Issu d’une grande famille d’artistes et d’intellectuels, Lucien Freud baigne déjà dans une atmosphère artistique prononcé. Son père, Ernst Freud, était un architecte renommé et son grand-père n’était autre que Sigmund Freud, le célèbre psychanalyste. L’artiste s’éprend pour autant d’une époque agitée, l’Allemagne alors nazie, subissait de grande vague d’antisémitisme. En 1933, la famille Freud est forcée à quitter l’Allemagne pour se rendre à Londres. Cette période d’exil a fortement marqué l’artiste dans son travail et son interprétation de l’art.  

En 1939, alors âgé de dix-sept ans, Lucien Freud s’inscrit à la Central School of Art de Londres et étudie la peinture pendant trois ans. Le jeune peintre découvre le travail des maîtres anciens de la peinture allemande, tels qu’Albrecht Dürer et Hans Holbein le Jeune. Il étudie aussi les peintres contemporains comme Francis Bacon et Franks Auerbach et ces recherches se manifestent dans la traduction de son style personnel. 

Entre 1950 et 1970, Lucien Freud rentre dans la période d’émergence de son propre style. Le peintre explore différentes techniques, sujets, cherchant à trouver sa voie parmi les mouvements artistiques de son époque. Dès lors, il se met à réaliser des portraits, des nus, des paysages en expérimentant des approches stylistiques variées. L’artiste s’oriente alors vers une palette de couleurs terreuses, des pinceaux épais et sur une intention minutieuses des détails anatomiques. En 1952, Freud expose pour sa première exposition individuelle à la Hanover Gallery de Londres. Ses œuvres vont être perçues par la critique et recevront un grand succès de la part du public. Durant sa carrière, il participe à plusieurs biennale notamment celle de Sao Paulo en 1961 et celle de Venise en 1996.

Lucien Freud réalise plusieurs commandes, au fil de sa carrière, ce qui participe activement à sa reconnaissance. Entre 1966 et 1967, il travaille pour la Reine Elizabeth II afin de lui produire son portrait. La réalisation durera huit mois et dépeint la reine assise dans une pose informelle. Le tableau est présenté au public en 1967 et aujourd’hui, est exposé dans la Royal Collection au château de Windsor. Plus récemment, Freud obtient une commande du célèbre artiste britannique, David Hockney, aussi ami et collègue du peintre. Cette œuvre est exposé à la rétrospective de Freud à la Tate Britain en 2002.

Joan Mitchell manifeste dès son plus jeune âge un intérêt passionné pour l’art. La peintre début sa formation à l’Ecole du musée des Beaux-Arts de Chicago où elle est initiée à la peinture figurative. Dès 1947, elle obtient son diplôme aux Beaux-Arts et décide de poursuivre sa formation à New York, centre artistique en effervescence. Installé à New York, Mitchell fréquente les cercles artistiques précurseurs du mouvement de l’expressionisme abstrait. Elle se lie d’amitié avec des artistes de renoms tels que Willem de Kooning, Franz Kline et Jackson Pollock. Ce réseau d’artiste va considérablement influencer son œuvre et son propre développement artistique.

A la fin des années 1950, Joan Mitchell part s’installer en France où elle y vivra la majeure partie de sa vie. L’artiste s’établit d’abord dans la capitale où elle découvre une scène artistique abondante et en plein renouvellement. Mitchell finit par quitter Paris pour partir vivre dans la région de Bourgogne. L’influence qu’ont eu les paysages bourguignons sur son travail se traduise par l’observation de la lumière et ses effets sur la faune et la flore. 

Au cours des décennies suivantes, Joan Mitchell continua à développer son style et à produire une œuvre prolifique. Ses tableaux reflétaient sa sensibilité aux émotions, et ses couleurs vives et contrastées créaient des compositions dynamiques et vibrantes. L’artiste utilisait également des formats monumentaux pour ses toiles, cherchant à immerger le spectateur dans une expérience visuelle intense. En 1951, Mitchell participe à une exposition collective intitulée Ninth Street Show à la 9th Street Gallery de New York, première exposition du groupe des expressionnistes abstraits, aux côtés de Jackson Pollock et Willem de Kooning. A Paris, elle expose en 1957 à la galerie Jean Fournier où l’artiste expose seule pour la première fois en France.

Jasper Johns commence sa formation artistique en 1947 à l’Université de Caroline du Sud à Columbia où il y restera une brève année. En 1948, le peintre part s’installer à New York où il découvre une nouvelle atmosphère et une scène artistique bien plus active. Cependant, 1949, l’artiste s’engage dans l’armée américaine pendant la guerre de Corée. Une période bouleversante pour Johns mais aussi inspirante puisqu’il continue de pratiquer l’art pendant son service. 

En 1952, Jasper Johns est de retour à New York où il étudie brièvement à la Parsons School of Design et fait la rencontre des célèbres artistes Robert Rauschenberg et Merce Cunningham. Son activité artistique est de plus en plus conséquentes jusqu’en 1954 où le peintre s’installe cette fois, à Manhattan. Durant cette période (1954-1958), Johns commence à créer ses premières œuvres d’art emblématiques, notamment ses peintures de cibles et de drapeaux américains. La première exposition personnelle du peintre a lieu à la galerie Leo Castelli à New York en 1958, marquant le début de sa reconnaissance en tant qu’artiste majeur.

Johns a été l’objet de nombreuses expositions majeures dans des institutions de renommée mondiale. Ses rétrospectives au Museum of Modern Art de New York en 1967 et au Whitney Museum of American Art en 1988 ont marqué des jalons importants dans sa reconnaissance artistique. Ces expositions ont permis de mettre en évidence la profondeur et l’innovation de son travail, le consacrant ainsi comme l’un des artistes les plus importants de sa génération. La contribution exceptionnelle de Jasper Johns à l’art américain lui a valu de nombreuses récompenses et distinctions. En 1964, le peintre remporte le prix spécial pour la peinture à la Biennale de Venise, un honneur considérable. En 1990, il est récompensé par la médaille présidentielle de la Liberté, décernée par le président américain George H. W. Bush, en reconnaissance de son impact durable sur la culture américaine.

Léopold Gottlieb est né en 1879 à Drohobycz, en Galicie, dans l’empire Austro-hongrois. Son frère aîné, Maurycy Gottlieb, prédisposé aux arts, meurt l’année de la naissance de Léopold, alors qu’il a tout juste vingt-trois ans. Les parents de Léopold et de Marcin Gottlieb, deux commerçants d’origine juive, espèrent que leurs plus jeunes enfants suivront eux aussi cette carrière dans l’art pour honorer leur défunt frère ; par chance, ce sera le cas pour les deux. 

Léopold Gottlieb entre à l’école des Beaux-Arts de Cracovie en 1896, et il y reste jusqu’en 1902, où sous la férule de Jacek Malczewski et Théodor Axentowicz, il développe ses talents de dessinateur et de peintre. Durant cet apprentissage, peut-être, en 1899, aurait-il voyagé à Paris, une ville où il s’installera bien plus tard. Très doué, le jeune Léopold Gottlieb obtient à la fin de ses études une bourse, assortie au premier prix de peinture, qui va lui permettre de parcourir l’Europe à la découverte des centres artistiques du moment. 

Pierre Buraglio est né en 1939 à Charenton, près de Paris, d’un père architecte d’origine italienne, Robert Buraglio, absent du domicile familial car retenu captif entre 1940 et 1945. Après le conflit, Buraglio emmène son fils Pierre dans les musées et manifestations artistiques, attisant une passion naissante. Attiré dès son enfance non seulement par la contemplation, mais aussi par la pratique des arts, Pierre Buraglio entre en 1960 à l’école nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris. Il est inscrit dans l’atelier de Maurice Brianchon et Pierre Eugène Clairin, mais fréquente aussi l’atelier de Roger Chastel, à l’instar de Claude Viallat, Michel Parmentier, Kermarec et d’autres jeunes talents émergents dont certains seront les grands noms du groupe Supports/surfaces. Dès 1961, le jeune Pierre Buraglio participe au Salon de la Jeune Peinture avec quelques camarades. Il rencontre Gilles Aillaud, un autre fils d’architecte devenu peintre et scénariste. En 1962, c’est une rencontre plus importante encore qui l’attend. En effet, Buraglio participe à la revue Clarté (mensuel des étudiants communistes de l’UCE), et il s’y lie avec Pierre Soulages, dont l’art abstrait est alors au coeur de la polémique artistique.