La Céramique d’Art de Bordeaux est une manufacture implantée à Caudéran, banlieue de Bordeaux. En 1918, Jean Mérillon (1951 – 1924), un négociateur de vin et passionné par les arts décoratifs, fait l’acquisition des installations d’une ancienne poterie : en 1919, il fonde la Céramique d’Art de Bordeaux, grâce au soutien de ses partenaires, des notables bordelais.

La Céramique d’Art de Bordeaux repart alors sur des bases rénovées et promeut un projet artistique différent des entreprises qui l’ont précédées en son sein. Elle s’oriente alors vers la faïence d’art et promet de créer ses propres formes. Jean Mérillon confie immédiatement la direction artistique et technique à Félix Gête (1870 – 1959).

La Céramique d’Art de Bordeaux est à la tête d’une production avant-gardiste, teintée d’Art Nouveau et d’Art déco. Elle participe aussi à la grande aventure Primavera en créant des pièces pour les magasins Printemps.

Cependant, la Céramique d’Art de Bordeaux perd son fondateur, Jean Mérillon, qui décède subitement en 1924. Bien que plusieurs successeurs reprennent son poste dans les années suivantes, la manufacture rencontre plusieurs difficultés financières.

En 1947, face à l’impossibilité de trouver des solutions pour rendre la Céramique d’Art de Bordeaux rentable, le conseil d’administration décide d’en cesser l’activité. Un an plus tard, la manufacture est reprise par la Céramique de la Gironde qui, après avoir racheter la marque et les installations de la Céramique d’Art de Bordeaux en 1957, s’oriente par la suite vers la fabrication d’accessoires sanitaires et d’appareillages électriques pour des raisons de rentabilité.

Bien que la Céramique d’Art de Bordeaux ne dispose pas, ou plus, de véritables archives, il apparait qu’elle joue un rôle déterminant dans l’entre-deux-guerres dans le secteur des arts décoratifs à Bordeaux.

Le couple formé par Michelle et Jacques Serre débute son parcours dans les années 1950 à Cagnes-sur-Mer, dans le sud de la France, avant d’installer leur atelier à Vallauris, haut lieu de la céramique moderne. Inspirés par la tradition provençale, mais aussi par les recherches formelles de la modernité d’après-guerre, ils développent un langage artistique personnel, à la frontière entre l’artisanat d’art et la sculpture contemporaine. Leur union artistique repose sur une complémentarité rare : Jacques s’attache à la conception des formes, tandis que Michelle se consacre à la décoration et à l’émail. Ensemble, ils conçoivent des œuvres où la simplicité géométrique rencontre la sensualité des matières. Dans les années 1960, leur production s’enrichit d’objets fonctionnels — vases, coupes, lampes — qui séduisent un public sensible à la beauté sobre et à la pureté des lignes. Cette approche les inscrit dans la lignée des grands créateurs du design français d’après-guerre, aux côtés de Georges Jouve, Roger Capron ou Accolay.

Né à Maisons-Laffitte en 1889, Jean Cocteau se révèle très tôt comme un esprit libre et précoce. Après avoir quitté le lycée Condorcet, il s’impose rapidement dans les cercles artistiques parisiens. Ami de Picasso, Modigliani, Satie, Stravinsky et Gide, il devient l’un des grands animateurs de la vie culturelle du début du XXᵉ siècle. Sa carrière est marquée par une incroyable diversité : il écrit des poèmes et des pièces de théâtre, réalise des films devenus des chefs-d’œuvre comme La Belle et la Bête (1946) ou Orphée (1950), tout en explorant la peinture, le dessin et les arts décoratifs. Son univers artistique repose sur la fusion entre poésie et image, entre mythologie et modernité. Les figures d’Apollon, d’Orphée ou de Narcisse reviennent souvent dans son œuvre, symbolisant la beauté, la création et le reflet de soi.

En 1946, au sortir de la guerre, Picasso découvre la céramique dans le petit village de Vallauris, au cœur de la Provence. Cette rencontre, facilitée par le couple Georges et Suzanne Ramié, propriétaires de l’atelier Madoura, marque un tournant dans sa carrière. Séduit par la malléabilité de la terre et la richesse des émaux, Picasso trouve dans la céramique un terrain d’expérimentation infini. Il s’y adonne avec une passion débordante, réalisant plus de 4 000 pièces en deux décennies. L’artiste transforme les formes traditionnelles — assiettes, vases, plats, pichets — en œuvres pleines de vie. Chaque pièce devient un support d’invention : il y grave, peint, modèle ou incise la terre avec un geste libre et spontané. La céramique permet à Picasso d’unir art et artisanat, tout en renouant avec une dimension ludique et populaire de la création artistique.

Né à Paris en 1906, Pol Chambost débute sa carrière comme sculpteur avant de se tourner vers la céramique à la fin des années 1930. Sa formation de sculpteur marquera profondément son approche du volume : chaque œuvre est pensée comme une sculpture à part entière, où les lignes douces et les courbes sensuelles traduisent une véritable recherche d’harmonie formelle. Dès les années 1940, il expose ses premières pièces à la galerie Rouard et au Salon des Artistes Décorateurs. Son style se distingue immédiatement par des formes organiques et des couleurs satinées, à contre-courant de la production industrielle. Dans l’immédiat après-guerre, il participe activement au renouveau des arts décoratifs français, aux côtés d’artistes tels que Georges Jouve, Jacques et Dani Ruelland, André Aleth Masson ou encore Roger Capron. Ses œuvres, empreintes de modernité, s’imposent dans les intérieurs élégants des années 1950. Chambost crée aussi bien des vases que des coupes, des lampes ou des sculptures décoratives, souvent caractérisées par une sensualité des formes et une grande rigueur de composition.