’on retrouve sur de nombreuses productions de Robert Davière. Ces caractéristiques géométriques voire architecturales sont typiques du style Art déco des années 1910 et 1920 très ancrées dans la maison Boivin et en partie présente chez Davière avec néanmoins des particularités dans le style du joaillier.

René Lalique (1860 – 1945) commence son apprentissage à seize ans au sein de l’atelier du joaillier Louis Auroc, avant de partir étudier en Angleterre pendant deux ans. Durant cette période, il apprend toutes les dernières techniques du travail des métaux et de la conception de bijoux. À son retour, il devient dessinateur-concepteur indépendant pour certaines des plus grandes maisons de l’époque telles que Boucheron, Cartier ou encore Jacta. René Lalique travaille aussi pour Henri Vever jusqu’en 1898. C’est auprès de ce dernier qu’il aprend la technique du plique-à-jour, qui deviendra la signature de ses pièces Art nouveau. Cette technique consiste en l’application d’une pâte de verre sur un support métallique ajouré, permettant d’en laisser passer la lumière.

En 1885, il reprend l’atelier du joaillier Jules Destapes et ouvre sa propre maison. Il commence à présenter ses propres collections. Ayant pignon sur rue, il gagne en célébrité et propose diverses pièces à une clientèle sensible au japonisme et aux tendances qui constituent le creuset de l’Art nouveau. Ses pièces mêlent or et pierres précieuses à la nacre, l’ivoire, la corne ou encore l’émail et le verre, dans un véritable élan de renouveau. Lors de l’Exposition Universelle de 1900, René Lalique propose des pièces encore plus ancrées dans l’Art Nouveau. Au-delà de la technique et des matériaux employés, ce sont maintenant le style et les formes de ses bijoux qui s’incarnent dans ce courant artistique. Admirés par tous, ses compositions ondoyantes mêlent nature, aussi bien la faune que la flore, et fantastique.

Parmi ses clients les plus notables, on trouve ainsi la comédienne Sarah Bernhardt et le riche financier Calouste Gulbenkian. Ce dernier possède plusieurs pièces dont un peigne orné d’une orchidée en ivoire, corne et topaze dont le travail de ciselure fait vibrer la matière de lumière, créant l’impression d’une végétation tout en courbes et contre-courbes, figée dans la corne. Fort de cette clientèle prestigieuse et d’une reconnaissance qui le porte aux nues, René Lalique ouvre en 1905 une boutique sur la mythique place Vendôme, au numéro 24. Il y expose des bijoux ainsi que des objets en verre. En effet, sa production se diversifie et ne saurait être envisagée qu’au prisme de la joaillerie. Le parfumeur François Coty lui propose notamment une collaboration pour créer des flacons de parfum. Après cette première expérience de production industrielle, René Lalique décide d’orienter son travail vers celui du verre industriel, dont l’appréciation se fait de plus en plus grande, à mesure que l’Art Déco se diffuse. C’est ainsi qu’il ouvre une usine de verrerie en 1922, devenant production de référence dans la création verrière de luxe.

Eugène Grasset est un graveur, affichiste, décorateur, dessinateur et architecte franco-suisse.Formé au dessin et à l’architecture, il clôt sa formation avec un voyage en Égypte qui marquera ses productions à venir. À partir de 1871, il fournit des modèles pour des manufactures de mobiliers, tapisseries, céramiques et joaillerie. Très vite, il reçoit de nombreuses commandes pour plusieurs projets d’aménagement, dont la salle à manger de l’hôtel de Charles Gillot, situé au 79 de la rue Madame (VIème arrondissement) à Paris, désormais déposée et reconstituée au Musée des Arts Décoratifs.

Grasset gagne très vite une renommée mondiale et révolutionne l’approche de l’Art nouveau dans les arts décoratifs avec une conférence qu’il donne à l’Union centrale des arts décoratifs en 1897. L’Art nouveau se caractérise par l’emploi de motifs issus du monde végétal, stylisés par des lignes courbes et sinueuses. Ce mouvement offre une vision vivifiante et mouvementée de la Nature. Dans la conférence intitulée simplement « Art nouveau » qu’adresse Eugène Grasset, celui-ci s’applique à prévenir ses contemporains contre une imitation sans aucune forme d’imagination, à bannir des industries de l’art. En effet, celles-ci se contenterait de reproduire des modèles anciens, sans faire preuve de nouveauté ou d’inventivité. Selon lui, ces industrices ne cherchent que le profit et s’adressent à une clientièle qui se sent à l’aise avec des modèles classiques. Cet art industriel, marqué par une spécialisation outrancière des ateliers, réduirait la place de l’imagination et de la création, et donc la possibilité de créer un “art nouveau”. Grasset encourage donc les artistes  à trouver de nouveaux modèles pour s’en inspirer. Cet art nouveau doit être fonctionnel mais servir les besoins de la société contemporaine en usant d’un « emploi raisonné de la matière ainsi qu’un usage des ornements tirés de la nature ». Grasset prône ainsi un art élégant mais tout à la fois fonctionnel et économique.

Il existe plusieurs familles d’horloger portant le nom de Sandoz dont certains travaillent déjà en France au XVIIIème siècle. La célèbre famille de bijoutiers Sandoz est quant à elle originaire de Neuchâtel en Suisse, non loin de la frontière française. La famille arrive en France en 1796 avec l’installation de l’horloger suisse Henry Aimé Sandoz à la manufacture de Versailles. En 1801, il s’installe à Paris, rue de la Draperie, où il est employé par Abraham Louis Bréguet. Son fils, Charles Auguste Sandoz, né en 1800, représente la deuxième génération de cette dynastie de bijoutiers. Il devient également horloger et invente un scarificateur, une pièce mécanique de haute précision qui permet la création de « micro-pendules », un type de montres. Il s’installe dans les galeries du Palais Royal.

Fred Samuel est un de ses artistes dont la vie nourrit les livres et les films. Né en 1908 à Buenos Aires, il est le fils de joailliers alsaciens qui ont fui les Allemands en 1870. À seize ans, il découvre la France et s’installe à Paris pour apprendre son métier. Considéré comme ambitieux, Fred Samuel a également un flair redoutable qui fait rapidement de lui un grand nom du petit monde de la haute joaillerie. Dès 1936, à tout juste 28 ans, il ouvre sa première boutique à Paris au 6 rue Royale, adresse déjà célèbre, non loin de la place de la Concorde et de la place Vendôme qui accueille alors les plus grands joailliers de ce temps. À ce même emplacement, le joaillier Georges Fouquet avait installé sa boutique dont la célèbre devanture, conservée au musée Carnavalet, avait été réalisée par Alfons Mucha en 1901 dans le style Art nouveau, avant d’être démontée en 1923.

Allard se forme en joaillerie en Angleterre. C’est lui qui, dans l’entreprise, conçoit les pièces qui feront le succès de la maison. Bon dessinateur, il continue à croquer ce qui l’entoure lorsqu’il est enrôlé dans la Première Guerre mondiale, où il fait la connaissance de Raphaël Strauss. Lors de l’Exposition internationale des Arts décoratifs de 1925, il reçoit un diplôme d’Honneur, et cinq des pièces qu’il a conçues sont achetées par le Musée de Londres. Il décède en 1949. Son associé, Émile Meyer est quant à lui chargé de l’aspect commercial de l’entreprise, tout comme Raphaël Strauss. Ce dernier, cordonnier de formation, s’engage volontairement dans l’armée pour trois ans, jusqu’en 1901.

À partir de l’Exposition universelle qui s’est tenue en 1900 à Paris, la maison Templier participe à la plupart des grandes manifestations internationales dans le monde entier, y obtenant plusieurs grands prix et médailles d’or. En 1925, les œuvres de Raymond Templier se font remarquer lors de l’Exposition des arts décoratifs et industriels modernes à Paris. En effet, on loue les lignes géométriques et l’aspect novateur de ses créations. C’est à cette occasion que le musée des Arts décoratifs de Paris acquiert sa première pièce de l’artiste : une broche en platine, brillants et émail vert. Lors de l’exposition de la Société des Arts Décoratifs de 1927, la presse loue le « modernisme si aigu, si ingénieux, aux lignes savantes dans leur simplicité » des bijoux de Raymond Templier. Conscient de la place qu’occupait déjà Raymond Templier dans l’histoire de la bijouterie-joaillerie, en 1937, l’État français se porte acquéreur de plusieurs de ses bijoux, qui se trouvent aujourd’hui également au Musée des Arts Décoratifs de Paris.

En 1929, Raymond Templier participe avec d’autres artistes à la création de l’Union des artistes modernes, un mouvement réunissant des artistes prônant les nouveaux préceptes de la modernité dans les arts, en particulier les arts décoratifs et l’architecture. La même année, il crée les bijoux portés par les actrices Brigitte Helm et Mary Glory dans le film L’Argent de Marcel L’Herbier. De ce fait, il s’attire assez rapidement une clientèle prestigieuse, composée des plus éminentes personnalités de l’époque. Passionné de sport depuis son plus jeune âge, il crée aussi des trophées et des médailles sportives. Il en présente d’ailleurs un certain nombre au Salon d’Automne, notamment en 1936 et 1941. En 1938, Raymond Templier est fait chevalier de la Légion d’honneur, puis, en 1960, officier de l’Ordre des Arts et des Lettres.