Lors de la guerre de 1914-1918, Victor Tardieu est engagé volontaire. Il poursuit cependant son activité d’artiste et, à la fin du conflit, reçoit quelques rares commandes officielles, dont, en 1920 celle du plafond de l’Hôtel de Ville de Montrouge (représentant Les Âges de la vie). 

Celles-ci ne suffisent cependant pas à faire vivre sa famille, qui dépend des leçons de harpe de Câline. 

Victor Tardieu se présente alors au concours de l’Indochine, instauré dix ans plus tôt, dont le prix est un voyage aller-retour dans la colonie, assorti d’une obligation d’y exposer des œuvres. Tardieu remporte le concours et s’embarque pour Saïgon au début de 1921 : son séjour, qui devait durer six mois, s’y poursuivra avec diverses interruptions jusqu’à son décès.

Rapidement, Simon Vouet rencontre un franc succès. Il participe aux décors de l’église de San Lorenzo in Lucina et de la Basilique Saint-Pierre tandis qu’il travaille pour le futur pape Urbain VIII et répond également à des commandes privées. Signes supplémentaires de son succès, Simon Vouet est embauché à Gênes par les princes de Doria entre 1620 et 1622. A son retour à Rome en 1624, l’artiste est nommé à la tête de l’Académie Saint-Luc, en tant que meilleur représentant du baroque romain.

Plongé dans le contexte baroque romain, Simon Vouet fait la part belle au mouvement, à la sensation et à la tension dans ses tableaux. L’artiste représente des scènes de genre ou religieuses, en mettant en jeu les dimensions dramatique et décorative de la peinture à travers une palette contrastée et des formes exubérantes. Simon Vouet est alors très influencé par la pratique du clair-obscur du Caravage. 

Simon Vouet construit ainsi la première partie de son œuvre en Italie, majoritairement à travers des décors in-situ dans les grandes villes italiennes. Son travail comporte également de nombreux dessins, notamment au pastel, ainsi que des portraits. A son retour en France, Simon Vouet importera le style romain dans son pays d’origine, avec ses couleurs brillantes, ses compositions grandiloquentes et théâtrales, ainsi que ses figures mythologiques.

Sébastien Bourdon devient rapidement célèbre à Rome et vend de nombreux tableaux. Mais, à l’issue d’un affrontement avec le peintre Des rieux, il est contraint de quitter l’Italie. De religion protestante, l’artiste est menacé d’être dénoncé dans un contexte italien marqué par l’Inquisition grandissante. Sébastien Bourdon fait donc le choix de rentrer en France, et s’installe à Paris.

A son arrivée à Paris, Sébastien Bourdon se lie d’amitié avec le peintre protestant Louis du Guernier, et épouse sa sœur, Suzanne, en 1641. Deux ans plus tard, il est sélectionné par la corporation des orfèvres pour réaliser le May de Notre Dame de Paris. Couvert de nombreuses éloges, l’artiste produit en tout soixante-seize tableaux religieux monumentaux pour la cathédrale.

En parallèle des commandes, Sébastien Bourdon se fait également une clientèle personnelle. Il propose principalement des tableaux champêtres ou des scènes de genre, des portraits ou encore des scènes de peinture d’histoire telles que des batailles. Reconnu comme un grand peintre de son époque, il fait de sa palette chatoyante sa signature.

Influencé d’abord par Rubens, le style classique de Philippe de Champaigne évolue ensuite vers plus de mesure et d’austérité, à proximité de Nicolas Poussin. Portraitise de talent et maître de la peinture d’histoire, l’artiste maintient, toutefois, une palette éblouissante. A travers sa maîtrise de la couleur, Philippe de Champaigne capture la vitalité des personnes représentées dans des portraits psychologiques poignants, tandis qu’il fait éclore l’émotion spirituelle dans ses compositions religieuses.

Au service de la famille royale, Philippe de Champaigne réalise de nombreux projets. Il conçoit des fresques pour les plafonds du Palais du Luxembourg, ou encore pour le château de Richelieu ; il crée des tableaux religieux pour le couvent des Carmélites, ou la chapelle de la Sorbonne ; et réalise de nombreux portraits pour l’Etat et la Haute-Noblesse. Philippe de Champaigne est le seul artiste autorisé à peindre le Cardinal Richelieu, qu’il représente à onze reprises.

Philippe de Champaigne mène donc une carrière brillante. Avec Simon Vouet, le peintre devient l’artiste classique le plus en vue du Royaume de France. En 1648, l’artiste est également l’un des membres fondateurs de l’Académie de sculpture et de peinture aux côtés, notamment, de Charles Le Brun. Au sein de l’Académie, Philippe de Champaigne donne de nombreuses conférences. A la célèbre querelle entre le coloris et la ligne, il plaide en faveur d’un équilibre entre les deux.

A la fin de sa vie, Philippe de Champaigne se dédie davantage à l’enseignement. A côté de l’Académie, il forme également de nombreux élèves. Parmi eux, on retrouve son neveu Jean-Baptiste Champaigne, qu’il fait venir de Bruxelles après le décès de son fils.

L’art de Nicolas Poussin est considéré comme le renouveau de la peinture française. Dans un contexte dominé par le maniérisme, l’artiste réinvente le classicisme pictural. Dans ses tableaux, il représente des sujets historiques, mythologiques ou religieux, ainsi que des portraits et des paysages avec scénettes sur la fin de sa vie.  Au cours de sa carrière, Nicolas Poussin demeure en marge des courants esthétiques dominants. 

Maître de la composition, Nicolas Poussin réalise des tableaux rigoureux, à la dimension théâtrale souvent prononcée, résultant d’un long processus de réflexion. L’artiste recourt au dessin à la plume, parfois réhaussé de lavis au pinceau, pour esquisser les grandes lignes de sa composition. Dans les cas les plus complexes, il opère par l’emploi d’une boite optique, dans laquelle il positionne ses personnages et les décors réalisés à la cire, lui garantissant une grande maîtrise. Par la suite, Nicolas Poussin peint directement sur la toile, sans réaliser d’esquisse préalable.  

En vertu de ses talents de dessinateur, Nicolas Poussin construit ses motifs picturaux à partir de la ligne et de la forme, davantage que de la couleur. A la mort de l’artiste, cette caractéristique l’opposera au peintre Rubens, maître de la couleur et de la sensation, dans la querelle des Anciens et des Modernes, entre poussinistes et rubénistes. 

A priori soutenu par sa famille, Lubin Baugin réalise un voyage en Italie à l’image de nombreux de ses contemporains. Si peu de documentation existe sur son voyage, il semblerait que Lubin Baugin y séjourne entre 1632 et 1640.

Son mariage avec la Romaine Brigitte d’Asté, ainsi que ses deux tableaux religieux copiés des fresques de l’église Saint-Jean l’Evangéliste de Parme, attestent factuellement de son passage. Mais c’est sans doute l’influence des maîtres italiens, tels que Parmesan et surtout Raphael, sur ses œuvres postérieures qui constitue la meilleure preuve.

De retour à Paris, Lubin Baugin obtient un brevet de peintre du roi, et se consacre à des toiles de sujets religieux. Il peint de nombreux tableaux de la Sainte Famille et de Vierge à l’enfant, qui épousent le classicisme épuré et paisible de Raphael. Les peintures de Lubin Baugin de cette époque sont caractéristiques de l’atticisme parisien, défini comme la période sobre et austère du classicisme français. Lubin Baugin ne cessera d’aller vers un style de plus en plus sobre et austère, dépouillé.

Lubin Baugin produira surtout des tableaux destinés à une clientèle privée. Réalisés sur des panneaux de bois et de petit format, ses peintures religieuses réjouissent les familles parisiennes aisées. En parallèle, l’artiste recevra également des commandes officielles, telles que des retables et décors sacrés, pour la chapelle de la Congrégation des Nobles ou encore celles de Notre Dame. En 1651, il entrera à l’Académie royale de peinture et de sculpture, un signe de la reconnaissance de ses paires.

Dans les années 1630, Laurent de la Hyre expérimente et évolue vers une touche plus mesurée. En cette décennie, il reçoit ses premières commandes d’envergure. Laurent de la Hyre conçoit ses premiers tableaux religieux pour la cathédrale de Notre-Dame de Paris, ou encore pour le palais du cardinal Richelieu.

En 1635, l’œuvre Saint-Pierre guérissant les malades de son ombre témoigne d’une composition plus épurée et d’un style qui s’affine. Si les personnages demeurent représentés à partir de la couleur, de leurs expressivités, dans une mise en scène théâtrale, l’architecture atteste d’un travail de la ligne, d’un ordre nouveau duquel se dégage la figure de Saint-Pierre.

Très apprécié pour ces peintures, la réputation de Laurent de la Hyre se consolide. Dans les années 1640, l’artiste amène son style à maturité. A l’image de ses contemporains, Laurent de la Hyre est profondément marqué par la peinture de Nicolas Poussin, de retour à Paris entre 1640 et 1642. Sous son influence, Laurent de la Hyre tend à un style plus classique, fondé sur la ligne, l’harmonie des couleurs, la mesure et la retenue.

Tableau de 1647-1650, Moïse sauvé des eaux témoigne magistralement de ce changement de style. Les contours des corps et des drapais, et leurs coloris délicats, de blancs et bleus, se détachent sur des ruines antiques soigneusement dessinées. Bordé par un paysage calme, le tableau se distingue par sa sérénité, bien éloigné de la facture maniériste des débuts de l’artiste.

A l’opposé de la peinture obscure et expressive du Caravage, Jacques Stella épouse un style classique hérité de l’art antique et la peinture florentine, du classicisme de Raphael et de celui de son ami et contemporain Nicolas Poussin. Au cours de sa carrière, Jacques Stella réalise principalement des peintures d’histoire aux thèmes religieux.

En 1626, Jacques Stella créée Sainte-Cécile jouant de l’Orgue pour le pape Urbain VIII. Dans ce tableau, l’artiste accorde à la ligne et au dessin une place centrale à travers une composition harmonieuse, ordonnée par la perspective géométrique. La douceur et le raffinement émanant de la toile sont, sans conteste, des caractéristiques majeures du style de Jacques Stella.

On connaît également de Jacques Stella des peintures monumentales ornant certains châteaux et édifices religieux français. A son retour en France en 1634, il reçoit une commande pour la chapelle Saint-Louis du château de Saint-Germain-en-Laye, pour le chœur de l’église Saint-François-Xavier et participe à la décoration du palais de Richelieu, le tout aux côtés de Simon Vouet et de Nicolas Poussin.

A son décès, Jacques Stella lègue une œuvre dense en peintures, gravures et dessins, ainsi qu’une prestigieuse collection d’art. Grand collectionneur, l’artiste compte, parmi ses joyaux, des tableaux de Nicolas Poussin, des peintures de Raphael ou encore des dessins de Michel-Ange et de Leonard de Vinci.

Malgré un succès considérable du vivant de l’artiste, son héritage demeure mitigé. D’un côté, son œuvre fait l’objet de nombreuses copies, notamment des gravures de ses nièces qui permettent de diffuser son travail. De l’autre, la proximité de Jacques Stella et de Nicolas Poussin pousse de nombreux marchands à confondre leurs œuvres, au profit du second largement encensé. Il faudra ainsi attendre les recherches du XXème siècle pour rendre à Jacques Stella sa juste place dans l’histoire de l’art.

Rapidement, Gaspard Dughet se fait un nom auprès des aristocrates et collectionneurs italiens. Il voyage à Pérouse, à Florence ou à Naples afin de répondre aux nombreuses commandes de l’intelligentsia de l’époque. En parallèle, il s’établit entre Rome, Tivoli et Frascati dont les vestiges antiques deviennent une source d’inspiration majeure.

En plein contexte baroque, le style de Gaspard Dughet épouse les caractéristiques de ce mouvement telles que l’accentuation du mouvement et des effets dramatiques des éléments naturels et des scènettes parfois représentées, semblable à son contemporain Rosa. Puis, l’artiste affine son trait peu à peu, adoucit sa palette, et aiguise son observation de la lumière et du détail. Dans ses derniers tableaux, l’artiste frôle ainsi le classicisme plus mesuré de Nicolas Poussin, ou de Claude Lorrain.

Aux côtés de ses tableaux et de ses paysages, Gaspard Dughet reçoit également des commandes pour des décors d’édifices. À Rome, il réalise les fresques des murs de la basilique Saint-Martin pour l’ordre des Carmes en 1646, celles du Palais Doria-Pamphilj en 1650, et celles d’un appartement du Palais Colonna de Rome en 1667. Les trois édifices se retrouvent donc ornés des somptueux paysages de Gaspard Dughet.