Patrick Hughes réalise à Leeds sa première peinture en perspective renversée, Sticking-out Room, en 1964. Il qualifie de « reverspective » ces œuvres qui convoquent le subconscient par des « perspectives paradoxales ». L’emploi de structures tridimensionnelles, composées de prismes et de pyramides en saillie renforce le sentiment d’inversion de la profondeur. Sur les volumes de ces structures, Patrick Hughes peint des paysages en démultipliant les points de vue. Les éléments les plus proches du spectateur sont perçus comme les plus éloignés. L’artiste incite ainsi le spectateur à remettre en question ses propres sensations.

En raison de la tridimensionnalité de ses œuvres, la composition semble évoluer en fonction des mouvements du spectateur, et s’ouvre successivement sur des étagères, des portes, ou encore des paysages. Ainsi, Paradoxymoron (1996) représente une bibliothèque donc les étagères se déplacent au gré des pas du spectateur.
Les perspectives illusionnistes des peintures sculptées de Patrick Hughes sont rapprochées de l’expérience surréaliste.

Ludwig Wilding mène des recherches sur la perception visuelle, et se rapproche en 1960 du Groupe de Recherche d’Art Visuel naissant à Paris. Il rejoint également le courant de la Nouvelle Tendance.
L’art de Ludwig Wilding bénéficie de cette émulation artistique, et il commence à proposer des œuvres stéréoscopiques. L’artiste introduit la troisième dimension dans ses toiles en superposant les structures dans ses interférences optiques. Ludwig Wilding conçoit un réseau de lignes superposées et décalées, qui provoquent un effet de mouvement lorsque le spectateur se déplace. Les motifs semblent animés, ce qui perturbe le regard du spectateur. Ludwig Wilding lui-même parle d’art « irritant ».
L’artiste présente ses œuvres aux cotés des artistes cinétiques et des membres de Nouvelle Tendance. Ainsi, il est invité à exposer avec Nouvelle Tendance au Musée des Arts Décoratifs de Paris en 1965. La même année, il participe à The Responsive Eye avec les artistes de l’Op Art au Modern Museum of Art de New York. En 1967, ses œuvres sont présentées dans l’exposition Kinetika au Museum des 20. Jahrhunderts de Vienne. Ludwig Wilding se fait connaitre du grand public à l’international, et rencontre un succès certain. On lui propose donc en 1969 un poste de professeur à la Hochschüle Bildende Künste de Hambourg. Il l’occupe jusqu’en 1992.

Joël Stein partage ses recherches avec François Morellet, Julio Le Parc, Francisco Sobrino, Jean-Pierre Yvaral, et Horacio Garcia-Rossi. Ensemble, ils fondent le G.R.A.V., le Groupe de Recherche d’Art Visuel, pour proposer un art cinétique social, encourageant la participation du spectateur. En parallèle, Joël Stein nourrit ses recherches optiques de son travail pour le département de recherche cinématographique de l’ORTF. 

Au sein du G.R.A.V., Joël Stein se concentre sur les effets moirés en 1961. Dès l’année suivante, il focalise son attention sur la polarisation des couleurs en lumières parallèles, et propose des « jeux de trames ». L’artiste explore alors les jeux de lumière polarisée par des projections et par des objets manipulables. Ainsi, Joël Stein imagine des séries associant des ballons blancs et des miroirs sur lesquels il projette des faisceaux lumineux. Une interaction est proposée au visiteur, qui peut mettre en mouvement les boules. Joël Stein conçoit également à partir de 1963 des boites lumineuses de formes variables, que le spectateur est invité à manipuler. Ces boites, qui diffusent la lumière comme des kaléidoscopes, sont nommées « polascopes ».  

Les objets de Joël Stein ont un aspect ludique pour le spectateur. L’artiste réfléchit aux interactions possibles avec le public, et propose des objets pouvant être mis en mouvement, comme les tourne-disques, les trièdres et les kaléidoscopes. Il exploite notamment les effets lumineux provoqués par la superposition et la juxtaposition des matériaux. L’emploi de structures métalliques réfléchissantes encourage ces effets. 

En peinture, Joël Stein explore les transitions chromatiques à partir de 1966. L’artiste mène une réflexion autour des anneaux de Möbius, dont il reproduit et colore la structure, avec des œuvres telles qu’Anamorphoses II (1967).  Joël Stein s’essaie en outre au cinéma, et réalise en 1967 les effets spéciaux du film La prisonnière d’Henri-Georges Clouzot. Il crée également des dessins animés pour le centre audiovisuel de Saint-Cloud. Cette abondante production est présentée en 1967 lors de la première exposition personnelle de Joël Stein au Saba-studio à Villingen, en Allemagne. 

Lorsque Jean-Pierre Raynaud débute la sculpture, il choisit de réaliser des assemblages dans un esprit Nouveau Réaliste. Il s’intéresse aux objets du quotidien, dans lesquels il voit un symbole poétique de la vie même. 

Dès le début de sa carrière, Jean-Pierre Raynaud manifeste sa préférence pour le rouge et le blanc, couleurs qu’il considère comme cruelles, symbolisant à la fois le deuil et la mort. 

Les premières œuvres de Jean-Pierre Raynaud sont inspirées par l’environnement urbain. Il s’intéresse rapidement à la signalétique et peint des sens interdits sur du bois recyclé. Le plasticien cherche à créer des œuvres puissantes et radicales, qui transmettent une forte angoisse avec une économie de moyen. 

L’artiste expose pour la première fois au Salon de la Jeune sculpture en 1964, puis présente sa première exposition personnelle à la Galerie Larcade et Mathias Fels à Paris l’année suivante.

En 1959, Horacio García Rossi, très inspiré par le Manifeste jaune de Victor Vasarely, vend sa bibliothèque pour acquérir un billet transatlantique, et part s’installer en France. Il y rejoint un groupe d’artistes intéressés par l’art optique, et fonde avec Julio Le Parc Francisco Sobrino, François Morellet, Joël Stein et Jean-Pierre Yvaral le G.R.A.V., Groupe de Recherche d’Arts Visuels dès 1960. 

Au sein du G.R.A.V., Horacio García Rossi commence à envisager à la lumière comme un moyen d’expression plastique, et à étudier la luminosité des couleurs. Avec Julio Le Parc et Joël Stein, il est une figure majeure de l’art lumino-cinétique. L’artiste conçoit notamment des boites à lumières à manipuler, dont la lumière est parfois instable, et des cylindres lumineux en rotation. Par ces créations, Horacio García Rossi explore également la thématique de l’instabilité dans l’art. 

Horacio García Rossi se fait rapidement connaître comme un artiste lumino-cinétique d’envergure internationale. En 1961, il participe à la première exposition du G.R.A.V. à la galerie Denise René à Paris, et présente ses œuvres dans la rue auprès d’un public non averti aux côtés du G.R.A.V. en 1966. Il noue également des contacts avec ses homologues à l’étranger, notamment les membres du Gruppo N de Padoue et du Gruppo T de Milan en 1962. Grâce à ses échanges, Horacio García Rossi est invité à exposer en 1964 à la Documenta III de Kassel, et en 1965 à l’exposition The Responsive Eye du Museum of Modern Art de New York. 

Au cours de ses expositions, Horacio García Rossi renouvelle ses inspirations, et réalise en 1964 ses premières sculptures en plexiglas. Ces dernières sont parfois associées aux boîtes à lumière, proposant ainsi un jeu de superposition lumineuse. En 1965, Horacio García Rossi débute également ses recherches sur l’écriture. C’est en tant que membre du G.R.A.V. qu’il réalise son premier Abécédaire en mouvement (1965). Il approfondit cet intérêt après la dissolution du groupe en 1968.