Henryk Siemiradzki est d’abord influencé par son enseignement reçu par Dmitri Ivanovitch Bespertchi, l’un des maîtres de la peinture classique russe. La plupart de ces représentations traitent de scènes de l’Antiquité ou encore des compositions présentant la vie des premiers chrétiens. Siemiradzki peint également des portraits et des paysages aux allures utopiques qu’il ajuste à une lumière particulièrement ensoleillée.

Henryk Siemiradzki participe aussi à des projets de décoration comme les fameux rideaux peints du théâtre Juliusz Słowacki de Cracovie et pour le théâtre de Lwow. Cette complémentarité dans son art, aliénant décoration et peinture classique, fait que le peintre accorde une importance inévitable au détail révélant ainsi son sens de l’authenticité. Dans sa toile intitulée Les torches de Néron, Siemiradzki laisse au spectateur l’impression d’une action en plein déroulement. Il témoigne aussi d’une recherche et d’une culture affirmée de l’Antiquité à travers la représentation des costumes ainsi que de l’architecture de l’époque. 

Siemiradzki use d’une palette chromatique digne de la peinture académique avec un respect de la composition rendant ses scènes religieuses presque aussi précises que les écrits. Lorsqu’il peint en 1897 la toile intitulée Dircé chrétienne dans le cirque de Néron, le peintre applique du rouge pour les figures importantes ainsi que dans la représentation du sang. L’œil du spectateur est donc dirigé par l’importance des événements. 

Des paysages lumineux aux intérieurs entre ombre et lumière, les peintures de François-Marius Granet s’attachent à capter l’émotion du moment. La composition y est rigoureuse. Inspiré par la peinture flamande et hollandaise, l’artiste représente des scènes aux contrastes forts. Ses sujets révèlent son attirance pour les cloîtres, les intérieurs, les grottes, les chapelles et les églises. À Rome, il choisit des motifs inédits telle la prison du Capitole. Des mendiants, enrôlés pour y figurer, apparaissent en silhouettes. Élève de David, François-Marius Granet est aussi un peintre d’histoire. Cherchant à rivaliser avec son maitre, il peint en 1839 son plus grand tableau au sujet historique : Les Funérailles des victimes de l’attentat de Fieschi. Le peintre privilégie cependant la période du Moyen Âge comme dans sa peinture à l’huile intitulée La Reine Blanche de Castille délivrant les prisonniers (1801).

De la vie religieuse, François-Marius Granet peint non pas des scènes bibliques, mais des scènes ancrées dans son époque. Son tableau Moines dans une grotte en est un exemple. Il met en valeur l’architecture des lieux par un habile jeu de contrastes entre l’ombre et la lumière.
Le peintre témoigne également de la vie populaire comme dans son tableau La Récolte des citrouilles à la Bastide de Malvalat, peint dans la campagne aixoise, ou encore Veillée funèbre. 

De retour à Saragosse, précédé par sa notoriété grandissante, Francisco de Goya exécute des fresques religieuses. Déjà engagé intellectuellement, le peintre rejoint les cercles des Ilustrados, sensibles aux idées des Lumières. En 1773, il épouse Maria Josefa, sœur des peintres aragonais Ramon et Francisco Bayeu. Grâce à l’appui de ce dernier, le jeune artiste s’établit à Madrid pour travailler à la Fabrique royale de tapisseries. Les cartons réalisés pendant cette période représentent des scènes populaires, fort appréciées par la cour et les cercles aristocratiques. 

Nommé à la cour d’Espagne en 1775, Francisco de Goya devient peintre du roi Charles III en 1786, puis de son successeur Charles IV en 1788. Les commandes affluent, la gloire est assurée. Il exécute plusieurs portraits de membres de la haute société, dont Le Comte de Cabarrus, La Duchesse d’Osuna ou encore La Comtesse de Chinchon.

Cependant, suite à la Révolution française de 1789 dont le peintre partage certaines idées, Francisco de Goya se retrouve écarté de la cour. En 1792, une maladie le rend paralysé pendant un temps, et sourd. Il se consacre à de petits tableaux dont les thèmes portent sur la folie et la sorcellerie.

Présenté comme un peintre d’histoire dans le Dictionnaire des artistes de l’école française de Charles Gabet (1831), Charles Durupt, comme certains de ses contemporains, s’attache à représenter des scènes légendaires, qu’elles soient historiques ou littéraires. En 1832, il peint Manfred et l’Esprit d’après le drame en vers du poète britannique Lord Byron. Le héros, hanté par le souvenir de sa femme Astarté qu’il a lui-même tué, invoque les esprits pour oublier. Dans cette œuvre, Manfred est représenté, habillé avec soin comme à l’époque de la Renaissance, dans une pièce sombre. Une percée de lumière éclaire un personnage féminin, venant apparemment le hanter. Les détails, des bijoux aux globes terrestres posés sur la table, sont soignés. Le contraste entre l’ombre et la lumière est souligné. Quant au personnage de Manfred, il symbolise un homme à l’âme tourmentée et passionnée, un des héros romantiques par excellence. 

Cette même année, Charles Durupt exécute Henri III poussant du pied le cadavre du duc de Guise l’un de ses tableaux les plus connus. Cette toile représente la mort d’Henri de Lorraine, assassiné sur ordre du roi Henri III en 1588. 
Charles Durupt met en scène le même personnage en 1833 dans son tableau La Marquise de Noirmoutier cherchant à détourner le duc de Guise de se rendre à l’assemblée des États de Blois. Cette fois, le duc est représenté, billet en main glissé par sa maîtresse tentant de l’avertir, à l’hôtel de Condé. Il part sans le soupçonner se jeter dans un guet-apens. Son amante essaie de le retenir. Le duc de Guise, dont l’histoire écrite par Alexandre Dumas dans sa pièce Henri III et sa cour est donnée en 1829 à la Comédie-Française, fascine les romantiques.  

L’un des derniers tableaux de Charles Durupt représente un autre épisode historique, avec pour personnage principal le chevalier Bayard. Intitulée Bayard à Brescia, cette toile, peinte en 1838, représente le seigneur Pierre Terrail, surnommé le chevalier sans peur et sans reproche. Celui-ci s’illustre durant les guerres d’Italie. Charles Durupt le représente blessé à la cuisse. De retour de la célèbre bataille de Brescia, il est recueilli dans une maison de riche apparence. Dans cette peinture de genre, rappelant le style troubadour, une minutie particulière est apportée aux détails notamment sur les costumes du Moyen Âge. Au Salon de 1838, en même temps que ce tableau est présentée son œuvre Départ de Bayard de Brescia. Elle illustre la suite de l’histoire du chevalier, lorsqu’il prend congé de la maison de ses hôtes. 

François-Hubert Drouais exécute donc de nombreux portraits de nobles personnalités. En 1757, il est appelé à Versailles pour représenter le duc de Berry, futur Louis XVI, et le comte de Provence qui deviendra Louis XVIII. Suivent des commandes de la part de la famille royale. Les dames, conquises par la fraîcheur de son coloris et la mise en valeur de la beauté féminine, se pressent pour obtenir leur portrait ainsi que celui de leur enfant. Dès le début des années 1760, François-Hubert Drouais devient le peintre attitré de Madame de Pompadour. En 1764, il peint le tableau Madame de Pompadour à son métier à broder. L’artiste représente l’ancienne maîtresse de Louis XV brodant, vêtue d’une somptueuse robe aux motifs floraux. Son chien noir se dresse devant elle. Dans sa bibliothèque sont rangés les volumes de l’Encyclopédie, à ses pieds est posée une mandoline. Ces objets témoignent de son intérêt pour les arts et la littérature. La marquise se détache par sa blancheur en opposition au décor où trône un riche mobilier. Mécène des beaux-arts, la marquise était remarquée pour son goût de la mode, en particulier de style rococo. Ce tableau célèbre constitue son ultime portrait avant sa mort.

Le peintre est demandé par les courtisans de Versailles. En 1769, François-Hubert Drouais expose au Salon le Portrait de Madame du Barry en Flore, ce qui officialise le statut de la nouvelle favorite de Louis XV. Incarnée en divinité des fleurs et du printemps, la comtesse s’y tient droite et digne. Cependant, l’écrivain Denis Diderot critiquera cette toile pour son manque de ressemblance avec le modèle et « l’incertitude dans le pinceau ». La peinture obtient tout de même du succès et est reproduite. François-Hubert Drouais continue de réaliser d’importantes commandes royales ou ordonnées par des personnalités de la haute société. Parmi ses tableaux les plus renommés figurent le portrait du Comte de Vaudreuil (1758), celui des enfants Charles-Philippe de France, comte d’Artois, et sa sœur Madame Clotilde future reine de Sardaigne (1763) ou encore celui du Marquis de Sourches et sa famille (1756). En effet, portraitiste à la mode, François-Hubert Drouais est très recherché pour les poses gracieuses de ses modèles. Il enjolive et il idéalise ses sujets. Les familles qu’il représente posent dans des cadres champêtres. Les portraits d’enfants touchent le public par leur aspect émouvant et leur grâce particulière. Jean-Germain, le fils de François-Hubert Drouais, est également un peintre prometteur. Élève de l’illustre Jacques-Louis David, il succombe à la variole en 1788, à vingt-quatre ans. Quant à François-Hubert, il décède quelques années auparavant, en 1775, à Paris.

En 1678, fuyant les querelles religieuses anglaises, Nicolas de Largillière est de retour à Paris. Il fréquente les peintres Adam-François Van der Meulen et Charles Le Brun. Le jeune artiste présente d’ailleurs un Portrait de Le Brun comme tableau de réception à l’Académie royale de peinture et de sculpture de Paris. Il est agréé dans cette institution en 1683, puis reçu en 1686.
Nicolas de Largillière s’impose peu à peu comme portraitiste auprès d’une clientèle bourgeoise. Il reçoit également des commandes officielles, notamment de la municipalité de Paris. Trois grandes compositions, Le Repas donné à Louis XIV, le Mariage du duc de Bourgogne et sainte Geneviève intercédant pour faire tomber la pluie lui sont demandées.
En 1699, le peintre épouse Marguerite-Élisabeth Forest, fille du paysagiste Jean-Baptiste Forest, avec qui il aura trois enfants.

Afin d’échapper à la Révolution française, Henri-Pierre Danloux se voit contraint de se réfugier en Angleterre. Avec sa famille, il s’installe à Londres où il y fréquente les expatriés français comme la haute société britannique. Le peintre représente ses modèles dans leur quotidien, instaurant une familiarité avec les personnages. Il donne l’impression de saisir un instant volé en nouant une complicité avec les protagonistes.  Lors de son séjour britannique, Henri-Pierre Danloux est influencé par les peintres en vogue tels Thomas Lawrence, John Hoppner ou encore Georges Romney. Il découvre également les tableaux du portraitiste écossais Henry Raeburn et de l’artiste allemand Johan Zoffany. En 1793, son exposition à la Royal Academy de Londres étend encore davantage sa renommée. Les demandes de portraits se font plus nombreuses. Henri-Pierre Danloux devient alors le peintre attitré du comte d’Artois. L’artiste effectue des portraits de famille, mais aussi des portraits d’enfants et d’adolescents comme dans sa représentation du jeune Henry John Lambert. Ce sont les parents, conquis par son talent, qui passent commande auprès du peintre pour une représentation de leur descendant. Des administrateurs, militaires ou civils, réclament eux aussi leur portrait. Les poses sont détendues, plus spontanées que ne l’exigeait la peinture académique. Cependant, le peintre voulant se diversifier, Henri-Pierre Danloux commence à s’essayer à la peinture d’histoire.

Influencé par le mouvement romantique, Alexandre-Marie Colin s’est intéressé à des thèmes divers. Il s’empare de sujets littéraires, notamment des écrits de lord Byron. Le Giaour, poème de l’écrivain britannique, inspire le peintre qui réalise en 1826 une représentation du héros oriental. Son tableau est présenté à la galerie Lebrun en 1926 lors d’une exposition en faveur du soulèvement grec contre l’Empire ottoman. En 1831, Alexandre-Marie Colin peint la toile Don Juan et Haïdée imaginée à partir du poème inachevé, qualifié de chef-d’œuvre, du même lord Byron. Dans cette œuvre, le peintre met en scène la déclaration amoureuse de la princesse face au jeune séducteur.
Le tableau Othello et Desdémone révèle l’intérêt d’Alexandre-Marie Colin pour le dramaturge William Shakespeare. Peinte en 1829, la toile représente la mort de Desdémone, assassinée par Othello dans le dernier acte de la célèbre tragédie. 

Parmi ses tableaux d’histoire figure Valentine de Milan implore la justice du roi Charles VI pour l’assassinat du duc d’Orléans, commandé par Louis-Philippe en 1835. En effet, le peintre reçoit des commandes officielles pour le musée de l’Histoire de France à Versailles ou pour la galerie d’Apollon du musée du Louvre.
Alexandre-Marie Colin se plaît aussi à peindre des sujets inspirés par la découverte du Nouveau Monde, tel son Christophe Colomb devant le Conseil de Salamanque, présenté au Salon de 1843. Sur ce même thème, il a illustré le roman de Jean-François Marmontel intitulé Les Incas, ou la destruction de l’empire du Pérou. Les tableaux d’Alexandre-Marie Colin représentant Ataliba, héros du livre, font partie de sa série sur les Incas. 

Par ailleurs, l’artiste dresse des portraits de la société parisienne, dont des peintres et des comédiens dans leur costume de scène. Un recueil de lithographies rassemble une collection de portraits d’artistes de théâtres parisiens. Dessinées d’après nature avec Louis Stanislas Marin-Lavigne et en collaboration avec le graveur Francisque Noel, des gravures y représentent de célèbres acteurs de la Comédie-Française.

En 1737, le peintre expose pour la première fois au Salon de peinture et de sculpture de Paris. Il y présente régulièrement ses œuvres jusqu’en 1771. Antoine Boizot s’emploie à exécuter des toiles aux sujets mythologiques comme Venus priant Vulcain de forger des armes pour son fils Énée (1774) ou L’Aurore invoquant l’Amour pour obtenir le rajeunissement de Titon. Ce tableau sera montré au salon de Paris de 1753. Le thème de l’amour y est encore une fois pleinement exposé. 

En 1738 parait le Recueil des portraits des rois de France depuis Pharamond jusqu’à Louis XV. Le livre contient une série de portraits de personnalités illustres dessinées par Antoine Boizot.  

L’artiste occupe également la fonction de peintre, dessinateur et professeur à la manufacture royale des Gobelins. Il détient ce poste jusqu’à son décès, en 1782. Chargé de réaliser les cartons de tapisserie, Antoine Boizot exécute des tableaux sans pour autant ajouter sa signature au bas des toiles. De ce fait, l’établissement d’un catalogue de son œuvre n’en est pas facilité. Certaines productions ne lui sont pas attribuées avec certitude. En 1746, Antoine Boizot peint notamment les deux tableaux L’Aurore et La Nuit. Ils sont réalisés par la suite en tapisseries à la manufacture royale des Gobelins. 

En ce qui concerne les thèmes religieux, Antoine Boizot exécute notamment Le Sermon sur la montagne en 1758 pour la collégiale Notre-Dame-de-L’Assomption située à Vitry-le-François, dans la Marne. Le tableau illustre la prédication de Jésus à ses fidèles, rapportée dans l’Évangile selon saint Matthieu. Son œuvre reste influencée par son maître de jeunesse, le peintre François Lemoyne.