Estimation gratuite Armand Rassenfosse

Armand Rassenfosse

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Estimation et cote de l'artiste Armand Rassenfosse

Armand Rassenfosse est né en 1862 en Belgique, c’est un artiste renommé de l’Art Nouveau, maîtrisant l’art de la gravure sur bois avec une élégance exceptionnelle. Ses œuvres, imprégnées de sensualité et de finesse, ont influencé la scène artistique de son époque. Membre de l’Académie Royale des Beaux-Arts de Liège, il a laissé un héritage durable grâce à ses illustrations littéraires et à ses peintures. Rassenfosse est un pilier de l’art belge du début du 20e siècle. Découvrez ici l’histoire d’Armand Rassenfosse et ses peintures contemporaines emblématiques. Besoin d’une expertise gratuite et en ligne ? C’est sur Estimon’objet !

Estimation gratuite Armand Rassenfosse

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Qui est Armand Rassenfosse, peintre contemporain

Dès 1878, Rassenfosse entame des études artistiques à l’Académie Royale des Beaux-Arts de Liège, où il acquiert des compétences en dessin, en gravure et en peinture. Cependant, c’est dans le domaine de la gravure qu’il se distingue rapidement. Le graveur étudie également à l’Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles, où il sera influencé par les grands noms de l’Art Nouveau tels que Félicien Rops et Henri Evenepoel.

La carrière d’Armand Rassenfosse prend son envol au début du XXe siècle, alors qu’il s’installe à Paris. Il se lie d’amitié avec des artistes renommés comme Félix Vallotton, Édouard Vuillard et Toulouse-Lautrec. Sa réputation grandit rapidement, notamment en raison de son talent pour la gravure sur bois, une technique que le peintre maîtrise avec une virtuosité remarquable. En 1900, l’artiste participe à l’Exposition Universelle de Paris où il expose ses gravures et ses illustrations, dans un tournant où l’histoire de l’art s’oriente de plus en plus vers l’Art Nouveau. Par ailleurs, le peintre devient membre actif de l’Exposition de la Libre Esthétique, un groupe d’artistes qui participaient à la promotion de l’art moderne.

La Première Guerre mondiale a un impact profond sur la vie d’Armand Rassenfosse. Le graveur quitte alors Paris pour revenir en Belgique, où il continue à travailler tout en soutenant les efforts de guerre. Après la guerre, il continue à produire des œuvres d’art de haute qualité, mais sa santé commence à décliner.

Les inspirations artistiques d’Armand Rassenfosse

L’Art Nouveau, avec ses motifs floraux et organiques, inspire profondément Rassenfosse. Ses œuvres se caractérisent par leur élégance, leur sensualité et leur finesse. Le peintre réalise des illustrations pour de nombreux ouvrages de poésie et de littérature, ainsi que pour des revues artistiques et littéraires de renom, dont Le Mercure de France et Le Chat Noir.

Rassenfosse a souvent illustré des ouvrages littéraires et poétiques, ce qui lui a permis de puiser de l’inspiration dans les textes qu’il illustrait. Le graveur avait une affinité particulière avec les poètes symbolistes et ses illustrations reflétaient souvent l’atmosphère poétique des œuvres qu’il mettait en image. De plus, les techniques de la gravure sur bois et sur cuivre lui ont été enseignées par des artistes renommés de son époque, dont Félicien Rops. Ces maîtres de la gravure ont eu un impact majeur sur son style.

Armand Rassenfosse participe aussi à l’illustration du poème Les Fleurs du Mal de Charles Baudelaire, souvent considéré comme un chef-d’œuvre. Ses gravures pour cette œuvre emblématique de la littérature symboliste incarnent parfaitement l’atmosphère sombre et sensuelle du poème du grand Baudelaire.

Faire estimer gratuitement une œuvre d’Armand Rassenfosse

Depuis 2013, la valeur des œuvres d’Armand Rassenfosse connaît une hausse notoire avec un marché fluctuant en Belgique. Le chiffre d’affaire de l’artiste est estimé à 36 000€ en 2023. La catégorie la plus vendue reste néanmoins ses dessins et ses aquarelles qui composent la quasi-totalité des ventes. Celles-ci s’estiment généralement entre 50€ et 20 000€. En 2000, le dessin paster Portrait de femme, dessiné en 1895, est acquis pour 23 630€. Moins présente sur le marché, ses gravures et aquarelles se vendent entre 200€ et 8000€. Pourtant en 2018, le record est détenu par la gravure sur bois nommée Jeune Japonaise jouant du shamisen réalisée en 1888 et acquise pour la somme de 9 400€.

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Armand Rassenfosse, Sur la scène d’un cirque ambulant, 1895, aquarelle, collection privée.

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Estimation gratuite Allen Anderson

Allen Anderson

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Estimation et cote de l'artiste Allen Anderson

Allen Gustav Anderson de son nom complet, est un artiste dont le travail est surtout reconnu pour ses couvertures de magazines tels qu’Ace Magazines, Fiction House. Il travaillera pour des éditeurs comme Harry Donenfeld et Martin Goodman. Découvrez ici l’histoire d’Allen Anderson et ses peintures contemporaines emblématiques. Besoin d’une expertise gratuite et en ligne ? C’est sur Estimon’objet !

Estimation gratuite Allen Anderson

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Qui est Allen Anderson, designer contemporain

Allen Anderson né le 31 janvier 1908 à Minneapolis, dans le Minnesota. Son père était un cuisinier professionnel dans un grand hôtel, le Radisson, qui deviendra par la suite une chaîne d’hôtels d’entreprise.
Aux débuts des années 1920, Allen Anderson débute sa formation à The Federal School située à Minneapolis. Le peintre obtient son diplôme en 1928. Un an plus tard, il travaille comme artiste salarié pour les publications Fawcett et rencontre Carl Buettner, Ralph Carlson, et son ami de longue date, Norman Saunders. C’est d’ailleurs du travail de Saunders que le peintre s’inspire le plus et réussit à développer son propre style.

En 1940, Allen Anderson s’installe à New York et réalise des couvertures pour des magazines. C’est d’ailleurs dans cette période que la vie du peintre prend un véritable tournant. Il décide de s’engagé dans la marine lorsque la Seconde Guerre Mondiale éclate et devient instructeur dans un camp d’entrainement naval dans le nord de l’Etat de New York. Là, l’artiste se ment à enseigner la peinture d’enseigne. Après la guerre, Allen Anderson reprend sa carrière de peintre et réalise des couvertures de bandes dessinés pour Ziff-Davis de 1949 à 1953.

Les inspirations artistiques d’Allen Anderson

Son inspiration est tirée directement des grands épisodes de Western. Allen Anderson représente de nombreuses scènes de monter à cheval, de courses et de fusillades. Ses personnages sont dessinés avec un réalisme subjuguant et ses compositions sont très dynamiques. Il s’immisce aussi dans le monde de la science-fiction.

Faire estimer gratuitement une œuvre d’Allen Anderson

Allen Anderson est un artiste illustrateur et ses planches se font rares sur le marché. La plupart de ses réalisations, souvent dans la catégorie peinture, s’estiment entre 1000€ et 10 000€. La vente la plus récente date de 2006, avec l’huile sur toile Frontierswoman grabbed by pistol-firing Outlaw peint en 1938 et vendu à 6 785€. Un an avant, la toile Untitled, for 1941 Wester Magazine a été vendu 8 896€ aux Etat-Unis.

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(Illus.) Allen Anderson

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Estimation gratuite Alice Rahon

Alice Rahon

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Estimation et cote de l'artiste Alice Rahon

Alice Rahon (1904-1987) est une artiste française renommée pour son engagement dans le surréalisme et l’art abstrait. Son style distinctif se caractérise par des compositions abstraites et des couleurs vibrantes. Alice Rahon demeure une figure majeure de l’art surréaliste et abstrait du XXe siècle. Découvrez l’histoire d’Alice Rahon et ses peintures contemporaines emblématiques. Besoin d’une expertise gratuite et en ligne ? C’est sur Estimon’objet !

Estimation gratuite Alice Rahon

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L’histoire d’Alice Rahon, peintre contemporaine du XXe siècle

Alice Rahon a passé une grande partie de sa jeunesse en France, où elle a étudié la danse, devenant une danseuse accomplie. Cependant, sa vie a pris un tournant significatif lorsqu’elle a déménagé à Paris dans les années 1920. À Paris, elle a été introduite dans les cercles artistiques et littéraires du surréalisme, où elle a rencontré André Breton, le leader du mouvement surréaliste, et d’autres figures éminentes de l’époque.

En 1939, Alice Rahon épouse Wolfgang Paalen, un peintre et écrivain autrichien. Le couple s’installe au Mexique en 1941 afin d’échapper à la Seconde Guerre mondiale. Ce déménagement au Mexique a un impact considérable sur l’œuvre artistique d’Alice Rahon, l’inspirant à explorer de nouvelles formes d’expression artistique. Vers 1945, elle commence à créer des œuvres d’art abstraites, influencées par les paysages, la culture et les couleurs du Mexique.

Dans les années 1940 et 1950, Alice Rahon s’affirme comme une artiste majeure du mouvement surréaliste au Mexique, participant activement à des expositions et à des collaborations avec d’autres artistes surréalistes. Elle développe également un style distinctif de peinture, caractérisé par des compositions abstraites, des formes organiques et des couleurs vibrantes.

Les inspirations artistiques d’Alice Rahon

Alice Rahon puise ses inspirations dans la culture mexicaine, les paysages et les couleurs vibrantes du Mexique. Elle est également influencée par le mouvement surréaliste et l’art abstrait, développant ainsi un style distinctif. Son style artistique se caractérise par des compositions abstraites, des formes organiques, des couleurs audacieuses et une utilisation créative de la texture. Elle a souvent incorporé des éléments surréalistes, créant des œuvres énigmatiques et poétiques.

Faire estimer gratuitement une œuvre d’Alice Rahon

La côte d’Alice Rahon connaît un regain d’intérêt depuis 2020, avec un chiffre d’affaire s’élevant à 407 000 € en 2023. La catégorie la plus vendue reste ses peintures, elles obtiennent la première place du marché aux Etats-Unis. Celles-ci de vendent entre 20 000 et 400 000 €. En 2020, l’œuvre réalisé en 1960, Los cuatro hijos del arco iris est vendue pour 365023 €. Bien que plus rares sur le marché, ses aquarelles s’estiment entre 2 000 € et 10 000 €. En 2023, le dessin à l’encre Le Chat se vend pour 10 311 €.

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Alice Rahon, La Balade de Frida Kahlo, 1952, acrylique sur toi, Musée des Arts Moderne.

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Estimation gratuite Albert Raty

Albert Raty

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Estimation et cote de l'artiste Albert Raty

Né en 1945 à Bruxelles, Albert Raty est un artiste belge renommé, pionnier de l’art cinétique et optique. Ses œuvres, caractérisées par des motifs géométriques et des couleurs vives, explorent la perception visuelle. Ses installations dynamiques ont été exposées dans le monde entier, lui valant une reconnaissance internationale. Raty reste une figure influente de l’art contemporain. Découvrez l’histoire d’Albert Raty et ses œuvres emblématiques. Besoin d’une expertise gratuite et en ligne ? C’est sur Estimon’objet !

Estimation gratuite Albert Raty

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Qui est d’Albert Raty, artiste spécialiste en art contemporain ?

Raty a étudié à l’École nationale supérieure d’architecture et des arts visuels (La Cambre) à Bruxelles, où il y a développé son intérêt pour l’art contemporain. Dans les années 1960, l’artiste est fortement influencé par les mouvements artistiques émergents de l’Op art et du cinétisme, qui cherchaient à créer des œuvres d’art basées sur des illusions d’optique et des effets visuels. L’une des particularités de l’artiste est qu’il né sourd et muet, c’est sans doute pour cela que son travail s’oriente surtout sur les effets d’optiques. Tout au long de sa carrière, Raty a exposé ses œuvres dans de nombreuses galeries et musées à travers le monde. Ses créations ont suscité l’admiration et l’intérêt à l’échelle internationale.

Les inspirations artistiques d’Albert Raty

L’art de Raty est souvent caractérisé par l’utilisation de formes géométriques, de couleurs vives et de motifs répétitifs. Ses œuvres explorent la perception visuelle et la manière dont les spectateurs interagissent avec l’art. Il a créé des installations cinétiques impressionnantes qui se jouent des ombres et de la lumière, créant ainsi des effets visuels dynamiques et hypnotiques.

L’une de ses œuvres emblématiques est Système Solaire, une installation cinétique qui explore la manière dont la lumière et le mouvement interagissent pour créer des effets visuels captivants. Cette œuvre, comme d’autres de Raty, a attiré l’attention pour son innovation et son exploration de la perception visuelle.

Faire estimer gratuitement une œuvre d’Albert Raty

Le chiffre d’affaire d’Albert Raty s’élève en 2023 à 40 000 €, avec une augmentation des ventes sur le marché, particulièrement en Belgique, depuis 2022. La catégorie la plus prisée reste néanmoins la peinture. En 2023, l’huile sur panneau intitulée Vue Ardennaise est estimée entre 200 € et 300 €. Pour autant, ses peintures s’estiment généralement entre 20 € et 30 000 €. Le record est d’ailleurs détenu par la toile Les trois baigneuses, vendue pour la somme de 29 746 €.

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Albert Raty, Aller sur Semois, n.d, huile sur toile

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Estimation gratuite Claude Gillot

Claude Gillot

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Estimation et cote de l'artiste Claude Gillot

Claude Gillot (1673-1722), est un peintre, graveur, illustrateur et décorateur de théâtre français. Il est aussi connu comme étant le maître d’Antoine Watteau. Découvrez ici l’histoire de Claude Gillot et ses peintures emblématiques du XVIIIe siècle. Besoin d’une expertise Claude Gillot ? Contactez l’équipe d’Estimon’objet !

Estimation gratuite Claude Gillot

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Les débuts de Claude Gillot

Claude Gillot naît dans la ville de Langres. Il y est apparenté à plusieurs artistes : les Lenoir, les Tassel et les Robillon. Son père, Jean Gillot, est peintre et brodeur du Chapitre, une assemblée religieuse de Langres. Claude Gillot travaille déjà tout jeune aux côtés de son père. Il s’y exerce en particulier à la décoration. Vers 1691-1693, il monte sur Paris et il y rencontre le peintre et graveur Jean-Baptiste Corneille. Celui-ci lui apprend l’usage de la pointe. Claude Gillot est alors initié au genre académique. Mais il choisit rapidement de s’en émanciper afin de laisser libre cours à sa propre fantaisie. Bientôt, Claude Gillot peint dans son propre atelier et il y enseigne même. 

Nicolas Lancret et François Joullain font partie de ses élèves. Le plus illustre est Antoine Watteau. Claude Gillot devient son maître jusqu’en 1708. Il lui transmet notamment une manière de peindre les lumières toute singulière. Leurs sujets sont les fêtes champêtres, le théâtre ou encore les habits modernes. Le 26 juillet 1710, Claude Gillot est agréé à l’Académie royale de peinture et de sculpture pour son œuvre Don Quichotte. Le 27 avril 1717, il est reçu à l’Académie pour son morceau de réception Le Christ dans le temps qu’il va être attaché à la Croix. Dans ces deux œuvres, on perçoit des styles très différents. En effet, Claude Gillot est un artiste pluridisciplinaire et chez qui l’on ressent aussi de multiples influences.

Claude Gillot et l’influence flamande

Claude Gillot est notamment fortement influencé par l’école flamande. Il voyage en effet en Hollande et on lui connait nombre de scènes de genre typiques tels que la Baraque de l’Empirique ou les Apprêts du marché. Claude Gillot a un bon esprit d’observation et une aisance admirable à manier le pinceau comme le burin. Il initie le comte de Caylus à la gravure et ce dernier immortalise ainsi ses dessins à la plume. Claude Gillot y représente notamment des scènes champêtres et citadines. On perçoit également l’influence des peintres du nord dans ses aquarelles, en particulier dans l’élégance des costumes de ballet. Un exemple en est son œuvre Le Ballet des éléments sur laquelle on distingue même Louis XV.

À partir de 1712, il dirige les ateliers de décors et de costumes de l’Opéra. Il collabore notamment avec Claude III Auchan en tant qu’ornementaliste pour des intérieurs privés dans lesquels les arabesques, souples et légères, sont de premier choix. Il réalise aussi des compositions pour les 6 tapisseries de Joseph Bonnier de la Mosson. Il s’agit d’une tenture de 6 tapisseries en laine et en soie sur le thème de la commedia dell’arte commandée à la Manufacture royale de Beauvais en 1723-1726.

Le style Claude Gillot

L’imagination de Claude Gillot est vive et brillante. Il se dégage de ses œuvres un charme presque fantasque. Il affectionne passionnément les scènes de théâtre. Il représente ces personnages de façon caricaturale, menus et crispés. Voilà un style qui lui est propre et qu’il ne transmet pas à Watteau. Chez son disciple, la représentation de la commedia dell’arte est toujours poétique et délicate. Alors que Claude Gillot n’hésite pas à mettre en lumière l’aspect de bouffonnerie d’une scène avec pantomines, acrobates et autres figures travesties. 

On lui connait aussi des œuvres appartenant au genre de la parodie comme Le Cheval de Troie conservée au musée de Langres. Il peint aussi des scènes de sorcellerie, des scènes mythologiques, des arlequinades, des improvisations de foire, des satires, des portraits d’acteurs, etc. Ses représentations théâtrales sont riches en détails et sont aussi une satire indirecte de la société. Il est inventif, poète, vif, gai et son esprit est parfois railleur, parfois teinté d’étrangeté. Il illustre les Fables nouvelles de La Motte à l’eau forte pour la plupart. 

Dans ces vignettes, Claude Gillot représente des allégories animalières et prophétiques en observateur amusé de la vie champêtre et urbaine. Il s’agit du premier livre illustré du XVIIIe siècle. Il illustre le Lutrin de Boileau (1713, 1716). C’est une parodie épique, un poème héroïcomique. Claude Gillot est l’un des tout premiers à diffuser des œuvres relevant de l’occultisme. Cette imagerie populaire est permise suite à la décriminalisation de la sorcellerie en France à la fin du XVIIe siècle. Claude Gillot décède en 1722, ruiné par la banqueroute de Law. Sa liberté de ton inspire indéniablement les scènes des fêtes galantes de la seconde moitié du XVIIIe siècle. Ses toiles sont essentiellement conservées au musée du Louvre. À partir du 9 novembre 2023, une exposition lui y est d’ailleurs consacrée : « Comédies, fables et arabesques ».

Faire estimer gratuitement une œuvre de Claude Gillot

Les ventes aux enchères les plus récentes de Claude Gillot sont des dessins (eau-forte, encre brune, etc.) On peut estimer par exemple une estampe à quelques centaines d’euros. Quant à une aquarelle, l’enchère pourra grimper de quelques milliers d’euros jusqu’à plusieurs dizaines de milliers d’euros. Le 7 juillet 2021, le dessin (encre, plume, avec plusieurs nuances de rouge délavé sur papier, avec lignes à l’encre brune, Arlequin déguisé en apothicaire, mesurant 16 ×  21 cm, s’est vendu à 35.071 €, à Londres. Le 7 juillet 2021, le dessin (encre, plume avec plusieurs nuances de rouge délavé sur papier, avec lignes à l’encre brune) Scène farfelue avec Arlequin en commissaire de police, mesurant 16 × 21 cm, s’est vendu à 46.761 €, à Londres. Le 30 janvier 2018, le dessin (aquarelle, trois crayons, gris clair sur papier) Étude pour Scaramouche, bras tendus, mesurant 23,2 × 31 cm, s’est vendu à 40.294 €, à New York.

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(Illus.) Claude Gillot, Les Deux Carrosses, 1707, huile sur toile, 102 × 106 cm, Musée du Louvre.

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Estimation gratuite Jean-François de Troy

Jean-François de Troy

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Estimation et cote de l'artiste Jean-François de Troy

Jean-François de Troy (1679-1752), est un peintre et dessinateur du mouvement rococo français. Découvrez ici l’histoire de Jean-François de Troy et ses peintures emblématiques du XVIIIe siècle. Besoin d’une expertise Jean-François de Troy ? Contactez l’équipe d’Estimon’objet !

Estimation gratuite Jean-François de Troy

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Jean-François de Troy, successeur de son père

Jean-François de Troy est issu d’une famille d’artistes du côté paternel. Son arrière-grand-père, Jean Ier de Troy, est peintre-vitrier à Toulouse. Son grand-père, Antoine Nicolas de Troy, est peintre de l’hôtel de ville de Toulouse. Son grand-père maternel, Jean le vieux Cotelle est également peintre. Son oncle, Jean de Troy, est peintre et professeur de dessin à Toulouse puis à Montpellier. Et il est le fils du portraitiste François de Troy. Pour sa culture artistique, son père lui conseille de séjourner en Italie. Et c’est ce qu’il fait de 1699 à 1706. Il y admire les grands Vénitiens de la seconde moitié du XVIe siècle tels que Véronèse et Le Tintoret. Deux ans plus tard, le 28 juillet 1708, il est reçu à l’Académie royale de peinture et de sculpture. C’est son propre père qui en est le directeur à cette époque. Jean-François de Troy a alors 29 ans et c’est entre les mains de son père qu’il prête donc serment…

Jean-François de Troy travaille auprès de la noblesse et d’une clientèle privée. Il en réalise des portraits flatteurs et il est en cela le digne héritier de son père. Mais, Jean-François de Troy parvient aussi à capturer un comportement plus détendu des classes sociales les plus élevées. Il donne à son modèle une attitude détachée. C’est bien ce que veulent ses commanditaires qui sont beaucoup de banquiers et de financiers prospères et qui représentent une nouvelle classe bourgeoise de la société. Ses compositions sont typiques du mouvement rococo : légères, gracieuses et élégantes. Il exécute plusieurs commandes royales et il réalise des illustrations parmi les plus représentatives du règne de Louis XV et de son savoir-vivre.

 

La carrière de Jean-François de Troy

Le 24 juillet 1716, il est nommé adjoint à professeur puis professeur le 30 décembre 1730. Le 15 novembre 1727, il s’engage à réaliser 35 travaux pour Monsieur Delalive. Entre 1724 et 1737, il travaille au palais de Versailles et au palais de Fontainebleau. Il crée des modèles de tapisseries pour la manufacture des Gobelins. En 1727, il est lauréat du grand concours organisé par le duc d’Antin, directeur des Bâtiments (conjointement avec François Lemoyne) pour son tableau Le Repos de Diane. En 1738, il est nommé directeur de l’Académie de France à Rome. Et le roi Louis XV en personne le nomme Chevalier de l’ordre de Saint-Michel. En 1743, il est élu « prince » de l’Accademia di San Luca, c’est-à-dire son directeur.

Il est aussi le successeur, en tant que directeur de l’Académie de France à Rome, de Nicolas Vleughels. Si sa carrière est d’abord facilitée par son entourage, Jean-François de Troy connaît ensuite un succès personnel. Il est l’un des plus importants peintres d’histoire de France de la première moitié du XVIIIe siècle. Il peint des sujets historiques, mythologiques, moraux, ou encore religieux. Il est également peintre décorateur. Il dessine des cartons de tapisseries. Il exécute aussi des scènes de genre singulières. On dit qu’il est l’inventeur des « tableaux de modes » par lesquels il donne une image fidèle et non railleuse des mœurs, des modes et des passe-temps de son époque.

Jean-François de Troy fait également évoluer la tendance des portraits allégoriques. Depuis le XVIe siècle, ces portraits sont appréciés et son père aurait été l’inventeur du « portrait mythologique ». Jean-François de Troy choisit de délaisser les attributs divins. Il fait ressortir le charme personnel des modèles qu’il peint. Il réalise aussi des portraits de famille. Et ce sont ces œuvres qui évoluent vers les scènes de genre.

Le style Jean-François de Troy

Jean-François de Troy s’inscrit dans la lignée des peintres tels que Antoine Watteau ou Nicolas Lancret pour ses représentations des scènes de la vie quotidiennes. Mais ses œuvres se distinguent de celles de ses contemporains qui peignent des scènes galantes ou encore de la peinture flamande du XVIIe siècle. Cette distinction est visible dans le rendu détaillé et méticuleux qu’il fait des meubles et des vêtements, ceux-ci révélant le statut social élevé des sujets. On remarque cette élégance dans Le Déjeuner d’huîtres par exemple. C’est le reflet d’une société mondaine et galante qu’il aime sincèrement fréquenter. On note notamment une teinte nacrée et argentée typique de la touche de Jean-François de Troy à partir des années 1710.

Dans Le Triomphe de Mardochée, on voit une grande composition théâtrale, une riche palette, une mise en page pompeuse et mouvementée. On ressent les influences de flamands comme Van Dyck et Rubens. C’est là une rupture stylistique d’avec son père qui réalise des portraits réalistes sur une mise en page sobre et dans une atmosphère grave. Jean-François de Troy admire les grands maîtres flamands et vénitiens. Son imagination est fertile, son exécution est rapide et ses coloris sont opulents. Il est un brillant maître décorateur. Il décède le 26 janvier 1752. Il aurait eu 73 ans le lendemain. Ses scènes de genre influencent ensuite beaucoup la peinture anglaise.

Faire estimer gratuitement une œuvre de Jean-François de Troy

On trouve notamment aux enchères des peintures de Jean-François de Troy adjugées à environ 1000 € jusqu’à plus de 100.000 € et des dessins jusqu’à plus de 50.000 €. Le 8 décembre 2022, l’huile sur toile La Lecture, signée et datée « DE TROY 1735 », mesurant 81,8 × 64,7 cm, s’est vendue à 2.789.920 €, à Londres. Le 1er juillet 2021, l’huile sur toile Saint Sébastien soigné par les saintes femmes, mesurant 120 × 94 cm, s’est vendue à 50.000 €, à Paris. Le 18 novembre 2020, l’huile sur toile L’Évanouissement d’Esther, signée et datée « De Troy filius 1714 », mesurant 80 × 101,5 cm, s’est vendue à 80.000 €, à Paris. Le 18 novembre 2020, l’huile sur toile Apollon et les muses, signée et datée « De Troy 1726 », mesurant 134 × 101,5 cm, s’est vendue à 100.000 €, à Paris.


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Estimation gratuite Louis Joseph Watteau

Louis-Joseph Watteau

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Estimation et cote de l'artiste Louis-Joseph Watteau

Louis-Joseph Watteau (1731-1798), dit « Watteau de Lille » est un peintre français. Il tire son pseudonyme de son lien avec le grand maître Antoine Watteau dont il est le neveu et qui aura certainement inspiré sa vocation de peintre. Plus exactement, on surnomme les « Watteau de Lille » Louis-Joseph Watteau et son fils, François. Les deux peintres exercent essentiellement à Lille, ce qui explique ce qualificatif afin de les distinguer d’Antoine Watteau. Découvrez ici l’histoire de Louis-Joseph Watteau et ses peintures emblématiques du XVIIIe siècle. Besoin d’une expertise Louis-Joseph Watteau ? Contactez l’équipe d’Estimon’objet !

Estimation gratuite Louis Joseph Watteau

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Les débuts de Louis-Joseph Watteau

Lorsque Louis-Joseph Watteau naît, en 1731, cela fait déjà 10 ans que son oncle, Antoine Watteau, est décédé. Louis-Joseph Watteau est issu d’une famille de couvreurs mais sa sensibilité le pousse à suivre la voie artistique. L’un de ses maîtres est le peintre Jacques Dumont issu du nord de la France comme lui. Celui-ci devient adjoint recteur à l’Académie Royale de Paris en 1750. Et Louis-Joseph Watteau vient à Paris pour s’y former. Ses talents sont rapidement remarqués. En 1751, il obtient la médaille du quartier d’octobre (concours de l’Académie Royale de Paris) pour une étude d’après modèle. En 1756, il quitte Paris pour rejoindre Valenciennes, sa ville natale. Il y assiste aux funérailles de son père. Puis il y fait un mariage et fonde une famille avec pas moins de 12 enfants. L’un d’eux est François Watteau qui signera également ses peintures par « Watteau de Lille ».

À Valenciennes, Louis-Joseph Watteau possède son propre atelier au sein duquel il transmet son savoir à plusieurs apprentis et il participe à la guilde de Saint Luc. En 1765, à 34 ans, il s’installe à Lille avec l’ambition d’accroître sa clientèle. Mais le contexte lui est difficile à cause de la crise financière de 1760.
Son parcours artistique n’est facilité qu’à partir du moment où il accède à des fonctions officielles en 1771. Il est notamment adjoint du peintre Louis-Jean Guéret à l’école de dessin de Lille jusqu’à la mort de ce dernier en 1778. Louis-Joseph Watteau est alors nominé professeur de dessin et prend la suite de la direction. C’est ce changement qui fait véritablement évoluer sa carrière.

Louis-Joseph Watteau, un peintre engagé à Lille

Fin 1778, à 47 ans, Louis-Joseph Watteau devient enfin un peintre en vue à Lille et dans la région. On lui passe d’importantes commandes et on fait appel à son talent pour certaines fêtes officielles. L’un de ses commanditaires principaux est Charles Lenglart. C’est un peintre amateur et négociant qui appartient à la noblesse bruxelloise par alliance (il est marié à Anna Van Nuffel). Il incarne l’esprit des Lumières. Cette rencontre est très importante pour Louis-Joseph Watteau. Leur collaboration le fait grimper dans la hiérarchie sociale. Charles Lenglart présente Louis-Joseph Watteau à son ami le sieur Carrez qui lui passe également commande avec par exemple Le Retour en carrosse de Blanchard.

Louis-Joseph Watteau est également une figure importante de la muséologie lilloise. En effet, il est membre de l’Académie des beaux-arts de Lille depuis sa fondation en 1775 et il œuvre beaucoup pour la fondation de celle de Valenciennes. Cela se concrétise en 1783. Louis-Joseph Watteau choisit de demeurer à Lille et il vend donc sa charge de peintre valenciennois en 1788. Par ailleurs, Louis-Joseph Watteau s’engage dans la sauvegarde des tableaux confisqués au début de la Révolution. Avec ces œuvres, il devient l’initiateur du premier musée des beaux-arts de la ville de Lille.

Les scènes de genre de Louis-Joseph Watteau

En tant que peintre, Louis-Joseph Watteau exécute des commandes pour les communautés religieuses et pour la noblesse de Lille. Il réalise beaucoup de scènes champêtres puis, avec la période révolutionnaire de 1789, il peint beaucoup de sujets militaires. Ce sont des scènes de genre d’inspiration nordique. On y voit un mélange entre la peinture des Lumières et les traditions flamandes.

Louis-Joseph Watteau décore notamment la maison de son ami Charles Lenglart. Il peint une églogue villageoise sur trois grands panneaux de la salle à manger. On trouve d’ailleurs dans cette œuvre des similitudes au Mariage à la campagne d’Antoine Watteau (1710). En 1771, Louis-Joseph Watteau peint les occupations des temps de la moisson dans Les Heures du jour, une peinture en quatre tableaux, pour l’abbaye de Crespin. L’œuvre séduit Ghesquière, un riche amateur de Lille, qui lui commande ensuite Les Saisons en quatre tableaux. Les œuvres de Louis-Joseph Watteau sont à distinguer de celles de son fils François. Ce dernier produit plutôt des peintures d’agrément, des dessins de mode et il est peut-être plus proche dans son rendu des toiles d’Antoine Watteau.

Louis-Joseph Watteau et son fils ne rencontrent pas le succès immense du grand maître. Mais leur œuvre est notamment importante d’un point de vue historique. Leur spécificité réside dans leur rôle de chroniqueurs. Les œuvres des Watteau de Lille donnent une vision de Lille au XVIIIe et au XIXe siècle. Alors qu’Antoine Watteau ne peint pas Lille. Louis-Joseph et François Watteau sont les peintres officiels de la ville de Lille au XVIIIe siècle. Ils livrent un précieux témoignage de la vie lilloise à leur époque : faits historiques, événements populaires, évolution du paysage urbain, etc. Louis-Joseph Watteau meurt le 27 août 1798. François Watteau devient le conservateur adjoint du musée des beaux-arts de Lille à son tour.

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Il faut distinguer avec attention les œuvres d’un Watteau à l’autre. Celles des Watteau de Lille en particulier puisqu’elles peuvent porter la même signature. En juin 2022, le lot d’huiles sur panneaux Les Adieux du soldat ; Le Retour, initiales datées « L.W 1771 », de 22,9 × 28,5 cm, s’est vendu à 9.470 €, aux États-Unis. Le 18 décembre 2019, l’huile sur toile Le Campement, mesurant 78 × 100 cm, s’est vendue à 10.000 €, à Paris. Le 18 avril 2019, le lot d’huiles sur panneaux Un Grenadier faisant voir la ville de Coblence / Un Détachement de hussards au bivouac, signé, daté de 1792, de 43,3 × 59 cm, s’est vendu à 8.800 €, à Paris.
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(Illus.) Louis-Joseph Watteau, La Visite à la ferme, 1782, huile sur toile, 276 × 233 cm, Musée de Sens.

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Giovanni Battista Tiepolo

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Estimation et cote de l'artiste Giovanni Battista Tiepolo

Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770), dit Giambattista Tiepolo ou encore Jean-Baptiste Tiépolo, est un célèbre peintre italien du XVIIIe siècle. Découvrez ici l’histoire de Giovanni Battista Tiepolo et ses peintures emblématiques du XVIIIe siècle. Besoin d’une expertise Giovanni Battista Tiepolo ? Contactez l’équipe d’Estimon’objet !

Estimation gratuite Tiepolo

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Les débuts de Giovanni Battista Tiepolo

Tiepolo naît d’un père capitaine de navire marchand. Mais celui-ci meurt l’année suivante et la famille de Tiepolo connaît alors des difficultés financières. À 14 ans, Tiepolo entre dans l’atelier du peintre Gregorio Lazzarini. C’est un artiste de tradition vénitienne et d’esprit baroque. Des peintres tels que Le Tintoret, Paul Véronèse ou encore Jacopo Bassano l’influencent. Il enseigne à Tiepolo le goût du grandiose et une certaine théâtralité dans ses compositions. Tiepolo montre rapidement un intérêt pour la peinture ténébreuse de Federico Bencovich ou encore de G. B. Piazetta et ses clairs obscurs intenses. Et en 1717, il quitte cet atelier.
En 1719, il se marie à Maria Cecilia Guardi. Elle est issue d’une famille de peintres rococo vénitiens du même nom. Ils fondent une famille. Jusqu’ici, on reconnaît les peintures de Tiepolo à son fameux clair-obscur violent et à la netteté du tracé graphique.

Entre 1724 et 1725, Tiepolo se charge de la décoration du Palazzo Sandi. Il peint notamment une grande fresque au plafond d’une des salles intitulée Triomphe de l’éloquence. On remarque un choix de composition, caractérisé par peu de personnages au centre et bien plus représentés sur les côtés, que Tiepolo conserve à l’avenir. Surtout, à partir de cette époque, le style de Tiepolo évolue du sombre vers des couleurs vives, des tonalités claires et une forte luminosité. En cela, on perçoit l’influence de Véronèse.

Giovanni Battista Tiepolo, la maturité

Dans les années 1726 à 1740, on parle de la période de maturité pour Tiepolo. On lui passe de nombreuses commandes. Il s’exécute notamment au Palazzo Clerici, au Palais Labia, à la résidence de Würzburg (où il travaille avec deux de ses fils), à l’église de la Pietà à Venise ou encore à la Villa Valmarana. Il accumule également une fortune personnelle et il achète une villa à Zignago en Italie. Il devient président de l’académie des Ricovrati de Padone. Cette académie a pour but la promotion des sciences humaines. Tiepolo y fréquente d’autres membres distingués dont Galilée. En 1753, il est élu président de l’Académie de Peinture et de Sculpture.

Tiepolo devient l’un des plus grands représentants de la fresque en Europe. Dans ses fresques de palais, on peut y voir une célébration de l’aristocratie de son temps. Il peint des ciels splendides. Tiepolo est reconnu de son vivant. Sa réputation atteint aussi l’Angleterre ou encore la Russie. En effet, durant le siècle des Lumières, il n’est pas rare que les artistes européens circulent d’une cour à l’autre. Tiepolo s’inscrit dans cette dynamique. Il marque l’histoire de la peinture de son talent à travers ses nombreuses œuvres. On trouve notamment des peintures, dessins, fresques et gravures de Tiepolo en Italie, en Espagne, en Allemagne, en Suède et en Russie.

Giovanni Battista Tiepolo et les années espagnoles

À partir de 1762 et jusqu’à sa mort, Tiepolo poursuit et termine sa carrière en Espagne. En 1761, il reçoit une commande de la part de Charles III, roi d’Espagne. Tiepolo a pour mission de réaliser une fresque au plafond du palais royal de Madrid. Il s’agit de L’Apothéose de l’Espagne. Tiepolo est alors accompagné de ses fils. Ils s’installent sur la Plaza San Martin.Ceci aurait suscité la jalousie du peintre allemand néoclassique Raphaël Mengs. Il est en effet également sur place pour décorer les demeures royales.

Une fois cette fresque réalisée, le roi en commande deux nouvelles : L’Apothéose d’Énée et L’Apothéose de la monarchie espagnole. Le travail « a fresco » se fait durant la saison chaude. Pendant la saison froide, Tiepolo peint sur toile. Tiepolo décède le 27 mars 1770, à 72 ans. Le style néoclassique vient s’imposer par la suite et Tiepolo est un peu oublié durant cette période. Mais l’influence de Tiepolo sur la peinture est immense. Francisco Goya puise notamment son inspiration dans l’œuvre de Tiepolo afin de réaliser cette technique particulière d’éclairage partiel et précis grâce aux tonalités claires. Cette technique permet par exemple de mettre en lumière l’idée de pureté ou de divin. C’est également excellent pour suggérer les thèmes du mysticisme et de la mort prépondérants de l’âge baroque.

Faire estimer gratuitement une œuvre de Giovanni Battista Tiepolo

Giovanni Battista Tiepolo a produit de très nombreuses œuvres de techniques différentes. Ses réalisations sont très prisées et une toile peut atteindre plusieurs millions d’euros. Le 14 novembre 2020, l’huile sur toile Scène d’intérieur avec un Moine capucin au chevet d’un Frère mourant, de 56 × 42 cm, s’est vendue à 400.000 €, à Cologne. Le 29 janvier 2020, l’huile sur toile La Madone du Rosaire avec les anges, signée « TIEPOLVZ.F. » et datée de 1735, mesurant 246 × 156 cm, s’est vendue à 13.629.375 €, à New York. Le 28 janvier 2020, l’œuvre Trois études pour un âne, craie couleur (rouge et blanc) sur papier, de 31 × 47,6 cm, s’est vendue à 408.744 €, à New York.

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(Illus.) Giovanni Battista Tiepolo, Le Triomphe de Flore, 1743, huile sur toile, 71,8 × 88,9 cm, Musée des beaux-arts de San Francisco.

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Estimation gratuite Nicolas Vleughels

Nicolas Vleughels

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Estimation et cote de l'artiste Nicolas Vleughels

Nicolas Vleughels (1668-1737), est un peintre français. Découvrez ici l’histoire de Nicolas Vleughels et ses peintures emblématiques du XVIIIe siècle. Besoin d’une expertise Nicolas Vleughels ? Contactez l’équipe d’Estimon’objet !

Estimation gratuite Nicolas Vleughels

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Nicolas Vleughels et sa formation artistique italienne

Nicolas Vleughels est le fils du peintre flamand Philippe Vleughels. Son père se spécialise dans le portrait. Il est à bonne école puisque sa propre mère est proche du grand maître Rubens. Et il entre à l’Académie royale de peinture et de sculpture en 1663. Philippe Vleughels a trois enfants, deux fils et une fille. Ses deux fils deviennent peintres à leurs tours. Le plus illustre des deux est Nicolas Vleughels. Nicolas Vleughels se forme aussi auprès de Pierre Mignard. Ce peintre lui transmet notamment son influence baroque issue des liens qu’il tisse avec Simon Vouet ou encore Charles Le Brun. En 1694, à l’âge de 26 ans, Nicolas Vleughels participe au concours du prix de l’Académie. Sa réalisation du thème imposé « Loth et ses filles sortant de la ville de Sodome » est remarquée. Mais il n’obtient que la seconde place.

À 35 ans, il entame un long voyage en Italie. Il séjourne d’abord à Rome pendant environ 3 ans puis à Venise pour une durée de 2 ans. Là, il se lie d’amitié avec le graveur flamand Nicolas-Etienne Edelinck. Il y rencontre également la vénitienne Rosalba Carriera. Cette artiste peintre rococo contribue grandement à diffuser la technique du pastel en France et en Europe. Nicolas Vleughels s’exerce alors au pastel et y prend goût. La technique permet de réaliser des portraits plus naturels. En 1709, il est de retour à Rome. Puis de 1712 à 1713, il réside à Modène. Son périple italien dure une dizaine d’années.

Nicolas Vleughels, directeur de l’Académie de France à Rome

Nicolas Vleughels revient en France riche de ses rencontres en Italie. Et à la fin de 1716, il est reçu à l’Académie royale de peinture et de sculpture. Le morceau de réception qu’il présente est « Alexandre faisant peindre par Apelle sa maîtresse Campaspe ». L’influence des grands coloristes tel que Véronèse y est visible. À la suite de cette reconnaissance, Nicolas Vleughels réside pendant près de 2 ans avec le grand maître rococo Antoine Watteau à Paris.

Vers 1725, il quitte à nouveau la France pour Rome. En 1727, il est nommé directeur de l’Académie de France à Rome. Il prend ce nouveau rôle à cœur et il s’implique beaucoup dans l’apprentissage artistique des élèves. Le sculpteur Michel-Ange Slodtz, le sculpteur Edmé Bouchardon, le peintre et dessinateur Etienne Jeaurat, ou encore le peintre Pierre Subleyras sont ses élèves. Nicolas Vleughels les incite à copier les grands maîtres. Dans une correspondance avec le duc d’Antin de 1727, Nicolas Vleughels écrit : « J’espère faire copier au Vatican la Messe de Raphaël, qui est un de ses beaux ouvrages, mais il est mal éclairé, et puis les Noces de Psichée, au petit Farnèse. »

Et en 1730, Nicolas Vleughels écrit à propos de E. Bouchardon et du sculpteur français Gaspard Adam : « Un voudrait finir quelque étude qu’il a commencé d’après Le Carache et Raphaël, et l’autre voudrait modeler quelque morceau pour son étude. […] Bouchardon emporte de belles études d’ici, dessinées d’une belle manière ; il y a peu de sculpteurs qui s’en acquittent comme lui. »

Le style de Nicolas Vleughels

On reconnaît son œuvre à la fois à son trait nerveux, à l’élégance, à la sensibilité et à la légèreté de ses dessins et pastels. Nicolas Vleughels peint des thèmes de l’histoire sainte, de la mythologie, ou encore de l’histoire profane. Il peint des petits formats avec une riche palette dans lesquels l’inspiration vénitienne est visible. On peut attribuer ces œuvres-ci au style baroque. Nicolas Vleughels peint également des portraits plus intimes et légers avec un aspect vaporeux typique de Watteau. L’inspiration plutôt rococo est notable dans la touche à la fois vivace, délicate et spirituelle. Il y a dans l’œuvre de Nicolas Vleughels cette dualité d’influences comme de pays. 

Dans sa peinture Vénus et les trois grâces de 1725, ce sont les couleurs vives des drapés qui sautent aux yeux et qui participent à dynamiser la toile. Dans Salomon et la reine de Saba de 1728, c’est le même effet où le spectateur est saisi par l’action et où le regard est capté par ces couleurs contrastées. Alors que dans son Autoportrait de 1714, c’est la douceur de la touche et une atmosphère calme qui s’en dégage. Il le réalise au pastel sur traits de pierre noir. On retrouve la même impression avec son Étude pour la tête de Campaspe de 1716, toute imprégnée de lascivité et de rêverie. En 1731, à 63 ans, Nicolas Vleughels épouse Marie-Thérèse Gosset. Elle est la belle-sœur du peintre baroque italien Giovanni Paolo Panini. Et à la fin de sa vie, il est fait Chevalier de l’Ordre de Saint-Michel par le roi. Nicolas Vleughels décède à Rome en 1737.

Faire estimer gratuitement une œuvre de Nicolas Vleughels

Les dernières ventes aux enchères en date d’œuvres de Nicolas Vleughels sont surtout des huiles sur panneaux. Celles-ci pouvant être adjugées jusqu’à près de 30.000 €. Le 13 mai 2023, l’huile sur bois Femmes italiennes autour d’une fontaine, de 17,5 × 24,5 cm, s’est vendue à 1300 €, à Saint-Germain-en-Laye. Le 9 juillet 2022, l’huile sur cuivre et panneau, L’Embarquement de César et Cléopâtre, datée par « MDCCXX », mesurant 18 × 23 cm, s’est vendue à 2000 €, à Rouen. En juin 2022, l’huile sur panneau L’Adoration des mages, de 38,6 × 29,2 cm, s’est vendue à 5.209 €, aux États-Unis.

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(Illus.) Nicolas Vleughels, Vénus et les trois Grâces, 1725, huile sur panneau, 26 × 34,8 cm.

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Estimation gratuite Edouard Verschaffelt

Edouard Verschaffelt

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Estimation et cote de l'artiste Edouard Verschaffelt

Édouard Verschaffelt (1874-1955) est un peintre orientaliste belge. Durant toute sa carrière, l’artiste s’essaie à divers genres, que ce soient des scènes de la vie quotidienne, la représentation de figures ou des portraits. Si ses premières œuvres orientalistes témoignent d’un certain académisme, les suivantes révèlent un style plus affirmé. Découvrez ici la vie d’Édouard Verschaffelt et ses œuvres emblématiques. Besoin d’une expertise Édouard Verschaffelt ? Contactez l’équipe d’Estimon’objet !

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Le déracinement culturel d’Édouard Verschaffelt

Édouard Verschaffelt a débuté sa formation artistique à l’Académie royale des Beaux-arts de Gand, sa ville natale, avant de poursuivre ses études à l’École des Beaux-arts d’Anvers. Aussi, c’est tout naturellement que l’artiste est marqué par l’influence de la peinture flamande. Dès ses débuts, le peintre montre également une forte inclination pour l’impressionnisme : la plupart de ses œuvres en sont d’ailleurs fortement marquées, quelque soit le sujet. Cependant, le cours de l’Histoire – et la Première Guerre Mondiale en l’occurrence – bouscule le destin d’Édouard Verschaffelt qui se voit contraint de quitter son pays – et l’Europe – fuyant l’occupation allemande. Il débarque alors en Algérie en 1919, accompagné de son épouse.

Édouard Verschaffelt, un artiste acquis malgré lui à l’orientalisme

Contrairement à la plupart des artistes orientalistes, ce n’est donc ni par curiosité ni par affinité ni même par mimétisme, pour suivre l’ère de son temps, qu’Édouard Verschaffelt se retrouve au Maghreb : expatrié, déraciné, ce dernier se retrouve immergé dans un monde aux antipodes du sien. Cette immersion accidentelle explique que le peintre ne succombe pas à cette béatitude présente dans les nombreuses œuvres de ses confrères orientalistes magnifiant la vie de ces pays d’Afrique du Nord.

En effet, attaché à ces deux traditions que sont la peinture flamande et l’impressionnisme, Édouard Verschaffelt bénéficie du recul nécessaire qui lui permet de créer des œuvres singulières, se démarquant ainsi du courant orientaliste académique. Sa peinture se définit comme une peinture de l’enracinement, une peinture sincère. Son style est caractérisé par l’apposition de petites touches rapides, inspirées de l’impressionnisme, technique déjà employée dans ses tableaux de scènes de la vie quotidienne marocaine réalisés au cours d’un séjour dans ce pays.

Tel un caméléon, Édouard Verschaffelt s’imprègne rapidement de l’exotisme et de l’atmosphère de ce pays pour lequel il développe, au fil du temps, une profonde affection. Car, à peine installé en Algérie, il ressent une fascination pour Bou Saâda : cette oasis, surnommée la « cité du bonheur », ou encore la « porte du désert », exerce une attraction sur l’artiste. De plus, la localité est le« fief » d’Etienne Dinet, un notable de la ville converti à l’Islam, que fréquente Édouard Verschaffelt : détail qui a son importance dans l’intégration du peintre à la vie orientale.

Cependant, Édouard Verschaffelt ne se limite pas uniquement à des représentations de paysages algériens : il peint également des portraits qui reflètent son amour pour ce pays, si différent de sa culture. Il excelle d’ailleurs dans cet art : les portraits qu’il réalise des indigènes sont vivants et retranscrivent leur âme. Édouard Verschaffelt acquiert, par conséquent, une touche qui lui est propre, un style personnel en assimilant l’héritage occidental, européen et en l’appliquant à des sujets orientaux. Un tour de force qui est à souligner … Édouard Verschaffelt dédie, par conséquent, sa vie et son art à l’Algérie : suite au décès de son épouse, il se remarie d’ailleurs avec une autochtone d’une tribu locale qu’il fait figurer dans ses nombreuses toiles consacrées à ce pays de cœur qu’il n’aura de cesse de peindre jusqu’à sa mort, à Bou Saâda en 1955.

L’estimation des œuvres d’Édouard Verschaffelt

Ces dix dernières années, la valeur des œuvres d’Édouard Verschaffelt est marquée par une certaine fluctuation avec un pic conséquent observé en 2015, suivi d’un passage à vide l’année suivante. Puis d’une reprise progressive qui atteint un deuxième pic en 2019, cependant moins élevé que celui de 2015. Les trois années subséquentes observent une irrégularité. Les ventes de l’artiste concernent, dans sa quasi-totalité, la catégorie « Peinture » (un peu plus de 98%). Celles-ci se vendent généralement entre 50 et 68 000 €. Ses dessins et aquarelles représentent, quant à eux, une infime part (1%), débutant à 1100 euros pour atteindre 21 000 €. Édouard Verschaffelt est classé 16 4076ème au palmarès mondial des artistes les mieux vendus aux enchères (en 2022) et occupe la 1ère place du marché français (en 2022, toujours). Le record est détenu par une huile sur toile, Femmes berbères vendue 68 000 € à Paris en 2008.

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