Estimation gratuite Agustin Cardenas

Agustin Cardenas

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Estimation et cote de l’artiste Agustín Cárdenas

Agustín Cárdenas (1927-2001), ou Augustin Cardenas, est un sculpteur cubain de renommée internationale, réputé pour ses formes organiques et poétiques qui transcendent les courants artistiques du XXe siècle. Son travail, influencé par le surréalisme et l’art africain, explore les thèmes de la nature, de l’émotion et de la mémoire.

Estimation gratuite Agustin Cardenas

Prix des oeuvres d'Agustín Cárdenas

  • Sculptures - entre 2 500 € et 500 000 €

  • Dessins - entre 200 € et 6 500 €

  • Estampes - entre 20 € et 600 €

Vous possédez une sculpture d’Agustín Cárdenas et souhaitez en connaître la valeur ? Faites estimer votre œuvre en toute simplicité grâce à Estimon’objet. Notre équipe de véritables commissaires priseurs vous garantit une estimation précise, gratuite et confidentielle sous quelques jours.

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Agustín Cárdenas, un parcours artistique inspiré par la nature et l’Afrique

Né à Matanzas, Cuba, en 1927, Agustín Cárdenas commence sa formation artistique à l’École nationale des Beaux-Arts de San Alejandro à La Havane. Dès ses débuts, son travail reflète une synthèse unique entre les traditions cubaines et les influences universelles. En 1955, il s’installe à Paris, où il rejoint le mouvement surréaliste sous l’égide d’André Breton. Cette période marque un tournant décisif dans sa carrière, alors qu’il commence à explorer des formes abstraites inspirées par la nature et la culture africaine, en écho à ses racines caribéennes.

Agustín Cárdenas, une signature artistique unique

Les sculptures d’Agustín Cárdenas se distinguent par leurs formes fluides et organiques. Travaillant principalement le marbre, le bois et le bronze, il crée des œuvres qui semblent à la fois solides et légères, évoquant des paysages oniriques ou des figures humaines stylisées. Ses œuvres incarnent une harmonie entre le plein et le vide, le mouvement et l’équilibre. Par exemple, ses sculptures telles que « Totem » et « Femme qui marche » illustrent son talent pour transformer des matières brutes en créations d’une grande finesse.

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Une renommée mondiale pour le sculpteur Agustín Cárdenas

Agustín Cárdenas a exposé dans des musées et galeries d’exception à travers le monde, notamment au Centre Pompidou à Paris, au MoMA à New York et à la Fondation Maeght à Saint-Paul-de-Vence. Ses œuvres font partie de collections publiques et privées de grande valeur. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreuses distinctions, dont le Prix international de sculpture Henry Moore en 1995, faisant définitivement de lui un artiste majeur du XXe siècle.

Cote des oeuvres d’Agustín Cárdenas sur le marché de l’art

Les sculptures et autres oeuvres d’Agustín Cárdenas sont très prisées par les collectionneurs, en raison de leur rareté et de leur qualité exceptionnelle. Voici quelques résultats notables aux enchères :

  • « Composition » (1965), aquarelle et encre sur papier, adjugée 2 800 €
  • “Couple Antillais” (1957-1972), bronze, adjugé 388 855 €

Ces résultats témoignent de l’intérêt croissant des collectionneurs pour l’œuvre de Cárdenas, dont la côte continue de progresser.

(Illus.) Agustín Cárdenas. Les Amoureux. 1956

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Estimation gratuite Beauford Delaney

Beauford Delaney

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Estimation et cote de l’artiste Beauford Delaney

Beauford Delaney (1901-1979) est un peintre américain dont l’œuvre incarne à la fois la richesse de l’expressionnisme abstrait et l’intensité de la figuration moderniste. À travers ses portraits, paysages et abstractions lumineuses, Delaney a marqué l’histoire de l’art par sa capacité unique à capturer la lumière et l’émotion.

Estimation gratuite Beauford Delaney

Prix des oeuvres de Beauford Delaney

  • Peintures - entre 4 500 € et 940 000 €

  • Dessins ou aquarelles - entre 1 900 € et 90 000 €

Vous possédez une peinture ou un dessin de Beauford Delaney et souhaitez en connaître la valeur ? Faites estimer votre œuvre en toute simplicité grâce à Estimon’objet. Notre équipe de véritables commissaires priseurs vous garantit une estimation précise, gratuite et confidentielle sous quelques jours.

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Beauford Delaney, l’inspiration entre Knoxville et Paris

Né à Knoxville, Tennessee, Beauford Delaney montre très tôt un talent exceptionnel pour le dessin et la peinture. Encouragé par sa famille, il s’installe à Boston en 1924 pour étudier à la Massachusetts Normal School et à la Copley Society. En 1929, il déménage à New York, où il s’immerge dans l’effervescence artistique de la Renaissance de Harlem. Durant cette période, Delaney devient un portraitiste recherché, capturant des figures emblématiques telles que W.E.B. Du Bois et James Baldwin. En 1953, à la recherche de nouvelles inspirations et d’un environnement plus accueillant, il s’installe à Paris, où il passera le reste de sa vie. Cette ville, véritable muse, enrichit son art et lui permet d’évoluer vers une abstraction lumineuse.

Beauford Delaney, véritable maître de la lumière

L’un des traits les plus marquants de l’œuvre de Beauford Delaney est son usage exceptionnel de la lumière. Qu’il peigne des portraits, des scènes urbaines ou des compositions abstraites, ses toiles vibrent de couleurs éclatantes et de luminosité. Delaney considérait la lumière comme un symbole de spiritualité, d’espoir et de liberté. Ses portraits, empreints d’une grande humanité, révèlent une profonde sensibilité. À partir des années 1960, ses œuvres deviennent de plus en plus abstraites, marquées par des tourbillons de couleurs vives qui semblent s’animer sur la toile. Ces compositions traduisent à la fois la joie et la douleur de l’artiste.

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Une reconnaissance posthume pour Beauford Delaney

Malgré des expositions régulières et des soutiens prestigieux, Beauford Delaney a souvent lutté pour obtenir la reconnaissance qu’il méritait de son vivant. Ce n’est qu’après sa mort que son importance dans l’histoire de l’art moderne a été pleinement reconnue. Aujourd’hui, ses œuvres figurent dans des collections majeures, notamment celles du Museum of Modern Art (MoMA) et du Whitney Museum à New York, ainsi que du Centre Pompidou à Paris. Le travail de Delaney est régulièrement réévalué, et les expositions rétrospectives organisées ces dernières décennies ont contribué à renforcer sa place parmi les grands maîtres du XXe siècle.

Cote des oeuvres de Beauford Delaney sur le marché de l’art

Les œuvres de Beauford Delaney sont de plus en plus recherchées par les collectionneurs internationaux, en particulier ses compositions abstraites et ses portraits. Voici quelques résultats marquants aux enchères :

  • Une huile sur toile “sans-titre” (circa 1960), adjugée 100 000 €
  • Une gouache “sans titre” (1960), adjugée 41 216 €
  • “Composition” (1961), huile sur toile, adjugée 371 120 €

Ces records témoignent de la montée en puissance de la cote de Beauford Delaney sur le marché de l’art.

(Illus.) Beauford Delaney. Can Fire in the Park. 1946 (Smithsonian American Art Museum)

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Reconnaître la signature de Beauford Delaney

Savoir reconnaître la signature de Beauford Delaney est essentiel pour authentifier une œuvre de ce peintre américain majeur de la scène moderniste, proche de James Baldwin et installé à Paris à partir des années 1950. Beauford Delaney signe la majorité de ses toiles et dessins de son nom complet « Beauford Delaney », en lettres manuscrites légèrement inclinées, souvent placées dans un angle inférieur de la composition, généralement en bas à droite. Dans ses périodes figurative et abstraite, la signature est discrète mais toujours lisible, exécutée à la peinture sombre sur un fond clair ou inversement, selon la dominante chromatique de l’œuvre. Sur des toiles emblématiques comme Self-Portrait (1944) ou Abstraction jaune (1958), la signature apparaît intégrée à la matière picturale, sans rompre l’harmonie colorée de la surface. Sur les dessins et aquarelles, Delaney appose souvent une signature au crayon graphite ou à l’encre, parfois accompagnée de la date d’exécution. Face à la rareté croissante des œuvres authentiques de l’artiste et à la présence de faux sur le marché, faire vérifier la signature d’un Beauford Delaney par un expert reste indispensable. Sur Estimon’Objet, nos spécialistes de l’art moderne et de l’école de Paris vous accompagnent dans l’identification, l’authentification et l’estimation de vos œuvres signées Beauford Delaney — qu’il s’agisse d’une huile sur toile, d’un dessin ou d’une œuvre sur papier.

Expertise signature Beauford Delaney
Signature Beauford Delaney
Expertise gratuite Beauford Delaney

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Estimation gratuite Bernard Frize

Bernard Frize

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Estimation et cote de l'artiste Bernard Frize

Bernard Frize (1949-) est un peintre contemporain français dont l’œuvre allie rigueur conceptuelle et exploration esthétique. Maître de l’abstraction, Frize crée des peintures vibrantes qui interrogent la matérialité de la peinture et les processus créatifs.

Estimation gratuite Bernard Frize

Prix des œuvres de Bernard Frize

  • Peintures - entre 2 000 € et 200 000 €

  • Dessins - entre 600 € et 2 000 €

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Bernard Frize, une démarche artistique singulière

Né en 194 à Saint-Mandé, Bernard Frize poursuit des études artistiques à Montpellier avant de se consacrer pleinement à la peinture. Dès les années 1970, il se fait remarquer pour son approche expérimentale, où la méthode prime autant que le résultat visuel. Ses œuvres, souvent réalisées en série, traduisent une volonté de dépouillement et de recherche sur la technique picturale. Frize refuse de s’attacher à un style unique. Il joue avec les textures, les couleurs et les outils, laissant parfois le hasard ou des processus mécaniques guider ses créations. Cette approche lui permet de renouveler constamment son langage plastique tout en restant fidèle à ses questionnements conceptuels.

Bernard Frize, entre couleur et mouvement

L’un des éléments centraux de l’œuvre de Bernard Frize est son utilisation de la couleur. Dans ses toiles, les teintes se superposent et se croisent en des motifs répétitifs ou des aplats fluides, créant des compositions dynamiques. Le mouvement de la peinture elle-même devient un sujet, capturant l’instant du geste de l’artiste. Frize explore également la matérialité de la peinture. Il utilise des outils variés et des techniques innovantes, comme l’application de peintures industrielles ou l’emploi de résines synthétiques, pour repousser les limites du médium. Ses œuvres invitent le spectateur à interroger la relation entre l’artiste, le processus et l’objet final.

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Une renommée mondiale pour le peintre Bernard Frize

Depuis les années 1980, Bernard Frize a acquis une reconnaissance internationale. Ses œuvres sont à retrouver dans des musées et galeries d’exception à travers le monde (le Centre Pompidou à Paris, le MoMA à New York et le Tate Modern à Londres pour n’en citer que quelques-uns). Frize a également reçu de nombreux prix, notamment le Prix Marcel Duchamp en 2019, qui récompense les artistes contemporains pour leur contribution exceptionnelle à la scène artistique française.

Cote des oeuvres de Bernard Frize sur le marché de l’art

La cote des œuvres de Bernard Frize ne cesse de croître sur le marché de l’art : les collectionneurs apprécient ses créations pour leur esthétique séduisante mêlée à une réflexion intellectuelle profonde. Cela se traduit par des ventes telles que : 

  • Suite Segond 15 N°1, alkyde sur toile, adjugée pour 40 000 euros
  • Suite Segond, acrylique, résine et technique mixte sur toile, adjugée pour 50 000 euros
  • Quartz, adjugée 54 300 euros

(Illus.) Bernard Frize. Woogi. 2018

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Estimation gratuite Asger Jorn

Asger Jorn

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Estimation et cote de l'artiste Asger Jorn

Asger Jorn (1914-1973) est un peintre, sculpteur et écrivain danois, figure majeure du mouvement CoBrA et de l’avant-garde européenne d’après-guerre. Connu pour son style expressif et expérimental, il a marqué l’histoire de l’art moderne par ses œuvres puissantes et ses réflexions sur la société.

Estimation gratuite Asger Jorn

Prix des oeuvres d'Asger Jorn

  • Peintures - entre 1 500 € et 1 000 000 €

  • Dessins et œuvres sur papier : entre 1 000 € et 40 000 €

  • Estampes et lithographies : entre 300 € et 15 000 €

  • Sculptures et céramiques : entre 3 000 € et 60 000 €

Vous possédez une peinture, un dessin, une estampe ou une sculpture d’Asger Jorn et souhaitez en connaître la valeur ? Faites estimer votre œuvre simplement grâce à Estimon’objet, site de référence de l’expertise en ligne. Nos commissaires-priseurs et experts spécialisés vous garantissent une estimation fiable, gratuite et confidentielle, fondée sur l’analyse du marché, de la provenance, de l’état et de la période de création de l’œuvre.

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Asger Jorn, un parcours artistique hors normes

Né en 1914 à Vejrum, au Danemark, Asger Jorn se forme très tôt à l’art avant d’intégrer l’Académie royale des Beaux-Arts de Copenhague. Rapidement insatisfait de l’enseignement académique, il s’installe à Paris où il suit l’enseignement de Fernand Léger. Cette période est déterminante : Jorn y découvre les avant-gardes, le surréalisme, l’art abstrait et les théories marxistes, qui nourriront durablement sa réflexion artistique. Après la Seconde Guerre mondiale, profondément marqué par les bouleversements politiques et sociaux de l’Europe, Asger Jorn cofonde en 1948 le mouvement CoBrA (Copenhague, Bruxelles, Amsterdam) aux côtés de Karel Appel, Constant Nieuwenhuys et Pierre Alechinsky. Ce collectif prône un art spontané, libéré des conventions esthétiques, inspiré par l’art enfantin, l’art populaire et les formes primitives.

Une œuvre libre, expressive et profondément engagée

L’œuvre d’Asger Jorn se caractérise par :

  • Une peinture gestuelle et instinctive, aux empâtements puissants

  • Des couleurs vives et contrastées, souvent appliquées de manière brute

  • Une tension constante entre abstraction et figuration

  • Un rejet de l’académisme et du formalisme strict

Parmi ses séries les plus emblématiques figurent les « Modifications », œuvres dans lesquelles Jorn retravaille des tableaux anciens ou anonymes trouvés sur les marchés aux puces, les transformant par des ajouts picturaux audacieux. Ces œuvres, à la fois ironiques et subversives, sont aujourd’hui très prisées des collectionneurs. En parallèle de sa pratique picturale, Jorn développe une œuvre théorique dense. Auteur de nombreux essais, il s’oppose à l’art purement conceptuel et défend une création ancrée dans la vie, la société et l’émotion humaine.

Estimation gratuite Asger Jorn

Une reconnaissance institutionnelle internationale

Asger Jorn bénéficie de son vivant d’une reconnaissance internationale exceptionnelle. Il expose dans les plus grandes institutions, notamment au Centre Pompidou à Paris, au MoMA à New York, au Statens Museum for Kunst à Copenhague et à la Tate Gallery. En 1964, il reçoit le Grand Prix de peinture de la Biennale de Venise, consacrant son rôle majeur dans l’art moderne européen. Aujourd’hui encore, son œuvre fait l’objet de rétrospectives majeures et figure dans les collections publiques et privées les plus prestigieuses, confirmant la solidité et la pérennité de sa cote.

Cote des oeuvres d’Asger Jorn sur le marché de l’art

La cote d’Asger Jorn demeure soutenue et stable, portée par une demande internationale constante, notamment pour ses peintures des années 1950-1960. Les collectionneurs privilégient les œuvres emblématiques du mouvement CoBrA et les compositions puissantes à forte charge expressive. Quelques ventes marquantes d’Asger Jorn :

  • « Lettre à Georges » (1962), huile sur toile, vendue 1 045 000 € 

  • « Sans titre (Composition) », années 1950, adjugée 780 000 € 

  • Œuvre de la série des Modifications, vendue 420 000 €

  • Dessins et encres régulièrement adjugés entre 15 000 € et 35 000 €

  • Lithographies signées, comprises entre 3 000 € et 10 000 €

Vous pensez posséder une œuvre d’Asger Jorn ou d’un artiste du mouvement CoBrA ? Estimon’objet vous accompagne à chaque étape de l’expertise : analyse stylistique, authenticité, estimation de la valeur et orientation vers la vente aux enchères si nécessaire. Confiez votre œuvre à une équipe de professionnels reconnus et bénéficiez d’une expertise en ligne rapide, fiable et gratuite. Demandez dès maintenant l’estimation de votre œuvre d’Asger Jorn sur Estimonobjet.fr

(Illus.) Asger Jorn. Composition, 1967

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Reconnaître la signature d'Asger Jorn

Savoir reconnaître la signature d’Asger Jorn est un élément clé pour authentifier une œuvre de cet artiste majeur de l’art moderne et cofondateur du mouvement CoBrA. La signature d’Asger Jorn se caractérise par une grande liberté formelle, à l’image de sa peinture gestuelle et instinctive. Il signe le plus souvent « Asger Jorn », parfois simplement « Jorn », d’une écriture cursive, nerveuse et légèrement inclinée, tracée à la peinture, au crayon ou au feutre selon le support. Sur les huiles sur toile et panneaux, la signature est généralement apposée en bas de la composition, à droite ou à gauche, parfois intégrée à la matière picturale elle-même. Sur les œuvres sur papier, lithographies ou gravures, elle peut apparaître plus sobre, accompagnée d’une date, notamment dans les productions des années 1950 à 1970. Certaines œuvres tardives présentent une signature partiellement effacée ou fragmentée, volontairement noyée dans la texture, ce qui complique l’identification. En raison de la forte valeur des œuvres d’Asger Jorn sur le marché international et de l’existence de copies ou d’attributions erronées, l’examen expert de la signature reste indispensable. Sur Estimon’Objet, nos spécialistes vous accompagnent dans l’analyse, l’authentification et l’estimation des œuvres signées Asger Jorn, en s’appuyant sur des comparaisons avec des œuvres de référence passées en collections publiques et en ventes aux enchères.

Signature Asger Jorn
Expertise signature Asger Jorn
Expertise gratuite Asger Jorn

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Estimation gratuite Auguste Ravier

Auguste Ravier

by Tableaux Anciens

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Estimation et cote de l'artiste Auguste Ravier

Auguste Ravier (1814-1895), de son nom complet François-Auguste Ravier, est un peintre paysagiste français, connu pour ses scènes lumineuses et atmosphériques, caractéristiques de l’école de Barbizon et des prémices de l’impressionnisme. Sa maîtrise du clair-obscur et des nuances subtiles en fait une figure incontournable de l’art du XIXe siècle.

Estimation gratuite Auguste Ravier

Prix des œuvres d'Auguste Ravier

  • Peintures - entre 150 € et 11 000 €

  • Dessins ou aquarelles - entre 60 € et 5 700 €

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Les débuts artistiques d’Auguste Ravier, peintre de paysages

Né à Lyon en 1814, Auguste Ravier s’oriente d’abord vers des études de droit avant de se consacrer entièrement à la peinture. Inspiré par les maîtres hollandais comme Rembrandt et les paysages de Corot, il développe un style empreint de poésie et de sérénité. Ravier s’installe à Morestel, en Isère, où il trouve une source inépuisable d’inspiration. Ses œuvres, souvent réalisées sur le motif, captent les variations subtiles de la lumière sur les paysages, qu’il sublime par une palette chaude et vibrante. Ses nombreux voyages, notamment en Italie, influencent également sa perception des couleurs et des compositions.

Auguste Ravier, une œuvre poétique et lumineuse

Les peintures de paysages d’Auguste Ravier se distinguent par leur finesse et leur intensité. Il privilégie les scènes de campagne, les couchers de soleil et les vues vallonnées. Sa technique, qui mêle transparence et texture, révèle une profonde sensibilité à la nature. Ravier travaille principalement à l’aquarelle et à l’huile, utilisant des couches successives pour créer des effets de profondeur. Ses œuvres témoignent d’un équilibre harmonieux entre réalisme et émotion, préfigurant certains aspects de l’impressionnisme.

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Une oeuvre à la reconnaissance internationale

Bien qu’il ait été moins médiatisé que ses contemporains, Auguste Ravier jouissait d’une grande estime auprès de ses pairs et des collectionneurs. Ses œuvres sont aujourd’hui conservées dans des musées prestigieux, tels que le Musée des Beaux-Arts de Lyon et le Musée d’Orsay à Paris. Son atelier à Morestel est devenu un lieu de mémoire dédié à son art, attirant les amateurs et les historiens qui souhaitent mieux comprendre son processus créatif.

Cote des oeuvres d’Auguste Ravier sur le marché de l’art

Depuis des décennies, l’engouement autour des créations d’Auguste Ravier ne cesse de croître : les œuvres de cet artiste peintre, en particulier ses aquarelles et ses huiles sur toile, sont recherchées pour leur délicatesse et leur atmosphère unique. Voici quelques exemples : 

  • Ciel flamboyant se reflétant dans l’eau, huile sur toile (circa 1868), adjugée 7 000 €
  • Le Tibre à Aqua Acetosa, aquarelle (1842), adjugée 5 700 €

(Illus.) Auguste Ravier. Bord d’étang. Non daté

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Estimation gratuite Arnaldo Pomodoro

Arnaldo Pomodoro

by Sculpture

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Estimation et cote de l'artiste Arnaldo Pomodoro

Arnaldo Pomodoro (1926-) est un sculpteur contemporain italien, célèbre pour ses sculptures monumentales en bronze et ses formes géométriques fascinantes. Considéré comme l’un des plus grands sculpteurs du XXe siècle, il a marqué l’histoire de l’art par son exploration des textures, des espaces et des volumes.

Estimation gratuite Arnaldo Pomodoro

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Arnaldo Pomodoro : un parcours artistique marquant

Né en 1926 à Morciano di Romagna, en Italie, Arnaldo Pomodoro débute sa carrière comme orfèvre avant de se tourner vers la sculpture dans les années 1950. Il s’installe à Milan, où il côtoie des artistes et intellectuels qui influencent son travail. Rapidement, Pomodoro se distingue par son utilisation innovante du bronze dans ses sculptures, un matériau qu’il transforme pour explorer des thèmes liés à la modernité, à l’érosion et au temps. Ses premières expositions attirent l’attention des critiques, et il gagne une reconnaissance internationale grâce à ses formes géométriques complexes, souvent érodées ou fissurées, qui évoquent des états de transition et de décomposition.

La signature artistique unique d’Arnaldo Pomodoro

Les sculptures d’Arnaldo Pomodoro se caractérisent par leurs formes sphériques, cylindriques ou cubiques, souvent percées, fragmentées et gravées de motifs complexes. Ces fissures révèlent des structures internes, symbolisant la tension entre l’apparence et la réalité. Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent les sphères monumentales, telles que « Sfera con Sfera », présentes dans des lieux emblématiques comme le Vatican, les Nations Unies à New York et l’Université de Berkeley. Pomodoro explore également la relation entre l’art et l’architecture, créant des sculptures monumentales qui dialoguent avec leur environnement. Son travail transcende les frontières de la sculpture traditionnelle, intégrant des réflexions sur la mécanique, l’érosion et l’histoire.

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Arnaldo Pomodoro et son influence à l’international

MoMA à New York, Fondation Pomodoro à Milan, Centre Pompidou à Paris… Arnaldo Pomodoro est représenté dans les musées et galeries les plus prestigieux du monde. Il a reçu de nombreuses distinctions, dont le prix International de Sculpture de la Biennale de Venise en 1964, consacrant son statut d’artiste de renom. Son influence va au-delà du domaine artistique, avec des collaborations dans le théâtre et l’opéra, où il a conçu des décors et des scénographies. Ces contributions soulignent la polyvalence et l’ingéniosité de son approche créative.

Cote de Arnaldo Pomodoro sur le marché de l’art

La côte d’Arnaldo ne cesse de croître sur le marché de l’art, notamment grâce à son impact durable sur l’art contemporain. Ses sculptures sont très prisées par les collectionneurs, en particulier ses sphères monumentales et ses œuvres en bronze.

(Illus.) Arnaldo Pomodoro. Sfera con Sfera. années 60

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Estimation gratuite Aleksandr Rubcov

Aleksandr Rubcov

by Art moderne

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Estimation et cote de l'artiste Aleksandr Rubcov

Aleksandr Rubcov (1884-1949), ou Alexandre Roubtzoff, est un artiste russe emblématique, reconnu pour ses paysages vibrants et ses scènes architecturales saisissantes. Formé au croisement de la tradition russe et des influences orientales, Rubcov a créé une œuvre qui se distingue par une esthétique unique et un profond attachement à la nature et à la culture de son époque.

Estimation gratuite Aleksandr Rubcov

Vous possédez une peinture, un dessin ou une gravure d’Aleksandr Rubcov et souhaitez en connaître la valeur ? Faites estimer votre œuvre en toute simplicité grâce à Estimon’objet. Notre équipe de véritables commissaires priseurs vous garantit une estimation précise, gratuite et confidentielle sous quelques jours.

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Aleksandr Rubcov, une vie entre Orient et Russie

Aleksandr Rubcov naît en 1884 à Saint-Pétersbourg, alors capitale de l’Empire russe. Très tôt, il se découvre une passion (et un talent) pour le dessin et la peinture, ce qui lui permet d’intégrer l’Académie Impériale des Beaux-Arts. Après ses études, il voyage en Asie centrale, notamment en Ouzbékistan, où il est fasciné par les paysages et les traditions locales. Ces voyages marqueront durablement son art. Rubcov s’installe à Tachkent dans les années 1920, où il devient un acteur central de la scène artistique locale. Il mêle les influences russes classiques à l’esthétique orientale, produisant des œuvres d’une grande richesse visuelle. Rubcov consacre également une partie de sa vie à l’enseignement, formant une nouvelle génération d’artistes d’Asie centrale, tout en continuant à peindre et à exposer à Moscou et à Saint-Pétersbourg.

L’art de Rubcov : une harmonie entre nature et architecture

Les peintures d’Aleksandr Rubcov se distinguent par leur approche à la fois réaliste et poétique. Ses thèmes de prédilection incluent :

  • Les paysages orientaux : Inspiré par les steppes, les montagnes et les villages d’Asie centrale, Rubcov capture la beauté brute et intemporelle de ces régions.
  • L’architecture traditionnelle : Les détails ornementaux des mosquées, des madrasas et des maisons locales sont souvent au centre de ses compositions, témoignant de son admiration pour l’artisanat et le patrimoine culturel.
  • La lumière et les couleurs : Rubcov excelle dans l’usage de palettes riches et subtiles, jouant avec les nuances pour transmettre une atmosphère chaleureuse et vibrante.

Son style, bien qu’ancré dans la tradition réaliste russe, est marqué par une sensibilité unique aux motifs orientaux, ce qui confère à ses œuvres une dimension universelle.

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Alexandre Roubtzoff et son héritage artistique

En tant qu’artiste et enseignant, Aleksandr Rubcov a joué un rôle essentiel dans la reconnaissance de l’art d’Asie centrale au sein de la Russie et au-delà. Ses œuvres, souvent créées dans un contexte de bouleversements politiques, témoignent d’une période charnière où la culture traditionnelle rencontrait la modernité. Rubcov a su capter les transformations de son époque tout en préservant une profonde connexion avec la nature et le passé. Cette dualité confère à ses œuvres une valeur intemporelle qui continue de captiver les collectionneurs et les amateurs d’art.

Cote des oeuvres d’Aleksandr Rubcov sur le marché de l’art

La cote d’Aleksandr Rubcov a connu une augmentation significative ces dernières années, en particulier pour ses paysages et ses scènes architecturales. Les œuvres de Rubcov se vendent généralement entre 20 000 et 150 000 euros selon leur taille et leur complexité. Les dessins et esquisses, plus accessibles, se situent entre 5 000 et 15 000 euros.

(Illus.) Alexandre Roubtzoff. Marsa, Tunisie. 1922

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Albert Marie Lebourg

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Estimation et cote de l'artiste Albert Marie Lebourg

Albert Marie Lebourg (1849-1928) est un peintre impressionniste français reconnu pour ses œuvres de paysages et ses représentations poétiques des jeux de lumière. Figure majeure de l’école impressionniste, il s’inscrit dans la lignée de Monet et Sisley, tout en conservant une vision unique et profondément personnelle.

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Albert Marie Lebourg : naissance d’un fauve libre

Albert Marie Lebourg naît en 1849 à Montfort-sur-Risle, en Normandie, une région connue pour ses paysages bucoliques et ses rivières sinueuses. Dès son plus jeune âge, il manifeste une sensibilité pour la nature et le dessin. Après des études initiales d’architecture à Rouen, il s’oriente vers la peinture, encouragé par le peintre Gustave Morin. Ses débuts artistiques sont marqués par des influences classiques et académiques, mais un tournant majeur se produit lorsqu’il rencontre des peintres impressionnistes. Fasciné par leur approche novatrice de la lumière et de la couleur, Lebourg adopte progressivement une palette plus claire et une touche plus libre.

Une carrière entre Normandie et paysages d’ailleurs pour Lebourg

Après un bref séjour en Algérie de 1872 à 1877, où il travaille comme professeur de dessin à l’École des Beaux-Arts d’Alger, Lebourg revient en France avec un regard transformé. Ses années en Afrique du Nord lui offrent une nouvelle compréhension de la lumière et de ses variations, qui imprégneront durablement son œuvre. De retour en Normandie, il s’installe à Rouen, où il peint les rives de la Seine, les ports et les paysages environnants. Ses œuvres captent avec finesse les atmosphères changeantes, des brumes matinales aux couchers de soleil flamboyants. Lebourg s’attache également à représenter les scènes de la vie quotidienne, souvent liées aux activités portuaires.

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Albert Marie Lebourg : un impressionniste à part entière

Albert Lebourg s’impose rapidement comme l’un des principaux représentants de l’impressionnisme. Ses paysages se distinguent par une approche subtile des variations climatiques et atmosphériques, qu’il exprime à travers des touches vibrantes et des compositions équilibrées. Sa maîtrise de la lumière, qu’elle soit diffuse ou éclatante, confère à ses tableaux une atmosphère empreinte de sérénité. Lebourg expose régulièrement aux Salons des artistes français et des Indépendants, ainsi qu’aux expositions impressionnistes. Bien que moins médiatisé que Monet ou Renoir, il bénéficie de l’admiration de ses contemporains pour son travail délicat et sincère.

À partir des années 1890, Lebourg atteint l’apogée de sa carrière. Il participe à des expositions internationales, notamment à Bruxelles et à Londres, et ses œuvres commencent à être acquises par des collectionneurs étrangers. En 1903, il est fait chevalier de la Légion d’honneur, reconnaissance officielle de son talent.Les dernières années de sa vie sont marquées par des problèmes de santé qui limitent sa production. Il s’éteint en 1928 à Rouen, laissant derrière lui une œuvre prolifique et profondément ancrée dans l’héritage impressionniste.

Cote de Albert Marie Lebourg sur le marché de l’art

Les tableaux d’Albert Lebourg sont très recherchés sur le marché de l’art, en particulier ses paysages de la Seine, de Rouen et ses vues maritimes. Les prix varient en fonction de la taille, du sujet et de la qualité de l’œuvre :

  • Peintures à l’huile : entre 10 000 et 150 000 euros pour les œuvres majeures.
  • Dessins et aquarelles : entre 2 000 et 15 000 euros.
  • Œuvres sur papier : entre 1 000 et 5 000 euros, idéales pour les collectionneurs débutants.

(Illus.) Albert Marie Lebourg. Le pont de Chatou, arc-en-ciel après l’orage. 1887

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Albrecht Dürer

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Estimation et cote de l'artiste Albrecht Dürer

Albrecht Dürer (1471-1528) est l’un des artistes les plus influents de la Renaissance européenne. Graveur, peintre et théoricien, il incarne l’humanisme de son époque en combinant une maîtrise technique exceptionnelle avec une profondeur intellectuelle rare.

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Albrecht Dürer, un maître de la Renaissance

Albrecht Dürer naît le 21 mai 1471 à Nuremberg, une ville florissante du Saint-Empire romain germanique. Issu d’une famille de joailliers, il apprend dès son plus jeune âge la précision du dessin et le travail manuel. À 15 ans, il devient apprenti dans l’atelier de Michael Wolgemut, célèbre pour ses gravures et illustrations de livres. Ses premières années d’apprentissage sont marquées par une immersion dans l’art de la gravure sur bois et sur cuivre, techniques qui deviendront plus tard ses spécialités. Curieux et ambitieux, Dürer voyage à travers l’Europe, notamment en Italie, où il découvre l’art de la Renaissance et l’héritage de maîtres comme Andrea Mantegna et Giovanni Bellini. Ces influences marquent profondément son style, qui conjugue rigueur germanique et sensibilité italienne.

Un artiste visionnaire entre peinture et gravure

Dürer excelle à la fois dans la peinture et la gravure, mais c’est cette dernière discipline qui le rendra célèbre. Ses estampes, comme la série de l’Apocalypse (1498), témoignent d’un talent inégalé pour le détail et la composition. Il utilise les techniques de la gravure pour produire des œuvres d’une précision quasi scientifique, explorant des thèmes religieux, mythologiques et humanistes. En peinture, Dürer s’illustre par des portraits et des autoportraits qui capturent l’âme de leurs sujets. L’Autoportrait de 1500, où il se représente avec une pose christique, est emblématique de son ambition artistique et de sa quête spirituelle. Ses œuvres religieuses, comme l’Adoration des Mages ou les Quatre Apôtres, démontrent une maîtrise exceptionnelle de la couleur et de la lumière.

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Albrecht Dürer, un théoricien de l’art et de la perspective

Albrecht Dürer ne se contente pas de produire des œuvres d’art : il cherche aussi à transmettre ses connaissances. Il est l’un des premiers artistes européens à théoriser sur la perspective et les proportions humaines, influencé par les découvertes scientifiques de son époque. Ses traités, tels que le Manuel de géométrie pratique (1525) et les Quatre Livres des proportions humaines (1528), montrent son désir d’élever la pratique artistique au rang de science. Ces ouvrages, largement diffusés, font de Dürer une figure essentielle de la Renaissance, contribuant à sa renommée bien au-delà des frontières du Saint-Empire. En conséquence, l’influence de Dürer sur l’art européen est immense. Ses gravures et peintures sont non seulement des chefs-d’œuvre techniques, mais aussi des témoignages d’une époque en mutation, marquée par l’émergence de l’humanisme et les débuts de la Réforme protestante.

Cote des oeuvres d'Albrecht Dürer sur le marché de l’art

Ses œuvres continuent d’inspirer artistes et collectionneurs du monde entier. Aujourd’hui, les gravures originales de Dürer figurent parmi les pièces les plus prisées sur le marché de l’art, tandis que ses peintures ornent les murs des musées les plus prestigieux, tels que le Louvre, la National Gallery de Londres ou le Kunsthistorisches Museum de Vienne.

Les œuvres d’Albrecht Dürer sont très recherchées, notamment ses gravures sur bois et sur cuivre. Les prix varient en fonction de la rareté, de l’état de conservation et de l’importance historique de l’œuvre :

  • Gravures sur cuivre (eaux-fortes et burins) : entre 20 000 et 500 000 euros, selon la rareté et le tirage.
  • Gravures sur bois : entre 5 000 et 100 000 euros, souvent plus accessibles pour les collectionneurs débutants.
  • Dessins et études préparatoires : entre 50 000 et 1 000 000 euros, en raison de leur rareté exceptionnelle.

Peintures : rares sur le marché, elles atteignent des prix multimillionnaires lorsqu’elles apparaissent en vente.

(Illus.) Albrecht Dürer. Autoportrait aux gants. 1498

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Estimation gratuite Anna-Eva Bergman

Anna-Eva Bergman

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Estimation et cote de l'artiste Anna-Eva Bergman

Anna-Eva Bergman (1909-1987) est une artiste franco-norvégienne majeure de la peinture abstraite d’après-guerre. Ses montagnes, fjords, horizons et astres se reconnaissent à leurs formes épurées et à l’emploi de feuilles d’or, d’argent ou de cuivre. Longtemps restée discrète sur le marché français, elle bénéficie aujourd’hui d’une importante reconnaissance internationale. Certaines de ses peintures dépassent désormais plusieurs centaines de milliers d’euros !

Vous possédez une peinture, une œuvre sur papier ou une estampe d’Anna-Eva Bergman ? Faites appel à Estimon’Objet pour obtenir une estimation confidentielle réalisée par nos experts en art et nos commissaires-priseurs.

Estimation gratuite Anna-Eva Bergman

Prix des œuvres d’Anna-Eva Bergman

  • Peintures sur toile ou panneau avec feuille de métal : de 5 000 € à plus de 570 000 €

  • Gouaches, temperas et techniques mixtes sur papier : de 1 000 € à plus de 100 000 €

  • - Eaux-fortes, aquatintes, bois gravés et autres estampes : de 200 € à plus de 3 000 €

L’estimation d’une œuvre d’Anna-Eva Bergman commence par l’identification de son support et de sa technique. L’expert examine notamment la présence de feuille d’or, d’argent ou de cuivre, les effets de matière, la construction géométrique de la composition, la signature, la date et les inscriptions portées au revers. Les œuvres des années 1950 et 1960, période durant laquelle l’artiste développe pleinement son vocabulaire abstrait, comptent généralement parmi les plus recherchées.

La provenance, l’historique des expositions, les documents d’acquisition et la concordance avec les archives connues sont également déterminants. Estimon’Objet vous accompagne dans l’expertise et l’estimation de votre tableau, dessin ou estampe d’Anna-Eva Bergman, en tenant compte des résultats récents et de l’évolution du marché international.

Estimer un tableau signé Anna-Eva Bergman

Quelle est la cote d’Anna-Eva Bergman ?

La cote d’Anna-Eva Bergman a fortement progressé au cours des dernières années. Ses grandes peintures des années 1950 et 1960, souvent réalisées avec de la feuille d’or ou d’argent, sont les plus recherchées. Leur valeur peut dépasser 500 000 €, tandis que les œuvres sur papier et les estampes permettent d’aborder son travail à des prix plus accessibles. La période, le format, la technique, la provenance et l’état de la surface métallique expliquent les écarts importants observés sur le marché.

La cote des peintures sur toile ou panneau d’Anna-Eva Bergman

Les peintures d’Anna-Eva Bergman constituent la catégorie la plus recherchée. Leur prix commence autour de 5 000 € à 10 000 € pour certaines œuvres de petit format, mais peut dépasser 100 000 € pour une composition importante des années 1950 ou 1960. Les grands formats recouverts de feuilles métalliques et les motifs emblématiques de l’artiste atteignent les montants les plus élevés.

Voici quelques résultats de vente d’Anna-Eva Bergman :

  • N° 1-1964, Urbanisme (1964) : cette peinture vinylique et feuille de métal sur toile a été adjugée en avril 2026 à Paris pour 571 500 €, un record pour l’artiste.
  • N° 8-1955, 4 formes (1954) : cette composition à la tempera et feuille de métal a été vendue en décembre 2023 à Paris pour 328 000 €.
  • N° 9-1954, Petit Univers rouge (1954) : cette œuvre a été adjugée en mars 2022 à Paris pour 170 560 €.
Estimation gratuite Anna-Eva Bergman

La cote des œuvres sur papier d’Anna-Eva Bergman

Les œuvres sur papier d’Anna-Eva Bergman présentent une cote plus accessible, généralement comprise entre 1 000 € et 15 000 €. Les compositions de grand format, datées et enrichies de feuilles d’or ou d’argent peuvent toutefois dépasser plusieurs dizaines de milliers d’euros. Le marché distingue clairement les études rapides des œuvres sur papier pleinement abouties.

Voici quelques résultats de vente d’œuvres sur papier :

  • Deux caps, N° 22-1972 (1972) : cette composition à l’acrylique et feuille de métal sur papier a été adjugée en juin 2017 à Cologne pour 5 160 €.
  • Petit fjord, N° 23-1972 (1972) : cette œuvre sur papier a été vendue en juin 2017 à Cologne pour 5 160 €.
  • Montagne sur fond noir, N° 29-1969 (1969) : cette composition consacrée à l’un des motifs favoris de l’artiste a atteint 6 450 € en juin 2017 à Cologne.

La cote des portraits, natures mortes et œuvres sur papier d’Achille Zo

Les estampes d’Anna-Eva Bergman se négocient le plus souvent entre 200 € et 1 500 €, même si certaines épreuves rares peuvent dépasser 3 000 €. Le prix dépend de la technique, du tirage, du numéro d’épreuve, de la présence de la signature et de l’état du papier. Les eaux-fortes et aquatintes des années 1950 figurent parmi les plus appréciées.

Voici quelques résultats de vente d’estampes :

  • Plante, G28 (1958) : cette estampe a été adjugée en juin 2021 à Paris pour 975 €.
  • Barque, G32 (1958) : cette épreuve a été vendue en juin 2021 à Paris pour 780 €.
  • Tête, G15 (1954) : cette estampe a atteint 650 € en juin 2021 à Paris.
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Comment reconnaître une œuvre d’Anna-Eva Bergman ?

Les œuvres d’Anna-Eva Bergman représentent rarement un paysage de manière réaliste. L’artiste simplifie les montagnes, les pierres, les fjords, les barques, les horizons et les astres jusqu’à obtenir des formes immédiatement lisibles. Une montagne peut devenir un simple triangle sombre, tandis qu’une lune se résume à un disque d’or ou d’argent posé sur un fond bleu, noir ou rouge.

L’autre indice essentiel est l’emploi de feuilles métalliques. Anna-Eva Bergman applique de fines feuilles d’or, d’argent ou de cuivre sur des couches de tempera, de peinture vinylique ou d’acrylique. Ces surfaces ne produisent pas le même effet selon la lumière : elles peuvent paraître très brillantes, puis presque mates lorsque l’angle de vue change. L’artiste laisse aussi apparaître de légers plis et raccords entre les feuilles, qui donnent du relief à la surface sans former une couche épaisse de peinture.

Reconnaître la signature d'Anna-Eva Bergman

Anna-Eva Bergman signe certaines œuvres avec son nom de famille, sous la forme « BERGMAN », parfois suivi de l’année de création. Elle utilise également les initiales « AEB ». La signature peut se trouver dans un angle inférieur de la composition, mais de nombreuses informations sont inscrites au revers de la toile, du panneau ou du papier.

Il faut aussi examiner le système de numérotation de l’artiste. De nombreuses œuvres portent un numéro associé à une année, comme « N° 1-1964 » ou « N° 22-1972 ». Cette indication peut aider à retrouver une œuvre dans les archives, mais une inscription ou une signature ne suffit jamais à confirmer seule son authenticité. Les experts vérifient également le support, la technique, la provenance et la cohérence de l’ensemble.

Signature Anna-Eva Bergman
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Œuvre d’Anna-Eva Bergman : ce que regardent nos experts

Nos experts en art moderne commencent par examiner la forme représentée. Ils recherchent les motifs caractéristiques d’Anna-Eva Bergman : une montagne très simple, un horizon horizontal, un disque lunaire, une pierre, une barque ou une masse sombre qui évoque un cap. Ils observent aussi les couleurs de fond, souvent profondes, sur lesquelles la feuille métallique doit rester parfaitement lisible.

L’étude de la matière est tout aussi importante. L’expert regarde la finesse de la feuille de métal, ses raccords, ses plis naturels et la manière dont elle adhère à la couche picturale. Une dorure trop uniforme ou un effet métallique obtenu avec une simple peinture brillante appelle davantage de prudence. Le revers fournit également des renseignements précieux : numéro d’œuvre, date, ancienne étiquette, marque de collection ou indication d’exposition.

Enfin, l’expert contrôle l’état de conservation. Les feuilles d’argent peuvent s’oxyder, les parties métalliques peuvent se soulever et les supports en papier ou en carton peuvent se déformer. Ces altérations ne signifient pas nécessairement que l’œuvre a perdu tout intérêt, mais leur ampleur peut modifier sensiblement son estimation. Estimon’Objet réunit ces observations pour proposer une valeur cohérente avec le marché actuel.

Anna-Eva Bergman, une artiste entre la Norvège et la France

Anna-Eva Bergman naît à Stockholm en 1909 et grandit en Norvège. Elle étudie les arts appliqués puis les beaux-arts à Oslo, avant de poursuivre sa formation à Vienne et à Paris. Dans la capitale française, elle fréquente brièvement l’atelier d’André Lhote. Elle rencontre également le peintre Hans Hartung, qu’elle épouse en 1929. Le couple voyage en Europe et séjourne notamment à Minorque entre 1933 et 1935.

En 1939, Anna-Eva Bergman retourne en Norvège et divorce de Hans Hartung. Des problèmes de santé l’obligent à abandonner presque entièrement la peinture pendant plusieurs années. Elle travaille alors comme illustratrice, caricaturiste et journaliste. Elle reprend progressivement ses pinceaux à la fin des années 1940, expose à Oslo en 1950, puis revient s’installer à Paris en 1952. Elle retrouve Hans Hartung et l’épouse une seconde fois en 1957.

Sa carrière prend ensuite une dimension internationale. Elle participe à la Documenta II de Cassel en 1959 puis à la Biennale de São Paulo en 1969. Un long voyage le long des côtes norvégiennes en 1964 marque durablement son travail. Elle photographie les fjords, les montagnes et les étendues glacées qui nourriront ses œuvres pendant plusieurs décennies. Installée à Antibes avec Hans Hartung dans les années 1970, elle poursuit son travail jusqu’à sa mort à Grasse en 1987. Une importante rétrospective organisée à Paris en 2023 a confirmé sa place parmi les grandes artistes européennes du XXe siècle.

Expertise gratuite Anna-Eva Bergman
Romain Rudondy Commissaire-priseur
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Le conseil de notre expert Romain Rudondy

Regardez la feuille métallique sous une lumière rasante, sans toucher la surface. Sur une œuvre d’Anna-Eva Bergman, les petites irrégularités, les raccords et les variations de reflet font partie de la technique. Une surface parfaitement lisse et uniformément brillante peut indiquer une peinture métallisée plus récente ou une reproduction. Ne tentez jamais de nettoyer une feuille d’or ou d’argent : un frottement léger peut retirer la couche métallique ou accélérer son oxydation.

Pour connaître la valeur de votre œuvre d’Anna-Eva Bergman, adressez à Estimon’Objet des photographies nettes de la face, du revers, de la signature et des inscriptions, accompagnées des dimensions et des informations disponibles sur sa provenance. Estimon’Objet est votre partenaire privilégié pour l’expertise et l’estimation de vos objets d’art et de collection, que votre démarche concerne une vente, une succession, un partage ou une assurance.

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Les ventes rendues possibles par Estimonobjet — Art moderne

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Marc CHAGALL (1887 - 1985) Les amoureux de Vitebsk. 1959 Huile sur carton marouflé sur toile Signée en bas à gauche 54 x 44,8 cm Provenance : - Galer

💰 Adjudication :
600 000 €

🔎 Estimation :
300 000 € - 600 000 €

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Pierre BONNARD (1867-1947) Le Chemin vert et le canal. Vers 1919 Huile sur toile Signée en bas à droite 50 x 62 cm Provenance : - Collection particul

💰 Adjudication :
210 000 €

🔎 Estimation :
50 000 € - 80 000 €

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Zdzisław BEKSINSKI (1929-2005) Les deux tours de 1885, 1980 Huile sur isorel Signée et datée 1980 au dos 89 x 89 cm

💰 Adjudication :
103 000 €

🔎 Estimation :
15 000 € - 20 000 €

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Eugène GIRARDET (1853-1907) La prière Huile sur toile
Signée en bas à droite 70 x 110 cm Provenance : Famille de l’artiste

💰 Adjudication :
100 000 €

🔎 Estimation :
40 000 € - 60 000 €