Né en 1861 à Etrepagny, Louis Anquetin est le fils unique et choyé d’une famille normande aisée. Très jeune, ses parents l’encouragent à se lancer dans la pratique du dessin. Dés 1882 il rejoint l’atelier du peintre Léon Bonnat (1833-1922) à Paris et se lie d’amitié avec Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) qui lui fait découvrir les cabarets Montmartrois. Quand Bonnat ferme son cours, ils rejoignent en 1883 un autre artiste académique, Fernand Cormon, peintre d’histoire (1845-1924), dont l’atelier va devenir un véritable creuset où se forment de jeunes talents aussi doués qu’Émile Bernard ou Vincent Van Gogh.

Fils d’un marin-pêcheur, Pierre Tal Coat commence son cursus scolaire à l’école primaire de 1912 à 1914. Puis en 1918 il devient apprenti forgeron tout en commençant à dessiner et à sculpter. En 1915 son père meurt sur le front d’Argonne, rendant ainsi pierre Tal Coat, pupille de la Nation. Il rentre ensuite à l’école primaire supérieure de Quimperlé. En 1923, il occupe le métier de clerc de notaire à Azerno et l’année suivante de mouleur et peintre céramiste à la faïencerie de Quimper.

En 1924, Tal Coat s’installe à Paris et devient modèle à l’Académie de la Grande Chaumière. Il est en même temps mouleur à la Manufacture de Sèvres où il rencontre le peintre Émile Compard. L’artiste vient à partager un atelier avec le peintre Jean Sautter, dont un ami le présente au directeur de la galerie Fabre. Par la suite, Tal Coat s’engage dans son service militaire au courant de l’année 1925. En 1926, il expose dans la galerie Fabre et prend le nom de Tal Coat, la traduction en breton de “front de bois”.

La Grande Dépression de 1929, contraint Tal Coat à de longs séjours en Bretagne durant lesquels il arpente les sites mégalithiques. En 1926 l’artiste s’octroie un voyage en Provence où il rencontre Picasso. Pendant cette période, il peint de nombreux portraits comme celui d’Alberto Giacometti et la série des massacres, inspiré par les horreurs de la guerre d’Espagne. Son succès l’amène à exposé en 1938 à la galerie Julien Levy à New York.

Après une longue mobilisation à Saint-Germain-en-Laye, l’artiste expose en 1941 à l’exposition Vingt jeunes peintres de tradition française organisée à la galerie Braun à Paris. Une fois la fin de la guerre déclarée, Pierre Tal Coat retourne à Paris et loue un atelier rue Brézin, à Montparnasse. L’artiste se rend à l’aquarium du Trocadéro et au Jardin des Plantes, où il dessine de façon assidue la faune : Aquarium, Poissons, Coqs, Taureaux. Tal Coat se lance dans une série de gravures d’une trentaine de planches qui seront montrées dans les expositions La jeune gravure française à Paris et Montevideo.

En 1947, Tal Coat participe à l’exposition Painting in France 1939-1946 au Whitney Museum à New York. Le théoricien d’art Clément Greenberg remarque ses peintures avec celles de Jean Dubuffet. L’exposition personnelle qui se déroule en 1950 déconcerte la critique par une prétendue disparition du motif. Quatre ans plus tard, il rejoint à la galerie Maeght où chacune de ses expositions seront accompagnées d’une parution de la revue catalogue Derrière le miroir ainsi que de l’édition de nombreuses estampes.

Né de parents négociants en vin,  Jean Dubuffet se rapproche du domaine artistique dès son entrée au lycée François 1er du Havre en 1908. Durant ses études secondaires, il côtoie Georges Limbour (1900-1970), écrivain, Armand Salacrou (1899-1989), dramaturge et Raymond Queneau (1903-1976), romancier et poète. Entouré d’intellectuels, Dubuffet entreprend alors de s’inscrire au cours du soir de l’École des Beaux-Arts à partir de 1917. L’année suivante, il obtient son baccalauréat et s’installe à Paris avec Limbourg pour se consacrer à son domaine de prédilection, la peinture. Après avoir suivi pendant six mois les cours de l’Académie Julian, il se détache du groupe pour travailler seul. Dès lors, il rencontre et fréquente Suzanne Valadon (1865-1938), Élie Lascaux (1888-1968), le poète Max Jacob (1876-1944), et l’écrivain Charles Albert Cingria (1883-1954).

En 1920, ses parents partent pour les affaires s’installer à Alger pendant une durée d’une année. Ces douze mois sont pour Dubuffet une période d’isolement où il s’intéresse de plus près au domaine de la littérature, à l’étude de la langue et à la musique. À partir de 1922, l’artiste se rend régulièrement dans l’atelier d’André Masson (1896-1987). En 1923 il séjour à Lausanne chez son ami l’écrivain Paul Budry. Il visite l’Italie pendant quelques jours et se doit de rentrer pour réaliser son service militaire.

À partir de 1924, Dubuffet traverse une grande période de doute, remettant en question les valeurs de la culture, l’artiste cesse de peindre pendant environ huit ans. Afin de s’éloigner de cet état d’esprit, l’artiste décide de partir pour Buenos Aires où il y séjourne pendant quatre mois. À son retour au Havre en 1927, Dubuffet reprend l’affaire paternelle après la mort de son père. L’année 1930 est pour lui une période décisive dans son héritage, puisqu’il fonde à Bercy un négoce de vin en gros, mais Dubuffet n’en oublie pas pour autant la peinture. En 1933 l’artiste revient s’installer à Paris où il loue un atelier rue du Val-De-Grâce, il consacre quelques heures chaque après-midi à travailler ses productions.

À partir de 1937, Jean Dubuffet se doit de retourner sur le chemin de Bercy pour sauver la firme familiale de la faillite et abandonne une nouvelle fois la peinture. Une fois l’entreprise stabilisée, le peintre reprend la direction de Paris et se jure de se consacrer exclusivement à sa passion. Il développe en même temps un intérêt pour le jazz. En 1944, Dubuffet participe à sa première exposition à la galerie René Drouin où il exposera régulièrement jusqu’en 1947. Cette première exposition expose le peintre à de nombreuses controverses. 

Dubuffet commence ses premières lithographies chez Fernand Morlot (1895-1988). Il rencontre Pierre Matisse (1900-1989), le fils du peintre et marchand à New York,et lui présente ses productions. Le peintre s’envole ensuite pour la Suisse où il commence ses premières recherches sur les productions d’art brut. En 1946, il assiste à sa deuxième exposition chez Drouin.Il part à New York en 1947 où il expose à la galerie Pierre Matisse, où il exposera régulièrement jusqu’en 1959. Son voyage continu ensuite dans le désert saharien, à El Goéla, où il découvre des paysages et des couleurs inédits. Les années 1948 sont une période charnière pour Dubuffet, puisqu’elle résume la fondation du foyer de l’art brut, au sous-sol de la galerie Drouin dans lequel se sont déroulées plusieurs expositions avant l’installation du foyer aux USA en 1951.

De 1949 à 1971, Dubuffet a une activité conséquente et construit un cercle de connaissance important qui le mène toujours vers des projets différents et variés. En plus d’être un peintre reconnu, l’artiste se met à écrire et à théoriser sa représentation de la culture. Engagé, Dubuffet unis autour de sa cause un cercle intellectuel solide.

Gaston Chaissac né dans une famille d’artisans, son père cordonnier lui apprend son premier métier manuel. Chaissac est né dans les débuts de la guerre et connaît donc une enfance mouvementée. De ce fait, sa contribution au système scolaire est courte et chétive. L’artiste se plaît pourtant à observer les cours de dessin que sa sœur prend auprès de Hélène Guinepied (1883-1927), peintre de Corrèze dont la méthode fascine et inspirera Chaissac jusqu’à la fin de sa carrière. En 1923, Chaissac est alors âgé de treize ans et quitte l’école pour entrer dans un apprentissage. Il y exerce divers métiers avec un intérêt pour chacun : marmiton, commis de quincaillerie, apprenti bourrelier et palefrenier. En 1926 l’artiste s’installe chez sa sœur où il exerce, avec plus de profondeur, le métier de son père, cordonnier puis celui de fabricant de brosse.

Gaston Chaissac entame ses premiers travaux artistiques environ dix ans plus tard car la mort de sa mère et le mariage de sa sœur, qui quitte dès lors la cellule familiale, représentent de gros bouleversements pour lui. Après ces étapes difficiles, Chaissac tente de s’établir à Paris où son frère Roger l’accueil chez lui rue Henri Barbusse. Celui-ci lui ouvre une échoppe de cordonnier rue Mouffetard où Chaissac constitue ses premières sources de revenus. Par coïncidence, l’immeuble où habite l’artiste abrite deux peintres abstraits, Otto Freundlich (1878-1948) et Jeanne Kosnick-Kloss (1892-1966), qui ne cesseront de le conseiller jusqu’à leur mort. 

 En 1937, Gaston Chaissac tombe gravement malade. Diagnostiqué d’une tuberculose, l’artiste ne cesse pour autant de peindre. Il est envoyé au sanatorium d’Arières-sur-Iton dans l’Eure où il suit un traitement. Pour autant, Chaissac entreprend sa première exposition en 1938 à Paris et des artistes comme Albert Gleizes (1881-1953) et Robert Delaunay (1885-1945) étudient vivement les travaux qu’il présente. De 1939 à 1942, l’artiste termine son traitement au sanatorium de la cité sanitaire de Clairvivre en Dordogne où il occupe le statut de chef d’atelier de la cordonnerie. Il rencontre d’ailleurs en 1940 sa future épouse, Camille Guibert. 

Après une longue période de maladie, Gaston Chaissac est invité par Albert Gleizes à partir à Saint-Rémy-de-Provence en 1942. L’artiste peint à l’atelier de Gleizes et travaille en même temps comme bourrelier. C’est à cette période qu’il fait la connaissance d’André Lhote (1885-1962). Un an plus tard, en 1943 Chaissac présente à la maison des intellectuels, sa deuxième exposition à Paris. L’artiste obtient de très bonnes critiques, notamment au cœur du cercle artistique.

Toujours en 1943, Camille Guibert son épouse est nommée institutrice à Boulogne en Vendée. Le couple s’y installe et la situation de Chaissac, alors débarrassé du souci de sa subsistance financière, peut enfin se focaliser sur sa production artistique. Dès lors, en 1944 il participe au Salon des indépendants. La capitale lui a permis de rencontrer une figure de renommée, Jean Dubuffet (1901-1985) avec qui il entretient de nombreuses correspondances. À partir 1947, il participe à sa première exposition personnelle à la galerie arc-en-ciel de Paris.

Entre l’année 1956 et 1958, Gaston Chaissac vie à Sainte-Florence ou son intégration est difficile. Les habitants le prennent pour un fou car celui-ci, dans ses productions, reste fidèle à sa vision artistique et refuse d’opter pour les tendances de l’époque. Durant cette période, il ne peint pratiquement pas. Pour autant la visite d’Anatole Jakovsky, lui redonne espoir et l’artiste participe peu de temps après à l’exposition d’art brut de la galerie René Drouin à Paris. Chaissac est alors perçu par le monde de la critique et par un public plus large comme un artiste autodidacte dont les émotions sont à l’origine de ses créations. Finalement, l’artiste a toujours vécu et pensé en dehors des tendances et des goûts de l’époque, ce qui lui vaut sa singularité.

À partir des années soixante, Gaston Chaissac commence à se faire remarquer à l’international, l’Allemagne, l’Italie et les États-Unis s’intéressent à ses productions. Or, l’artiste miné par l’anxiété, les difficultés matérielles et ses ennuis de santé se détache du monde artistique et meurt en 1964 d’une embolie pulmonaire à l’hôpital de La Roche-sur-Yon.

En 1979, Fabienne Verdier entre à l’école des beaux-arts de Toulouse et obtient le diplôme en 1983. Durant cette même année, à l’âge de 22 ans, Verdier part étudier en Chine à l’université Sichuan Fine Arts Institute. L’artiste s’oriente vers les derniers grands peintres chinois dont elle obtient le témoignage à propos de la Révolution culturelle. Elle travaille à leur côté et étudie leur théorie esthétique. Elle obtient en 1989 le diplôme supérieur en art de l’université et s’inscrit comme première étrangère à recevoir cet honneur. Jusqu’en 1991, Fabienne Verdier est attachée culturelle auprès de l’ambassade de France en Chine.

À partir de 1992, Fabienne Verdier rentre en France après de longues années d’immersion en Chine. En 2003 elle publie un livre intitulé Passagère du silence dans lequel elle décrit son apprentissage au sein d’un système de pensée radicalement différent. Plusieurs expositions personnelles ont alors lieu en France ainsi que dans d’autres pays européens et à l’international, notamment en Asie. 

Fabienne Verdier se spécialise dans différents domaines, l’architecture, la peinture, l’association de la musique et la peinture et la lumière. Cette polyvalence intéresse de nombreuses galeries et à partir de 2015, elle obtient de plus en plus de contrats. En 2017, elle collabore avec Alain Rey (1928-2020) sur un projet intitulé Polyphonies : forme sensible du langage et de la peinture. La peintre inaugure en même temps de nouvelles techniques comme par exemple ces pinceaux monumentaux ou encore un dispositif consistant à filmer du dessous l’acte de la peinture.

Né en 1935 à Bologne, Valerio Adami passe ses étés sous le soleil vénitien. Il y rencontre le poète et critique W. H. Auden et les artistes Felice Carena et Oskar Kokoschka. La jeune homme débute la peinture dans l’atelier de Carena avant d’être admis à l’Académie des Beaux-Arts de Brera à Milan. Entre 1951 et 1954, Valerio Adami étudie scrupuleusement les oeuvres antiques et néo-classiques, et présente des premiers tableaux de facture expressionniste. 

Au cours de ses années de formation, Valerio Adami réalise plusieurs séjours à Paris. En 1952, il rencontre le poète Édouard Glissant, qui l’introduit à son tour aux artistes Roberto Matta et Wilfredo Lam. En 1957, Adami expose pour la première fois dans une galerie de Milan où il présente des toiles marquées par l’influence surréaliste de ses nouveaux amis. Le surréalisme demeurera une source d’inspiration majeure pour Adami. 

En 1958, Valerio Adami séjourne à Londres où il côtoie la nouvelle peinture d’avant-garde. Quelques années plus tard, il y fait la connaissance des artistes Francis Bacon et Graham Sutherland, ainsi que des pop-artistes Jim Dine et Richard Hamilton. Partageant sa vie avec la peintre Camilia Adami entre Paris, Londres et New York, Valerio Adami se retrouve au coeur d’une peinture émergeante, redéfinie sous le terme de Nouvelle figuration, où il lui faut construire sa place. 

Né en 1924 en Grèce, Ion Pacea réalise ses études d’art en Roumanie. Ses années de formation sont riches. Il se partage entre l’Académie des Beaux-Arts de Bucarest et l’Académie Libre Guguianu. Il reçoit les enseignements des artistes Camil Ressu, Jean Alexandru Steriadi et Alexandru Ciucurencu, tous trois formés en partie à l’Académie Julian à Paris. Ion Pacea est donc au fait des multiples tendances artistiques présentes au sein de l’École de Paris.

Ion Pacea fait ses débuts sur la scène artistique dans un contexte particulier. Au sortir de la Seconde Guerre mondiale, la Roumanie est occupée par l’Union Soviétique et participe du bloc de l’Est. Le pays met en place un régime communiste et utilise l’art à des fins de propagande et d’éducation populaire. Sous l’égide du réalisme-socialiste, l’art devient de plus en plus homogène. En 1947, Ion Pacea présente ses deux premiers tableaux au Salon officiel de Bucarest.

Le positionnement d’Ion Pacea à l’égard du régime apparaît ambivalent. En 1971, il reçoit l’Ordre du mérite culturel, à l’occasion du 50e anniversaire de la création du Parti communiste roumain, saluant sa participation à la construction du socialisme. En parallèle, l’artiste apparaît au cinéma à plusieurs reprises, notamment dans Bietul Ioanide de Dan Pita, où il incarne un architecte idéaliste espérant voir les intellectuels prendre le pouvoir politique de la Roumanie de demain. À la fois en accord avec les idées socialistes et critique du régime, Ion Pacea mettra de côté la politique dans son oeuvre.

Ion Pacea est consacré par-delà les frontières de son pays et du réalisme-socialiste. Sa peinture fait l’objet de nombreuses expositions personnelles et intègrent les manifestations collectives en Roumanie, mais aussi en France, en Allemagne, en Russie ou encore aux États-Unis. Ion Pacea a également reçu plusieurs prix dans son pays comme à l’étranger. L’artiste connaît donc une reconnaissance artistique nationale et internationale, le consacrant comme un grand représentant de la peinture moderne roumaine. À ce titre, il deviendra membre honoraire de l’Académie roumaine.

Né en 1921 à Varsovie, Ladislas Kijno émigre, avec ses parents, dans le nord de la France dès 1925. Très jeune, l’enfant dévoile un intérêt et un talent pour le dessin et la peinture. En 1938, il entame des études de philosophie à Lille. D’abord autodidacte, Ladislas Kijno participe à une première exposition en 1943. 

Dans les années 1940, plusieurs rencontres décisives marquent sa trajectoire d’artiste. En 1943, Louis Aragon et Francis Ponge lui ouvrent les portes de nombreuses collaborations avec des poètes, tandis qu’en 1948, la sculptrice Germaine Richier l’encourage à se dédier entièrement à la peinture. Sur ses conseils, Kijno s’installe à Paris et se forme dans son atelier.  

En 1956, Ladislas Kijno déménage à Antibes, après avoir brûlé l’ensemble des toiles réalisées au cours des deux dernières années, avant de revenir à Paris. Il s’installera durablement en région parisienne avec sa femme, Malou Kijno. Dès les années 1970, leurs nombreux voyages au Japon, aux États-Unis, en Russie, en Chine ou encore au Mexique, nourriront les dimensions spirituelles et politiques de sa peinture. 

Dès les années 1950, Ladislas Kijno jouit d’une reconnaissance artistique. En 1954, l’artiste bénéficie de sa première exposition personnelle à la Galerie Placide de Paris, tandis qu’en 1956, le Musée d’art moderne de la ville de Paris acquiert l’une de ses toiles. Dès lors, les expositions personnelles et collectives s’enchaineront pour Kijno, dans les galeries et les institutions, en France comme à l’international. En 1980, Kijno représentera la France à la Biennale de Venise. 

Raymond Guerrier nait en 1920 à Paris dans une famille modeste. Doué pour le dessin, il entre en apprenti dans un atelier de photogravure et y apprend la construction de l’image. En parallèle, il se forme à la peinture en étudiant les maîtres au sein des musées parisiennes. De sa période d’apprentissage, Raymond Guerrier retient les enseignements des artistes italiens et flamands de la Renaissance et du réalisme français, ainsi que la tradition picturale de la nature morte et de la vanité.

Autodidacte, Raymond Guerrier commence à vendre ses peintures, des vues de Paris, « à la sauvette » sur le boulevard Saint-Germain. À la fin des années 1940, il intègre les réseaux artistiques de son époque et participe notamment au Salon des Indépendants, au Salon de la rue de la Seine et au Salon des Jeunes peintres. Reconnu par ses pairs, il remporte plusieurs prix et devient membre du Salon des Jeunes peintres aux côtés d’artistes renommés tels que Bernard Buffet, Paul Rebeyrolle et André Minaux.

À la fin des années 1950, Raymond Guerrier acquiert une reconnaissance artistique et gagne son autonomie financière. Il quitte son emploi de photograveur ainsi que la capitale, et poursuit son chemin de solitaire dans les Alpilles. Installé à Eygalières, l’artiste représente, dans ses peintures, ces paysages nouveaux du Sud de la France. À partir des années 1970, Raymond Guerrier enrichira également ses thèmes en rapportant des vues de ses nombreux voyages en Espagne, en Italie ou encore au Maroc.