Né à Paris, Charles Le Brun grandit au sein d’une famille porté sur les arts, et aux relations sociales établies. Dès l’enfance, il manifeste son goût pour la création et produit plusieurs masques et griffons. Rapidement, il maîtrise la technique de la sculpture de glaise et la taille de bois, bien qu’il préfère la peinture et le dessin.  

Dès le début des années 1630, Charles Le Brun intègre alors l’atelier de François Perrier. Dans un contexte esthétique marqué par le maniérisme, Le Brun découvre auprès de son maître la peinture baroque italienne, l’esthétique nouvelle des frères Carrache et les modèles antiques. Il est marqué durablement par ce premier enseignement. 

Entre 1634 et 1642, Charles Le Brun poursuit sa formation dans l’atelier de Simon Vouet. Au cours de ces années, il illustre de nombreux ouvrages et frontispices de thèses, s’essaye à la gravure à l’eau-forte notamment, et compose de petites huiles sur bois. Charles Le Brun visite également Fontainebleau et les collections royales à plusieurs reprises, et est désigné « peintre de sa Majesté » en 1638.

L’année 1641 marque un premier tournant pour la carrière de Charles Le Brun. Le tableau Hercule et les juments de Diomède, commandé par le cardinal Richelieu, éblouit le Roi Louis XIII. Sous la régence d’Anne d’Autriche, Charles Le Brun deviendra le « peintre et valet de chambre » de Louis XIV en 1647.  

Jean-Siméon Chardin a été l’élève du peintre d’histoire Pierre-Jacques Cazes. En 1724, il entre à 25 ans à l’Académie de Saint-Luc. En 1728, il réalise deux morceaux de réception. Ce sont des œuvres d’art dont la réalisation est imposée pour les artistes qui veulent devenir membres d’une académie des beaux-arts. Ces deux toiles, La Raie et Le Buffet, sont des natures mortes. Celles-ci sont remarquées à l’occasion de l’Exposition de la Jeunesse de 1728 par des membres de l’Académie royale. Jean-Siméon Chardin entre ainsi à l’Académie, dans cette catégorie dite « dans le talent des animaux et des fruits ». Vers 1733, Jean-Siméon Chardin se diversifie et peint également des scènes de genre. Dans ce registre, deux chefs-d’œuvre émergent : Une femme occupée à cacheter une lettre et Une femme tirant de l’eau à la fontaine. Jean-Siméon Chardin peint lentement, il repasse sur son travail encore et encore jusqu’à satisfaction. Son rendu de l’immobilité est d’ailleurs meilleur que celui du mouvement. Cet immobilisme et ce calme sont particulièrement bien révélés dans deux tableaux : La Fillette au volant et son pendant, le Garçon au château de cartes. On perçoit l’influence de maîtres des scènes de genre tel que le peintre flamand Johannes Vermeer. Toute la beauté qui en émane est indissociable du naturel de la scène. Dans le cas de la fillette, celle-ci ne regarde pas le peintre, ni ne minaude. Elle reste concentrée sur son jeu ou perdue dans ses rêveries d’enfant. On ressent aussi le regard du peintre sur son modèle et l’obéissance à ne point bouger pendant la pose. Il en va de même pour le sage garçon, très concentré sur son jeu d’adresse et de patience.

Après avoir travaillé un temps auprès de Jean-Siméon Chardin, Jean-Honoré Fragonard entre comme apprenti dans l’atelier de François Boucher. Il n’a que 14 ans et il s’exerce à copier les peintres de renom tout en affirmant son propre talent. Jean-Siméon Chardin et François Boucher font partie des plus grands représentants de la peinture française du XVIIIe siècle. Jean-Honoré Fragonard devient à son tour emblématique de cette peinture rococo.

François Boucher le présente au grand prix de peinture de l’Académie royale. Il remporte ce prix en 1752 avec son œuvre Jérusalem sacrifiant aux idoles.

Ensuite, il entre à l’École royale des élèves protégés dirigée par Carle van Loo. Il y étudie pendant trois années. Puis, il commence son Grand Tour. Il voyage notamment à travers l’Italie dans les villes de Florence, Bologne et Venise.

En 1756, il part pour l’Académie de France à Rome avec le peintre Hubert Robert et l’architecte Victor Louis. Il y réside jusqu’en 1761. Là-bas, il se nourrit notamment des influences de Giovanni Battista Tiepolo et du style baroque de Pierre de Cortone. Jean-Honoré Fragonard s’inspire également des peintres flamands (Jacob van Ruisdael, Meindert Hobbema, etc). On le voit en particulier dans ses paysages et ses forêts pour lesquels on ressent aussi l’influence d’Antoine Watteau. Jean-Claude Richard de Saint-Non est alors son protecteur et principal commanditaire.

Jean-Baptiste Pater naît dans le nord de la France, à Valenciennes. Il est le fils d’Antoine Joseph Pater, un maître sculpteur qui lui apprend la sculpture.

En 1706, à seulement 11 ans, il entre chez Jean-Baptiste Guidé, un peintre de l’Académie de Saint-Luc. Il délaisse alors la sculpture pour s’immerger dans le milieu de la peinture.

Bientôt, Jean-Baptiste Pater rencontre un grand maître en la matière. En effet, Antoine Watteau est de retour dans son atelier de Valenciennes vers 1709-1711.

Jean-Baptiste Pater devient le disciple d’Antoine Watteau et le suit à Paris. Ces leçons de peinture durent jusqu’en 1713. La séparation entre Jean-Baptiste Pater et Antoine Watteau serait notamment due au caractère difficile de ce dernier.

De retour à Valenciennes vers 1715, Jean-Baptiste Pater rencontre des difficultés à s’établir comme peintre à son propre compte. À l’époque, pour ce faire, il est impératif d’intégrer l’Académie de Saint-Luc. Jean-Baptiste Pater n’y parvient pas car il se serait opposé à certaines des règles imposées par cette corporation. Il travaille alors à nouveau avec son père pour un temps.

Un peu avant 1720, il décide de retourner à Paris notamment parce qu’Antoine Watteau, en fin de vie, le réclame. Jean-Baptiste Pater reprend donc son apprentissage auprès du maître flamand jusqu’en 1721, année de la mort d’Antoine Watteau.

Antoine Watteau naît à Valenciennes et vers l’âge de 10 ans, il y commence un apprentissage chez le peintre Jacques-Albert Gérin. Rapidement, il quitte son Hainaut natal et se rend à Paris. Il s’installe dans un quartier où résident comme lui plusieurs artistes du nord et d’inspiration flamande. C’est Saint-Germain-des-Prés. Là, il effectue plusieurs missions picturales pour survivre. À cette époque, il fait la connaissance du peintre flamand Nicolas Vleughels, du peintre anversois Jean-Jacques Spoëde et de l’artiste Claude Gillot. C’est grâce à ce dernier que la carrière d’Antoine Watteau connaît un tournant. Claude Gillot s’intéresse à sa peinture et l’invite à résider chez lui. Antoine Watteau commence alors à peindre des scènes de théâtre, également ses fameuses fêtes galantes, ou encore des singeries. Ses scènes théâtrales sont inspirées de la commedia dell’arte et sont à l’origine du style rocaille ou rococo à la française. Les visages et les attitudes qu’il peint sont très expressifs. Un de ses chefs-d’œuvre est d’ailleurs la représentation du personnage de Pierrot, autrefois appelé Gilles. Antoine Watteau sera toujours reconnaissant envers Claude Gillot pour lui avoir permis de développer son talent. En tant que peintre, Antoine Watteau prend part à la querelle des Anciens et des Modernes et se positionne comme coloriste, plutôt « rubéniste » donc, et non pas « poussiniste » qui privilégie au contraire la forme. Son traitement de la couleur et de la lumière sont remarquables.

Le père de Théophile Marie Françoise Lybaert, ancien élève de l’Académie royale des beaux-arts de Gand, est un peintre héraldique versé dans l’art décoratif ancien. Aussi Théophile reçoit-il, très tôt, une éducation artistique : il est formé à l’atelier des frères Paul et Félix de Vigne, respectivement sculpteur et peintre spécialisés dans le style troubadour. Mais, très vite, Théophile Marie Françoise Lybaert se démarque en peignant des tableaux d’histoire de son pays natal, la Belgique, principalement. Puis, il délaisse ce genre au profit des scènes religieuses : sa carrière artistique débute alors véritablement. L’artiste trouve dans ce genre le terreau pour développer sa touche : ses peintures religieuses sont réalisées dans un style gothique archaïque inspiré des maîtres du nord de l’Europe du XVIème siècle, tels Albrecht Dürer et Hans Memling. Il est d’ailleurs surnommé le « Memling contemporain »  et son style qualifié de « gothique moderne ».

Il se tourne ensuite vers les scènes de genre et l’orientalisme.

La production d’œuvres de Karel Ooms, retraçant l’histoire de son pays natal, est conséquente.

Né à Dessel, le jeune Karel Ooms évolue dans une famille paysanne nombreuse. De par ses talents pour le dessin, il reçoit, très tôt, une éducation artistique. A l’âge de douze ans, il obtient une bourse de sa ville natale lui permettant d’étudier à l’Académie royale des beaux-arts d’Anvers. Il suit alors l’enseignement de Nicaise de Keyser, peintre représentatif de l’école du romantisme belge excellant dans l’art du portrait et la peinture d’histoire. En 1865, diplômé de l’Académie, Karel Ooms revient dans sa ville natale, laquelle lui passe commande de deux retables destinés à l’église Saint Nicolas.

Vers 1871, il s’installe à Anvers en tant qu’artiste indépendant : les nombreuses commandes de la ville contribuent à sa renommée. Outre les quelques tableaux religieux, ce sont les commandes relatives aux sujets historiques qui assoient sa renommée notamment les deux immenses tableaux qu’il réalise pour la salle d’audience du tribunal du crime du palais de justice. Dès lors, sa popularité traverse les frontières européennes pour atteindre l’Australie et les Etats-Unis : ses peintures – principalement d’histoire – sont primées à Prague (1877), Amsterdam (1883), Chicago (1893), …

Si les œuvres historiques de Karel Ooms remportent un tel succès dans son pays natal, c’est en grande partie dû au choix des sujets : en effet, bon nombre de ses peintures font référence à des temps forts de l’histoire de la religion en Belgique. La lecture interdite, réalisé par l’artiste en 1876, est un exemple significatif : le tableau représente un vieil homme et une jeune femme penchés sur une bible mais dont l’attention est détournée par un élément hors-champ. Le succès de cette peinture est tel qu’elle a été imitée par d’autres peintres à des fins décoratives, dans des lieux religieux protestants mais également chez des particuliers.

Par ailleurs, cette œuvre révèle l’intérêt de Karel Ooms pour le portrait, un art dans lequel il excelle.

Après avoir suivi un cursus en peinture à l’Académie royale des beaux-arts d’Anvers, de 1843 à 1849, Jan Baptist Huysmans entreprend de parcourir le monde suivant les préceptes reçus tout en assouvissant son goût pour les voyages. Il visite ainsi la Grèce, la Tunisie, l’Algérie, l’Egypte et l’Asie mineure. Il en résulte un engouement pour l’Orient qui se traduit par des peintures représentant des scènes de la vie quotidienne des autochtones. L’artiste ne se limite toutefois pas à cette thématique et explore le champ religieux en peignant des tableaux pour des églises, lors d’un séjour à Jérusalem. De retour dans son pays natal, Jan Baptist Huysmans réalise des panneaux décoratifs toujours pour des églises mais également pour d’autres bâtiments.

Dès 1850, ses toiles se trouvent exposées en Belgique, au Royaume-Uni ainsi qu’au Salon des artistes français, à Paris, dans le cadre de l’Exposition Universelle de 1889.

De 1856 à 1862, Jan Baptist Huysmans s’investit dans un projet de rédaction de ses mémoires, issues  de ses nombreux voyages, qui sont alors publiées dans des ouvrages illustrés intitulés Voyages en Italie et en Orient et Voyages en Espagne et en Algérie, notamment.

A quatorze ans, ses facilités pour le dessin le conduisent à devenir apprenti dans une entreprise de peinture en bâtiment restaurant des habitations et bâtisses de plus grande ampleur, située à Edimbourg. Parallèlement à cette formation, David Roberts suit des cours de dessin à l’Académie des Beaux-Arts de la ville. Sensible à tout ce qui touche à la décoration, il décide alors de devenir décorateur de théâtre. En 1816, il fait ses premiers pas au sein d’une troupe théâtrale itinérante. Deux ans plus tard, le Théâtre national d’Édimbourg lui passe commande de décors. En 1822, c’est au tour du théâtre à Londres. Ce sont les prémices de la notoriété.

En 1824, la rencontre avec Charles Dickens et William Turner modifie son rapport au monde et à l’art. Ce dernier aura une influence prépondérante sur David Roberts, l’exhortant à voyager. De ses premiers séjours – en France, tout d’abord, puis en Espagne et au Maroc – en résultent des croquis et aquarelles desquels l’artiste fait exécuter des lithographies. Le succès des 1 200 exemplaires de Picturesque sketches in Spain – vendus en deux mois – l’incite à réitérer l’expérience et à concrétiser son projet de voyage en Égypte et en Terre Sainte.