Estimation gratuite yonel lebovici

Yonel Lebovici

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Estimation et cote de l'artiste Yonel Lebovici

Yonel Lebovici est un designer français, né en 1937. Il obtient en 1955 un diplôme d’aéronautique, puis suit des cours de dessin à la Grande-Chaumière, académie d’art privée située à Paris. Par la suite, il entre à l’École Nationale Supérieure des Arts Appliqués, puis à l’École des Arts et Métiers en 1957.

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Yonel Lebovici, le design au service de la maison

Il rejoint en 1962 le studio de Serge Mansau, sculpteur et designer spécialisé dans la création de flacons de parfums, où il s’initie à la technique du verre soufflé. Sa première œuvre, intitulée Aquariophile, est une table créée en 1965.

En 1969, Yonel Lebovici ouvre son propre atelier de sculpture à Paris. Il y réalise ses premières œuvres lumineuses. La même année, il conçoit la lampe Satellite, en plexiglas et acier chromé. Il l’édite en 1977 en vingt exemplaires de plus petite taille.

En parallèle, il ouvre la galerie Formes et Couleurs dans le XVIIIème arrondissement parisien, et y expose des objets insolites chinés aux Puces, qui côtoient ses propres créations.

Au début des années 1970, Yonel Lebovici commence à transposer et agrandir des objets industriels et usuels avec beaucoup d’humour : la prise électrique devient Lampe Fiche Mâle en 1978, la table de salle à manger est montée sur des couverts de taille monumentale avec Les Dessous de table en 1992. Il donne d’ailleurs le nom de Sculptures utiles à ce type de création. Parmi celles-ci, Burotube et la lampe Pantographe sont des créations uniques, en l’espèce détenues par Yvon Poullain, collectionneur et mécène de l’artiste.

Les oeuvres et la cote de Yonel Lebovici

En 1980, le designer participe à plusieurs expositions, notamment au Musée des Arts Décoratifs et au Salon du Luminaire ; il s’y voit décerner le prix « Lampe d’argent ». Lebovici voit alors ses œuvres régulièrement exposées, au Salon des Artistes Décorateurs ou encore au Centre Pompidou, dans le cadre de l’exposition « Lumière, je pense à vous ».

L’artiste meurt en 1998. Son œuvre est abondamment présente aujourd’hui dans les collections permanentes du Fonds National d’Art Contemporain et du Musée des Arts Décoratifs. Entre sculpture et design, ses créations oscillent entre 500 et 2 000 euros pour les petites pièces et entre 3 000 et 50 000 euros pour les luminaires. Les Dessous de table reste l’œuvre adjugée au montant le plus élevé, avec 170 232 euros en septembre 2007.

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Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

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Estimation gratuite Mado Jolain

Mado Jolain

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Estimation et cote de l'artiste Mado Jolain

Mado Jolain (1921-2019) est une figure essentielle de la céramique française d’après-guerre. Artiste à la fois discrète et audacieuse, elle a contribué à redéfinir la place de la céramique dans l’art moderne, oscillant entre sculpture et objet du quotidien. Ses créations, empreintes d’une grande liberté formelle, séduisent aujourd’hui les collectionneurs et amateurs d’art décoratif du XXe siècle.

Estimation gratuite Mado Jolain

Prix des œuvres de Mado Jolain

  • Céramiques et sculptures : entre 500 € et 15 000 €

  • Pièces décoratives uniques ou collaborations avec René Legrand : jusqu’à 25 000 €

  • Dessins, croquis et œuvres sur papier : entre 200 € et 2 000 €

Vous possédez une céramique, un vase ou une sculpture de Mado Jolain et souhaitez en connaître la valeur ? Faites estimer votre œuvre gratuitement et en toute confidentialité avec Estimon’objet. Notre équipe d’experts et de commissaires-priseurs spécialisés dans les arts décoratifs et le design du XXe siècle vous fournit une estimation précise sous quelques jours. Grâce à notre expertise reconnue, vous bénéficiez d’une analyse fiable basée sur les dernières tendances du marché de l’art et les ventes aux enchères récentes.

Mado Jolain, une pionnière de la céramique moderne

Née à Paris en 1921, Mado Jolain étudie à l’École nationale des arts décoratifs, où elle s’oriente d’abord vers le dessin et la peinture. Son intérêt pour la terre cuite et la matière brute se révèle après la Seconde Guerre mondiale, à une époque où la céramique retrouve un statut artistique majeur en France. En 1948, elle fonde son propre atelier à Paris, puis s’installe à Biot, haut lieu de la céramique provençale. C’est là qu’elle développe un langage artistique unique : des formes épurées, des volumes architecturés et des glaçures d’une grande modernité. Mado Jolain s’éloigne volontairement de la production traditionnelle pour créer un art à mi-chemin entre sculpture et objet d’usage. Son œuvre traduit une recherche constante d’équilibre entre fonctionnalité et esthétique, entre rigueur et spontanéité.

Un art entre nature et architecture

Les céramiques de Mado Jolain se reconnaissent à leur géométrie claire et à leurs textures minérales, souvent inspirées des paysages méditerranéens. Ses vases, jarres, plats et lampes jouent sur la lumière, les creux, les reliefs et les variations de tonalités.
L’artiste privilégie les engobes mates, les terres chamottées et les glaçures naturelles. Elle conçoit ses pièces comme des architectures miniatures, parfois monumentales, toujours poétiques. Elle collabore régulièrement avec René Legrand, son mari et architecte, notamment pour des projets décoratifs intégrant ses créations dans l’architecture contemporaine. Ce dialogue entre céramique et construction confère à son œuvre une dimension rare, à la croisée de l’art et du design.

Une reconnaissance progressive

Bien que Mado Jolain ait longtemps œuvré dans une certaine discrétion, son talent est aujourd’hui pleinement reconnu. Ses œuvres figurent dans plusieurs collections publiques et musées de design, dont le Musée des Arts Décoratifs de Paris et le Centre Pompidou.
Ses créations, recherchées pour leur modernité intemporelle, séduisent une nouvelle génération de collectionneurs sensibles à l’esthétique brute et organique du design d’après-guerre. Depuis les années 2000, la cote de Mado Jolain ne cesse de croître, portée par le regain d’intérêt pour les grands céramistes français des années 1950 aux années 1970, tels que Jacques et Dani Ruelland, Accolay, Vallauris ou Roger Capron.

Un univers sensible et authentique

L’œuvre de Mado Jolain s’inscrit dans un rapport très personnel à la matière. Elle s’attache à révéler la beauté de l’imperfection, la chaleur du fait main et la puissance expressive de la terre. Son travail, à la fois sensuel et rigoureux, incarne parfaitement la philosophie du “beau utile”, chère aux artisans d’art de l’après-guerre. Chaque pièce, unique, témoigne d’une approche quasi méditative du geste, où la simplicité devient synonyme d’émotion.

Cote des œuvres de Mado Jolain sur le marché de l’art

Aujourd’hui, la cote de Mado Jolain est en nette progression, notamment lors des ventes dédiées au design et à la céramique d’après-guerre. Les collectionneurs recherchent ses pièces pour leur authenticité et leur équilibre formel. Les enchères récentes illustrent cette tendance :

  • Grand vase en grès émaillé, vers 1960, adjugé 12 000 € en 2023.

  • Paire de lampes en céramique et laiton, vers 1955, vendue 9 500 € à Paris, en 2022.

  • Vase sculptural en terre chamottée, pièce unique signée, adjugé 7 200 € en 2021

  • Grand plat décoratif émaillé bleu et ocre, vendu 4 000 € (Paris, 2020).

Les créations les plus recherchées sont celles réalisées entre 1950 et 1970, période où Mado Jolain développe son langage plastique le plus abouti. Vous possédez une céramique, une lampe ou un vase signé Mado Jolain ? Grâce à Estimon’objet, obtenez une estimation gratuite, confidentielle et sans engagement. Nos experts spécialisés en céramique et design du XXe siècle vous accompagnent dans la mise en vente de votre œuvre ou dans l’évaluation de votre patrimoine artistique. Faites estimer votre œuvre dès aujourd’hui sur Estimonobjet.fr et découvrez la vraie valeur de votre Mado Jolain.

Reconnaître la signature de Mado Jolain

Identifier une œuvre authentique de Mado Jolain passe aussi par l’examen attentif de sa signature. L’artiste apposait généralement ses initiales « MJ », parfois gravées ou incisées directement dans la terre avant cuisson, parfois peintes sous l’émail. Ces marques, sobres et discrètes, se retrouvent principalement à la base des vases, plats ou sculptures. Certaines pièces plus anciennes ou réalisées en collaboration avec René Legrand portent un monogramme stylisé “MJ”, formé de lettres entrelacées, typique de la période des années 1950-1960. Ce monogramme MJ, sobre et géométrique, témoigne de l’attention portée par Mado Jolain au moindre détail de ses créations, jusque dans la signature. Cette marque est aujourd’hui un véritable gage d’authenticité et de qualité, permettant de distinguer les œuvres originales de la céramiste de celles, anonymes, issues d’ateliers contemporains.

Signature Mado Jolain
Expertise Signature Mado Jolain

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Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

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Estimation gratuite Joseph Andre Motte

Joseph-André Motte

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Estimation et cote de l'artiste Joseph-André Motte

Né en 1925 et décédé en 2003, Joseph-André Motte est un designer et architecte d’intérieur français très reconnu. Il est formé à l’école des arts appliqués à l’industrie à Paris, avec des professeurs tels René Gabriel et Louis Sognot. Il est influencé par le designer américain Charles Eames et l’architecte Ludwig Mies van der Rohe dans la recherche d’une ligne pure et la création de mobilier à partir de matériaux industriels (métal et cuir par exemple).

Estimation gratuite Joseph Andre Motte

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Joseph-André Motte, les débuts d'un designer hors-pair

En 1954, il cofonde l’Atelier de recherche plastique (ARP) aux côtés de Pierre Guariche et Michel Mortier. Cet atelier signe collectivement des travaux de recherche, une première à l’époque. Ils cherchent à créer du mobilier accessible tout en soignant l’esthétique des objets dans un certain héritage classiciste. La même année, il forme le Groupe 4 avec Alain Richard, Geneviève Dangles et René-Jean Caillette. Ses œuvres sont finalement emblématiques des années 1950 par leur forme alliant rondeur, simplicité et élégance.

La cote et les créations de Joseph-André Motte

Joseph-André Motte a autant créé des meubles que participé à des projets d’architecture dans le cadre de commandes publiques et privées. Il est par exemple à l’origine de l’aménagement intérieur de l’aéroport d’Orly-Sud ou de l’aménagement de la gare maritime du Havre. Entre 1974 et 1984 il réalise aussi la rénovation et l’aménagement d’une centaine de stations du métro parisien, comme la station La Chapelle par exemple, suite à la demande de la RATP. De son travail émerge le style surnommé « Andreu-Motte » qui fait référence à sa collaboration avec l’architecte Paul Andreu. Le fruit de leur travail se traduit par le carrelage blanc, les banquettes embouties sur rame métallique et sièges en plastique et des lignes d’éclairage de couleur. Chaque station est aménagée autour d’une couleur particulière, ce qui permet à ses usagers de la reconnaître plus facilement. Le siège à coque individuel devient la pièce maîtresse emblématique du métro.

De plus, il a été enseignant à l’École nationale supérieure des arts décoratifs et a reçu Le Compasso d’Oro en 1970, le prestigieux prix italien du design.

Les créations du designer Joseph-André Motte sont toujours présentes sur le marché comme en attestent les dernières ventes aux enchères. Sa cote est élevée en ce qui concerne des lots très caractéristiques de son travail, les fauteuils ou chauffeuses : environ 55 000 euros. Un lot de deux Chauffeuses chromées, réalisées en métal chromé et de 79,5 centimètres de hauteur a été adjugé 40 000 euros lors d’une vente aux enchères qui a eu lieu en juin 2021.

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Estimation gratuite Serge Mouille

Serge Mouille

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Estimation et cote de l'artiste Serge Mouille

Serge Mouille est un artiste français spécialisé dans les luminaires, né à Paris en 1922. Il entre à treize ans à l’École des Arts Appliqués, à Paris et s’y spécialise en orfèvrerie et travail du métal. Après avoir travaillé quelques années auprès de Gabriel Lacroix, il ouvre son propre atelier en 1945.

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Serge Mouille ou l'art de créer des luminaires d'exception

Sa rencontre avec Jacques Adnet, directeur de la Compagnie des Arts Français, marque un tournant dans sa vie : en 1951, celui-ci lui demande de concevoir un « grand luminaire » pour sa clientèle Sud-Américaine. Il crée alors le Lampadaire trois bras, l’un de ses premiers modèles. Dès 1953, il commence ses recherches sur la fabrication artisanale de luminaires à plus grande échelle, tout en occupant le poste de directeur de l’atelier d’orfèvrerie de l’École des Arts Appliqués. En 1955, il est élu au sein de la Société des Artistes Décorateurs.

L’année suivante, Steph Simon ouvre une galerie de design boulevard Saint-Germain. Y sont exposées les créations d’artistes contemporains tels que Jean Prouvé ou Charlotte Perriand. La galerie accueille également les travaux de Serge Mouille en exclusivité, permettant le début d’une diffusion plus large de sa production. En parallèle, il se voit commander les luminaires des réfectoires et espaces verts de la Cité Universitaire d’Antony, ou encore les luminaires du paquebot transatlantique France.

Les oeuvres et la cote de Serge Mouille sur le marché de l'art

En 1962, Serge Mouille choisit de suivre une ligne radicalement opposée : du luminaire monochrome, il passe à l’imagination de la série des colonnes lumineuses utilisant le tube fluorescent, une nouveauté pour l’époque. Les deux séries sont alors si différentes que l’on peut penser qu’elles relèvent de deux artistes différents. Cette série fluorescente est moins bien reçue par le public et son succès est mitigé.

Il arrête alors sa production de luminaires en 1963. Vingt ans plus tard, il rencontre Alan Grizot, re-découvreur des maîtres du design français de l’après-guerre. Ce dernier devient son marchand et organise une première exposition à Paris, suivie d’une exposition en 1985 à New-York, Serge Mouille / Jean Prouvé, deux maîtres du métal.

Serge Mouille meurt en décembre 1988. Aujourd’hui, ses paires d’appliques monochromes en acier laqué atteignent une côte de 5 000 euros environ, tandis que ses suspensions à trois bras atteignent souvent une estimation de 20 000 euros. La vente la plus onéreuse est le Luminaire Gratte-ciel, produit en 1962. Ce dernier a été adjugé 190 000 euros en octobre 2016. Le Lampadaire trois bras, l’une de ses toutes premières créations en 1952, a atteint le montant de 128 000 euros en décembre 2020.

En lien avec Serge Mouille

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Estimation gratuite Couple Székely

Székely (couple)

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Estimation et cote des artistes Pierre et Vera Székely

Les époux Székely sont des artistes sculpteurs, peintres et céramistes hongrois, installés en France après la Seconde Guerre mondiale.

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Pierre Székely et ses oeuvres de design

Pierre Székely (1923-2001) a reçu une formation au dessin et à la gravure traditionnelle à Budapest, sa ville natale. C’est dans un camp de travail pendant la guerre qu’il découvre la taille de la pierre : il poursuit alors à Paris, à la fin de la guerre, la tradition avant-gardiste de la sculpture abstraite. À partir de 1960, il s’impose comme l’explorateur d’un domaine propre, entre l’architecture et la sculpture.

Alternant entre des œuvres poursuivant la logique surréaliste de « l’objet à fonctionnement poétique » et autres œuvres non-figuratives en lien avec l’architecture, son style innovant lui permet d’être sollicité pour réaliser une sculpture monumentale, Forme noire, destinée à orner un immeuble rue du Docteur-Blanche dans le XVIème arrondissement parisien en 1953.

À partir de la fin des années 1950, l’artiste réalise de nombreuses œuvres monumentales destinées à l’aménagement urbain : en 1957, il construit un ensemble de structures de jeux à Clamart (92), puis à l’Haÿ-les-Roses (94), Amiens (80) ou encore Grenoble (38). Il réalise également avec d’autres artistes l’aménagement du village de loisirs de Beg Meil (29) ou encore une structure d’escalade à Evry (91).

En 1981, une rétrospective est organisée à l’hôtel de la Monnaie à Paris. En 1984, le président François Mitterrand lui rend visite et lui commande plusieurs sculptures. En 1998, Pierre Székely est nommé chevalier de la Légion d’honneur. L’artiste continue de produire jusqu’à sa mort, en 2001.

Véra Székely, une artiste touche à tout

Véra Székely (1919-1994) a également reçu une formation traditionnelle dans l’atelier d’Hanna Dallos, dans le but de devenir graphiste. Elle commence en 1946 une collaboration artistique avec Pierre Székely, devenu son mari, et André Borderie.

Véra Székely se spécialise d’abord dans le domaine de la céramique et de la sculpture. Elle crée alors des œuvres abstraites aux formes dépouillées, s’inspirant des arts primitifs et objets de culte. En 1947, elle participe à l’exposition de l’Association France-Hongrie, dont le comité d’honneur regroupe des artistes tels que Georges Braque ou Henri Matisse. Ses œuvres sont exposées en galerie à partir de 1950, notamment au sein de la galerie Maxime Old ou de la galerie MAI.

Elle ouvre par la suite sa palette à la peinture, à la mosaïque, aux tapisseries ou aux vitraux, et présente son travail lors d’expositions à Paris, au musée d’Art moderne et à l’orangerie du jardin du Luxembourg à Paris, mais aussi ailleurs en France, ou encore aux Pays-Bas et en Hongrie.

Véra Székely meurt en 1994, à l’âge de 75 ans.

La cote et les oeuvres des époux Székely

Les époux ont également collaboré sur divers projets tels que la restauration intérieure de l’église Saint-Nicolas de Fossé dans les Ardennes en 1954. L’absence de moyens financiers les pousse à réaliser des œuvres d’une extrême simplicité esthétique. Également, en 1966, les époux travaillent à l’aménagement intérieur de l’église Saint-Vincent-de-Paul à Clichy (92).

Si Pierre et Véra avaient des spécialités artistiques distinctes, il va sans dire que leur travail respectif a permis une émulation mutuelle, favorisant leur processus de création tout à fait novateur.

Aujourd’hui, le travail des époux Székely est largement reconnu dans le monde de la décoration et de l’ameublement : certaines productions apparaissent sur le marché de l’art à des montants excédant 10 000 euros, à l’instar d’une table en acier des années 1950, adjugée 17 920 euros en juin 2015.

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Estimation gratuite Louis Sognot

Louis Sognot

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Estimation et cote de l'artiste Louis Sognot

Né en 1892 et décédé en 1970, Louis Sognot est un artiste décorateur et un designer français. Il a été élève à l’École Bernard Palissy, puis chez Jansen, une maison de décoration d’intérieur qui lui enseigne l’ébénisterie. Il dirige par la suite l’atelier Primavera à Paris qui est le lieu de l’Art déco. Cela lui permet d’y présenter ses propres créations, tel son Fauteuil, édité en 1925, en cuir et aux accoudoirs courbés en métal.

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Louis Sognot, artiste du courant moderne et fonctionnaliste

Il adhère à partir de cette période au mouvement moderne et au fonctionnalisme, ce qui transparaît dans son travail de la ligne, des matériaux utilisés et de l’esthétique d’ensemble du mobilier qu’il crée. Le fonctionnalisme est un courant né dans l’architecture d’abord, puis qui s’est développé dans le design qui prône l’idée selon laquelle un objet est beau selon la manière dont il est employé par son utilisateur.

À l’occasion du Salon d’Automne de 1927, il présente un tabouret de bar en tubes de métal chromé. Il s’appuie sur les exemples du design français tels que Robert-Mallet Stevens ou Francis Jourdain. Il est aussi évidemment influencé par le travail de Marcel Breuer. Ces trois figures de l’architecture et du design sont des fers de lance du mouvement moderne, un mouvement qui accompagne les changements sociaux, culturels et techniques en ce début du XXème siècle et qui prône un habitat individuel et fonctionnaliste en milieu urbain. En 1930, Louis Sognot adhère à l’Union des Artistes Modernes, un mouvement qui réunit les artistes décorateurs et les architectes, fondé par Charlotte Perriand, Jean Prouvé, Charles Edouard et Pierre Jeanneret et Robert Mallet-Stevens.

Un pionnier du design du XXe siècle

À la fin des années 1920 et jusqu’en 1933, il collabore avec la peintre et décoratrice Charlotte Alix. Tous deux fondent le Bureau International des Arts Français. C’est dans ce cadre-là que les deux artistes travaillent avec la société du Duralmin, spécialisée dans le travail de l’aluminium et plus particulièrement dans la fabrication des tubes d’aluminium à destination des architectes et designers. En 1929, ils créent ainsi un salon de thé en duralium, un alliage d’aluminium, de cuivre, de magnésium et de manganèse, à destination des grands magasins du Printemps. La réception de leur travail par la critique est très positive et Raymond Cogniat vante notamment leur capacité à allier l’industriel au décoratif. Pour cela, ils sont parvenus à allier bois et métal selon un mélange finement réfléchi. Louis Sognot se fait aussi remarquer dans sa capacité à utiliser des matériaux modernes, en plus du duralium, à savoir le verre ou la glace, produits à échelle industrielle depuis peu. Louis Sognot crée par exemple en 1929 un Guéridon en ébène de Macassar et métal. Le pied est en métal courbé et l’ensemble est dans des tons sombres. Les formes sont réduites à l’essentiel.

La collaboration entre Charlotte Alix et Louis Sognot continue d’être fructueuse et participe de l’évolution du mobilier moderne. En 1932, ils exposent un nouveau procédé de fabrication, le lakarmé. C’est un plastique moulé incombustible et léger. Il est très vite plébiscité car il offre de grandes libertés quant à la forme des objets créés. Les deux artistes atteignent une reconnaissance internationale lorsqu’à la demande d’Eckhart Multhesius, qui construit le Palais du Maharaja d’Indore, ils éditent différents meubles pour le palais. Louis Sognot travaille aussi à l’aménagement du grand paquebot Le Normandie. Leur travail s’exprime aussi dans une recherche d’élégance et de confort.

Enseignant, Louis Sognot a formé de nombreuses générations de designers dans des écoles prestigieuses parisiennes : l’École Boulle, le collège technique de la rue Duperré, l’École des Arts appliqués à l’industrie, l’École nationale supérieure des arts décoratifs et l’Union centrale des arts décoratifs.

Grand nom du design français, Louis Sognot et son œuvre restent encore très appréciés aujourd’hui. Sa cote actuelle est d’environ 2 300 euros en ce qui concerne les lots de chaises ou chauffeuses en bois, rotin et plastique. Un lot de chaises datant des années 1950, en chêne et plastique, mesurant 86 x 56 x 44 centimètres, a ainsi été adjugé 2 500 euros lors d’une vente aux enchères en octobre 2019.

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Estimation gratuite UAM

UAM

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Estimation et cote UAM, Union des Artistes Modernes

L’Union des Artistes Modernes, communément appelée « UAM », est un mouvement artistique lancé en 1929 à l’initiative d’artistes décorateurs et architectes avant-gardistes de l’époque. Ce mouvement naît du schisme qui survient entre deux styles bien distincts à la fin des années 1920 : l’Art déco et l’architecture avant-gardiste. Ces derniers présentent au Salon des Artistes Décorateurs de 1928 un appartement modèle dédié à la création industrielle.

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Les origines de l'UAM

La Société des Artistes Décorateurs, choquée par ces productions, refuse d’exposer à nouveau cette avant-garde. Cet événement signe alors la naissance de l’Union des Artistes Modernes en 1929, qui a pour volonté de poursuivre la production en série industrielle.

Les membres fondateurs, comme de Robert Mallet-Stevens, Charlotte Perriand ou encore René Herbst, ont pour volonté commune la réunion des différentes disciplines artistiques ( peinture, sculpture, design ), la lutte contre le classicisme et la tradition, mais aussi et surtout l’évolution du cadre de vie grâce aux apports de la modernité. Ce mouvement est également doté d’une dimension sociale : les membres fondateurs souhaitent que leurs productions, issues de la collaboration entre artistes et artisans, soient de qualité, produites en série et à un tarif abordable. Ce courant contraste alors en tous points avec l’Art déco, vu à l’époque comme élitiste et réservé aux plus fortunés.

L’UAM organise son exposition inaugurale du 11 juin au 14 juillet 1930, au sein du Musée des Arts Décoratifs de Paris. En 1937, l’UAM érige son pavillon à l’occasion de l’Exposition Universelle. Cependant, avec le décès de son premier président, Robert Mallet-Stevens, le collectif perd de son influence. René Herbst, dès lors à la tête du mouvement, tente de réactiver les recherches et productions du collectif à la fin des années 1940.

L'UAM : des oeuvres qui perdurent dans le temps

Stoppé par la Seconde Guerre mondiale, l’UAM reprend ses activités avec les expositions Formes Utiles à partir de 1949. Ces dernières consistent en la sélection d’objets industriels avec une thématique annuelle pour une présentation au Salon des arts ménagers. A titre d’exemple, les appareils sanitaires étaient à l’honneur en 1951, le fer à repasser en 1954.

De plus en plus spécialisé dans le design industriel, l’UAM ne séduit plus. De plus, les idées en vogue à la fin des années 1950 se découvrent majoritairement dans les congrès internationaux d’architecture moderne, et non plus au sein du collectif.

L’UAM prend fin définitivement en 1958, mais les expositions Formes Utiles perdurent jusqu’en 1969. Aujourd’hui, les productions des artistes fondateurs du mouvement, à l’instar des fauteuils de Robert Mallet-Stevens, apparaissent à des montants excédant plusieurs milliers d’euros, comme un fauteuil de 1927 en acier laqué vendu 4 106 euros en juin 2021.

(illus.)Pierre Legrain – Étui à cigarette – c.1925

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Estimation gratuite Poltronova

Poltronova

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Estimation et cote de l'artiste Poltronova

Poltronova est une société italienne alliant designs progressifs, nouvelles technologies et artisanat de qualité. Au cours des années 1960 et 1970 se développe un mouvement radical dans le domaine de l’ameublement, l’anti-design. De nombreuses entreprises italiennes y prennent part, dont la société Poltronova.

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Poltronova, le design avant-gardiste

Fondée en 1957 au nord de Florence par Sergio Cammilli, cette entreprise conçoit d’abord des meubles au design moderne et épuré, s’apparentant aux modèles scandinaves. L’année suivante, Cammilli confie la direction artistique de Poltronova au jeune visionnaire Ettore Sottsass. Ce dernier aiguille la ligne de la société vers des productions plus osées, à l’instar du secrétaire Barbarelle ou de la série des Mobili Grigi.

Très inspirés par Superstudio, collectif d’architecture d’avant-garde, et Archizoom, agence de design, fondés en 1966, Cammilli et Sottsass proposent aux jeunes artistes y appartenant de produire des collections pour Poltronova. L’histoire du design s’en trouve alors changée. Sous la direction artistique d’Ettore Sottsass, le siège social de Poltronova devient lieu de prédilection pour les avant-gardes et leurs expérimentations. Les plus grands talents de l’époque y sont soutenus dans leur vision de déconstruction de l’habitat bourgeois afin d’instaurer un nouveau style de vie, coloré, et à distance de la pensée conformiste. La cote des productions de Sottsass durant ces décennies continue d’augmenter : Composizione di elementi di legno est l’objet adjugé au montant le plus élevé, vendu 287 306 euros en 2014.

Les designs emblématiques de la marque

Ainsi, durant les vingt premières années d’existence de Poltronova, l’entreprise bénéficie d’une identité claire et précise, entre designs progressifs, nouvelles technologies et artisanat de qualité. Cependant, lorsque Cammilli et Sottsass quittent la société dans les années 1970, la nouvelle équipe cherche à donner un tournant plus industriel et commercial à la société afin de générer davantage de profits. Dès 1985, Poltronova est méconnaissable et peine à trouver son public.

L’arrivée de Roberta Meloni imprime un souffle nouveau aux productions de la maison Poltronova, dont elle prend la direction en 2000. Elle redouble également d’efforts pour protéger l’héritage de la contre-culture des années 1960, tout en perpétuant la production de designs emblématiques, tels que le Superonda Sofa de 1967 ou la Joe Chair de 1970. Poltronova soutient désormais un environnement sans contraintes, où les objets sont créés à partir d’histoires souvent contradictoires. Les productions de cette maison, souvent à contre-courant, font désormais partie des collections des musées du monde entier.

Aujourd’hui, les productions de la société Poltronova sont fréquemment représentées en galerie ou en salle des ventes: ainsi, le sofa Superonda oscille entre 800 et 1600 euros, tandis que le sofa Safari a été adjugé 16 275 euros en novembre 2016.

En lien avec Poltronova

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Philolaos

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Estimation et cote de l'artiste Philolaos

Philolaos Tloupas, dit Philolaos, est un sculpteur grec né en 1923. Après avoir suivi les cours de l’école des Beaux-Arts d’Athènes entre 1944 et 1947, il se rend à Paris où il intègre l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts. Durant ces années d’étude en France, il découvre le travail de nouveaux matériaux comme le métal, et participe régulièrement à des salons, à l’instar du Salon de la Jeune Sculpture et du Salon de Mai, en 1954. Il y expose la sculpture dite de Max, en plomb.

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Philolaos, l'art du design et des sculptures

Durant les années 1960, Philolaos travaille avec de nombreux architectes et paysagistes. Ces collaborations lui permettent d’intégrer davantage son art à son environnement. Entre 1963 et 1971, il réalise les Châteaux d’eau de Valence, structures verticales évasées en métal, hautses de 52 et 57 mètres. L’artiste obtient pour ce projet le Prix du Quartier de l’Horloge en 1981, qui récompense la meilleure réalisation d’art urbain des années 1970 en France.

Philolaos réalise également des sculptures entre 1950 et 1990. Moins connues du grand public, elles se distinguent des œuvres monumentales présentes dans l’espace urbain français. Utilitaires ou figuratives, il s’agit de statues, figurines, portraits et miniatures. À titre d’exemple, la série des Gogottes représente des animaux imaginaires, reflétant une certaine joie de vivre, et une vision du monde changeant au gré des humeurs du sculpteur. Ces productions sont principalement en terre cuite, mais sont transposées dans l’espace urbain à partir des années 1990. Elles sont alors reproduites en béton lavé et acier inoxydable afin d’occuper une fonction de fontaine dans des jardins publics, comme au sein du Jardin des Gogottes à Saint-Quentin-en-Yvelines.

Estimation des oeuvres de Philolaos

Concernant les objets utilitaires, Philolaos réalise de nombreuses séries en fer, en acier ou en bois entre 1960 et 1970.  L’art cache alors une fonction, animant l’espace intérieur, créant beauté et cohérence à l’échelle de l’habitat. Ces séries à mi-chemin entre la sculpture décorative et utilitaire sont exposées à plusieurs reprises, notamment aux Arts Décoratifs à Paris en 1962, ou à la Maison des Arts de Créteil en 1976.

L’artiste meurt en 2010, mais ses créations demeurent présentes sur le marché de l’art. Les chaises en fer des années 1960 atteignent une valeur d’environ 1 000 euros la pièce, et se vendent souvent par lot. Les luminaires conçus par Philolaos atteignent des montants bien plus élevés, qui se chiffrent en dizaines de milliers d’euros, à l’instar d’un lustre en acier datant de 1961, adjugé 26 000 euros en avril 2021.

En lien avec Philolaos

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Estimation et cote de l'artiste Luigi Colani

Né en 1928 à Berlin, Luigi Colani est un designer allemand de la seconde moitié du XXème siècle. Il étudie à l’École des Beaux-Arts de Berlin entre 1946 et 1948 où il apprend la peinture et la sculpture. Arrivé à Paris, il découvre ensuite l’aérodynamique à l’École polytechnique et la philosophie analytique à la Sorbonne.

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Luigi Colani, le maître du design allemand

En parallèle, il travaille pour des magazines spécialisés dans le domaine des motos et des automobiles en analysant le design des véhicules. Entre 1952 et 1953, le designer est embauché par la Douglas Aircraft Company, un avionneur californien pour qui il étudie les matériaux adaptés aux très grandes vitesses. Une fois de retour en Europe, il travaille avec de nombreux constructeurs de véhicules terrestres ou aériens parmi lesquels on trouve Alfa-Roméo, Lancia, Volkswagen, BMW, Thyssen, Boeing, Rosenthal, Villeroy & Boch et Rockwell.

Ses œuvres sont toutes imprégnées de ses recherches sur les matériaux, alliant ergonomie et fonctionnalité. Son travail ne l’empêche donc pas de créer des objets qui sont les plus adaptés aux besoins des utilisateurs. Luigi Colani est en effet l’inventeur du biodesign dans les années 1960. Il s’agit d’un courant du design industriel qui s’inspire des solutions techniques qu’on retrouve dans la nature pour les utiliser au profit de la conception d’objets industriels et dont la forme est mise au service d’un usage optimisé et efficace. Le travail de Colani présente également une dimension ludique qui s’exprime par exemple dans l’emploi de couleurs vives dans la réalisation des objets.

Les oeuvres emblématiques de Colani

Parmi les œuvres les plus emblématiques de son travail, se trouvent notamment ses Sitzgerät créées en 1971-1972. Il s’agit de tabourets en plastique aux couleurs vives qui se distinguent par leurs usages multiples, leur ligne organique tout en rondeur et leur assise qui épouse l’anatomie humaine. Citons également son service à thé Drop, réalisé en 1970. Tout en porcelaine blanche, ce dernier se caractérise par une ligne très épurée où la théière et les pots à crème reprennent les formes d’une goutte d’eau.

Luigi Colani est un designer qui de son vivant rencontre un grand succès, qui se traduit notamment dans le domaine du marché de l’art. Sa cote actuelle pour un siège type Sitzgerät est d’environ 600 euros. Le 29 juin 2021 à Munich, la Sitzgerät « Der Colani » (1971-72), un siège en polyéthylène jaune de 66 centimètres de haut, a été adjugée pour 800 euros.

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