À Paris, le jeune artiste contribue à la Gallerie des modes et costumes français. Cette publication périodique de mode rassemble des estampes en noir et blanc ou en couleurs. François Watteau y livre une centaine de dessins. Il représente avec talent les élégantes de l’époque, vêtues et coiffées de tenues à la mode. Son attirance pour les frivolités et les scènes galantes s’en ressent.

François Watteau continue également l’exécution de croquis et de tableaux. Parmi eux figure Le Menuet sous le chêne, peinture réalisée en 1787. Dans le même genre, Une Fête au Colisée, peint vers 1789, représente la haute société de Lille qui festoie. Les messieurs et les dames, habillés avec goût, se divertissent dans la guinguette réservée à la classe sociale aisée. Les enfants participent à la fête et ils jouent sur l’herbe. Ce tableau témoigne des loisirs des bonnes familles. La fraîcheur du coloris et la grâce des personnages confèrent à cette toile mondaine une atmosphère charmante. Le lieu, très en vogue et emblématique des lieux de plaisir de la société frivole de l’époque, sera pourtant éphémère et détruit en 1792.

François Watteau expose au Salon du Louvre en 1795. Se voulant peintre militaire, il réalise des toiles d’histoire comme La Bataille des pyramides en 1799 ou Le Siège de Beauvais la même année. Quelque temps plus tard, en 1802, il présente à nouveau deux tableaux au Salon de Paris, représentant les batailles d’Alexandre le Grand. Intitulées La Défaite de Porus par Alexandre et La Défaite de Darius par Alexandre, ces toiles lui valent une médaille d’or.

Même si la facture d’Anne-Louis Girodet reste essentiellement classique, le peintre ne réprime pas sa volonté d’exprimer les passions. Le peintre se situe à une époque charnière entre la fin du courant néoclassique et le début du courant romantique. Lorsqu’il réalise ses portraits, Girodet accorde une attention particulière au trait et à la personnalité du modèle. C’est le cas par exemple avec le célèbre portrait de Chateaubriand en 1809 où l’artiste interprète les prémices du romantisme.

Grâce à son bagage culturel hérité dès son plus jeune âge, Girodet trouve un complément dans la littérature de grands classiques. L’artiste allie ses références littéraires à ses réalisations picturales. Girodet interprète en 1800 l’œuvre littéraire intitulée Ossian et laisse librement cours à ses émotions. Ayant entretenu une certaine relation avec Chateaubriand, de par la réalisation de son portrait, l’artiste décide d’interpréter une de ses œuvres littéraires. Dès 1808 Girodet se met à peindre une illustration fidèle à l’écrit et réalise Atala au tombeau. La critique et notamment son maître David ont été directement touchés par la pureté de la composition.

Anne-Louis Girodet alterne donc entre les codes néoclassiques et les codes romantiques pour créer des œuvres où émotions et académisme trouvent leur complémentarité. Le peintre trouve son inspiration au cœur de la Renaissance italienne,  de Léonard de Vinci en passant par le célèbre sculpteur Canova. C’est d’ailleurs avec le portrait de Galatée réalisé en 1819, qu’il rend hommage au travail du sculpteur.

La renommée du peintre Hubert Robert s’accroit rapidement. Ses tableaux représentant des architectures en ruine sont prisés. Le philosophe Denis Diderot écrit à propos du tableau Grande galerie éclairée du fond, exposé au Salon en 1767 : « Ô les belles, les sublimes ruines […] Le morceau dont il s’agit ici est le plus beau de ceux qu’il a exposés. L’air est épais ; la lumière chargée de la vapeur des lieux frais et des corpuscules que des ténèbres visibles nous y font discerner. Et puis cela est d’un pinceau si doux, si moelleux, si sûr. C’est un effet merveilleux produit sans effort. On ne songe pas à l’art. On admire, et c’est de l’admiration même que l’on accorde à la nature. ». En 1766, Hubert Robert s’intéresse à l’art des jardins. Il est chargé de la réalisation du parc du château d’Ermenonville. Il devient par la suite dessinateur des jardins du roi. C’est en 1777 qu’il est nommé conservateur des tableaux du roi. Puis, en 1778, Hubert Robert contribue à l’aménagement de la Grande Galerie du Louvre. Son tableau Vue imaginaire de la grande galerie en ruine, peint en 1796 représente une scène imaginaire où l’architecture est envahie par la végétation. Les statues sont renversées, les tableaux délabrés. C’est une vision de fin de monde mélancolique issue de l’imagination du peintre. En 1793, suspecté par le Comité de surveillance révolutionnaire, Hubert Robert est détenu pendant dix mois à la prison de Sainte-Pélagie. À sa libération, il est nommé conservateur au muséum central des arts de la République, le musée du Louvre. Il ne cesse de peindre, même sur des assiettes durant sa détention.

Jean-Baptiste Perronneau excelle dans la maîtrise du pastel, même s’il ne délaisse pas complètement la peinture à l’huile. Le pastel lui permet de donner de l’expressivité à ses modèles. Ses portraits, principalement des personnages en buste ou en pied, se découpent sur un fond neutre. Les textures, les couleurs et les effets de lumière sont particulièrement étudiés. Jean-Baptiste Perronneau s’attache à donner à ses sujets une allure naturelle, à leur livrer de l’intensité dans le regard. Les modèles sont reconnaissables. Ils se distinguent par un ou deux accessoires qui les caractérisent.
Le pastel, moins couteux que la technique de la peinture à l’huile et plus rapide dans l’exécution, permet aussi d’atteindre une clientèle moins fortunée. Il s’agit principalement de bourgeois, de commerçants, d’intellectuels et d’artistes.

De Bordeaux à Orléans, de Turin à Londres, Jean-Baptiste Perronneau parcourt l’Europe pour répondre aux commandes. Parmi ses modèles figurent le juriste Daniel Jousse, le mathématicien Pierre Bouguer, le graveur Gabriel Huquier, l’homme d’affaires Charles-François Tassin de Charsonville, le diplomate Jacob van Kretschmar ou le danseur Jean-Georges Noverre. Jean-Baptiste Perronneau séjourne en Italie, en Angleterre, en Pologne, en Espagne ou encore aux Pays-Bas. Il décède à Amsterdam en 1783.

Jean-Baptiste Oudry excelle dans la réalisation de natures mortes. En outre, il s’attache particulièrement à représenter les animaux, aussi bien domestiques que sauvages. Ses scènes de chasse sont remarquées pour leur réalisme. Il en exécute en 1724 pour la salle des gardes du château de Chantilly. Appréciant sa peinture, le roi lui commande alors le portrait de Misse et Turlu, ses deux levrettes. Suivront d’autres demandes de peintures animalières, genre où Jean-Baptiste Oudry est novateur en attribuant les places centrales aux bêtes. Il s’attache également à rendre leurs attitudes expressives et il joue sur les contrastes entre les pelages et les décors.

En 1726, Jean-Baptiste Oudry est nommé peintre ordinaire de la vénerie royale. Le tableau Nature morte au gibier et aux pêches dans un paysage (1727) montre le talent du peintre en ce qui concerne sa maîtrise de la matière, de la texture et des couleurs. De style rococo, cette œuvre affirme son savoir-faire pictural pour les animaux et les fruits.

Les cartons de tapisserie de Jean-Baptiste Oudry, sur le thème des Chasses royales de Louis XV, sont représentatifs de son œuvre à cette période. Commandés en 1733 par le roi, grand amateur de vénerie, ils témoignent de la passion du souverain pour la chasse. Jean-Baptiste Oudry s’inspire des paysages réels de Fontainebleau et il travaille d’après nature. Pour les espèces exotiques, il fréquente la ménagerie royale et les cabinets de curiosité. Son sens de la composition, sa touche précise et réaliste, sa palette variée et lumineuse prévalent dans ses œuvres. La réputation de Jean-Baptiste Oudry est telle que les commandes affluent de la part de la haute société française comme européenne. 

Jean-Baptiste Oudry devient inspecteur de la manufacture nationale des Gobelins, puis directeur artistique de la manufacture royale de tapisserie de Beauvais en 1734. En commandant des œuvres aux artistes renommés, il contribue au rayonnement international de cette institution. Jean-Baptiste Oudry réalise notamment 176 dessins illustrant les Fables de la Fontaine (1736) pour la manufacture. Ce sujet de choix pour qui aime les animaux lui offre une abondante variété de thèmes à illustrer.
Jean-Baptiste Oudry décède en 1755, à Beauvais. 

Désireux de revenir en France pour y vivre avec sa femme Marie-Madeleine de la Roche, Jean-Marc Nattier présente son tableau Persée assisté par Minerve, pétrifie Phinée et ses compagnons en leur présentant la tête de Méduse à l’Académie. Il en devient membre en 1718. Cependant, Jean-Marc Nattier abandonne la peinture d’histoire pour se consacrer au genre du portrait.

Le maréchal de Saxe lui commande son portrait en 1728. C’est le Portrait de mademoiselle de Clermont prenant les eaux minérales de Chantilly, peint en 1729, qui lui vaut le succès. La princesse, fille de Louis III de Bourbon, est représentée dans des tonalités de bleu et de gris perle en déesse des eaux. Sa mise en scène de la mythologie est remarquée. Jean-Marc Nattier soigne particulièrement l’habillement et le décor, revêtant les femmes de costumes. Le peintre est reconnu pour enjoliver ses modèles tout en maintenant le réalisme. 

Portraitiste de la maison d’Orléans, Jean-Marc Nattier prend la relève de Jean Raoux pour la décoration de l’hôtel du chevalier Jean-Philippe d’Orléans. Dans le même temps, en 1737, Jean-Marc Nattier commence à présenter ses tableaux au Salon de peinture et de sculpture de Paris. Il continue d’y exposer jusqu’en 1763.

En 1748, Jean-Marc Nattier devient le peintre officiel de la famille royale. Sa nomination lui permet de recevoir de nombreuses commandes de la part de la haute aristocratie. Parmi ses tableaux les plus célèbres figurent surtout des portraits féminins tels ceux d’Anne-Henriette de France, fille du roi Louis XV, de Madame Adélaïde de France en Diane ou encore de la princesse de Rohan. Sa série Les Quatre Éléments représente Mesdames de France, les filles du roi Louis XV, sous les traits de la terre, de l’eau, de l’air et du feu. Elle est représentative du genre allégorique dans lequel le peintre excelle. Jean-Marc Nattier utilise particulièrement la gamme chromatique du bleu, et crée une tonalité entre le bleu marine et le bleu roi. Cette couleur sera nommée « bleu Nattier » en son honneur.

Cependant, le succès de Jean-Marc Nattier se tarit peu à peu. L’artiste décède à Paris en 1766 dans la pauvreté et la maladie. 

De retour à Paris, Charles-Joseph Natoire est reçu à l’Académie de peinture et de sculpture en 1730. Son morceau de réception présenté en 1734 s’intitule Vénus demandant à Vulcain des armes pour Enée. Pour cette œuvre, l’artiste s’inspire du tableau de François Boucher sur le même thème afin de bâtir sa composition. Charles-Joseph Natoire sera nommé professeur pour l’Académie en 1737.

La renommée de Charles-Joseph Natoire s’accroit. Les commandes commencent à affluer de la part de la noblesse de la cour et de financiers. L’artiste exécute notamment des toiles pour le château de la Chapelle-Godefroy appartenant à Philibert Orry, contrôleur général des Finances. Puis, il est chargé en 1734 de peindre des dessus de porte pour la Chambre de la Reine au château de Versailles. Cette glorieuse commande royale entraîne d’autres demandes pour les petits appartements de Fontainebleau, le château de Marly ou encore pour la Bibliothèque royale. 

L’année suivante, le général Pierre Grimod du Fort, désirant une tenture pour la décoration de son hôtel Chamillart, adresse sa commande à la manufacture de Beauvais. Charles-Joseph Natoire, très prisé à cette époque, s’occupe de la réalisation des cartons de tapisserie. L’artiste peint une série de onze œuvres sur L’Histoire de don Quichotte. Celles-ci illustrent les épisodes principaux du roman de Miquel de Cervantès. Des variations de couleurs y créent de notables effets de profondeur. 

Deux ans plus tard, c’est pour le salon ovale de l’hôtel de Soubise que Charles-Joseph Natoire réalise L’Histoire de Psyché, une remarquable série de seize tableaux. Considérée comme un chef-d’œuvre de l’art rococo, cette œuvre constitue un décor harmonieux et somptueux. Les coloris délicats et le style élégant séduisent. La série reflète le goût de l’époque pour la grâce, la volupté et la joie de vivre.
Puis, en 1747, Charles-Joseph Natoire reçoit l’honneur de peindre le Portrait de Louis de France, dauphin. 

Entre 1723 et 1724, François Lemoyne séjourne en Italie pour y contempler les toiles des grands maitres vénitiens tels Titien ou Tintoret. Il est profondément marqué par les chefs-d’œuvre du Corrège et de Véronèse.
C’est à son retour à Paris qu’il obtient des commandes pour décorer des hôtels particuliers et des églises. Auparavant, il avait exécuté le tableau Saint Paul aveuglant Elymas pour l’église Saint-Germain-des-Prés. En 1727, François Lemoyne achève la voûte de l’église des Jacobins. Cette œuvre représentant la Transfiguration du Christ sur le mont Thabor lui vaut de nombreux éloges et une reconnaissance officielle. 

Séduit par les paysages vénitiens, Jules-Romain Joyant en peint de nombreuses vues. La Sérénissime le fascine. Du palais des Doges à la place Saint-Marc, du pont du Rialto sur le Grand Canal à l’église Santa-Maria, il saisit les panoramas d’après nature. L’artiste sera d’ailleurs surnommé le Canaletto français par le poète et romancier Théophile Gautier, en référence au peintre Giovanni Antonio Canal, l’un des plus grands représentants du védutisme. 

Jules-Romain Joyant se plaît donc à croquer, dessiner et peindre la lagune. Il exécute de nombreuses études préparatoires en extérieur. Son observation minutieuse du paysage lui permet de soigner son dessin. Sur ses tableaux, Jules-Romain Joyant magnifie l’architecture. Il met en avant les somptueux bâtiments tout en établissant d’élégants jeux de perspective. Pour cela, le peintre utilise une camera lucida (chambre claire) lui permettant de voir simultanément l’image et le support. Ce jeu de miroirs réfléchissants projette les éléments extérieurs sur la feuille. Ce dispositif optique lui est précieux pour reproduire des perspectives parfaites. 

Ses tableaux Intérieur du Palais des Doges à Venise (1837), Le Grand Canal à Venise (1849) sont parmi les compositions les plus remarquables de Jules-Romain Joyant dans cette ville de Vénétie.