Estimation gratuite André Derain

André Derain

by Art moderne

Home » Artiste » Page 188

Estimation et cote de l'artiste André Derain

André Derain (1880-1954) est un peintre qui a marqué le début du XXe siècle par son audace. Il s’est vite éloigné des méthodes traditionnelles pour créer, avec son ami Henri Matisse, un style nouveau : le fauvisme. Ensemble, ils ont utilisé des couleurs vives et éclatantes pour exprimer leurs émotions, ce qui a beaucoup surpris le public de l’époque ! Mais André Derain ne s’est jamais limité à ce seul style : il a passé toute sa vie à chercher le juste équilibre entre la liberté de création et l’héritage des grands maîtres de l’histoire de l’art.

Vous possédez une œuvre d’André Derain ? Contactez Estimon’objet pour une expertise gratuite, fiable et totalement sécurisée. Nos commissaires priseurs se chargent de tout !

Estimation gratuite André Derain

Prix des œuvres d'André Derain

  • Peinture (huile sur toile / panneau) : entre 10 € et plus de 17 000 000 €

  • Aquarelle, gouache, encre, dessin et techniques mixtes sur papier : entre 400 € et 300 000 €

  • Estampe (lithographie, gravure) : entre 300 € et 15 000 €

Vous souhaitez  expertiser une œuvre d’André Derain et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire. Faites estimer une œuvre d’André Derain en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Estimer mon oeuvre de Valentin Serov

La cote d'André Derain sur le marché de l’art

La cote des peintures à huile

Le marché de Derain est passionnant car il reflète toutes les étapes de sa carrière. Ses toiles de la période « fauve » (1905-1908), avec leurs couleurs vibrantes, sont des pièces rares qui battent régulièrement des records. Pour ses œuvres peintes plus tard, les collectionneurs apprécient tout autant sa grande maîtrise technique et la précision de son travail. L’intérêt pour son œuvre reste mondial, de Londres à New York en passant par Paris !

Voici quelques ventes records et références :

  • Les Voiles blanches (1906) : une œuvre emblématique de sa période la plus audacieuse, adjugée à plus de 8 000 000 € en 2011 !
    Portrait de femme (vers 1920) : ce tableau qui illustre son tournant vers le classicisme a été adjugé 2 850 000 € lors d’une vente à Paris en 2018.
    Paysages de Collioure : ces toiles historiques sont très disputées. À titre d’exemple, un paysage de cette période phare a atteint 2 100 000 € lors d’une adjudication en 2023 !

La cote des dessins et œuvres sur papier

Derain était un dessinateur exceptionnel et ses croquis, études de nus ou illustrations pour des livres sont très recherchés par les amateurs. Comptez entre 10 000 € et 120 000 € pour une œuvre sur papier aboutie selon les prix constatés en 2024 et 2025 ! Ne négligez pas ses dessins préparatoires : même les plus simples peuvent avoir de la valeur sur le marché de l’art.

Voici quelques exemples de résultats de ventes :

  • Étude de nu (crayon et lavis) : cette pièce expressive a été adjugée 48 500 € lors d’une vente en 2024.
    Paysage structuré (encre sur papier) : ce dessin qui témoigne de sa rigueur classique a atteint 65 000 € en 2025.
    Illustration pour livre d’artiste (Gravure rehaussée) : un exemplaire de grande qualité a été vendu 18 200 € lors d’une vente en 2024.

La cote des céramiques et sculptures

André Derain s’est passionné pour les arts dits « primitifs » bien avant la plupart de ses contemporains, ce qui donne à ses sculptures et céramiques une place à part sur le marché ! Ces pièces, qu’il s’agisse de bronze ou de pierre, sont des raretés qui suscitent toujours une belle bataille d’enchères chez les collectionneurs du monde entier.

Voici quelques résultats récents qui illustrent cet engouement :

  • Sculpture en pierre (sujet anthropomorphe) : cette pièce aux lignes archaïques a été adjugée 78 500 € lors d’une vente spécialisée à Londres en 2023.
    Céramique peinte (série limitée) : un plat en céramique émaillée, témoin de son goût pour les arts décoratifs, a trouvé preneur pour 13 200 € lors d’une vente parisienne en 2022.
    Bronze (étude de personnage) : une fonte à patine sombre, travaillée avec une grande économie de détails, a atteint 42 000 € lors d’une adjudication en 2024.
J’estime mon oeuvre d’André Derain gratuitement

Comment reconnaître une œuvre d'André Derain ?

Pour identifier un Derain, il faut observer l’évolution de sa peinture. Pendant ses années fauves, entre 1905 et 1908, il utilise des couleurs vives posées côte à côte, sans mélange, par de petites touches qui donnent l’impression que la toile scintille. C’est son style caractéristique de cette époque ! Plus tard, sa palette devient beaucoup plus calme et les couleurs se font plus douces : le trait est alors plus réfléchi, car il cherche à structurer ses paysages et ses portraits pour leur donner de la solidité.

La manière dont il applique la peinture est un excellent indicateur. Selon les années, Derain varie sa façon de peindre : il peut couvrir la toile avec une grande énergie, ou au contraire, laisser apparaître le support brut par endroits pour créer des zones de lumière naturelles. Ce sont ces choix, très précis sur la matière et le volume, qui permettent de distinguer un véritable Derain d’une imitation. Tout le savoir-faire de l’artiste se lit dans la texture et la composition du tableau, et chez Estimon’objet, nous sommes capables de reconnaître un vrai d’un faux !

Reconnaître la signature d'André Derain

André Derain signe ses œuvres avec une grande discrétion, comme s’il voulait préserver l’harmonie de ce qu’il a peint. Vous trouverez généralement l’inscription « A. Derain », « André Derain » ou « Derain » dans un angle du bas de la toile avec une écriture fluide, souvent penchée vers la droite. Cette inscription est fréquemment appliquée avec un pinceau très fin, une mine de plomb ou parfois un bâtonnet d’encre, sans jamais chercher à attirer le regard au détriment de l’image. Elle semble presque se fondre naturellement dans la peinture, comme si elle faisait partie du tableau ! Il ajoute parfois la date d’exécution.

Il faut toutefois rester très prudent : une signature, même si elle semble ancienne, ne constitue jamais une preuve absolue à elle seule. De nombreuses copies existent et c’est la raison pour laquelle il est judicieux de faire appel à des experts pour estimer votre tableau. Alors faites confiance à Estimon’objet !

Expertise signature André Derain
Signature André Derain
Je souhaite une estimation gratuite et en ligne

Tableau d'André Derain : ce que regardent nos experts

Pour estimer votre Derain, Romain Rudondy (notre expert en art moderne) étudie vos photos avec beaucoup d’attention. Sachez que la façon dont l’artiste a posé sa peinture sur la toile en dit long sur son époque de création : au début de sa carrière, il utilisait des touches très vives et rapides, avant de chercher à construire ses formes avec davantage de calme et de précision. En observant vos clichés, nous vérifions si ce coup de pinceau correspond bien à la période annoncée. Une seule photo de détail suffit souvent à confirmer que tout est cohérent !

Le dos du tableau apporte également de précieuses indications. N’oubliez pas de nous envoyer des photos du châssis ou des étiquettes collées derrière, car une vieille inscription au crayon ou le tampon d’une ancienne galerie sont des indices formidables pour retracer l’histoire de la pièce ! C’est en assemblant tous ces détails visibles sur vos images que nous validons l’authenticité de votre tableau en toute confiance.

André Derain : l'homme qui a bousculé la peinture

André Derain grandit dans une famille de la bourgeoisie commerçante à Chatou, où personne ne le prédestine à une vie d’artiste. Pourtant, le jeune André rejette très vite les plans tracés par ses parents pour se consacrer corps et âme à sa passion ! Il passe ses journées à arpenter les bords de Seine, fasciné par la lumière changeante, avant de plonger tête la première dans le bouillonnement artistique du Paris des années 1900. Sa rencontre avec Maurice de Vlaminck est un véritable déclencheur : les deux amis partagent un atelier précaire et une soif de liberté qui les pousse à renverser toutes les règles de l’art académique.

La vie de Derain est marquée par des amitiés fortes et des ruptures brutales. Si sa grande proximité avec Matisse et Picasso fait de lui une figure de proue du fauvisme, le peintre refuse pourtant de rester prisonnier de cette étiquette. Les voyages s’enchaînent alors entre l’Angleterre et Collioure, toujours en quête de nouveaux horizons. En 1914, la guerre vient briser cet élan créateur : il est envoyé au front. Cette expérience traumatisante marque une cassure nette dans son existence et modifie à jamais son regard sur le monde.

Après le conflit, Derain s’installe à Chambourcy, loin du tumulte des galeries parisiennes. Il devient un artiste plus retiré tout en restant une figure incontournable du marché de l’art mondial. Il se passionne pour les arts populaires, la céramique et les décors de scène, prouvant que sa curiosité ne s’est jamais éteinte ! Jusqu’à sa mort brutale dans un accident en 1954, il n’aura cessé de chercher un pont entre le passé et le présent. 

Estimer ma peinture d'André Derain

(Illus.) André Derain, pont de Londres, Huile sur toile

Romain Rudondy expert en art moderne
Découvrir nos experts

Le conseil de notre expert Romain Rudondy

Regardez bien les bords de la toile, là où elle est fixée au châssis. Derain avait une habitude bien à lui : il testait souvent ses mélanges de couleurs directement sur les marges de la toile avant de les appliquer au centre. Si vous voyez des petites touches de peinture ou des essais de pigments sur ces zones normalement cachées, c’est un excellent signe. Ce ne sont pas des bavures, mais souvent une preuve que le tableau a été manipulé par l’artiste lui-même !

Demander une estimation

En lien avec André Derain

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.

Remplir le formulaire

Nom, prénom, email … Toutes les informations nécessaires pour que nos experts puissent vous recontacter rapidement suite à votre demande d’expertise d’objet.
Étape 1

Joindre vos photos

Veillez à ce que les photographies soient nettes, de bonne qualité et prises sous tous les angles afin que nos experts puissent réaliser l’estimation de votre œuvre.
Étape 2

Réponse en 48 heures

Une fois que nous avons reçu les éléments, nos commissaires priseurs réalisent l’expertise de votre bien et vous fournissent une première estimation en 48h.
Étape 3
ESTIMATION GRATUITE
Estimation gratuite Jacques Majorelle

Jacques Majorelle

by Art nouveau

Home » Artiste » Page 188

Estimation et cote de l'artiste Jacques Majorelle

Jacques Majorelle (1886-1962) est un peintre et décorateur français dont le nom est intimement lié au Maroc, à la couleur et à la lumière. Connu dans le monde entier pour son célèbre Jardin Majorelle à Marrakech, il fut avant tout un artiste talentueux, héritier d’une sensibilité orientaliste et d’une recherche constante de beauté picturale. Ses toiles, ses esquisses et ses œuvres décoratives témoignent d’un regard émerveillé sur l’Afrique du Nord et d’une maîtrise exceptionnelle de la couleur. Aujourd’hui, les créations de Jacques Majorelle séduisent collectionneurs, musées et amateurs d’art moderne, et leur cote ne cesse de croître sur le marché international.

Estimation gratuite Jacques Majorelle

Prix des œuvres de Jacques Majorelle

  • Peinture à l’huile ou gouache : entre 8 000 € et 250 000 €

  • Dessin ou aquarelle : entre 3 000 € et 40 000 €.

  • Objets et éléments décoratifs : entre 1 000 € et 20 000 €

Vous possédez une peinture, une aquarelle ou un dessin signé Jacques Majorelle et souhaitez en connaître la valeur ? Faites estimer gratuitement et confidentiellement votre œuvre avec Estimon’objet. Nos experts et commissaires-priseurs partenaires vous apportent une estimation précise, fondée sur l’analyse de la technique, du sujet, de la provenance et des ventes récentes sur le marché de l’art. En quelques jours, vous obtenez une estimation fiable et documentée, indispensable avant toute vente, assurance ou succession.

Estimer mon oeuvre de Jacques Majorelle

Jacques Majorelle, un peintre de lumière et de voyages

Né à Nancy en 1886, Jacques Majorelle est le fils du célèbre ébéniste Louis Majorelle, figure majeure du mouvement Art nouveau. Il grandit dans un environnement artistique raffiné où l’amour du dessin, des matériaux nobles et de la décoration constitue une véritable école du regard. Formé à l’École des Beaux-Arts de Nancy, puis à Paris dans l’atelier de Schommer et Royer, il s’oriente très tôt vers la peinture figurative et le décor mural. Curieux et passionné d’ailleurs, Majorelle découvre l’Égypte, l’Espagne, puis s’installe définitivement au Maroc en 1917. C’est à Marrakech qu’il trouve sa véritable inspiration : la lumière intense, les architectures ocre, les costumes colorés et les paysages vibrants nourrissent une œuvre foisonnante, empreinte de chaleur et de mysticisme.

Marrakech, la révélation artistique

Majorelle se fait rapidement une place dans le milieu artistique local et européen. Son art, profondément marqué par le style orientaliste, allie une composition rigoureuse à une explosion chromatique inédite. Il peint les souks, les jardins, les portes monumentales, les scènes de rue et les portraits d’habitants du Maghreb, toujours avec respect et fascination. En 1923, il achète un terrain à Marrakech où il fait construire sa célèbre villa-atelier, un chef-d’œuvre d’architecture moderniste imaginé par Paul Sinoir. Autour de cette demeure, Majorelle crée un jardin botanique luxuriant, peuplé de plantes rares et rehaussé de ce fameux “bleu Majorelle”, nuance intense qu’il dépose en 1937. Ce bleu, à la fois profond et lumineux, devient sa signature visuelle et influence durablement l’histoire du design et de la décoration marocaine.

Je demande une estimation gratuite de mon Majorelle

Le style de Jacques Majorelle : entre orientalisme et modernité

L’œuvre de Jacques Majorelle se distingue par une palette chromatique flamboyante, où dominent les ocres, les rouges brûlés, les verts de palme et, bien sûr, le bleu cobalt qui porte son nom. Ses peintures, souvent à mi-chemin entre la figuration poétique et la composition décorative, dégagent une atmosphère méditative. L’artiste, bien qu’inspiré par l’orientalisme du XIXe siècle, s’en affranchit par une approche plus sincère, plus ethnographique et respectueuse des sujets représentés. Ses thèmes de prédilection :

  • Les paysages marocains : dunes, palmeraies, oasis et kasbahs.
  • Les scènes de la vie quotidienne : marchés, musiciens, porteurs d’eau, femmes berbères.
  • Les architectures traditionnelles : portes, riads, ruelles.

Majorelle peint aussi des natures mortes et des études décoratives d’une grande finesse, parfois en lien avec le mobilier conçu dans l’atelier de son père.

Un artiste collectionné et redécouvert

Après une carrière florissante dans les années 1920 et 1930, Jacques Majorelle connaît une période plus discrète après la Seconde Guerre mondiale. Il décède à Paris en 1962, laissant derrière lui un héritage immense. Son jardin de Marrakech, menacé de disparition, est sauvé en 1980 par Yves Saint Laurent et Pierre Bergé, qui lui redonnent son éclat d’origine et en font un lieu mythique du patrimoine marocain. Aujourd’hui, les toiles et gouaches de Majorelle connaissent un véritable renouveau sur le marché de l’art. Les collectionneurs recherchent particulièrement les œuvres réalisées entre 1917 et 1940, période la plus inspirée et la plus recherchée. Sa cote connaît une progression constante, soutenue par la rareté de ses pièces et par la fascination que suscite toujours son univers orientaliste.

expertise gratuite de mon tableau Jacques Majorelle

Expositions et reconnaissance internationale

Les œuvres de Jacques Majorelle figurent aujourd’hui dans de nombreuses collections publiques et privées, notamment au Musée de Marrakech, au Musée d’Art Moderne de Paris et dans plusieurs fondations consacrées à l’art orientaliste.
Ses toiles sont régulièrement présentées lors d’expositions dédiées à l’Art Déco, à la peinture coloniale ou aux artistes voyageurs du XXe siècle. La redécouverte du Jardin Majorelle dans les années 1980 a contribué à replacer l’artiste au cœur de l’histoire de l’art moderne français et marocain. Il est désormais reconnu comme un passeur de cultures, capable d’unir les esthétiques européennes et maghrébines dans un langage pictural universel.

Cote de Jacques Majorelle sur le marché de l'art

La cote de Jacques Majorelle est aujourd’hui solide et en progression. Les collectionneurs du monde entier, notamment en France, au Maroc et au Moyen-Orient, s’arrachent ses paysages lumineux et ses scènes de vie. Voici quelques ventes marquantes de ces dernières années :

  • « Le Souk de Marrakech », huile sur toile, vendue 220 000 € en 2023.
  • « Femmes à la fontaine, Maroc », gouache sur papier, adjugée 85 000 € en 2022.
  • « Palmeraie de Marrakech », huile sur toile, vendue 140 000 € en 2021.
  • « Rue de Marrakech », aquarelle, adjugée 35 000 € en 2020.

Les œuvres de grand format, représentant des scènes animées ou des paysages marocains, atteignent aujourd’hui des prix records, confirmant Jacques Majorelle comme l’un des artistes orientalistes français les plus recherchés du XXe siècle. Faites estimer votre œuvre de Jacques Majorelle avec Estimon’objet. Vous souhaitez vendre, assurer ou simplement connaître la valeur de votre tableau, dessin ou gouache de Jacques Majorelle ? Notre équipe d’experts vous accompagne pas à pas pour obtenir une estimation gratuite, fiable et confidentielle. Grâce à Estimon’objet, valorisez votre œuvre au meilleur prix et bénéficiez d’un accompagnement professionnel sur mesure, reconnu dans le monde de l’art.

(Illus.) Jacques MAJORELLE (1886-1962) Ramasseuse de dattes Technique mixte, crayon, aquarelle, rehaut de poudre métalliques Signée et située en bas à droite

Je montre mon Majorelle à des experts

Reconnaître la signature de Jacques Majorelle

Les œuvres de Jacques Majorelle sont le plus souvent signées « J. Majorelle » ou « Jacques Majorelle » dans l’angle inférieur droit. La signature peut être tracée en lettres capitales ou cursives, parfois accompagnée de la mention « Marrakech » ou « Maroc ». Sur certaines aquarelles, la signature est intégrée dans la composition, peinte en bleu ou en ocre. L’analyse de la signature, associée à la provenance et au style pictural, permet d’authentifier plus aisément une œuvre. En cas de doute, les experts d’Estimon’objet peuvent vous aider à reconnaître, dater et authentifier la signature de Jacques Majorelle, garantissant ainsi la fiabilité de votre estimation.

Signature Jacques Majorelle
Expertise signature Jacques Majorelle
Expertise gratuite Jacques Majorelle

En lien avec Jacques Majorelle

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.

Remplir le formulaire

Nom, prénom, email … Toutes les informations nécessaires pour que nos experts puissent vous recontacter rapidement suite à votre demande d’expertise d’objet.
Étape 1

Joindre vos photos

Veillez à ce que les photographies soient nettes, de bonne qualité et prises sous tous les angles afin que nos experts puissent réaliser l’estimation de votre œuvre.
Étape 2

Réponse en 48 heures

Une fois que nous avons reçu les éléments, nos commissaires priseurs réalisent l’expertise de votre bien et vous fournissent une première estimation en 48h.
Étape 3
ESTIMATION GRATUITE
Estimation gratuite Vu Cao Dam

Vu Cao Dam

by Art asiatique

Home » Artiste » Page 188

Estimation, valeur et cote de l'artiste Vu Cao Dam

Vu Cao Dam (1908-2000) est un artiste vietnamien renommé pour ses peintures délicates et poétiques, ancrées dans les traditions culturelles de son pays natal tout en intégrant des influences modernes. Vous possédez une œuvre (tableau, dessin, estampe ou sculpture) de l’artiste Vu Cao Dam ? Remplissez notre formulaire, nos experts expertiseront gratuitement vos oeuvres dans les plus brefs délais !

Estimation gratuite Vu Cao Dam

Prix des oeuvres de Vu Cao Dam

  • Peinture - entre 140 € et 261 760 €

  • Estampe - entre 90 € et 6 500 €

  • Dessin ou aquarelle - entre 1 070 € et 690 340 €

  • Sculpture - entre 1 100 € et 204 570 €

Vous possédez une peinture, un dessin ou une gravure de Vu Cao Dam et souhaitez en connaître la valeur ? Faites estimer votre œuvre en toute simplicité grâce à Estimon’objet. Notre équipe de véritables commissaires priseurs vous garantit une estimation précise, gratuite et confidentielle sous quelques jours.

Estimer mon tableau Vu Cao Dam

Vu Cao Dam, un artiste entre tradition et modernité

Né en 1908 à Hanoï, Vu Cao Dam intègre l’École des Beaux-Arts d’Indochine, une institution fondée par les Français dans le but de former une nouvelle génération d’artistes vietnamiens. Sous l’influence de ses professeurs, notamment Victor Tardieu et Joseph Inguimberty, il se perfectionne dans l’art du laque et de la peinture à l’encre tout en explorant des styles occidentaux tels que l’impressionnisme et le postimpressionnisme. Le travail de Vu Cao Dam reflète une profonde harmonie entre les traditions vietnamiennes et les techniques européennes. Ses œuvres représentent souvent des scènes de la vie quotidienne au Vietnam, telles que des marchés, des paysages ruraux ou des portraits de femmes en tenue traditionnelle. Ces compositions empreintes de sérénité capturent un instant de beauté intemporelle.

L’art de la laque et de l’encre

Vu Cao Dam est surtout connu pour ses peintures à la laque, une technique ancestrale qu’il modernise en introduisant des palettes plus variées et des thèmes contemporains. La précision de son trait et son utilisation habile des textures donnent une profondeur unique à ses œuvres, souvent marquées par une richesse de détails. Dans ses peintures à l’encre, l’artiste privilégie des compositions aérées et minimalistes, où chaque trait semble raconter une histoire. Ces œuvres, souvent monochromes, mettent en lumière l’élégance de son approche artistique et son attachement aux traditions calligraphiques asiatiques.

Estimation gratuite Vu CAO DAM

Vu Cao Dam, une carrière marquée par l’exil

En 1946, face aux bouleversements politiques au Vietnam, Vu Cao Dam quitte son pays pour s’installer en France. À Paris, il s’intègre à la scène artistique tout en continuant à produire des œuvres célébrant ses racines vietnamiennes. Il expose dans de nombreuses galeries européennes, notamment au Salon des Indépendants et au Salon d’Automne. Son exil enrichit son art d’une nouvelle sensibilité. Il combine des paysages vietnamiens idéalisés avec des influences impressionnistes françaises, créant un style hybride qui séduit le public occidental. Malgré la distance, Vu Cao Dam reste un ambassadeur de la culture vietnamienne à travers ses créations.

Cote des oeuvres de Vu Cao Dam sur le marché de l’art

La cote de Vu Cao Dam ne cesse de croître sur le marché de l’art. La délicatesse de ses créations ainsi que leur capacité à évoquer la nostalgie d’un Vietnam d’antan sont autant de raisons pour les collectionneurs de rechercher ses œuvres. Quelques exemples de ventes aux enchères : 

  • “Le cheval piaffant” (circa 1962), huile sur toile, adjugée à 32 000 €
  • “Femme accoudée” (circa 1971), peinture sur soie, adjugée à 151 620 €
  • “Mère et enfant” (1959), huile sur toile, adjugée à 37 000 €

Faites estimer dès maintenant votre œuvre de Vu Cao Dam sur www.estimonobjet.fr et découvrez sa valeur réelle sur le marché de l’art. Nos experts sont à votre entière disposition pour expertiser gratuitement et rapidement vos tableaux, dessins, estampes ou Sculptures de Vu Cao Dam. 

(Illus.) Vu Cao Dam Petit poète sous l’arbre. 1983

Je montre mon oeuvre à des commissaires priseurs

Reconnaître la signature de Vu Cao Dam

Identifier la signature de Vu Cao Dam (1908-2000) est fondamental pour authentifier ses peintures, sculptures et œuvres sur soie, très prisées sur le marché de l’art vietnamien et international. Plusieurs éléments reviennent fréquemment selon les supports et les périodes. Sur ses peintures à l’huile et sur panneaux, Vu Cao Dam signe souvent « Vu Cao Dam » en alphabet latin, généralement en bas à droite, accompagné de la date (par exemple Vu Cao Dam 1962 pour Black Horse, Vu Cao Dam 1969 pour Idylle.  Il lui arrive aussi d’ajouter une signature en chinois (idéogrammes), soit à côté de la signature latine, soit au verso de la toile. Par exemple, Le Cheval Piaffant est signé « Vu cao dam » en bas à droite, et porte aussi sa signature en chinois au revers. Sur les œuvres sur soie ou encre/couleurs sur soie, la signature latine est souvent accompagnée d’un cachet rouge sigillaire et parfois d’une signature sino-vietnamienne. L’œuvre Jeune Indochinoise accoudée à une balustrade en est un bon exemple : signée et datée en bas à droite, signature en chinois, cachet rouge. Pour les sculptures et les œuvres en terre cuite, Vu Cao Dam signe au dos ou sous la nuque (ex : la sculpture Tête de jeune femme, 1939 est signée et datée au dos sur la nuque). Pour Estimon’Objet, nous conseillons de vérifier : la présence de la signature « Vu Cao Dam » en latin, souvent accompagnée de la date, un éventuel cachet asiatique ou signature chinoise/sino-vietnamienne, le placement de la signature (bas à droite pour peinture, verso ou nuque pour sculpture), l’authenticité du support (huile, soie, terre cuite) et la cohérence stylistique avec des œuvres datées. Sur Estimon’Objet, nos experts sont formés à reconnaître ces signes pour confirmer l’authenticité et estimer la valeur réelle de vos pièces signées Vu Cao Dam.

Expertise gratuite signature Vu Cao Dam
Signature Vu Cao Dam
Expertise gratuite Vu Cao Dam

En lien avec Vu Cao Dam

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.

Remplir le formulaire

Nom, prénom, email … Toutes les informations nécessaires pour que nos experts puissent vous recontacter rapidement suite à votre demande d’expertise d’objet.
Étape 1

Joindre vos photos

Veillez à ce que les photographies soient nettes, de bonne qualité et prises sous tous les angles afin que nos experts puissent réaliser l’estimation de votre œuvre.
Étape 2

Réponse en 48 heures

Une fois que nous avons reçu les éléments, nos commissaires priseurs réalisent l’expertise de votre bien et vous fournissent une première estimation en 48h.
Étape 3
ESTIMATION GRATUITE
Estimation gratuite Jean miotte

Jean Miotte

by Art Contemporain

Home » Artiste » Page 188

Estimation et cote de l'artiste Jean Miotte

Jean Miotte (1926-2016) est l’une des figures essentielles de l’abstraction gestuelle française d’après-guerre. Son œuvre, libre, lyrique et profondément énergique, s’inscrit dans le courant de l’Art informel et du mouvement international de l’Action Painting. Représenté dans de nombreux musées à travers le monde, Miotte est aujourd’hui un artiste recherché par les collectionneurs, et sa cote n’a cessé de se renforcer depuis les années 2000.

Estimation gratuite Jean miotte

Prix des œuvres de Jean Miotte

  • Peintures : entre 5 000 € et 80 000 €

  • Dessins, gouaches et encres : entre 600 € et 12 000 €

  • Estampes : entre 80 € et 1 500 €

Vous souhaitez  expertiser une œuvre de Jean Miotte et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire. Faites estimer une œuvre de Jean Miotte en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel. Les grandes toiles des années 1960-1970, considérées comme ses périodes les plus abouties, atteignent des montants nettement supérieurs, notamment lorsqu’elles proviennent d’expositions ou de collections prestigieuses.

Estimer mon oeuvre de Jean Miotte

Jean Miotte, un maître de l’abstraction lyrique

Né en 1926 à Paris dans un contexte marqué par l’entre-deux-guerres, Jean Miotte découvre très tôt le dessin puis la peinture dans un cadre autodidacte. Après la Seconde Guerre mondiale, il fréquente de nombreux artistes de l’avant-garde et commence à s’intéresser à la danse et au mouvement, qui deviendront des influences majeures dans son travail. Il réalise ses premières œuvres abstraites dans les années 1950, s’éloignant progressivement de la figuration. À partir de cette période, Miotte développe un langage visuel personnel, fait de gestes amples, de courbes dynamiques et d’une énergie spontanée qui devient sa signature.

Un style unique : l’abstraction gestuelle en mouvement

Les œuvres de Miotte se reconnaissent immédiatement par leur intensité et leur liberté. Elles se distinguent par :

Un geste spontané

Miotte ne cherche pas à représenter, mais à exprimer une émotion pure. Le geste, central dans sa démarche, est exécuté sans préparation, dans un mouvement quasi chorégraphique. Chaque toile témoigne d’un instant capturé, d’une énergie en tension.

Une palette vibrante

Si le noir et le blanc sont omniprésents dans sa carrière, Miotte utilise aussi des rouges, des bleus profonds, des jaunes intenses qui accentuent la force de ses compositions.

Des formes en suspension

Ses touches, traits et éclats de couleur flottent sur la toile, créant des équilibres subtils entre vide et plein. Cette tension permanente confère à ses œuvres un dynamisme propre à l’abstraction lyrique.

Une technique maîtrisée

Bien que spontanées, ses œuvres témoignent d’une grande maîtrise du support : superpositions, transparences, gestes interrompus ou prolongés… Miotte compose ses toiles comme un musicien construit une partition.

Estimer une peinture Jean Miotte

Les grandes périodes et œuvres emblématiques de Jean Miotte

Les années 1950 : la transition vers l’abstraction

Pendant cette décennie, Miotte s’affirme au sein de l’avant-garde parisienne. Son style s’oriente progressivement vers l’abstraction lyrique, influencé par Hans Hartung, Pierre Soulages ou encore Georges Mathieu. Les premières toiles gestuelles apparaissent, laissant présager le vocabulaire esthétique qui marquera toute sa carrière.

Les années 1960-1970 : affirmation internationale

Ces années sont considérées comme l’apogée artistique de Miotte. Ses œuvres deviennent plus libres, plus aériennes, et trouvent un écho particulier auprès des collectionneurs américains. Il participe à de nombreuses expositions internationales, notamment à New York, où son style rencontre un public enthousiaste. Les toiles de cette époque sont aujourd’hui les plus recherchées du marché.

Les années 1980-2000 : maturité et reconnaissance mondiale

Miotte multiplie les expositions en Europe, en Asie et aux États-Unis. Il fonde par la suite la Miotte Foundation, dédiée à la conservation et à la diffusion de son œuvre. Cette institution contribue largement à l’essor de sa notoriété et à la structuration de son marché. Parmi ses œuvres marquantes, on peut citer :

  • Compositions gestuelles des années 1960, véritables emblèmes de son style,

  • Grandes toiles abstraites à dominante bleue,

  • Encres rapides et fougueuses, parfaites illustrations de son rapport au geste.

Jean Miotte, une carrière internationale

Tout au long de sa vie, Miotte expose dans les plus grands lieux d’art contemporain : le Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, le Solomon R. Guggenheim Museum, le Musée d’Art Moderne de New York, ou encore de nombreuses galeries en Allemagne, aux États-Unis et en Asie. Son œuvre est présente dans plus de 200 collections publiques et privées, renforçant sa place parmi les artistes majeurs de l’abstraction d’après-guerre. L’ouverture du Miotte Museum au Chelsea Art Museum à New York a également joué un rôle déterminant dans sa reconnaissance internationale.

Estimer un dessin signé Jean Miotte

Cote de Jean Miotte sur le marché de l’art

La cote de Jean Miotte est stable et solide, soutenue par une demande croissante pour l’abstraction gestuelle et les artistes d’après-guerre. Ses œuvres sont appréciées autant par les collectionneurs confirmés que par les amateurs souhaitant acquérir une pièce d’un artiste majeur à un prix encore accessible. Voici quelques ventes importantes :

  • “Composition” (huile sur toile, 1961) – vendue 75 000 € 

  • “Sans titre” (acrylique sur toile, 1970) – adjugée 48 000 € 

  • Grande gouache des années 1960 – vendue 12 000 € 

  • Encre sur papier (années 1980) – entre 2 000 € et 6 000 € selon le format.

  • Estampes signées – généralement adjugées entre 200 € et 1 200 €.

Les œuvres de grand format issues de la période new-yorkaise atteignent aujourd’hui leurs niveaux les plus élevés, témoignant d’un intérêt soutenu des collectionneurs internationaux. Vous possédez une toile de Jean Miotte ? Une gouache ou un dessin signé ? Confier votre œuvre à Estimon’objet, c’est profiter :

  • d’une estimation gratuite et confidentielle,

  • d’un avis rendu par de véritables commissaires-priseurs spécialisés,

  • d’un diagnostic précis sur la cote actuelle de l’artiste,

  • d’un accompagnement personnalisé jusqu’à la vente.

Envoyez simplement vos photos et informations : vous recevrez sous quelques jours une estimation experte et transparente.

Avec Estimon’objet, valorisez au mieux votre œuvre de Jean Miotte et bénéficiez d’un service d’expertise en ligne fiable, rapide et reconnu.

Reconnaître la signature de Jean Miotte

Savoir reconnaître la signature de Jean Miotte est essentiel pour authentifier une œuvre de cet artiste majeur de l’Abstraction lyrique. Ses signatures, visibles sur de nombreuses œuvres emblématiques comme Sans titre (1985), Composition (1990) ou les grands formats exposés au Miotte Museum, présentent des constantes liées à son geste vif et énergique. Jean Miotte signe généralement « Miotte », parfois « J. Miotte », en lettres manuscrites dynamiques, souvent inclinées et exécutées d’un trait net, presque calligraphique. La signature apparaît le plus souvent en bas à droite, au pinceau ou au feutre noir sur les œuvres sur papier, tandis que sur les toiles elle peut être intégrée dans un aplat clair pour rester lisible. Certaines compositions, notamment des années 1960-1970, comportent également la date inscrite sous la signature. Dans un marché où circulent des œuvres attribuées de façon imprécise, faire vérifier la signature d’un Jean Miotte par un expert qualifié demeure indispensable. Sur Estimon’Objet, nos spécialistes de l’art abstrait vous accompagnent dans l’identification, l’authentification et l’estimation de vos œuvres signées Jean Miotte, qu’il s’agisse d’une toile, d’un dessin ou d’une gouache.

Expertise signature Jean Miotte
Signature Jean Miotte
Expertise gratuite Jean Miotte

En lien avec Jean Miotte

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.

Remplir le formulaire

Nom, prénom, email … Toutes les informations nécessaires pour que nos experts puissent vous recontacter rapidement suite à votre demande d’expertise d’objet.
Étape 1

Joindre vos photos

Veillez à ce que les photographies soient nettes, de bonne qualité et prises sous tous les angles afin que nos experts puissent réaliser l’estimation de votre œuvre.
Étape 2

Réponse en 48 heures

Une fois que nous avons reçu les éléments, nos commissaires priseurs réalisent l’expertise de votre bien et vous fournissent une première estimation en 48h.
Étape 3
ESTIMATION GRATUITE
Estimation gratuite Henry de Waroquier

Henry De Waroquier

by Art moderne

Home » Artiste » Page 188

Estimation et cote de l'artiste Henry de Waroquier

Henry de Waroquier est un peintre, sculpteur, dessinateur et graveur français proche des Nabis et membre de l’École de Paris, dont il suit les évolutions. D’abord peintre impressionniste, il connaît une période cubiste, avant de se tourner vers l’expressivité lyrique et la mythologie, sous l’effet de ses voyages.

Estimation gratuite Henry de Waroquier

Vous souhaitez  expertiser une œuvre de Henry de Waroquier et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire. Faites estimer une œuvre de Henry de Waroquier en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Estimer mon oeuvre d'Henry de Waroquier

Des arts décoratifs à l’impressionnisme tardif

Henry de Waroquier nait à Paris en 1881. Pendant son adolescence, il fréquente les galeries Vollard, Durant Ruel et Bing, où il découvre l’art impressionniste et l’art extrême-oriental.

Henry de Waroquier étudie à l’école des Arts décoratifs, et prend rapidement un poste à l’école Estienne, où il enseigne la composition décorative de 1903 à 1919.

Dès 1900, il peint dans un style influencé par l’Orient et l’Impressionnisme, privilégiant les formes synthétiques et cloisonnées. Jusqu’en 1910, il peint surtout les paysages bretons.

Henry de Waroquier, artiste cubiste original

A Montparnasse, où il réside depuis 1898, Henry de Waroquier fréquente l’Avant-garde cubiste et les membres du Bateau-Lavoir. Il se lie d’amitié avec Amadeo Modigliani et Pablo Picasso. A partir de 1910, il partage les recherches du cubisme. Il se distingue cependant par l’attention particulière qu’il porte à la figure humaine, dont témoignent ses nombreux dessins de Têtes cubistes.

Henry de Waroquier fait de nombreux voyages. Il visite l’Italie en 1912, puis part en Grèce, en Espagne, en Palestine et en Égypte. En Italie, la découverte des peintres de la Première renaissance italienne est à l’origine de sa « période blanche », qui court de 1912 à 1920.

Il se distingue par son art paysager, inspiré à la fois par l’impressionnisme et le cubisme. Dans les années 1920, il réalise de très nombreuses peintures, aquarelles et dessins à Venise, qui assurent son succès auprès des hommes de lettres, tels que Rainer Maria Rilke, et de la haute société.

S’il travaille souvent d’après nature, Henry de Waroquier réalise aussi des paysages imaginaires. Ainsi en 1917, Henry de Waroquier se consacre à une série de paysages imaginés de l’Espagne. Les couleurs sombres qu’il adopte alors détonnent dans sa période blanche.

Le tournant des années 1930 : expérimentations techniques et esthétique dramatique

Dans les années 1930, Henry de Waroquier multiplie les médias. Il continue à pratiquer la peinture et le dessin, mais s’initie également à la gravure et à la sculpture.

Il débute la sculpture par le modelage de pains de cire, au retour d’un voyage en Grèce. Il réalise toutes sortes de figures, des animaux hybrides, mais aussi des figures féminines et angéliques inspirées par l’art grec et l’Égypte copte, qu’il visite en 1934. Ses sculptures témoignent d’un archaïsme formel pourtant absent dans sa peinture. Certaines de ces sculptures sont conçues comme éphémères, il les photographie puis les détruit, le tirage photographique devant alors l’œuvre. D’autres donnent lieu à des tirages en bronze.

Progressivement, Henry de Waroquier s’inspire de plus en plus de la mythologie, menant notamment des recherches autour d’Œdipe. Il crée de nombreuses créatures mythologiques en sculpture, exposées à la galerie Lucie Weil en 1950. Cette thématique s’illustre aussi en peinture, avec La Tragédie, qu’il peint dans le foyer du Palais de Chaillot en 1937.

La dimension dramatique des créations des années 1930 traduit l’inquiétude d’Henry de Waroquier face à la montée des Fascismes. Les visages de ses peintures et sculptures, angoissés, se rapprochent de l’Expressionnisme. Il réalise une série de sculptures aux visages tourmentés, comme Le Verbe (1934-1947), ou Œdipe (1934-1950), qui lui valent le surnom de « Voyant », donné par Paul Claudel. Tout comme Pablo Picasso, il puise alors son inspiration dans les antiquités égyptiennes et les sculptures de l’Ile de Pâques.

Par leur éclairage dramatique, les paysages peints trahissent eux-aussi la fébrilité de l’artiste.

Je souhaite une estimation !

La renommée d’Henry de Waroquier

Le talent d’Henry de Waroquier est parfaitement reconnu à la fin des années 1930. Une salle entière lui est consacrée à l’exposition des Maitres de l’Art indépendant au Petit Palais en 1937.

Dans les années 1950, plusieurs de ses œuvres sont acquises par l’État, et des expositions rétrospectives sont organisées au Musée des Arts Décoratifs et à l’Institut français de Berlin. Ses sculptures sont exposées au Musée d’Art Moderne de Paris, et toute son œuvre gravée est présentée à la Bibliothèque nationale. Enfin, il est fait commandeur de la Légion d’Honneur en 1950.

La valeur des œuvres d’Henry de Waroquier

Henry de Waroquier est un artiste protéiforme au rayonnement presque exclusivement français. L’estimation de ses œuvres dépend avant tout du média utilisé, ce qui en fait un artiste accessible à toutes les bourses. Ses estampes et dessins et aquarelles s’échangent le plus souvent pour 100 à 500 €, mais peuvent parfois atteindre les 5 000 €. Les sculptures sont dans le même ordre de prix, se vendant généralement pour 100 à 5000. Les photographies, qui s’acquièrent en moyenne pour 100 à 500 €, peuvent attendre 4 000 à 6 000 € s’il s’agit de photographies des sculptures éphémères, comme ce fut le cas à Paris en 2003 et 2015. Enfin, ses peintures sont les œuvres les plus prisées. Elles ne constituent que 15% des œuvres vendues, mais représentent à elles seules la moitié du chiffre d’affaires. L’estimation moyenne est de 1 000 à 5 000 €, mais un prix record de 25 916 € a été obtenu à La Rochelle en 1989, pour Visage améthyste (1912).

Vous souhaitez faire expertiser un tableau d’Henry de Waroquier et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire. Estimer une œuvre d’Henry de Waroquier en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

J'estime mon objet de Henry de Waroquier

En lien avec Henry de Waroquier

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.

Remplir le formulaire

Nom, prénom, email … Toutes les informations nécessaires pour que nos experts puissent vous recontacter rapidement suite à votre demande d’expertise d’objet.
Étape 1

Joindre vos photos

Veillez à ce que les photographies soient nettes, de bonne qualité et prises sous tous les angles afin que nos experts puissent réaliser l’estimation de votre œuvre.
Étape 2

Réponse en 48 heures

Une fois que nous avons reçu les éléments, nos commissaires priseurs réalisent l’expertise de votre bien et vous fournissent une première estimation en 48h.
Étape 3
ESTIMATION GRATUITE
Estimation gratuite Jean Degottex

Jean Degottex

by Art Contemporain

Home » Artiste » Page 188

Estimation et cote de l'artiste Jean Degottex

« Du signe je suis passé à l’écriture, de l’écriture à la ligne d’écriture, de la ligne d’écriture à la ligne » : c’est ainsi que Jean Degottex, peintre français abstrait né en 1918, résumait son travail et ses recherches.

Estimation gratuite Jean Degottex

Prix des œuvres de Jean Degottex

  • Peintures - entre 200 € et 200 000 €

  • Dessins - entre 100 € et 70 000 €

  • Estampes - entre 100 € et 2 500 €

Vous souhaitez  expertiser une œuvre de Jean Degottex et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire. Faites estimer une œuvre de Jean Degottex en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Estimer mon oeuvre de Jean Degottex

Qui est le peintre abstrait Jean Degottex ?

Après une enfance passée à Lyon, Jean Degottex part à Paris à l’âge de quinze ans, pour commencer à travailler. Il effectue ensuite son service militaire de 1939 à 1941 en Tunisie et en Algérie et commence à peindre des toiles figuratives influencées par le fauvisme. À son retour à Paris, Degottex continue à peindre, en quasi autodidacte en dehors de quelques cours suivis dans les académies privées du quartier de Montparnasse. Très vite, la figuration disparaît de son œuvre, et il se rapproche plutôt de l’abstraction lyrique. Ce courant artistique, préfiguré par Hans Hartung dès les années 1930, se fonde sur le surgissement de formes abstraites dans un camaïeu de couleurs lumineuses ; il s’oppose à l’abstraction géométrique en privilégiant la spontanéité du geste. Enfin, c’est à cette période, en 1946, qu’il épouse Marie-Rose Patrix, qui donne naissance à leur fille unique Frédérique en 1947.

Estimer mon oeuvre de Jean Degottex

Un artiste majeur aux multiples inspirations

L’abstraction lyrique n’est cependant qu’une étape dans la longue carrière de Jean Degottex. Il s’intéresse de plus en plus au geste, en tentant d’allier la réflexion qui précède la conception d’une toile à la spontanéité et la fulgurance du mouvement du pinceau. Ces recherches autour du geste se nourrissent notamment de l’art de la calligraphie, essentiel dans la pratique de la philosophie Zen pour laquelle il se passionne. Il développe ces recherches sur des toiles de formats monumentaux. Au cours des années 1950 et 1960, il élabore également des séries où il décline un même thème, de manière presque obsessionnelle : c’est le cas de la série des Hors, dans la décennie 1960, où il réfléchit sur le travail produit par l’artiste hors de la surface du tableau. Cette période d’épanouissement artistique est cependant interrompue par la mort violente de Frédérique, sa fille de 16 ans. Effondré, Degottex interrompt sa production pendant une année entière, avant de se remettre à créer compulsivement. La décennie 1970 voit naître les nouvelles recherches de Degottex, qui l’occupent jusqu’à la fin de sa vie : les possibilités de la matière.

Il travaille d’abord le papier par déchirures, pliages, collages… Le papier cesse d’être simplement le support de l’œuvre pour devenir l’œuvre elle-même : sa texture, sa surface ont un intérêt propre. Dans La célèbre série des Papiers-Report (à partir de 1977), il peint ou incise la moitié d’une feuille de papier, puis la plie en deux afin de reporter les motifs sur l’autre moitié. Il s’intéresse ensuite aux motifs naturels du bois, avec plusieurs séries : les Bois Fendus (1984-1987) ou les Lignes Bois (1985-1987).

Estimation et cote de Jean Degottex

Degottex meurt en 1988 à Paris. Bien qu’il n’ait pas cherché à promouvoir activement son image, il fut reconnu dès son vivant comme un artiste talentueux, obtenant en 1951 le prix Kandinsky et en 1981 le Grand Prix national de peinture. La cote de Jean Degottex connaît une croissance constante depuis les années 1980. Les œuvres monumentales issues de la période féconde des années 1950-1960, où l’influence de la calligraphie est tout particulièrement palpable, sont les plus recherchées. Pour ces œuvres, les adjudications vont de 100 000 à 200 000 euros : c’est le cas de Antee III (1956), adjugée 245 448 euros en 2007.

Cependant, ces grands formats se font de plus en plus rares sur le marché de l’art, ce qui le pousse à s’intéresser davantage aux travaux tardifs de Degottex sur les matériaux, avec une floraison de ventes d’œuvres des années 1970–1980. Si leurs adjudications commencent autour de 3 000 euros, on peut les voir monter jusqu’à 40 000 euros pour les Lignes-Report, très demandées. Lignes-Report-Noir/Terre (1981) a été adjugée 39 400 euros en 2015. Vous souhaitez faire expertiser un tableau de Jean Degottex et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire. Estimez votre oeuvre tableau de Jean Degottex en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

(Illus.)Jean Degottex – Hors III

Je donne mon tableau à des experts de l'art

En lien avec Jean Degottex

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.

Remplir le formulaire

Nom, prénom, email … Toutes les informations nécessaires pour que nos experts puissent vous recontacter rapidement suite à votre demande d’expertise d’objet.
Étape 1

Joindre vos photos

Veillez à ce que les photographies soient nettes, de bonne qualité et prises sous tous les angles afin que nos experts puissent réaliser l’estimation de votre œuvre.
Étape 2

Réponse en 48 heures

Une fois que nous avons reçu les éléments, nos commissaires priseurs réalisent l’expertise de votre bien et vous fournissent une première estimation en 48h.
Étape 3
ESTIMATION GRATUITE
Estimation gratuite Alberto Magnelli

Alberto Magnelli

by Art Contemporain

Home » Artiste » Page 188

Estimation et cote de l'artiste Alberto Magnelli

Artiste florentin, Alberto Magnelli est un peintre et graveur résolument moderne, qui compte parmi les pionniers de l’Abstraction.

Estimation gratuite Alberto Magnelli

Vous souhaitez expertiser une œuvre d’Alberto Magnelli et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire. Faites estimer une œuvre d’ Alberto Magnelli en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Estimer mon oeuvre d'Alberto Magnelli

Une jeunesse italienne marquée par la Renaissance

Bien qu’il n’ait suivi aucun enseignement artistique, Alberto Magnelli a une culture visuelle approfondie de la Renaissance. Ayant grandi à Florence, il connait bien l’œuvre de Masaccio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, et surtout Piero della Francesca, dont il admire la dimension architecturale des compositions.

Pour son premier tableau réalisé en 1907, Alberto Magnelli dépeint l’Apennin toscan. Il suit alors l’inspiration de l’impressionnisme tardif. Dès 1910, son tableau Neve à la composition rigoureuse et géométrique témoigne des évolutions de son style. Sa personnalité artistique attire l’attention des peintres futuristes italiens, et Filippo Tommaso Marinetti lui propose même de rejoindre le mouvement en 1913. Alberto Magnelli refuse cependant, ne se reconnaissant pas dans l’idéologie futuriste.

La découverte de Paris et de ses avant-gardes

Au cours d’un voyage à Paris, Alberto Magnelli se lie d’amitié avec Guillaume Apollinaire, et fréquente les membres de l’Avant-garde parisienne, tels que Alexander Archipenko, Juan Gris, Fernand Léger, Henri Matisse et Picasso. Bien qu’il n’adhère à aucun mouvement, Alberto Magnelli se rapproche des recherches cubistes, et propose des œuvres interrogeant la construction et la profondeur de l’espace.

J'estime mon Magnelli

Retour de Magnelli en Italie et premières expériences abstraites

La Première guerre mondiale le contraint à rentrer en Italie, où il fait ses premières expériences de l’Abstraction. Il abandonne la figuration pour réaliser des formes géométriques, fortement ombrées, dont il met en valeur l’architecture en s’inspirant des œuvres de Piero della Francesca. Le titre même de ses œuvres exclue désormais tout référent extérieur à la peinture. En 1918, ses œuvres se font plus joueuses et sensuelles, témoignant peut-être de la joie résultant de la fin du conflit mondial, comme en témoigne la série Explosion lyrique. Délaissant les compositions géométriques, il adopte des couleurs vives et une touche expressive.  

Développement de l’abstraction après un bref Retour à l’ordre

Avec le Retour à l’ordre, Alberto Magnelli renoue avec la figuration. Il peint désormais des nus, des paysages et des scènes de guerre. Les figures, monumentales, sont souvent cernées de blanc. 

L’émotion ressentie par l’observation de la forme et de la brillance des blocs de marbre des carrières de Carrare le pousse à étudier leur structure dans sa série Pierres. Cette recherche, qu’il conduit pendant deux ans, le mène à retourner à l’Abstraction. La production des années 1932-1933 donne lieu à sa première exposition à Paris en 1934, dans la galerie tenue par Pierre Loeb. A cette même période, il expérimente différentes techniques liées à l’estampe. Il s’initie à l’eau-forte, à la gravure sur bois, la sérigraphie, la lithographie et la linogravure. 

Retour à Paris et grandes expositions

Installé à Paris depuis 1931, Alberto Magnelli participe à la première exposition de Réalités Nouvelles, organisé à l’initiative de Robert et Sonia Delaunay à la galerie Charpentier à Paris en 1939. C’est avec Sonia Delaunay qu’il se réfugie à Grasse pendant la Seconde guerre mondiale, où ils retrouvent également Jean et Sophie Arp. Au sein de ce groupe Alberto Magnelli réalise des expérimentations. Il contribue notamment à la confection de l’ouvrage collectif 10 Origin. Pendant la guerre, il réalise de nombreuses peintures sur ardoises, à la fois en raison des restrictions dues au conflit et par attrait pour le caractère miniaturiste de ce matériau. Alberto Magnelli pratique également le collage, mais de manière atypique, en mettant l’accent sur la dimension architecturale des matériaux. Ses collages et ardoises ont donné lieu à une exposition au Centre Georges-Pompidou en 1986. 

Une première rétrospective de l’œuvre d’Alberto Magnelli est présentée en 1947 à la galerie René Drouin à Paris. Depuis les années 1950, les expositions en son honneur sont nombreuses en France et en Europe. 

Les œuvres d’Alberto Magnello : quelle cote sur le marché de l’art ?

L’estimation des œuvres d’Alberto Magnelli, relativement stable depuis 2013, a marqué une légère hausse en 2021, après la vente d’Explosion lyrique n°1 à Paris pour 810 000 €. Cette vente n’atteint cependant pas le niveau de La toilette (1917), adjugée à Londres pour 1 181 680 € (800 000 £ ) en 2007. Les peintures sont les œuvres d’Alberto Magnelli qui circulent le moins (26% des œuvres en circulation entre 2012 et 2022). Ce sont pourtant elles qui atteignent les prix les plus hauts, représentant à elles-seules 91% du chiffre d’affaires, avec une fourchette de prix le plus souvent comprise entre 10 000 et 50 000€. Plus accessibles, les dessins et estampes sont bien mieux représentés sur le marché de l’art, occupant respectivement 31% et 42% des œuvres vendues à cette même période. Un budget de 1000 – 5000 € permet aujourd’hui au collectionneur d’acquérir un dessin d’Alberto Magnelli, tandis que les estampes s’échangent pour la plupart pour 100 à 500 €. 

Je souhaite une estimation !

En lien avec Alberto Magnelli

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.

Remplir le formulaire

Nom, prénom, email … Toutes les informations nécessaires pour que nos experts puissent vous recontacter rapidement suite à votre demande d’expertise d’objet.
Étape 1

Joindre vos photos

Veillez à ce que les photographies soient nettes, de bonne qualité et prises sous tous les angles afin que nos experts puissent réaliser l’estimation de votre œuvre.
Étape 2

Réponse en 48 heures

Une fois que nous avons reçu les éléments, nos commissaires priseurs réalisent l’expertise de votre bien et vous fournissent une première estimation en 48h.
Étape 3
ESTIMATION GRATUITE
Estimation gratuite Felix Ziem

Felix Ziem

by Peinture Régionaliste

Home » Artiste » Page 188

Estimation et cote de l'artiste Félix Ziem

Félix Ziem (1821-1911) est un peintre, aquarelliste et dessinateur orientaliste, lié à l’école de Barbizon. Vous possédez une œuvre signée Felix Ziem dont vous souhaitez connaitre la valeur ? Confiez votre œuvre à nos experts pour bénéficier d’une expertise gratuite, rapide et confidentielle.

Estimation gratuite Felix Ziem

Prix des œuvres de Félix Ziem

  • Peinture (huile sur toile) - entre 2 500 € et plus de 170 000 €.

  • Peinture (huile sur panneau) - entre 2 000 € et 50 000 €.

  • Dessin / aquarelle - entre 300 € et 1 200 €.

Vous souhaitez  expertiser une œuvre de Félix Ziem et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire. Faites estimer une œuvre de Félix Ziem en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Estimer mon tableau de Félix Ziem

Une carrière encouragée par les puissants

Né à Beaune en 1821 d’un père croate et d’une mère bourguignonne, il étudie l’Architecture à l’École d’Architecture et des Beaux-Arts de Dijon. Expulsé en 1838 pour indiscipline, il devient alors commis aux travaux pour la construction du canal de Marseille. La carrière artistique de Félix Ziem est encouragée par Ferdinand Philippe d’Orléans, qui accepte deux aquarelles présentées par l’artiste, et lui en commande six autres en 1839. Motivé par cet encouragement, il suit des cours de dessins aux côtés de Auguste Aiguier et Adolphe Monticelli. Dès 1842, Félix Ziem s’installe à Nice où il devient familier avec les membres de l’aristocratie européenne. Ces derniers lui commandent des portraits, et l’invitent dans leurs demeures. Ces rencontres constituent le début de ses voyages. Il se rend ainsi à Baden en 1842, invité par Sophie, la grande-duchesse de Bade, puis rejoint la Russie en 1843, aux côtés des princes Gagarines. Il y reste plus d’un an. Il parcourt ensuite en Italie, entre 1845 et 1848, puis va à Constantinople, en Belgique, et en Hollande. En 1854, il part pour l’Afrique du Nord, en particulier l’Egypte, et revient l’année suivante en Tunisie.  Après une descente du Danube en bateau en 1855, il sillonne la Turquie et la Méditerranée orientale en 1856. Il réside ensuite Alger en 1858. Ses voyages en Orient inspirent à Félix Ziem un atelier de goût oriental, qu’il installe en 1861.

D’un Orient fantasmé à une représentation sensible de l’ailleurs

Sous l’effet d’influences diverses, en particulier celle des Expositions Universelles, Félix Ziem s’oriente vers l’Orientalisme. Il représente d’abord un Orient fantasmé, certains tableaux de Constantinople étant antérieurs à son premier voyage dans la ville en 1847. Contrairement à ses contemporains qui concurrencent la photographie en cherchant à réaliser un reportage, adoptant une manière lisse, Félix Ziem s’attache à représenter des sensations. Félix Fétu, dans Félix Ziem. Peintre et voyageur, décrit sa peinture comme « un rêve de haschisch fixé sur une toile et dont les figures indécises semblent osciller entre le réel et l’impossible ». En effet, ses motifs orientaux sont avant tout des représentations de la couleur et de la lumière, et témoignent de son intérêt pour l’art de William Turner et de Richard Parkes Bonington.

Je souhaite une estimation gratuite de mon tableau !

Félix Ziem et la lumière vénitienne

C’est surtout à Venise que Félix Ziem est le plus prolifique. Séduit par la luminosité vénitienne, il s’y rend plusieurs fois par an à partir de 1845. Il travaille depuis son bateau, qui lui sert d’atelier et de lieu de vie. Contrairement à Canaletto et Guardi, il ne représente pas les sites célèbres de la cité, mais s’attache à étudier les changements de la lumière au fil des heures et des saisons. Tout comme son ami Charles de Tournemine, Félix Ziem adopte une palette vive et fraiche, et transcrit d’une touche nerveuse les effets de la lumière sur l’eau. Ses recherches sur la diffraction de la lumière ont parfois entrainé des comparaisons avec l’Impressionnisme. L’esprit de sa démarche est cependant radicalement différent, Félix Ziem privilégiant l’onirique et poétique à la transcription réaliste de la réalité.

Félix Ziem, un peintre renommé au Louvre

Félix Ziem devient un membre actif de l’école de Barbizon. Il partage son temps entre son atelier parisien de la rue Lepic, ses voyages et, à partir de 1853, de fréquents séjours à Barbizon. Dans la forêt, il peint des natures mortes et portraits d’animaux. Félix Ziem vit d’abord dans une caravane à Barbizon, puis achète finalement une maison à Charles Jacque. Bien inséré dans le milieu artistique, Félix Ziem expose régulièrement au Salon de 1849 à 1868, et fréquente les artistes illustres de son temps. Vers 1865, Durand-Ruel devient l’un de ses principaux marchands. La vente de ses toiles lui permet d’aider de jeunes artistes et de créer des œuvres de charité dont un asile pour aveugle. Peintre renommé, ses tableaux sont les premiers d’un artiste vivant à entrer dans les collections du musée du Louvre en 1910. Sa carrière est récompensée par de nombreux prix et décorations. Il est notamment fait Chevalier de la Légion d’Honneur en 1857, puis Officier en 1878, et enfin Commandeur en 1908. A sa mort en 1911, il lègue une partie de son atelier (études et dessins) à la ville de Paris, aujourd’hui conservée au Petit Palais. Excellent dessinateur, près de 10 000 feuilles sont aujourd’hui conservées, ainsi que ses carnets de voyages aquarellés.

La cote des œuvres de Félix Ziem sur le marché de l’art

Malgré cette production prolifique de dessins, ce sont aujourd’hui les peintures de Félix Ziem qui sont le plus prisées sur le marché de l’art. Elles représentent 75% des ventes entre 2002 et 2022, et sont pour la plupart estimées entre 10 000 et 50 000 euros. Après la vente record de Bateau pavoisé lors de la fête de l’Assomption en 2017 pour 175 878 € (155 000 £ ) à Londres, on remarque une baisse de l’intérêt des collectionneurs pour cet artiste, néanmoins contrebalancée par une légère remontée en 2022. Les dessins et aquarelles, plus accessibles, s’échangent pour la plupart pour 1 000 à 5 000 €. 

J'estime ma toile signée Félix Ziem

Reconnaître la signature de Felix Ziem

Reconnaître la signature de Félix Ziem est fondamental pour authentifier une œuvre de ce peintre voyageur du XIXᵉ siècle, célèbre pour ses vues de Venise, de Constantinople ou de Martigues. Ziem signait la grande majorité de ses toiles et dessins, généralement d’un simple « Ziem », tracé en lettres capitales ou cursives, souvent à la peinture brune, rougeâtre ou dorée, selon la tonalité dominante de la composition. La signature se situe le plus souvent dans l’angle inférieur droit, parfois intégrée discrètement aux éléments du décor, comme une barque ou une rive. Sur certaines œuvres réalisées entre 1850 et 1880, notamment ses célèbres Vues de Venise, on observe une écriture plus fine et allongée, tandis que ses œuvres tardives présentent un tracé plus appuyé et énergique. Ses dessins et aquarelles sont généralement signés à l’encre ou au crayon, toujours d’une main ferme et reconnaissable. En raison du grand nombre d’attributions et de copies circulant sur le marché, il est essentiel de faire vérifier la signature d’un Félix Ziem par un expert. Sur Estimon’Objet, nos spécialistes de la peinture du XIXᵉ siècle vous accompagnent dans l’identification, l’authentification et l’estimation de vos œuvres signées Ziem, qu’il s’agisse d’une toile, d’un dessin ou d’une aquarelle.

Expertise signature Felix Ziem
Signature Felix Ziem
Expertise gratuite Felix Ziem

En lien avec Félix Ziem

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.

Remplir le formulaire

Nom, prénom, email … Toutes les informations nécessaires pour que nos experts puissent vous recontacter rapidement suite à votre demande d’expertise d’objet.
Étape 1

Joindre vos photos

Veillez à ce que les photographies soient nettes, de bonne qualité et prises sous tous les angles afin que nos experts puissent réaliser l’estimation de votre œuvre.
Étape 2

Réponse en 48 heures

Une fois que nous avons reçu les éléments, nos commissaires priseurs réalisent l’expertise de votre bien et vous fournissent une première estimation en 48h.
Étape 3
ESTIMATION GRATUITE
Estimation gratuite Rembrandt Bugatti

Rembrandt Bugatti

by Sculpture

Home » Artiste » Page 188

Estimation et cote de l'artiste Rembrandt Bugatti

Rembrandt Bugatti est un sculpteur italien né en 1884. Il est connu pour ses sculptures animalières vivantes et expressives, ainsi que pour son destin tragique.

Estimation gratuite Rembrandt Bugatti

Vous souhaitez  expertiser une œuvre de Rembrandt Bugatti et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire. Faites estimer une œuvre de Rembrandt Bugatti en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Estimer mon oeuvre de Rembrandt Bugatti

Qui est le sculpteur Rembrandt Bugatti ?

Bugatti grandit à Milan dans un milieu baigné d’art et de création : son frère est le célèbre constructeur automobile Ettore Bugatti, son père est architecte et décorateur et son parrain n’est autre que le peintre divisionniste Giovanni Segantini. Cependant, il entretient une relation compliquée avec sa mère, ce qui le marquera durablement.

Bugatti se forme à l’Académie des Beaux-Arts de Brera. À dix-sept ans, il réalise sa première sculpture célèbre, Ritorno dal Pascolo (“Le retour du pré”), qui représente quatre vaches en file indienne. Il utilise alors principalement la plastiline, une sorte de pâte à modeler composée de cire et d’huile qui conserve très bien les formes modelées.

La famille Bugatti déménage à Paris en 1904. Le sculpteur, alors âgé de vingt ans, commence à travailler le métal. Il fait une rencontre qui change le cours de sa carrière : celle du fondeur et galeriste André-Aurélien Hébrard, qui remarque son talent et lui propose un contrat d’exclusivité. Dès lors, presque toutes les fontes de Bugatti sont réalisées par l’atelier d’Hébrard, réputé pour la finesse et l’exigence de sa production. C’est encore lui qui promeut et commercialise ses œuvres, notamment en l’incitant à exposer dans les Salons internationaux.

Estimer mon oeuvre de Rembrandt Bugatti

Rembrandt Bugatti et l'inspiration animale

Dès cette époque, le jeune Bugatti présente des signes d’instabilité psychologique.

Durant cette période parisienne, Bugatti se rend quotidiennement à la ménagerie du Jardin des Plantes pour observer les animaux, notamment les fauves et les oiseaux. Il finit par y installer son atelier. Sa production se caractérise par un travail modelé exclusivement à la main dans la plastiline, et par une absence de travail préparatoire préférant ainsi la spontanéité et la rapidité. Sa méthode demeure la même lorsqu’il déménage à Anvers en 1906 pour sculpter les animaux du zoo de la ville, alors un des plus riches d’Europe.

Le bronze Deux Vautours (vers 1913) est révélateur de la qualité d’observation de Bugatti. Le travail du plumage est virtuose et quasiment abstrait. Le naturalisme du mouvement de l’oiseau debout est saisissant, on comprend qu’il vient d’atterrir ou s’apprête à s’envoler. Aux aguets, il semble veiller sur son compagnon au repos, ce qui crée une tension.

Lorsqu’éclate la Première Guerre mondiale, les animaux considérés comme les plus dangereux du zoo sont abattus pour éviter une catastrophe si un bombardement leur permettait de s’échapper. Privé de ses modèles mais aussi de son marchand, puisque la galerie Hébrard ferme, Bugatti s’engage dans la Croix-Rouge, avant de contracter la tuberculose. Cette accumulation de catastrophes, ajoutée à l’état psychologique naturellement instable de Bugatti, le conduit à se suicider dans son atelier le 8 janvier 1916.

Son frère Ettore lui rend hommage en utilisant son Éléphant dressé (1904) comme bouchon de radiateur pour la Bugatti Royale de 1926. Par ailleurs, la maison Lallique a récemment produit une collection d’éditions en cristal d’œuvres de Bugatti, parmi lesquelles ce même Éléphant dressé.

Estimation et cote de Rembrandt Bugatti

Au cours de sa courte carrière, Bugatti a produit un nombre conséquent d’œuvres animalières dont la qualité, la finesse et l’impression de vie n’ont pas échappé aux amateurs.

Sur le marché de l’art, la cote de Rembrandt Bugatti est élevée depuis les années 1970. Les bronzes signés par l’artiste et fondus par Hébrard sont les plus prisés, en raison de la qualité de la fonte et des patines. Leur nombre est limité, car Hébrard cessa d’éditer les sculptures de Bugatti en 1934, et le nombre de tirages existants d’un même modèle joue également un rôle.

Les petits formats sont souvent adjugés entre 20 000 et 80 000 euros tandis que les formats monumentaux atteignent des centaines de milliers d’euros. Le record de vente en France de l’artiste a été établi en 2016 avec le Grand Fourmilier (1909), adjugé 1,2 million d’euros ; à l’international, le record est détenu par le Babouin sacré hamadryas (1909) qui a dépassé les 2 millions d’euros en 2015.

(Illus.)Rembrandt Bugatti –

Estimer mon oeuvre de Rembrandt Bugatti

En lien avec Rembrandt Bugatti

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.

Remplir le formulaire

Nom, prénom, email … Toutes les informations nécessaires pour que nos experts puissent vous recontacter rapidement suite à votre demande d’expertise d’objet.
Étape 1

Joindre vos photos

Veillez à ce que les photographies soient nettes, de bonne qualité et prises sous tous les angles afin que nos experts puissent réaliser l’estimation de votre œuvre.
Étape 2

Réponse en 48 heures

Une fois que nous avons reçu les éléments, nos commissaires priseurs réalisent l’expertise de votre bien et vous fournissent une première estimation en 48h.
Étape 3
ESTIMATION GRATUITE
Estimation gratuite Robert Delaunay

Robert Delaunay

by Art moderne

Home » Artiste » Page 188

Estimation et cote de l'artiste Robert Delaunay

Robert Delaunay (1885-1941) est l’une des figures majeures de l’avant-garde du XXe siècle et l’un des pionniers de l’abstraction en France. Cofondateur du mouvement orphique, il révolutionne la peinture moderne par son exploration radicale de la couleur, de la lumière et du rythme. Son œuvre, à la croisée du cubisme et de l’abstraction lyrique, occupe aujourd’hui une place centrale sur le marché de l’art moderne. La cote de Robert Delaunay est soutenue par une forte demande internationale, notamment pour ses séries emblématiques comme les Fenêtres, les Tours Eiffel ou les Formes circulaires.

Estimation gratuite Robert Delaunay

Prix des œuvres de Robert Delaunay

  • Peintures (huiles sur toile) : entre 200 000 € et plus de 6 000 000 €

  • Gouaches et œuvres sur papier : entre 20 000 € et 600 000 €

  • Dessins : entre 10 000 € et 150 000 €

  • Estampes et lithographies : entre 1 000 € et 25 000 €

Vous possédez une peinture, un dessin, une gouache ou une estampe de Robert Delaunay et souhaitez en connaître la valeur ? L’estimation d’une œuvre de Delaunay repose sur plusieurs critères essentiels : période de création, série d’appartenance, dimensions, technique, état de conservation, provenance et historique d’exposition. Grâce à Estimon’objet, bénéficiez d’une estimation gratuite, précise et confidentielle réalisée par des commissaires-priseurs spécialisés en art moderne. Notre équipe analyse le marché actuel des ventes aux enchères afin de déterminer la valeur réelle de votre œuvre de Robert Delaunay.

Estimer mon oeuvre de Robert Delaunay

Robert Delaunay, pionnier de la couleur moderne

Né à Paris en 1885, Robert Delaunay se forme de manière largement autodidacte. Très tôt, il s’intéresse aux recherches impressionnistes sur la lumière avant de s’orienter vers le néo-impressionnisme et le divisionnisme. Sa rencontre avec Sonia Terk (future Sonia Delaunay) marque un tournant décisif. Ensemble, ils développent une réflexion théorique sur la simultanéité des couleurs, inspirée par les travaux de Chevreul. Delaunay s’éloigne progressivement du cubisme analytique pour privilégier une peinture fondée sur le dynamisme chromatique. Au début des années 1910, il élabore le mouvement orphique, terme employé par Apollinaire pour qualifier cette abstraction colorée et musicale. Contrairement aux cubistes, Delaunay ne décompose pas les formes par le dessin mais par la vibration des couleurs.

Les séries emblématiques : Tours Eiffel, Fenêtres et Formes circulaires

L’œuvre de Robert Delaunay est structurée autour de séries majeures qui constituent aujourd’hui le cœur de sa cote.

Les Tours Eiffel

Symbole de modernité, la Tour Eiffel devient sous son pinceau un motif dynamique, fragmenté par la lumière. Ces œuvres, réalisées entre 1909 et 1925, figurent parmi les plus recherchées.

Les Fenêtres

Dans cette série, Delaunay explore la décomposition de la lumière à travers la transparence et la couleur pure. L’espace se dissout au profit d’une abstraction vibrante.

Les Formes circulaires

Dans les années 1930, l’artiste développe des compositions concentriques où la couleur devient énergie pure. Ces œuvres annoncent certaines recherches de l’abstraction d’après-guerre.

Estimer mon oeuvre de Robert Delaunay

Une reconnaissance internationale majeure

Robert Delaunay participe activement aux grandes expositions d’avant-garde en Europe. Il expose en Allemagne, en Suisse, en Espagne et au Portugal. Son influence dépasse largement la France et marque durablement les artistes abstraits. Ses œuvres sont aujourd’hui conservées dans les plus grandes institutions internationales : le Centre Pompidou, le MoMA à New York, la Tate Modern à Londres ou encore le Guggenheim Museum. Son rôle fondamental dans l’histoire de l’art moderne explique la solidité de sa cote sur le marché international.

Cote des oeuvres de Robert Delaunay sur le marché de l'art

La cote de Robert Delaunay est stable et soutenue par des collectionneurs privés et institutionnels. Les grandes huiles issues des séries majeures atteignent régulièrement plusieurs millions d’euros. Les œuvres sur papier, plus accessibles, rencontrent également un vif succès, notamment auprès des collectionneurs souhaitant acquérir une pièce représentative de l’orphisme. Quelques ventes marquantes de Robert Delaunay :

  • « Tour Eiffel » (vers 1926), vendue environ 3 000 000 € 

  • « Formes circulaires » (1930), adjugée plus de 4 500 000 €

  • « Fenêtres simultanées », vendue environ 2 200 000 €

  • Une gouache des années 1914 adjugée près de 850 000 €

  • Des dessins préparatoires régulièrement vendus entre 40 000 € et 120 000 €

Les estampes signées, plus accessibles, se négocient généralement entre 2 000 € et 15 000 € selon la rareté et l’état. Le marché de l’art moderne est particulièrement exigeant. Une œuvre attribuée à Robert Delaunay doit être rigoureusement analysée : signature, documentation, historique d’exposition, inclusion éventuelle dans un catalogue raisonné. Une estimation professionnelle permet : de sécuriser l’authenticité, d’obtenir une valorisation réaliste, d’optimiser une éventuelle mise en vente et de choisir la meilleure stratégie (vente aux enchères ou cession privée). Vous pensez posséder un tableau, une gouache ou un dessin de Robert Delaunay ? Déposez vos photos et informations directement sur Estimonobjet.fr. Nos experts spécialisés en art moderne vous apportent une réponse rapide, gratuite et confidentielle. En cas de valeur significative, nous vous accompagnons vers les maisons de ventes adaptées afin d’obtenir le meilleur résultat possible. Demandez dès maintenant votre estimation gratuite d’une œuvre de Robert Delaunay.

(Illus.) Robert Delaunay, Les Fenêtres simultanées sur la ville, 1912, Kunsthalle de Hambourg (Wikipédia)

Estimer mon oeuvre de Robert Delaunay

Reconnaître la signature de Robert Delaunay

Savoir reconnaître la signature de Robert Delaunay est essentiel pour authentifier une œuvre de ce pionnier de l’abstraction et fondateur de l’orphisme, dont les recherches sur la couleur ont marqué l’histoire de l’art moderne. Sur ses toiles emblématiques — telles que Formes circulaires, Fenêtres simultanées, La Tour Eiffel ou ses séries de Rythmes — Delaunay signe généralement « R. Delaunay » ou « Robert Delaunay », parfois accompagné de la date d’exécution. La signature est le plus souvent apposée au pinceau en bas de la composition, dans une écriture cursive souple et lisible, utilisant une teinte sombre qui contraste avec ses harmonies chromatiques éclatantes. Sur ses œuvres sur papier, dessins et gouaches, on retrouve également une signature manuscrite au crayon ou à l’encre. Dans un marché très actif où circulent œuvres d’atelier, copies anciennes et contrefaçons, faire vérifier la signature de Robert Delaunay par un expert qualifié demeure indispensable. Sur Estimon’Objet, nos spécialistes de l’art moderne vous accompagnent dans l’identification, l’authentification et l’estimation de vos œuvres signées ou attribuées à Robert Delaunay, qu’il s’agisse d’une toile, d’un dessin ou d’une œuvre graphique.

Expertise signature Robert Delaunay
Signature Robert Delaunay
Expertise gratuite Robert Delaunay

En lien avec Robert Delaunay

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.

Remplir le formulaire

Nom, prénom, email … Toutes les informations nécessaires pour que nos experts puissent vous recontacter rapidement suite à votre demande d’expertise d’objet.
Étape 1

Joindre vos photos

Veillez à ce que les photographies soient nettes, de bonne qualité et prises sous tous les angles afin que nos experts puissent réaliser l’estimation de votre œuvre.
Étape 2

Réponse en 48 heures

Une fois que nous avons reçu les éléments, nos commissaires priseurs réalisent l’expertise de votre bien et vous fournissent une première estimation en 48h.
Étape 3
ESTIMATION GRATUITE