Estimation gratuite Erró

Erró

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Estimation et cote de l'artiste Erró

Découvrez le parcours du peintre islandais Erró, père de la figuration narrative. Besoin d’une expertise concernant Erró ? Contactez l’équipe d’Estimonobjet !

Estimation gratuite Erró

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Erró, la formation complète d’un jeune artiste

Gudmundur Gudmunson, dit Erró, est né à Ólafsvík en Islande en 1932. Attiré par les arts depuis sa plus tendre enfance, le jeune Gundmundur expliquera qu’il feuilletait souvent un catalogue des collections du MoMa de New-York, catalogue dans lequel il fait la découverte de l’art moderne, de sa déstructuration de la forme et de la couleur. Dès l’âge de douze ans, il se met à peindre. Guidé par sa passion naissante, Erró entre en 1949 à l’école des Beaux-Arts de Reykjavik. Comme Matisse, il se met à réaliser des oeuvres à partir de papiers découpés. Diplômé de l’institution où il gagne le titre de professeur en 1951, Erró poursuit son apprentissage en se spécialisant dans la gravure à l’école des Arts décoratifs et industriels d’Olso, puis à partir de 1954 aux Beaux-Arts de Florence, et dès l’année suivante à l’école de mosaïque de Ravenne. Erró élargit également son savoir en voyageant à travers l’Europe pour découvrir les joyaux de l’art occidental.  En 1956 a lieu sa première exposition personnelle, à la Galleria Montenapoleone de Milan.

Erró à Paris, itinéraire d’un peintre attiré par le surréalisme

Erró visite la France, mais ce n’est qu’en 1959  qu’il s’y installe définitivement. L’année précédente, Erró répond au tract parisien surréaliste contre la bombe atomique (« Désarmez les physiciens, videz les laboratoires ») en réalisant une série de dessins, liant son nom à ce groupe artistique qu’il rencontre mieux après son installation à Paris, grâce à Jean-Jacques Lebel. À cette époque Erró se lance pleinement dans la réalisation de tableaux-collages. Dieter Roth, de Reykjavik, lui conseille en 1960 d’agrandir ses formats. Fort de ce conseil, et très impliqué dans la créativité des avant-gardes, Erró révèle à Venise en 1962 son manifeste « Mécanismo », où il définit la notion de « mécacollages », des collages mécaniques, similaires dans le procédé à l’écriture automatique ch!re aux surréalistes. Erró publie dans ce sillage des « poèmes mécaniques » et définit aussi une « mécascience ». Au début des années 1960, il est soutenu par la galerie Raymond Cordier à Paris. 

Erró et la découverte du Pop Art

Pourtant, les oeuvres les plus connues d’Erró sont constituées d’une imagerie propre à la publicité et à la réalité industrielle des années 1960. En effet, en 1964, visitant les Etats-Unis, l’artiste change son mode de production, ayant découvert l’emploi et le détournement des images destinées à la culture de masse qu’opèrent les artistes pop. Ayant conservé le caractère joueur de ses années surréalistes, Erró réalise une série de tableaux-collages à partir de cartes postales du pape Jean XXIII  qu’il nomme « Pope-Art », signant son entrée dans une nouvelle approche artistique. À cette époque de création intense, Erró est souvent aux Etats-Unis. Il réalise de nombreuses séries qui y rencontrent le succès (série « Forty seven Years » en 1967, série « American interiors » de 1968). 

Erró, apogée et fin de carrière d’un enfant Pop

Erró participe à de multiples projets en France, en Europe et outre-atlantique. En 1975, il conçoit des collages pour le projet de réhabilitation du moulin Stuck, lancé par la Biennale de Venise. En 1976, l’artiste visite la NASA de Houston, une expérience dont il tirera sa série « spatiale ». Impliqué en politique, Erró réalise plusieurs collages sur le thème de l’armée chinoise durant les années 1970. La Galerie Le Dessin (de Paris) lui organise une première rétrospective dédiée aux tableaux-collages, en 1981. L’année suivante, Erró conçoit l’affiche de la Coupe du Monde. Puis il inaugure une fresque peinte sur un mur à Angoulême, et dont il a donné le projet. Dans les années 1980, Erró est sollicité par la Ville de Paris : en 1984, ses paysages et autres collages sont exposés à l’ARC 2. Il participe également à la décoration de la Cité des Sciences de Paris en 1986, puis en 1995, il conçoit le décor mural « Music scape » de l’auditorium des Halles.  Désormais incontournable, Erró expose partout en France et ses oeuvres sont acquises par des institutions officielles (FRAC Franche-Comté, Mac-Val etc…). En 2000 à Marseille est présentée « Erró, images du siècle », une exposition dédiée à l’artiste. Une rétrospective de son travail a lieu en 2004, au musée National des Beaux-Arts de la Havane. Puis en 2010, c’est au Musée national d’art moderne de Paris qu’une exposition Erró est organisée, présentant « 50 ans de collages » du maître pop, ainsi qu’à Saint-Etienne, la même année, au Musée d’art moderne. 

Erró est aujourd’hui représenté par la Galerie Emmanuel Perrotin. Il a 90 ans.

L’estimation des oeuvres de Erró

Certains des tableaux d’Erró appartenant à des séries célèbres atteignent des estimations allant jusqu’à 400 000 euros. En 2007, un tableau « comicscape » de 1971, huile sur toile de 200 x 300 cm, a réalisé l’enchère record de 720 000 euros hors frais à Paris. Ses tableaux peints (nés de l’agrandissement de projets de collages) de grande dimension se vendent généralement entre 50 000 et 200 000 euros. Pour des oeuvres de plus petite taille ou de complexité moindre dans les compositions et juxtapositions d’images, moins de 50 000 euros. Les dessins et collages d’Erró, plus rares sur le marché, réalisent des prix d’adjudication moins élevés. Quant aux estampes d’Erró, il faut compter entre quelques centaines d’euros et 2 000 euros, en général, par pièce.

En lien avec Erró

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

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Estimation gratuite Adolphe Monticelli

Adolphe Monticelli

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Estimation et cote de l'artiste Adolphe Monticelli

Adolphe Monticelli (1824-1886) est l’un des peintres les plus singuliers du XIXe siècle français. Né à Marseille, il développe une peinture très personnelle, chargée de matière et de couleurs profondes. Ses bouquets de fleurs, ses paysages provençaux et ses mystérieuses fêtes galantes ont parfois dérouté ses contemporains. Ils ont pourtant exercé une véritable fascination sur Paul Cézanne et Vincent van Gogh !

La cote d’Adolphe Monticelli présente des écarts considérables. Si certaines petites peintures s’échangent pour quelques centaines d’euros, ses tableaux les plus ambitieux peuvent atteindre plusieurs dizaines de milliers d’euros. Son record dépasse même 400 000 dollars.

Vous possédez une peinture d’Adolphe Monticelli, un dessin ou une œuvre qui lui est attribuée ? Chez Estimon’objet, obtenez une estimation gratuite, rapide et confidentielle, réalisée par nos experts et commissaires-priseurs.

Estimation gratuite Adolphe Monticelli

Prix des œuvres d'Adolphe Monticelli

  • Peinture à l’huile sur panneau ou sur toile : entre 300 € et plus de 400 000 €

  • Dessin, aquarelle ou œuvre sur papier : entre 100 € et 6 000 €

  • Tableau attribué à Monticelli, à son entourage ou à un suiveur : entre 100 € et 5 000 €

L’estimation d’un tableau d’Adolphe Monticelli dépend de son sujet, de ses dimensions, de son support et surtout de sa qualité d’exécution. Les bouquets de fleurs très travaillés, les scènes de parc avec des personnages élégants et certains paysages provençaux figurent parmi les compositions les plus recherchées. À l’inverse, une petite étude sombre, très usée ou difficile à lire peut obtenir un résultat beaucoup plus modeste.

La période joue également un rôle important. Les peintures tardives, réalisées après le retour de Monticelli à Marseille en 1870, présentent souvent une matière plus généreuse et une palette particulièrement riche. Les couleurs, les figures et les détails peuvent sembler presque dissous dans la peinture. Cette manière très libre attire les collectionneurs, mais elle a également été largement imitée.

Pour réaliser une première estimation, les experts d’Estimon’objet examinent des photographies de la face, du revers, de la signature et du cadre. Ils étudient aussi les dimensions, la provenance, les anciennes étiquettes et l’état de conservation. Une œuvre convaincante peut ensuite nécessiter un examen direct et des recherches documentaires complémentaires.

La cote d’Adolphe Monticelli sur le marché de l’art

La cote de Monticelli reste très irrégulière. Plusieurs milliers de peintures lui ont été attribuées au fil du temps et toutes ne présentent ni la même qualité ni le même degré de certitude. La provenance, l’ancienneté de l’attribution et la comparaison avec les œuvres conservées dans les musées sont donc essentielles. Les montants ci-dessous correspondent à des résultats publics et peuvent inclure les frais acheteurs.

La cote des paysages de Provence et de Marseille

Les paysages d’Adolphe Monticelli représentent souvent des chemins, des sous-bois, des rivières ou les environs de Marseille et d’Aix-en-Provence. Les compositions les plus recherchées associent une belle profondeur, des couleurs lumineuses et une matière dense. Les paysages tardifs, peints au début des années 1880, peuvent atteindre des prix particulièrement élevés.

Voici plusieurs résultats de référence :

  • Au bord de la rivière, Marseille (vers 1883-1885) : cette huile sur toile marouflée sur panneau a été vendue à New York en 2013 pour 413 000 dollars. Il s’agit du record public généralement retenu pour l’artiste.
  • A Walk by the Gate (1878) : cette huile sur panneau de 47 × 64 cm a été vendue à Cologne en 2013 pour 8 540 € avec les frais, au-dessus de son estimation.

Ces deux résultats montrent l’importance de la qualité. Un sujet marseillais de la dernière période, doté d’une provenance solide et d’une belle intensité de couleur, peut dépasser très largement la cote habituelle d’un paysage plus courant.

La cote des bouquets de fleurs et des natures mortes

Monticelli peint ses principales natures mortes florales entre la fin des années 1870 et le début des années 1880. Il place volontiers les fleurs dans un vase, devant un fond sombre, puis utilise le rouge, le jaune, le blanc et le bleu pour faire ressortir le bouquet. La matière épaisse donne parfois aux pétales l’apparence de petites touches de couleur posées en relief.

Quelques ventes significatives :

  • Grande Nature morte au pichet (vers 1880) : cette composition majeure a été vendue à Londres en 1992 pour 319 000 livres sterling, un montant alors équivalent à plus de 400 000 €.
  • Vase de fleurs (date non précisée) : cette peinture a obtenu 210 900 dollars lors d’une vente en ligne en juillet 2022.

Ces résultats restent exceptionnels. La majorité des bouquets de Monticelli se négocie à des niveaux inférieurs. Un petit panneau authentique et bien conservé peut toutefois atteindre plusieurs milliers ou dizaines de milliers d’euros lorsque les couleurs restent fraîches et que la composition est particulièrement aboutie.

La cote des fêtes galantes et des scènes de personnages

Les fêtes galantes de Monticelli montrent des femmes élégantes, des cavaliers, des chiens ou des groupes de personnages réunis dans des parcs imaginaires. Les costumes rappellent parfois la Renaissance ou le XVIIIe siècle. Le sujet n’est pas toujours identifiable : le peintre privilégie l’atmosphère, la couleur et le mouvement de la scène.

Voici quelques résultats récents :

  • Fête galante (date non précisée) : cette huile sur panneau de petit format a été vendue à Londres en 2025 pour 33 600 dollars.
  • Parisian Interiors (date non précisée) : cette scène d’intérieur peinte sur panneau a été adjugée à Paris en 2020 pour 4 375 €.
  • Merry Table Fellowship (date non précisée) : cette composition représentant plusieurs personnages réunis autour d’une table a été vendue à Cologne en 2025 pour 4 788 € avec les frais.

La lisibilité des personnages, la richesse des costumes et l’équilibre des couleurs ont une influence directe sur l’estimation. Les compositions très sombres ou celles dont la peinture a été écrasée par une restauration excessive trouvent généralement moins facilement preneur.

Comment reconnaître un tableau d’Adolphe Monticelli ?

Monticelli travaille très souvent à l’huile sur panneau de bois, même s’il utilise aussi la toile. Ses formats restent généralement modestes. Le panneau lui offre une surface rigide capable de supporter ses couches de peinture épaisses. Le bois peut parfois rester visible entre les touches, notamment dans les fonds et autour des personnages.

La matière constitue l’un des premiers indices à examiner. Monticelli pose des touches épaisses, courtes et irrégulières, parfois directement les unes sur les autres. Les reliefs sont particulièrement visibles sur les fleurs, les bijoux, les costumes ou les reflets de lumière. De près, certains détails semblent presque abstraits. Avec un peu de recul, les personnages, les feuillages ou les bouquets deviennent beaucoup plus lisibles.

Sa palette associe souvent des bruns profonds, des rouges, des verts sombres, des jaunes et des bleus intenses. Il ajoute de petites touches claires pour faire ressortir une fleur, une manche, un visage ou un accessoire. Ces accents de couleur doivent rester variés et précis. Une peinture composée uniquement d’empâtements lourds et confus ne correspond pas nécessairement à sa manière.

Les sujets apportent d’autres renseignements. Monticelli peint des bouquets de fleurs, des natures mortes de fruits ou de poissons, des parcs, des paysages provençaux, des scènes de chasse et des groupes de femmes richement vêtues. Les visages peuvent être réduits à quelques touches, mais les attitudes et les costumes conservent une certaine élégance.

De nombreux imitateurs ont repris cette matière épaisse et ces scènes sombres. Il arrive même que des tableaux de suiveurs portent une signature « Monticelli ». La présence d’un panneau ancien, de couleurs chaudes et d’une peinture en relief ne suffit donc pas à prouver l’authenticité.

Reconnaître la signature d’Adolphe Monticelli

Adolphe Monticelli signe généralement ses peintures « Monticelli ». La signature peut apparaître dans l’angle inférieur gauche ou inférieur droit du tableau. Elle est le plus souvent tracée au pinceau, dans une couleur claire sur un fond sombre ou dans une teinte brune lorsque le fond est plus lumineux.

Son écriture n’est pas parfaitement identique d’une œuvre à l’autre. Certaines signatures sont assez lisibles, tandis que d’autres se fondent dans la matière. Les lettres peuvent paraître rapides, légèrement inclinées et reliées entre elles. Sur les tableaux très chargés, le nom semble parfois noyé parmi les touches de peinture.

Il faut rester particulièrement prudent, car Monticelli a été beaucoup imité après sa mort. Des signatures ont parfois été ajoutées sur des peintures anonymes qui rappelaient son style. Certains musées conservent même des œuvres autrefois attribuées au peintre, malgré une signature visible, mais désormais classées comme des tableaux d’imitateurs.

Une signature Monticelli ne constitue donc jamais une preuve absolue. L’expert vérifie si elle appartient bien à la couche picturale d’origine, si son vieillissement correspond au reste du tableau et si sa forme reste cohérente avec les signatures documentées.

Signature Adolphe Monticelli
Expertise signature Adolphe Monticelli

Tableau d’Adolphe Monticelli : ce que regardent nos experts

Romain Rudondy, commissaire-priseur d’Estimon’objet, commence par identifier le support. Monticelli a beaucoup travaillé sur de petits panneaux de bois. L’essence du bois, son épaisseur, la façon dont il a été préparé et les marques visibles au revers peuvent apporter de précieux renseignements sur l’ancienneté de l’œuvre.

Romain examine ensuite la matière grâce à des photographies prises de face et en lumière rasante. Il recherche les empâtements irréguliers de Monticelli, mais aussi les zones plus minces qui laissent parfois apparaître le panneau. Une copie cherche souvent à reproduire seulement l’épaisseur de sa peinture. Elle peut alors présenter une matière lourde et uniforme, sans les passages plus légers que l’on observe dans les œuvres authentiques.

La répartition des couleurs compte tout autant. Chez Monticelli, les touches rouges, jaunes, bleues ou blanches ne sont pas posées au hasard. Elles font apparaître un visage, une étoffe, une fleur ou un reflet. L’expert vérifie donc si les couleurs construisent réellement le sujet ou si elles servent simplement à imiter un aspect mouvementé.

Enfin, le revers peut révéler une ancienne étiquette, une marque de marchand, un numéro de collection ou une inscription manuscrite. Une provenance ancienne, établie avant la multiplication des imitations, renforce considérablement le dossier. L’état du panneau doit aussi être contrôlé : les fentes, les déformations, les soulèvements de peinture et les anciennes restaurations peuvent modifier la valeur du tableau.

Adolphe Monticelli, le peintre marseillais qui fascina Van Gogh

Adolphe Joseph Thomas Monticelli naît à Marseille le 14 octobre 1824 dans une famille modeste. Il étudie à l’École municipale de dessin de Marseille entre 1842 et 1846, puis part pour Paris. Il fréquente l’atelier de Paul Delaroche, copie les maîtres anciens au Louvre et découvre la peinture d’Eugène Delacroix. Lors d’un nouveau séjour parisien, il rencontre Narcisse Diaz de la Peña en 1855. Les deux hommes travaillent ensemble dans la forêt de Fontainebleau et nouent une véritable amitié.

À Paris, Monticelli commence à se faire connaître pour ses portraits et ses scènes de personnages. La guerre franco-prussienne de 1870 le pousse cependant à quitter la capitale. Il retourne définitivement à Marseille et consacre les seize dernières années de sa vie à la peinture. Il retrouve régulièrement Paul Cézanne, rencontré quelques années plus tôt, et parcourt avec lui les environs d’Aix-en-Provence. Malgré une production abondante, Monticelli vend souvent ses tableaux pour des sommes modestes et mène une existence assez précaire.

Une attaque cérébrale le frappe en 1885 et réduit fortement ses capacités physiques. Il meurt à Marseille le 29 juin 1886. Sa réputation prend une nouvelle dimension après sa disparition, notamment grâce à l’admiration de Vincent van Gogh. Ce dernier découvre ses tableaux à Paris et reconnaît en lui un maître de la couleur. Vincent et son frère Theo participent même, en 1890, à la publication du premier ouvrage consacré au peintre marseillais. Monticelli devient ainsi l’un des artistes qui annoncent, par leur liberté, les recherches de la peinture moderne.

Pour photographier un tableau d’Adolphe Monticelli, ne vous contentez pas d’une image prise de face. Placez une source lumineuse sur le côté et réalisez plusieurs photographies en lumière rasante. Cette méthode fait apparaître les reliefs, les différences d’épaisseur et les éventuelles zones restaurées.

Observez également les espaces situés entre les touches de peinture. Sur de nombreux panneaux de Monticelli, la matière n’est pas uniformément épaisse : certaines parties restent légères et peuvent laisser entrevoir la préparation ou le bois. Si toute la surface présente le même relief, comme si la peinture avait été appliquée avec une seule recette, l’attribution mérite une grande prudence.

Ne nettoyez surtout pas le tableau et ne tentez pas de raviver les couleurs avec un produit ménager. Les reliefs retiennent facilement la poussière, mais ils peuvent aussi se casser ou perdre leurs glacis lors d’un nettoyage trop énergique. Un ancien vernis jauni n’empêche pas l’estimation : il peut même protéger des couleurs restées intactes dessous !

Pour connaître la valeur d’une œuvre d’Adolphe Monticelli, faites confiance à Estimon’objet, partenaire privilégié pour l’expertise et l’estimation des œuvres d’art et des objets de collection. Nos experts et commissaires-priseurs étudient gratuitement votre demande et vous accompagnent dans la valorisation de votre tableau, qu’il s’agisse d’une œuvre authentique, d’une attribution ou d’une peinture de suiveur.

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Estimation gratuite Yannis Tsarouchis

Yannis Tsarouchis

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Estimation et cote de l'artiste Yannis Tsarouchis

Yannis Tsarouchis est un peintre grec connu pour ses nus masculins et l’emploi récurrent de la figure du marin dans son œuvre. Il fait également partie de la génération des artistes des années 1930 qui prônent un retour à la Grécité.

Estimation gratuite Yannis Tsarouchis

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Le parcours artistique de Yannis Tsarouchis

Yannis Tsarouchis est un peintre grec, né le 13 janvier 1910 au Pirée et mort le 20 juillet 1989 à Athènes. Il débute sa formation artistique à l’École des Beaux-Arts d’Athènes, dans l’atelier de Fotis Kontoglou, de 1929 à 1935. Ces premières années d’apprentissage lui permettent de découvrir et d’apprendre la peinture byzantine. En parallèle, Yannis Tsarouchis étudie aussi l’architecture.

En 1935 et 1936, Yannis Tsarouchis entreprend plusieurs voyages. Il se rend à Constantinople, à Paris et en Italie où il s’initie à l’art de la Renaissance et à l’Impressionnisme.

Dès 1928, Yannis Tsarouchis s’intéresse également à l’art de la scénographie. Il coopère avec le Théâtre National, l’Opéra, le Théâtre d’Art Karolos Koun ou encore le Covent Garden de Londres. Durant sa carrière, le peintre travaille l’illustration de plusieurs livres.

En 1980, une grande exposition personnelle dédiée à Yannis Tsarouchis est organisée au Grand Palais à Paris. A la même époque, la Fondation Yannis Tsarouchis est créée à Maroussi, dans la banlieue d’Athènes.

Yannis Tsarouchis est un artiste influencé par les travaux de Theophilos, Matisse ou Giacometti. Ses toiles représentent souvent des nus masculins. Ces derniers peuvent former le sujet même de l’œuvre, s’inscrire dans des représentations allégoriques, religieuses ou politiques.

Yannis Tsarouchis dans la Grèce du XXe siècle

Yannis Tsarouchis est un peintre grec appartenant à la « génération des années 1930 » qui valorise et promeut un retour à la Grécité. En effet, à cette époque, le pays connait un climat politique très tendu.

En 1940, Yannis Tsarouchis est mobilisé lorsque l’Italie attaque la Grèce, avant d’être envahie avec l’aide des armées hitlériennes. Pendant l’occupation, Yannis Tsarouchis est professeur, acteur au théâtre et illustre des livres.

En 1967, il est vivement critiqué par le gouvernement grec qui lui reproche ses toiles aux nus masculins jugés trop érotiques. Yannis Tsarouchis décide alors d’emménager à Paris pour poursuivre son œuvre. Les années suivantes, il organise des expositions prestigieuses à Londres, à New York et à Venise.

Durant toute sa vie, et grâce à son œuvre, Yannis Tsarouchis parvient à intégrer la peinture traditionnelle grecque à la peinture contemporaine.

L’œuvre de Yannis Tsarouchis

L’œuvre de Yannis Tsarouchis est souvent perçu comme un éloge à la vie, à la joie. Ses toiles, remplies d’éléments folkloriques, donnent la priorité soit au dessin, soit à la couleur. Selon Yannis Tsarouchis, le dessin provient d’une tradition occidentale, tandis que la couleur est issue d’une tradition orientale.

A partir de ce constat, le peintre estime que la peinture grecque se trouve à la jonction de ces deux traditions. Il écrit : « c’est un fait incontestable que la longue tradition grecque renferme en elle ces deux approches qui se réunissent par moments, de sorte que l’on ne peut dire que l’art grec soit seulement oriental ou seulement rationnel. »

Dans l’œuvre de Yannis Tsarouchis, la figure du marin est omniprésente et peut arborer différents comportements. Le marin peut être lascif ou provoquant, pensif ou actif. Il apparait comme la quintessence même de la virilité, ouvertement homoérotique.

Faire estimer gratuitement une œuvre de Yannis Tsarouchis

En ventes aux enchères, les œuvres de Yannis Tsarouchis sont relativement présentes. Le plus souvent, ce sont des dessins et aquarelles qui sont présentées. Des peintures et des estampes de l’artiste sont aussi proposées.

Les dessins et les aquarelles réalisés par Yannis Tsarouchis sont en moyenne estimés entre 1000 euros et 30 000. Il s’agit de la catégorie d’œuvre de l’artiste la plus répandue en ventes aux enchères. En décembre 2019, le fusain sur papier de 1949 intitulé Eros est adjugé à 27 200 euros. En novembre 2022, un pastel intitulé Le Marin trouve acquéreur pour 16 000 euros.

Les peintures de Yannis Tsarouchis rencontrent des estimations plus importantes. En effet, elles débutent à 2 000 euros et peuvent atteindre 300 000 euros, ou plus. En mai 2020, l’huile sur toile nommée Kinderkarneval est adjugée à 61 245 euros. En novembre 2022, l’huile sur toile intitulée La garde oubliée de 1955 est estimée entre 80 000 euros et 120 000 euros, elle est finalement adjugée à 350 000 euros.


Enfin, Yannis Tsarouchis produit aussi des estampes durant sa carrière. Leurs estimations sont plus modestes, entre 200 euros et 3 000 euros. En décembre 2021, Youngster lying down trouve acquéreur pour 3 000 euros. En mai 2022, la lithographie intitulée Les rangers est adjugée à 1 600 euros.

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Estimation gratuite Yan Pei-Ming

Yan Pei-Ming

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Estimation et cote de l'artiste Yan Pei-Ming

Yan Pei-Ming (né en 1960) est l’une des grandes figures de la peinture contemporaine franco-chinoise. Il est connu pour ses portraits monumentaux, souvent réalisés en noir et blanc, en rouge ou en bleu. Mao Zedong, Bruce Lee, le pape, des personnalités politiques, mais aussi ses parents et son propre visage occupent une place centrale dans son œuvre. Ses tableaux sont aujourd’hui présents dans d’importantes collections internationales et sa cote peut dépasser le million d’euros !

Vous possédez un tableau de Yan Pei-Ming, une œuvre sur papier ou une estampe ? Estimon’Objet vous accompagne pour connaître sa valeur et obtenir une estimation confidentielle réalisée par des spécialistes de l’art moderne et contemporain.

Estimation gratuite Yan Pei-Ming

Prix des œuvres de Yan Pei Ming

  • Peintures monumentales et portraits iconiques : de 40 000 à plus de 1 million d’euros

  • Portraits, autoportraits et paysages à l’huile : de 15 000 à plus de 300 000 euros

  • Dessins, aquarelles et œuvres sur papier : de 2 000 à plus de 120 000 euros

  • Lithographies et estampes signées : de 500 à plus de 7 000 euros

Pour obtenir une première estimation d’un tableau de Yan Pei-Ming, transmettez à Estimon’Objet des photographies nettes de l’œuvre entière, de sa surface et de son revers. Il est important de photographier les inscriptions en caractères latins ou chinois, la date, le titre, les étiquettes et les marques portées sur le châssis. Indiquez également les dimensions exactes, la technique, la provenance et les éventuelles expositions auxquelles l’œuvre a participé.

Nos spécialistes examinent ensuite le sujet, la palette, la taille du support, la manière dont la peinture a été appliquée et la cohérence de l’œuvre avec les périodes documentées de l’artiste. Ils étudient aussi les résultats obtenus par des œuvres comparables sur le marché. Cette analyse permet de proposer une valeur indicative, mais elle ne constitue pas une authentification définitive. Pour une œuvre importante, un examen physique et des recherches complémentaires peuvent être nécessaires.

La cote de Yan Pei-Ming sur le marché de l’art

La cote de Yan Pei-Ming repose principalement sur ses grandes huiles sur toile. Les portraits de personnages historiques, les représentations de Mao, les autoportraits et les œuvres consacrées à sa famille forment le cœur de son marché. Les écarts de prix restent importants : une lithographie peut valoir quelques centaines d’euros, tandis qu’une toile monumentale peut dépasser le million.

La cote des portraits de Mao et des figures de pouvoir

Les portraits de Mao par Yan Pei-Ming comptent parmi ses œuvres les plus célèbres. L’artiste reprend une image connue de tous, mais il lui donne un aspect plus instable grâce à de larges coups de pinceau et à une gamme de couleurs limitée. Les tableaux de grandes dimensions, réalisés durant les années 1990 et 2000, sont particulièrement recherchés.

Voici plusieurs résultats de référence :

  • Mao, Chinese Vermilion #1 (2001) : cette huile monumentale de 180 × 300 cm a été adjugée à New York en mai 2008 pour 1 497 000 dollars, soit près d’un million d’euros au cours de l’époque.
  • Portrait of the Prince of Wales (2013) : ce portrait carré de deux mètres de côté a été vendu à Londres en octobre 2013 pour 302 500 livres sterling.
  • Pope Innocent X No. 5 (2013) : cette grande huile sur toile de 220 × 220 cm a atteint 232 200 livres sterling à Londres en octobre 2025.

Ces résultats montrent l’importance du format, mais aussi celle du personnage représenté. Un portrait historique immédiatement identifiable bénéficie souvent d’une demande plus forte qu’une figure anonyme.

La cote des portraits privés et des autoportraits

Yan Pei-Ming ne peint pas seulement des personnalités célèbres. Il consacre de nombreuses œuvres à son père, à sa mère, à ses proches et à lui-même. Ces tableaux abordent des sujets plus personnels comme la filiation, le vieillissement et la disparition.

Parmi les résultats connus :

  • Portrait of Isabelle Huppert III (2013) : cette huile sur toile monumentale a été adjugée à Londres en octobre 2022 pour 138 600 livres sterling.
  • Self Portrait as a Hooligan (2003) : cet important autoportrait de grand format a été présenté sur le marché asiatique en 2010 avec une estimation supérieure à 350 000 euros.
  • Oncle aveugle : cette huile sur toile consacrée à un membre de la famille de l’artiste a été vendue à Londres pour 25 000 livres sterling.

La présence d’une exposition importante, d’une publication ou d’une provenance ancienne peut renforcer la valeur d’un portrait de Yan Pei-Ming.

La cote des paysages, œuvres sur papier et estampes

Les paysages occupent une place plus discrète dans l’œuvre de Yan Pei-Ming, mais ils sont aujourd’hui bien identifiés par les collectionneurs. Ils conservent sa palette restreinte et son coup de pinceau très large. Les aquarelles et dessins peuvent également atteindre des montants élevés lorsqu’ils sont de grandes dimensions ou associés à une série reconnue.

Quelques résultats permettent de comprendre cette partie du marché :

  • Dreamspace (2013) : cette huile sur toile a été adjugée à Londres en mars 2019 pour 87 500 livres sterling.
  • International Landscape : un exemplaire de cette série a atteint 110 000 euros lors d’une vente publique en Allemagne.
  • Pope Jean-Paul II, from Icônes (2005) : un exemplaire de cette lithographie a été vendu à Londres pour 2 750 livres sterling.

Pour les estampes, le tirage, la signature, la numérotation et l’état du papier sont essentiels. Une lithographie signée et conservée sans décoloration aura plus de valeur qu’un tirage non signé ou abîmé.

Comment reconnaître un tableau de Yan Pei-Ming ?

Une peinture de Yan Pei-Ming se reconnaît souvent dès le premier regard. L’artiste travaille avec de très grands pinceaux, parfois comparés à des balais, et applique directement la peinture sur la toile. Les visages ne sont pas dessinés avec des contours précis : ils apparaissent grâce aux passages successifs du pinceau, aux coulures et aux différences d’épaisseur.

Sa palette constitue un autre indice important. Beaucoup de tableaux associent uniquement le noir, le blanc et différentes nuances de gris. D’autres utilisent le rouge et le blanc, notamment les portraits de Mao, ou des tonalités bleues plus froides. Même avec peu de couleurs, Yan Pei-Ming fait ressortir le regard, les pommettes, la bouche et les zones d’ombre du visage.

Les formats sont fréquemment très grands. Certains portraits mesurent deux ou trois mètres de haut. Le spectateur se retrouve alors directement face au personnage, comme devant une image agrandie au-delà de l’échelle humaine. L’artiste travaille souvent à partir de photographies personnelles, d’images de presse, de portraits officiels ou de reproductions d’œuvres anciennes.

Expertise Yan Pei-Ming

Reconnaître la signature de Yan Pei-Ming

La signature de Yan Pei-Ming se trouve fréquemment au dos de la toile plutôt que sur la face peinte. L’artiste peut inscrire son nom en lettres latines, sous la forme « Yan Pei-Ming » ou « Yan Pei Ming », et l’accompagner de caractères chinois. Le titre, le lieu de création et la date apparaissent parfois à proximité.

Cette inscription au revers est particulièrement importante pour l’expertise. Sur plusieurs œuvres documentées, le nom de l’artiste, le titre et la date sont directement portés sur la toile ou le châssis. Les estampes sont généralement signées au crayon dans la marge et peuvent comporter une numérotation.

Il faut toutefois rester prudent : une signature ou une inscription ne suffit jamais à établir l’authenticité d’une œuvre. La peinture, le support, la provenance et l’historique doivent former un ensemble cohérent. En cas de doute, faites appel aux spécialistes d’Estimon’Objet.

Tableau de Yan Pei-Ming : ce que regardent nos experts

Pour étudier un tableau attribué à Yan Pei-Ming, nos experts commencent par examiner la matière picturale. Ils recherchent les larges passages du pinceau, les zones où la toile reste presque visible et les parties plus chargées en peinture. Chez Yan Pei-Ming, un même coup de pinceau peut former une joue, une ombre ou une partie du fond.

Ils observent aussi la construction du visage. L’artiste ne cherche pas un rendu photographique parfaitement lisse. De près, les traits semblent parfois se disperser dans la matière. À distance, le portrait devient beaucoup plus lisible. Ce changement de perception constitue une caractéristique importante de son travail.

Le revers apporte enfin des informations décisives. Nos spécialistes contrôlent les inscriptions en chinois et en français, la date, le titre, les étiquettes anciennes, le châssis et l’historique de propriété. Pour les grands formats, ils vérifient également si les dimensions et le montage correspondent aux pratiques connues de l’artiste.

Yan Pei-Ming, le peintre franco-chinois des visages de l’Histoire

Yan Pei-Ming naît en 1960 dans une famille ouvrière de Shanghai. Son enfance se déroule pendant la Révolution culturelle, une période durant laquelle les portraits de Mao sont omniprésents dans l’espace public. Le jeune homme souhaite devenir artiste, mais sa candidature à l’école d’art de Shanghai est refusée. Il quitte finalement la Chine pour la France à l’âge de 19 ans.

Il s’installe à Dijon et entre en 1981 à l’École nationale supérieure des beaux-arts de la ville, dont il sort diplômé en 1986. Ses premiers portraits de Mao attirent rapidement l’attention. En 1993 et 1994, il séjourne à la Villa Médicis à Rome. Sa carrière prend alors une dimension internationale, tandis qu’il élargit son travail aux autoportraits, aux membres de sa famille et aux grandes figures de l’histoire politique ou culturelle.

En 2009, le musée du Louvre l’invite à présenter Les Funérailles de Monna Lisa, un ensemble conçu pour le Salon Denon. Dix ans plus tard, il expose au musée d’Orsay un travail autour de Gustave Courbet et de l’histoire de sa propre famille. D’importantes expositions lui sont ensuite consacrées au musée Unterlinden en 2021 et au Palazzo Strozzi de Florence en 2023. Yan Pei-Ming vit et travaille aujourd’hui entre Dijon, Paris et Shanghai.

Regardez toujours le tableau à deux distances différentes. De près, une véritable œuvre de Yan Pei-Ming révèle des traces de pinceau très larges, des coulures et des zones où les formes semblent presque disparaître. Lorsque vous reculez de plusieurs mètres, le visage doit retrouver sa présence et devenir nettement identifiable. Ce passage d’une peinture presque abstraite à un portrait lisible est un indice très utile !

Ne nettoyez jamais la surface d’une telle toile vous-même. Les zones fines, les coulures et les effets mats ou brillants font partie du travail de l’artiste. Un nettoyage trop appuyé pourrait modifier la peinture et réduire sensiblement la valeur de l’œuvre.

Vous souhaitez connaître la valeur d’un tableau de Yan Pei-Ming, d’une aquarelle, d’un dessin ou d’une lithographie ? Transmettez à Estimon’Objet des photographies de l’œuvre, du revers, de la signature et des éventuels documents de provenance.

Notre équipe étudiera ses caractéristiques et sa place sur le marché afin de vous proposer une estimation de votre œuvre de Yan Pei-Ming. Estimon’Objet est votre partenaire privilégié pour l’expertise et l’estimation des objets d’art et de collection, que votre démarche concerne une vente, une succession, un partage ou une assurance.

En lien avec Yan Pei-Ming

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

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Les ventes rendues possibles par Estimonobjet — Asie

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TIBET, XVIe siècle Groupe en bronze à patine brune, représentant la divinité Chakrasamvara debout terrassant ses ennemis, sur une base ovale à double

💰 Adjudication :
150 000 €

🔎 Estimation :
1000 € - 1500 €

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Nguyễn Khang (1912-1988) Deux femmes en Áo dài Rare panneau en bois laqué polychrome sur fond noir, travaillé ciselé en relief, avec incorporation de

💰 Adjudication :
85 000 €

🔎 Estimation :
8 000 € - 10 000 €

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Tschang-Yeul KIM (1929-2021) Gouttes d'eau. 1974 Huile sur toile Signée et datée en bas à droite 50 x 50 cm Provenance : - Galerie Thot, Avignon - Col

💰 Adjudication :
67 500 €

🔎 Estimation :
20 000 € - 25 000 €

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NEPAL, XIXe siècle Groupe en bronze doré représentant Padmasambhaya assis sur une base en forme de bouton de lotus reposant elle-même sur un quadruple

💰 Adjudication :
29 000 €

🔎 Estimation :
1 000 € - 1 500 €

Estimation gratuite Victor Simon

Victor Simon

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Estimation et cote de l'artiste Victor Simon

Victor Simon est un peintre médiumnique français du XXe siècle. Il est connu pour réaliser des grands formats dédiés au thème de l’évolution spirituelle. 

Estimation gratuite Victor Simon

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Qui est Victor Simon, peintre et médium français ?

Victor Simon est un peintre français, né le 23 janvier 1903 à Bruay-la-Buissière et mort le 31 décembre 1976 à Arras. Il est aussi connu pour être un medium et un magnétiseur. Fils de mineur, Victor Simon travaille à la mine dès l’âge de 12 ans.

En 1920, Victor Simon assiste à une séance spirite qui l’impact profondément. Quelques années plus tard, à l’âge de 30 ans, il dit recevoir un premier message médiumnique qui l’incite à peindre. Il réalise dans la foulée sa première toile.

En parallèle, le peintre est guérisseur et conseiller spirituel. En 1947, il fonde la revue Forces Spirituelles. Il occupe ensuite de nombreuses fonctions liées au spiritisme : président du Cercle d’Études Psychiques d’Arras en 1949, président de la Fédération Spiritualiste du Nord et président de la Renaissance Spirituelle Française en 1951 ou encore délégué de l’Union Spirite Française en 1954.

En 40 ans de carrière, Victor Simon peint des centaines de petites toiles et environ 80 mètres carrés de grandes toiles.

L’œuvre de Victor Simon

Entre 1933 et 1972, Victor Simon peint des centaines de petites toiles et environ une dizaine de grandes toiles. Sa réputation grandit d’abord dans le Nord, puis à Paris lorsque sa première toile Résurrection est exposée au Salon des Indépendants en 1935. Il s’agit d’une œuvre médiumnique, très lumineuse, qui se fait immédiatement remarquer.

En 1940, il est mobilisé et fait prisonnier, avant d’être libéré en avril 1941. Pendant la guerre, il réalise de nombreuses toiles, dont Toile Bleue, une œuvre de 10 mètres carrés.

Les peintures de Victor Simon sont toutes composées comme une page d’écriture : de haut en bas, et de gauche à droite. Il travaille les couleurs selon un procédé proche du pointillisme pour dessiner plusieurs styles de figures. Victor Simon peint des formes géométriques, des arabesques, des hiéroglyphes et, parfois, des figures humaines et des symboles aux influences égyptiennes, hindous ou byzantines.

Bien que ses toiles soient souvent exposées, Victor Simon refuse de les vendre.

Victor Simon, un peintre spirite

Le spiritisme apparait en Europe vers le milieu du XIXème, notamment dans les milieux ouvriers mais touche également des hommes politiques ou des figures de la littérature. Certains des adeptes du spiritisme extériorisent alors leur médiumnité grâce à la peinture, sans n’avoir jamais eu de formation artistique au préalable, à l’instar de Victor Simon.

Les œuvres spirites sont saisissantes par la complexité de leur composition, par l’équilibre et l’harmonie des couleurs. L’art spirite né avant tout état de transe, que l’on retrouve par exemple chez Victor Simon lorsqu’il vit sa première expérience médiumnique qui le pousse à s’orienter vers la peinture.

L’art spirite ne se réfère à aucun modèle artistique ou à aucune ambition esthétique. Les artistes spirites comme Victor Simon ne cherchent pas à faire des chefs-d’œuvre : ils aspirent à s’exprimer par des moyens directs et bruts. Certains mêmes refusent d’être décrit comme des « artistes ».

Faire estimer gratuitement une œuvre de Victor Simon

Les œuvres de Victor Simon sont très rares en ventes aux enchères. Entre 2010 et 2021, seulement neuf toiles de l’artistes ont été proposées par les maisons de ventes aux enchères.

Au niveau des estimations, les peintures de Victor Simon sont présentées entre 600 euros et 4 000 euros en moyenne. Lors d’une vente de 2010, l’huile sur toile et sur panneau datée de 1949 et intitulée Croix est adjugée 4 150 euros. Un an plus tard, en 2011, l’huile sur toile nommée Sans titre est adjugée à 2 800 euros.

Cependant, les dernières ventes d’une œuvre de Victor Simon suggèrent un changement de valeur de la cote de l’artiste. En effet, leurs prix d’adjudication surpassent amplement les estimations initiales.

En 2019, l’huile sur toile de 1971 intitulée Christ est estimée entre 400 euros et 600 euros ; elle est finalement vendue à 7 000 euros. Plus récemment, en 2021, une autre huile sur toile intitulée Sans titre de 1943 est d’abord estimée entre 2 500 euros et 3 500 euros. Cette œuvre est alors adjugée à 13 500 euros.

Ces derniers résultats de vente peuvent évoquer une réévaluation à la hausse de la cote de Victor Simon.

En lien avec Victor Simon

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

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Estimation gratuite Theophilos Hatzimihail

Theophilos Hatzimihail

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Estimation et cote de l'artiste Theophilos Hatzimihail

Theophilos Hatzimihail est un peintre grec connu pour ses peintures d’art naïf. Longtemps moquée, son œuvre connait finalement un véritable succès après sa mort. Considéré comme la quintessence de la Grécité par la génération des années 1930, il est aujourd’hui réputé pour être l’un des plus grands peintres folkloriques grecs.

Estimation gratuite Theophilos Hatzimihail

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Qui est Theophilos Hatzimihail, peintre naïf grec ?

Theophilos Hatzimihail, surnommé le naïf de Mytilène, est un peintre grec né vers 1870 à Varia et mort en 1934. Fils d’un père cordonnier, Theophilos Hatzimihail s’intéresse dès son plus jeune âge à la peinture grâce à son grand-père maternelle, peintre d’icônes. A 18 ans, il quitte son île natale et s’installe à Volos, sur le continent grec.

A cette époque, il travaille comme peintre indépendant : produit des peintures murales dans des maisons, des magasins ou des auberges de la région.

Quelques temps plus tard, Theophilos Hatzimihail rencontre Giannis Kontos qui lui commande plusieurs œuvres. Aujourd’hui, la maison de Giannis Kontos à Volos est un musée dédié à Theophilos Hatzimihail. Malheureusement, l’art de Theophilos Hatzimihail est souvent moqué à cette époque à cause de sa manière de peindre non conventionnelle. Il choisit alors de retourner sur son île natale dès 1927 pour poursuivre son œuvre, loin des railleries populaires.

Vers 1928, Theophilos Hatzimihail rencontre Stratis Eleftheriadis – plus connu sous le nom de Tériade – un natif de Mytilène qui s’est établi comme critique d’art à Paris. Il achète plusieurs œuvres à Theophilos Hatzimihail et lui en commande d’autres pour les exposer à Paris ; Tériade veut faire de l’œuvre de Theophilos Hatzimihail un symbole de l’art populaire grec. Plus de 120 toiles de Theophilos Hatzimihail sont alors exposées et reçues avec succès en 1936 à Paris. Malheureusement, le peintre ne sera jamais témoin de cet engouement pour son œuvre puisqu’il décède en 1934 à Mytilène.

En 1961, une grande rétrospective dédiée à Theophilos Hatzimihail est proposée au musée du Louvre : elle connait un succès universel. Trois ans plus tard, le musée Theophilos est créé dans son village natal.

Theophilos Hatzimihail et l’art naïf

Theophilos Hatzimihail est un peintre rattaché au mouvement de l’art naïf qui caractérise une manière de peindre. Cet art évoque les dessins d’enfants et s’affranchit de toutes règles ou normes. Il ne respecte ni les perspectives, ni les dimensions. Il en est de même concernant l’intensité de la couleur et la précision du dessin.

L’art naïf a, en quelque sorte, toujours existé. Les peintures rupestres de la préhistoire en constituent déjà une forme. Dans l’art, ce courant est initialement attribué à des artistes amateurs, sans formation artistique, aux autodidactes. Il est d’abord considéré comme un genre mineur.

Cependant, depuis le XXe siècle, l’art naïf est un genre reconnu dont les œuvres sont exposées dans des galeries d’arts et des musées. L’œuvre de Theophilos Hatzimihail se situe à ce moment de bascule. De son vivant, Theophilos Hatzimihail est confronté aux critiques et moqueries. Pourtant, seulement quelques années après sa mort, ses toiles rencontrent un vif succès auprès du public et des critiques.

L’œuvre de Theophilos Hatzimihail

Au XXe siècle, la Grèce voit émerger les artistes de la génération des années 1930, groupe informelle et nommée a posteriori, qui établissent la notion de Grécité : ces artistes associent cette notion à des aspects typiques de leur pays pour constituer une forme d’identité artistique nationale. C’est dans cette démarche que plusieurs redécouvrent et réévaluent l’œuvre de Theophilos Hatzimihail. Rapidement, ses toiles folkloriques sont perçues comme la quintessence même de la Grécité.

Les peintures de Theophilos Hatzimihail peuvent se diviser en deux catégories. La première comprend les toiles inspirées par la vie et la nature. La deuxième est composée des toiles aux thèmes mythologiques, historiques et religieux.

Pour peindre, Theophilos Hatzimihail utilise aussi bien les murs ou les textiles. Il travaille sur toutes sortes de surfaces comme le carton, le bois, le métal…

L’œuvre de Theophilos Hatzimihail est aussi fortement marquée par les influences de l’iconographie byzantines, notamment dans le traitement des figures féminines. L’emploi de couleurs riches lui permet de capturer la lumière des paysages typiques de la Grèce. Aujourd’hui, Theophilos Hatzimihail est considéré comme l’un des plus grands peintres folkloriques grecs.

Faire estimer gratuitement une œuvre de Theophilos Hatzimihail

Les œuvres de Theophilos Hatzimihail sont très rares en ventes aux enchères. Depuis 1995, elles ne sont passées que 96 fois dans l’un de ces évènements. Toutefois, Theophilos Hatzimihail présente une belle cote et ses peintures se vendent à des prix assez élevés.

En effet, les peintures réalisées par Theophilos Hatzimihail sont estimées entre 3 000 euros et 310 000 euros, et parfois davantage. En mai 2021, la peinture sur carton nommée Le Héros Odysseas Androutsos trouve acquéreur pour 85 000 euros. Quelques mois plus tard, en novembre 2021, la peinture murale intitulée Constantin Paleologos l’empereur des Gréco-Romains à la bataille du 23 Mai 1453 est adjugée à 280 000 euros. En mai 2022, le panneau peint intitulé Hercule tuant l’hydre de Lerne daté de 1929 est adjugé à 140 000 euros.

En lien avec Theophilos Hatzimihail

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Estimation gratuite Sypros Vassiliou

Sypros Vassiliou

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Estimation et cote de l'artiste Spyros Vassiliou

Spyros Vassiliou est un artiste grec du XXe siècle dont l’œuvre est rendue célèbre lorsqu’il reçoit le prix Benaki en 1930. Il produit des œuvres qui témoignent des transformations esthétiques et environnementales dues à l’évolution urbaine. Spyros Vassiliou est aussi parfois considéré comme le premier peintre grec adepte du Pop Art.

Estimation gratuite Sypros Vassiliou

Vous souhaitez  expertiser une œuvre de Spyros Vassiliou et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire. Faites estimer une œuvre de Spyros Vassiliou en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Qui est Spyros Vassiliou, artiste grec ?

Spyros Vassiliou, né le 16 juin 1903 à Galaxidi et mort le 22 mars 1985, est un peintre, graveur, illustrateur et scénographe grec. En 1921, grâce à une collecte de fond organisée par les citadins de sa ville natale, Spyros Vassiliou est envoyé à Athènes pour étudier à l’École des Beaux-Arts.

En 1929, Spyros Vassiliou organise sa première exposition individuelle. L’année suivante, il reçoit le prix Benaki de l’académie d’Athènes. Cette distinction rend son travail célèbre.

A cette période, Spyros Vassiliou est également l’un des membres fondateurs des groupes artistiques Techni et Stathmi. En 1934 et 1964, Spyros Vassiliou représente la Grèce à la Biennale de Venise. Entre temps, il expose à Alexandrie et à la Biennale de Sao Paulo. En 1955, il conçoit et réalise l’intérieur de l’église orthodoxe Saint Konstantinos de Detroit.

Cinq ans plus tard, Spyros Vassiliou reçoit le Prix de la section nationale Solomon R. Guggenheim pour sa peinture intitulée Lumières et ombres. Depuis, ses œuvres sont exposées en Europe, aux États-Unis et au Canada.

Depuis la mort de Spyros Vassiliou à l’âge de 82 ans, la maison et l’atelier de l’artiste sont devenus un musée et un lieu d’expositions temporaires. La collection comprend des décors de théâtre, des illustrations provenant de publications littéraires ou de journaux, et les outils de Spyros Vassiliou.

L’œuvre de Spyros Vassiliou

Spyros Vassiliou est connu pour être un peintre de la transformation de l’environnement urbain moderne. En s’appuyant sur son propre environnement, sa maison à Athènes située sous les murs du Parthénon, le peintre représente l’étalement urbain qui s’opère avec les années.

L’identité artistique de Spyros Vassiliou se définit principalement par l’utilisation de fonds monochromes et un positionnement peu conventionnel des objets représentés.

Avec des huiles et des aquarelles, Spyros Vassiliou peint des espaces naturels et urbains, des portraits, des natures mortes et des scènes de la vie quotidienne. Ses toiles sont souvent à mi-chemin entre le Cubisme et l’Impressionnisme.

De son vivant, Spyros Vassiliou est membre d’une importante communauté d’artistes grecs du milieu du XXe siècle. Aujourd’hui encore, il est connu pour être l’un des premiers peintres grecs dont l’œuvre s’approche du Pop Art.

Spyros Vassiliou, un artiste pluridisciplinaire et engagé

Plus qu’un peintre, Spyros Vassiliou est aussi un enseignant de théâtre. Dès 1927, il créé des décors et des costumes pour la scène. Dans cet art, l’un de ses projets les plus connus est l’adaptation d’Euripide de Michalis Kakoyiannis en 1962.

Pendant les années de l’occupation allemande en Grèce, de 1941 à 1945, les fournitures de peinture sont rares. Spyros Vassiliou se tourne alors vers la gravure sur bois. Il réalise plusieurs œuvres, comme L’enterrement de Palamas et Le deuil des Kalavrytans. Ces gravures deviennent célèbres en Grèce car elles sont considérées comme des symboles de liberté.

En parallèle, pendant cette période politique compliquée, Spyros Vassiliou réalise aussi l’illustration et la publication clandestine de manuscrits et magazines.

Faire estimer gratuitement une œuvre de Spyros Vassiliou

Depuis 1993, environ 510 œuvres de Spyros Vassiliou ont été présentées en ventes aux enchères, principalement des peintures. Il est néanmoins possible de trouver des dessins et aquarelles de l’artiste sur le marché de l’art.

Les peintures de Spyros Vassiliou sont en moyenne estimées entre 1 000 euros et 60 000 euros, bien que le prix d’adjudication puisse parfois surpasser ces valeurs. En mai 2011, la peinture Mezzogiorno One Sunday de 1963 est adjugée à 66 473 euros. Plus récemment, en novembre 2022, la peinture intitulée Grèce, 1961 trouve acquéreur pour 40 000 euros.

Les dessins et aquarelles produits par Spyros Vassiliou sont assez rares en ventes aux enchères. Leurs estimations se situent entre 1 500 euros et 20 000 euros. En mai 2015, le dessin Alexandros Papadiamantis est adjugé à 11 000 euros. Cinq ans plus tard, l’aquarelle intitulée Poros est adjugée à 2 000

Enfin, Spyros Vassiliou a réalisé des estampes et lithographies durant sa carrière. Cependant, ce type d’œuvre est très rare sur le marché de l’art. Depuis 2015, seulement cinq estampes et lithographies de Spyros Vassiliou ont été proposées en ventes aux enchères et la plupart sont invendues.

En lien avec Spyros Vassiliou

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

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Estimation gratuite Nikos Hadjikyriakos-Ghikas

Nikos Hadjikyriakos-Ghikas

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Estimation et cote de l'artiste Nikos Hadjikyriakos-Ghikas

Nikos Hadjikyriakos-Ghikas est une figure de la célèbre génération d’artistes des années 1930 en Grèce. Peintre, sculpteur et graveur, Nikos Hadjikyriakos-Ghikas développe des formes cubistes et constructivistes dans son œuvre. Aujourd’hui, il est considéré comme le principal artiste cubiste grec.

Estimation gratuite Nikos Hadjikyriakos-Ghikas

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Qui est Nikos Hadjikyriakos-Ghikas ?

Nikos Hadjikyriakos-Ghikas, né le 26 février 1906 et mort le 3 septembre 1994 à Athènes, est un peintre, sculpteur, graveur, illustrateur et essayiste grec. Dès son plus jeune, il s’intéresse au dessin et à la peinture. Après avoir pris des cours de peinture avec Constantinos Parthenis, Nikos Hadjikyriakos-Ghikas quitte la Grèce en 1922 et se rend à Paris. Il suit alors des cours de dessin et de peinture à l’Académie Ranson tout en étudiant la littérature française à la Sorbonne.

Nikos Hadjikyriakos-Ghikas présente sa première exposition personnelle en 1927, à la Galerie Percier à Paris. Son travail est notamment remarqué par Pablo Picasso. Un an plus tard, il monte sa première exposition à Athènes à la Galerie Stratigopoulos, aux côtés du sculpteur Michael Tombros.

En 1934, Nikos Hadjikyriakos-Ghikas quitte Paris en tant qu’artiste renommé pour retourner vivre à Athènes. Entre 1935 et 1937, l’artiste est également éditeur du magazine Le Troisième œil.

De 1941 à 1958, Nikos Hadjikyriakos-Ghikas est professeur de dessin à l’École d’architecture de l’Université technique nationale d’Athènes. En 1972, il est élu membre titulaire de l’Académie d’Athènes. Enfin, en 1986, il devient membre de la Royal Academy of Arts de Londres.

Durant sa carrière, Nikos Hadjikyriakos-Ghikas s’intéresse aussi à la gravure, à l’illustration, à la sculpture ou encore à la conception de décors et de costumes de théâtres.

Les influences de Nikos Hadjikyriakos-Ghikas

Au début de sa carrière, Nikos Hadjikyriakos-Ghikas est influencé par le Cubisme, très en vogue dans la première moitié du XXe siècle. Cependant, ses derniers tableaux renvoient à d’autres influences : le Fauvisme, le Symbolisme et le Constructivisme. Comme la plupart de ses contemporains, Nikos Hadjikyriakos-Ghikas est un artiste marqué par la Première Guerre mondiale et par la tragédie d’Asie Mineure. Son œuvre fait allusion à ces grands évènements historiques.

Nikos Hadjikyriakos-Ghikas et son amour pour Hydra

Alors qu’il part initialement effectuer des réparations dans sa maison familiale à Hydra, Nikos Hadjikyriakos-Ghikas peint ses premières œuvres en 1937. Ces dernières évoquent déjà son style artistique, soit un mélange délicat entre des éléments cubistes et la nature, la lumière et l’architecture grecque.

L’île d’Hydra joue un rôle déterminant dans l’esthétique de l’œuvre de Nikos Hadjikyriakos-Ghikas. En effet, le paysage et l’environnement de cette île constituent les premières influences de l’artiste. Durant toute sa carrière, Nikos Hadjikyriakos-Ghikas ne cesse de rendre hommage à Hydra.

La réputation internationale de Nikos Hadjikyriakos-Ghikas

En 1946 se tient la première exposition rétrospective de l’œuvre de Nikos Hadjikyriakos-Ghikas au British Council d’Athènes. Quatre ans plus tard, l’artiste participe à la Biennale de Venise avec 17 de ses œuvres. En 1973, une autre exposition rétrospective est organisée à la National Gallery d’Athènes.

Pendant toute sa vie, Nikos Hadjikyriakos-Ghikas organise des expositions personnelles dans de nombreuses villes à travers le monde. Au total, on comptabilise plus de 50 expositions des œuvres de Nikos Hadjikyriakos-Ghikas à Athènes, Paris, Genève, Londres, Berlin ou New York.

Plusieurs œuvres de Nikos Hadjikyriakos-Ghikas sont également conservées dans des collections privées en Grèce, en Europe et aux États-Unis.

Faire estimer gratuitement une œuvre de Nikos Hadjikyriakos-Ghikas

Depuis 1985, des œuvres de Nikos Hadjikyriakos-Ghikas sont passées plus de 490 en ventes aux enchères, principalement dans la catégorie peinture. Les maisons de ventes aux enchères proposent également des aquarelles, des dessins et, parfois, des sculptures de l’artiste.

Les peintures de Nikos Hadjikyriakos-Ghikas sont en moyenne estimées entre 2 000 euros et 300 000 euros. En septembre 2019, l’huile sur bristol intitulée Komposition est adjugée à 7 300 euros. En novembre 2017, l’huile sur toile nommée A travers la ville trouve acquéreur pour 247 170 euros. Dans les années 2000 et 2010, certaines peintures de Nikos Hadjikyriakos-Ghikas sont parfois vendues à plus de 400 000 euros.

Pour les dessins et aquarelles signés Nikos Hadjikyriakos-Ghikas, il faut compter entre 1 000 euros et 80 000 euros en termes d’estimations en ventes aux enchères. Ainsi, en 2017, le dessin intitulé Lovers est adjugé à 3 000 euros. En 202, la gouache After the rain est vendue à 42 314 euros.

Enfin, les sculptures de Nikos Hadjikyriakos-Ghikas sont assez rares en ventes aux enchères. Leurs estimations débutent aux alentours de 1 500 euros et peuvent atteindre 15 000 euros. En 2020, le bronze intitulé Danseuse est adjugé à 1 700 euros.

En lien avec Nikos Hadjikyriakos-Ghikas

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

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Estimation gratuite Níkos Engonópoulos

Nikos Engonopoulos

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Estimation et cote de l'artiste Nikos Engonopoulos

Nikos Engonopoulos est un peintre grec appartenant à ce que l’on appelle la génération des années 1930. Il apparait comme l’un des premiers peintres surréalistes en Grèce. Certains s’accordent même pour le définir comme le seul vrai surréaliste que le pays ait connu.

Estimation gratuite Níkos Engonópoulos

Vous souhaitez  expertiser une œuvre de Nikos Engonopoulos et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire. Faites estimer une œuvre de Nikos Engonopoulos en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Le parcours de Nikos Engonopoulos

Nikos Engonopoulos est un peintre et poète grec, né le 21 octobre 1907 et mort le 31 octobre 1985 à Athènes. A l’âge de sept ans, il part s’installer avec sa famille à Constantinople à cause de la Première Guerre mondiale. De 1923 à 1927, Nikos Engonopoulos fait ses études secondaires à Paris. Il retourne ensuite en Grèce où il devient dessinateur pour le Ministère grec des Travaux Publics, jusqu’en 1956.

Entre temps, Nikos Engonopoulos intègre l’École des Beaux-Arts d’Athènes en 1932 où il prend des cours auprès de Fotis Kontoglou. Il rencontre alors d’autres artistes de sa génération, comme Yannis Tsarouchis.

En 1939, le peintre organise sa première exposition personnelle à la résidence de Nicolas Kalamaris qui est vivement commentée par les critiques d’art. Les années suivantes, Nikos Engonopoulos enchaîne les expositions personnelles et les participations à des expositions collectives et internationales.

En 1949, Nikos Engonopoulos fonde le groupe artistique Armos avec Nikos Khatzikyriakos-Ghikas, Yannis Tsarouchis, Nikos Nikolaou, Natalia Mela, Panayotis Tetsis, Yannis Moralis et Yorgos Mavroidis.

Cinq ans plus tard, Nikos Engonopoulos représente la Grèce à la Biennale de Venise, puis à la Biennale de Sao Paulo. Aussi poète, il reçoit le premier prix de poésie du Ministère de l’Éducation en 1958 et il est décoré de la Croix d’or de George Ier pour sa peinture en 1966.

L’œuvre de Nikos Engonopoulos

L’œuvre de Nikos Engonopoulos est imprégnée d’une intensité émotionnelle résultant de souvenirs difficiles. En effet, les années d’occupation marquent véritablement l’esprit, et l’œuvre, des artistes des années 1930, dont il fait partie.

Les protagonistes dans les toiles de Nikos Engonopoulos sont des figures humaines, droites et bien proportionnées, assez expressives dans leurs mouvements. Cependant, ces figures n’ont pas de véritables caractéristiques faciales.
Ces figures sans visage prennent différents rôles et statuts. Elles sont des héros solitaires ou bien des couples amoureux inspirées de la mythologie, de la littérature, de la poésie, de l’histoire. Les références sont multiples et peuvent évoquer Orphée, Hermès, Hercule, Ulysse, Jason ou même Isidore de Milet.

Nikos Engonopoulos, un peintre surréaliste grec

Nikos Engonopoulos est avant tout réputé pour être un peintre surréaliste grec. En Grèce, le Surréalisme apparait pendant l’entre-deux guerres mais ne s’impose pas longtemps comme mouvement artistique.

Entre 1935 et 1938, le Surréalisme prend beaucoup d’ampleur, soutenu par des peintres comme Andreas Embirikos, Nicolas Kalamaris et bien sûr Nikos Engonopoulos. Ces peintres surréalistes grecs mélangent alors l’art byzantin et l’art moderne, les personnages antiques et les contemporains, ou encore l’Occident avec l’Hellénisme.

Cependant, les surréalistes grecs n’ont jamais vraiment formé de groupe artistique. Bien qu’ils soient ensemble, chacun développe plutôt des pensées personnelles, ce qui explique qu’aucun collectif n’est créé à cette époque.

Dans cette mouvance, Nikos Engonopoulos apparait comme l’introducteur et le principal représentant du Surréalisme en Grèce. Il combine – d’une façon non conventionnelle – l’iconographie grecque, de la mythologie à l’Antiquité, aux éléments des temps modernes.

Faire estimer gratuitement une œuvre de Nikos Engonopoulos

Les œuvres de Nikos Engonopoulos sont assez rares en ventes aux enchères. En effet, elles sont passées seulement 187 fois en vente depuis 1993. Néanmoins, Nikos Engonopoulos détient une belle cote sur le marché de l’art.

Les peintures surréalistes de Nikos Engonopoulos sont estimées en moyenne entre 2 000 euros et 200 000 euros. En novembre 2020, l’huile sur toile Scène homérique avec le héros / Scène homérique : épisode de la guerre de Troie datée de 1938 est estimée entre 167 000 euros et 223 000 euros ; elle est finalement adjugée à 615 676 euros. En novembre 2021, l’huile sur toile intitulée Le retour de Bessarion de 1954 est adjugée à 70 000 euros.

Durant sa carrière, Nikos Engonopoulos produit également des dessins. Ces derniers sont généralement estimés entre 3 000 euros et 20 000 euros. En mai 2021, le dessin nommé Alexandre, fils de Philippe et des Grecs sauf les Lacédémoniens de 1963 trouve acquéreur pour 16 000 euros. Un an plus tard, le dessin A House in Athens réalisé en 1948 est adjugé à 20 000 euros.

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Nicholas Kalmakoff

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Estimation et cote de l'artiste Nicholas Kalmakoff

Nicholas Kalmakoff (1873-1955) est un artiste peintre russe connu pour ses peintures surréalistes et mystiques. Son œuvre, influencée par des récits fantastiques, présente de nombreuses représentations de femmes. Sa carrière est marquée par différentes périodes d’inspiration et de représentation.

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Nicholas Kalmakoff, un artiste aux multiples talents

Nicholas Kalmakoff est né en 1873 à Nervi et mort à Paris en 1924. Peu après sa naissance sur la riveria espagnole, son père, un officier russe, et sa mère, italienne, décident de retourner à Saint-Pétersbourg, en Russie. De 1890 à 1895, Nicholas Kalmakoff étudie à l’École Impériale de Droit de la ville.

En 1905, il commence à s’intéresser à la peinture, après avoir suivi des cours d’anatomie et de peinture en Italie. Aujourd’hui, aucune œuvre de cette période n’est connue. À cette époque, Nicholas Kalmakoff rejoint le mouvement ascétique des Scoptes, consistant à s’imposer une autodiscipline à travers des renoncements et des privations.

Entre 1908 et 1911, Nicholas Kalmakoff conçoit des costumes et des décors pour des pièces de théâtre, tout en produisant des illustrations pour des livres et magazines. Vers l’année 1920, il est cependant contraint de partir en exil, à cause des tensions portées par la Première Guerre mondiale. Il part alors s’installer à Tallinn, puis à Constantinople, où il développe le côté artistique de sa vie.

En 1924, Nicholas Kalmakoff met le cap sur la Côte d’Azur, avant de finir ses jours en région parisienne.

La peinture de Nicholas Kalmakoff

L’œuvre de Nicholas Kalmakoff est imprégnée d’une force symbolique et étonnante. En effet, dès son enfance, le peintre est bercé par les récits fantastiques d’ETA Hoffmann et par les contes des frères Grimm. Il développe alors, presque naturellement, un goût pour l’occulte, le mysticisme, voire l’étrange. La peinture de Nicholas Kalmakoff met également en avant son adhésion à l’ascétisme Scopte, à travers des compositions où la sexualité et les femmes deviennent des thèmes récurrents. Plus encore, la femme est dépeinte comme une pécheresse tentatrice et une déesse solaire.

Dans ses créations, Nicholas Kalmakoff opte pour des décors aux références exotiques et historiques, venues de mythes anciens. Très inspirée par les mythes grecs et les légendes orientales, la peinture de Nicholas Kalmakoff peut, en ce sens, se rapprocher des visions inquiétantes et hallucinées de Gustave Moreau ou de Gustav Klimt.

L’évolution esthétique de Nicholas Kalmakoff

Il semble que l’œuvre de Nicholas Kalmakoff puisse être divisée entre trois grandes périodes, chacune avec son propre esthétisme. La première se situe entre 1908 et 1913 ; à cette période, Nicholas Kalmakoff utilise les caractéristiques du mouvement Mir Iskousstva, à savoir l’utilisation de couleurs vives, des lignes nettes, d’un fond à spirales et de la mise en avant de la couleur or.

De 1913 à 1928, Nicholas Kalmakoff privilégie des couleurs plus douces, des lignes plus floues ainsi qu’une iconographie plus développée.

Enfin, de 1928 à 1955, le peintre s’inspire de la Renaissance italienne et française, notamment des œuvres de l’École de Fontainebleau, à travers des figures masculines plus musclées et des figures féminines élancées.

La redécouverte de Nicholas Kalmakoff et de son œuvre

Mort dans l’oubli et le dénouement le plus total, Nicholas Kalmakoff n’a jamais connu de vrai succès de son vivant. Cependant, son travail est redécouvert, sept ans après sa mort, par deux français. En effet, Bertrand Collin de Bocage et Georges Martin du Nord découvrent un lot de ses peintures aux Puces de Saint Ouen, par hasard.

Deux expositions découlent alors de cette (re)découverte, l’une en 1964 à la galerie Motte et une grande rétrospective au musée-galerie de la Seita en 1986.

Grâce à, et depuis, cette redécouverte française, les peintures de Nicholas Kalmakoff sont exposées dans plusieurs musées russes, dont le musée du Théâtre et la galerie nationale Tretiakov à Moscou.

Cote des oeuvres de Nicholas Kalmakoff sur le marché de l'art

La redécouverte des créations de Nicholas Kalmakoff permet à l’artiste, et à son œuvre, de sortir de l’ombre et d’atteindre des prix notables sur le marché de l’art. Cependant, les œuvres de Nicholas Kalmakoff sont rares dans les ventes aux enchères. Depuis 2005, seulement 30 lots ont été présentés à la vente.

Les estimations basses de ces peintures débutent à 1 000 euros et les estimations hautes gravitent autour de 300 000 euros. L’œuvre la plus cotée de Nicholas Kalmakoff, intitulée Aphrodite with Eros and Anteros, est adjugée à plus de 294 000 euros en 2010. Plus récemment, en février 2023, un autoportrait de Nicholas Kalmakoff est vendu à 21 000 euros.

Les dessins de Nicholas Kalmakoff rencontrent également une belle cote, leurs prix de vente se situant entre 10 000 euros et 60 000 euros. En décembre 2011, une aquarelle nommée La Vestale est adjugée à 17 000 euros. Huit ans plus tard, le dessin Dionysos, daté de 1908, est adjugé à 48 260 euros.

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