Une fois installé dans la Capitale, André Lanskoy se consacre entièrement à la peinture avec un style figuratif. Pendant deux années consécutives, le jeune artiste est conseillé par Sergueï Soudeïkhine (1882-1946), avant de rencontrer Mikhaïl Larionov (1881-1964), avec lequel il se lie d’amitié. Entre ses nouvelles relations et son travail qui commence à se faire connaître, André Lanskoy est exposé pour la première fois en 1923 auprès d’autres artistes russes à La Licorne. Cette première vitrine sur ses toiles lui permet de participer à d’autres expositions, notamment le Salon d’Automne à partir de 1924. C’est lors de ce rendez-vous régulier qu’il se fera par ailleurs remarquer par le collectionneur et critique Wilhelm Uhde (1874-1947). Les origines russes d’André Lanskoy ne sont pas seulement appréciées des amateurs ; elles contribuent à l’identité de l’artiste dans chacune de ses œuvres. En 1938, il se lance dans une série de gouaches qui oscillent entre l’art figuratif, semi-figuratif et abstrait. Il s’agit de l’année de sa transition, du basculement vers l’art abstrait, puisque son exposition à la galerie Berri-Raspail en 1942 ne dévoile que des peintures abstraites. C’est son admiration pour Paul Klee (1879-1940) et Vassily Kandinsky (1866-1944) qui influencent son travail, où la couleur prend une place importante. André Lanskoy joue sur les tons, peint avec des gestes spontanés, proches de l’abstraction lyrique. En plus d’être associé à la nouvelle École de Paris, il sera considéré comme un artiste du tachisme, style qu’il développera progressivement, notamment dans les années 50, où il commence à varier les mediums.

Les débuts abstraits d’André Marfaing se manifestent par une peinture expéditive, avec de grands gestes et des symboles proches des idéogrammes. On retrouve parfois des touches de couleur à ses débuts mais l’artiste est déjà attiré par les jeux de contrastes forts et son style se développe dans une peinture dite ascétique.
Par la suite, André Marfaing se distingue par son utilisation quasiment exclusive du noir dans la majeure partie de ses œuvres. Si l’on parle d’amour du noir, de monochrome, il s’agit en réalité d’une exploration des contraires entre l’ombre et la lumière, l’être et le rien, ou encore le vide et le plein. André Marfaing joue sur les contrastes et est considéré, avec Soulages, Kline et Hartung, comme l’un des broyeurs de noir.
La placée laissée au noir ou à l’absence de cette nuance fluctue tout au long de sa vie et du temps qui passe. Progressivement, André Marfaing emplit davantage l’espace de ce noir, qu’il considère comme le moyen d’expression le plus naturel. Au début des années 70, André Marfaing entame alors une phase d’épurement.

Luigi Russolo, peintre autodidacte, reçoit une éducation musicale approfondie grâce à son père, horloger et organiste. Lorsqu’il s’installe à Milan en 1901, Luigi Russolo s’intéresse à de nouvelles formes d’art. S’il ne s’inscrit par à l’Accademia di Brera, il en connait les idées grâce à ses amis. Par ailleurs, il effectue un apprentissage auprès du restaurateur de fresques Crivelli, et contribue à la restauration des fresques du Castello Sforzesco et de la Cène de Léonard de Vinci à Santa Maria delle Grazie.

Dans ses peintures, Luigi Russolo traduit un lien avec la création musicale. Dans les lignes des gravures qu’il présente à l’exposition Bianco e nero à la Famiglia Artistica en 1909, il cherche à donner une forme visuelle au rythme musical. Stylistiquement, Luigi Russolo s’inspire à la fois de l’Art Nouveau et du Symbolisme. Ses œuvres sont centrées sur l’image féminine, comme Le Parfum (1910). 

Luigi Russolo se lie d’amitié avec Umberto Boccioni à la fin de l’année 1909. Partageant une haine commune pour les lieux communs artistiques, ils cherchent à établir un langage moderne, qui corresponde au monde industrialisé. Luigi Russolo s’éloigne alors du Symbolisme, et s’attache à traduire la réalité contemporaine.

Gustave Doré manifeste son ambition très jeune en allant à la rencontre de Charles Philipon, le directeur de la maison d’édition Aubert & Cie. Il est aussi le fondateur de plusieurs journaux satiriques tels que La Caricature et Le Charivari. Des artistes comme Paul Gavarni et Honoré Daumier y sont bien représentés et ont eu une grande influence sur Gustave Doré. C’est ainsi qu’il publie aux éditions Aubert son propre album de lithographies satiriques intitulé Les Travaux d’Hercule. Et il décroche, à 15 ans, un contrat de 3 ans comme dessinateur pour l’hebdomadaire Le Journal pour rire. Gustave Doré est aussi influencé par les artistes Cham, Grandville, ou encore Rodolphe Töpffer.

En 1891, Puvis de Chavannes (1824-1898), un des maîtres respecté de Hodler, découvre avec admiration Die Nacht (La Nuit, 1889-1890) au Salon du Champ-de-Mars à Paris. Une mystérieuse figure drapée de noir se tient au centre du tableau, entourée de six personnes tortueusement endormies et d’une qui se débat sous le poids de son cauchemar. Avec cette œuvre puissante, Ferdinand Hodler obtient enfin la reconnaissance tant attendue de ses pairs. La Nuit révèle avec intensité la passion humaine et l’angoisse devant les forces de la nature. L’œuvre suscite le scandale lors de sa présentation au Musée Rath de Genève, mais assure le succès de Hodler. La peinture est plébiscitée et saluée par des artistes de l’avant-garde française, comme Henri Degas (1834-1917) et Auguste Rodin (1840-1917).Cette peinture affirme l’adhésion de Hodler au Symbolisme. La Nuit est considérée comme une parfaite expression de l’idéal tourmenté suisse. 

Félix Vallotton épouse en 1899 la fille d’Alexandre Beinheim, célèbre photographe et marchand d’art. Cet événement marque un réel tournant dans la vie de l’artiste qui se consacre davantage à la peinture. Habitué des musées qu’il fréquente dès son adolescence pour y copier Hans Holbein et De Vinci, Félix Vallotton s’inspire de la tradition et des codes des grands maîtres pour les faire évoluer vers des courants plus modernes. 

Félix Vallotton s’intéresse également à la photographie et aux apports relatifs au cadrage pour adopter des angles de vue audacieux dans ses tableaux. Sa célèbre œuvre Le Ballon (1899) est un exemple de représentation en vue plongeante, tandis que La Loge de théâtre (1909) illustre un homme et une femme dont le cadrage en contre-plongée se rapproche d’une image prise sur le vif. 

Enfin, si le noir et blanc occupe une place importante dans ses xylographies, la couleur est quant à elle un élément central de ses toiles, à l’instar de La Chambre rouge (1898). Ce tableau met en évidence les passions et la transgression des interdits, le tout suggéré par la couleur rouge, omniprésente, ainsi que par la présence d’une toile d’Edouard Vuillard, posée sur la cheminée, évoquant une infidélité. Félix Vallotton y apparaît également sous la forme d’un buste sculpté, se plaçant comme témoin privilégié de cette scène.