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Tableaux modernes

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Estimation Tableaux modernes en ligne

Dans le recueil d’essais de Charles Baudelaire, intitulé Le peintre de la vie moderne et publié en 1863, le poète traite du peintre et dessinateur Constantin Guys, qui incarne selon lui l’artiste moderne.

Ce dernier aurait, selon Baudelaire, «cherché partout la beauté passagère, fugace de la vie présente, le caractère (…) de la modernité. Souvent bizarre, violent, excessif, mais toujours poétique, il a su concentrer dans ses dessins la saveur amère ou capiteuse de la vie».

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Les tableaux modernes décrivent, à partir de la deuxième moitié du XIXème siècle, les bouleversements d’une société qui s’industrialise et où les villes se transforment de plus en plus, notamment avec la construction de grands immeubles et l’élargissement des rues notamment.

Les transformations des métropoles sont ainsi représentées dans la peinture. Paris, par exemple, est transformée à la suite des grands travaux du baron Georges Eugène Haussmann, commandités par Napoléon III à partir de 1853. Les deux hommes remodèlent entièrement le paysage urbain de la capitale française. Dans l’œuvre de Gustave Caillebotte, nous retrouvons la représentation de cette ville transfigurée, notamment avec Le Boulevard sous la pluie, une huile sur toile de très grand format (212 x 276 centimètres), réalisée en 1877 et conservée à l’Art Institute de Chicago. De nouvelles grandes avenues sont percées, on relie les grandes places et surtout on crée des perspectives rectilignes.

Au-delà des transformations du paysage urbain, les modes de vie changent avec l’émergence de nouveaux lieux de sociabilité et une vie nocturne très animée. Là encore, les peintres se font les témoins de ces évolutions. Un bar aux Folies Bergère, une huile sur toile exécutée en 1881 par Edouard Manet et conservée à l’Institut Courtauld à Londres, nous transporte dans cette ambiance nocturne. Face à une jeune serveuse à l’air songeur, on remarque dans le reflet de la glace la foule réunie ce soir-là.

Ce peintre est en effet considéré comme l’un des précurseurs de cette peinture moderne, lorsqu’au Salon de 1863, il fait scandale avec son Déjeuner sur l’herbe, une huile sur toile aujourd’hui conservée au Musée d’Orsay. Il traduit en peinture l’idéal du peintre moderne selon Baudelaire, à savoir celui « qui saura arracher à la vie actuelle son côté épique, et nous faire voir et comprendre, avec de la couleur et du dessin, combien nous sommes grands et poétiques dans nos cravates et nos bottes vernies ». Si cette peinture fait scandale, c’est avant tout parce qu’elle représente une femme nue aux côtés de deux hommes habillés et parce que cette dernière fixe celui qui observe le tableau.

La cote actuelle de Édouard Manet peut dépasser le million d’euros pour des formats entre 25 et 40 centimètres. Il est classé 2722e selon Artprice en 2020, avec 38 lots vendus. La cote de Gustave Caillebotte s’élève quant à elle à environ 4 230 000 euros pour des formats entre 60 et 80 centimètres. Parmi les lots importants vendus ces dernières années, on remarquera l’une de ses œuvres, le lot n°23/a, vendu le 15 mai 2018 à New-York. Le pont de l’Europe, cette huile sur toile de 64,7 x 81,3 centimètres a été adjugée 6 893 858 euros.

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Peintures nus

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Estimation peinture de nu

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Le nu est un genre artistique à part entière et un poncif de l’histoire de l’art. Partielle ou totale, la représentation de la nudité des modèles peints sert plusieurs desseins.

Alors que dans l’Antiquité on a représenté davantage le nu masculin, à travers les sculptures, à compter de la Renaissance, et plus encore à partir du XVIIème siècle, la peinture occidentale célèbre le nu féminin.

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L'histoire de la peinture de nu

Peindre le nu est l’occasion de représenter les scènes de la mythologie grecque et romaine. Il devient également un sujet à part entière dans les planches de gravures anatomiques d’artistes tels qu’Albrecht Dürer et Léonard de Vinci, où le corps humain gagne en naturalisme.

Suite à la fin du Concile de Trente en 1563, et dans le cadre de la Contre-Réforme menée par l’Église catholique en réaction à la Réforme protestante, la représentation du nu est interdite dans les lieux de culte catholiques. On va alors jusqu’à employer des cache-sexes lorsque les peintures ne sont plus conformes aux demandes de l’Église, comme cela a pu être le cas pour les nus de la Chapelle Sixtine réalisés par Michel-Ange.

Dès la création de l’Académie royale de peinture et de sculpture en France en 1648, l’apprentissage du dessin de nu d’après modèle vivant est une étape obligatoire de la formation des artistes car maîtriser la représentation du nu est essentiel pour intégrer l’Académie.

Les artistes peintres de nu

C’est ainsi qu’on peut observer que de la Vénus d’Urbin de Titien (peinte en 1538) à l’Olympia (peinte en 1863) à scandale de Manet, en passant par la Grande Odalisque de Dominique Ingres (en 1814), le nu féminin est un genre particulièrement prisé par les peintres occidentaux. Il est présent dès la Renaissance, sur le modèle antique de la Venus pudica, ou Vénus pudique : le corps féminin nu se doit d’être représenté dans une attitude de pudeur et de retenue. La représentation du corps est l’occasion de faire jouer les matières, la transparence de la chair, ce qui est visible dans le travail de Peter Paul Rubens par exemple. Certains artistes travaillent le nu avec une facture plus libre, comme c’est le cas d’Édouard Manet. Si l’Odalisque, exposée au Salon de 1865 choque tellement, c’est en grande partie par le traitement des textures et de la chair en particulier, avec une matière épaisse et dans des demi-teintes.

Le nu féminin est souvent la représentation d’un corps idéalisé et l’expression de canons de beauté. Ce n’est qu’au XXème siècle que les artistes prendront de l’autonomie par rapport à ces normes, comme on le voit dans le Nu bleu II, une gouache avec collage sur toile réalisée par Henri Matisse en 1952.

Le nu est encore aujourd’hui un thème très prisé du marché de l’art. Parmi les artistes cités, on notera la cote d’Édouard Manet, qui est d’environ 2 millions d’euros. Le 23 mai 2017 un lot de Manet, Femme nue se coiffant, une huile sur toile de moyen format, a été adjugé 5 632 000 euros.

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Peintures portraits

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Le portrait est un genre hérité de l’Antiquité, période durant laquelle il a connu une grande fortune. Dans la hiérarchie des genres, le portrait est considéré comme noble. Au Moyen Âge, ce sont les figures de donateurs de l’Église et leurs saints qui sont à l’origine de la renaissance de ce genre, par le biais de commandes, avant que la peinture de cour du gothique international en France ne lui redonne ses lettres de noblesse.

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La Renaissance est ensuite une période florissante pour le genre du portrait car les grands mécènes de l’art, notamment la bourgeoisie marchande italienne, aiment à se faire portraiturer. Tantôt portrait d’État ou portrait allégorique, le genre se diversifie. Support de mémoire, il permet aux dynasties royales de transcender le temps et les générations en conférant une vie éternelle à la personne portraiturée.

Au XVIIème siècle, on dénombre en particulier trois types de portraits. Il y a tout d’abord le portrait d’apparat, réservé aux figures princières. Il est mis au goût du jour par Peter Paul Rubens et Antoine Van Dyck lors de leurs séjours en Italie. Dans toute l’Europe les monarques se font portraiturer selon une esthétique dynamisée par la présence d’un paysage ou d’une architecture, comme c’est le cas dans le portrait du Prince Giancarlo Doria à cheval, réalisé par Pierre-Paul Rubens entre 1606 et 1607 et conservé à Gênes à la Galleria Nazionale di Palazzo Spinola. On trouve ensuite les portraits collectifs, particulièrement prisés en Hollande qui permettent de mettre en scène la bourgeoisie, à travers les corps de métiers ou des portraits de famille. Dans ce type de portrait de groupe, chaque personne est représentée de manière très naturaliste et individualisée, comme par exemple dans l’huile sur toile de Frans Hals, Les Régentes de l’hospice, peinte en 1664 et conservée à Haarlem, au Frans Hals Museum. Enfin, le portrait intime se veut davantage le reflet de l’âme du modèle : il est le support d’une introspection, à travers des réalisations nuancées, naturalistes et délicates. À l’aube du XVIIIème siècle, on peut prendre pour exemple le portrait de La Belle Strasbourgeoise, une huile sur toile réalisée par Nicolas de Largillière en 1704 et conservée au Musée des Beaux-Arts de Strasbourg.

Durant le XVIIIème siècle, le genre suscite des créations remarquables : entre portraits royaux ou portraits intimes, il ne cesse d’être travaillé par les peintres. On retiendra notamment le portrait au pastel d’une qualité et d’une subtilité exceptionnelle de Quentin de la Tour, Madame de Pompadour, peint entre 1752 et 1755 et représentant la protectrice des arts, revêtue d’une robe aux reflets moirés. Dans les siècles qui suivent, le portrait reste un genre prisé des peintres.

Les portraitistes cités plus haut continuent aujourd’hui d’être très prisés sur le marché de l’art. On retiendra la cote de Nicolas de Largillière qui est d’environ 30 000 euros pour des moyens formats. Lors d’une vente qui a eu lieu le 18 juin 2020 en France, une huile sur toile de Largillière, Portrait d’une dame de qualité, de moyen format, a été adjugée pour 18 452 euros.

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Peintures impressionnistes

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Estimation de peintures impressionnistes en ligne

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L’impressionnisme est un mouvement artistique dont la naissance fait scandale dans les années 1870, avant de devenir un nouvel académisme au début du XXème siècle, faisant dès lors partie de « l’ordre établi ». Le néologisme « impressionnisme » a été formé par Louis Leroy, journaliste au Charivari, à la vue de l’huile sur toile de Monet, Impression Soleil Levant, réalisée en 1872 et conservée au Musée Marmottant Monet, à Paris.

Il s’agit initialement d’une appellation critique, une boutade, qui a été employée par la suite par le public et reprise à leur compte par les artistes eux-mêmes.

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Les peintres impressionnistes célèbres

L’arrivée du mouvement des impressionnistes sur le devant de la scène artistique se joue autour du Salon des refusés en 1874. C’est, en effet, la première exposition d’un groupe de peintres dont les œuvres ont été refusées au Salon officiel, et qui exposent dans les anciens ateliers du photographe Nadar, boulevard des Capucines à Paris. Jusqu’en 1886, il y aura en tout six expositions d’artistes impressionnistes.

Ces derniers ont fait partie de l’École de Batignolles et ont effectué leurs années d’apprentissage aux côtés de Charles Gleyre. Parmi eux se trouvent Claude Monet, Auguste Renoir, Alfred Sisley et Frédéric Bazille. Ces jeunes artistes ont avant tout pour ambition de représenter la vie moderne à travers la peinture, tout en renouvelant l’art dans tous les genres.

L’impressionnisme se caractérise d’abord par le regard renouvelé que les artistes portent sur la nature. Alors que le style de l’École de Barbizon était teinté de sentimentalisme, les peintres impressionnistes, qui peignent également sur le motif, notamment dans la forêt de Fontainebleau, s’émancipent de cette manière pour accentuer la dynamique du paysage, qui n’est plus sacralisé. Travailler en plein-air leur permet aussi de traduire les effets du soleil sur les objets représentés. C’est un travail particulièrement bien illustré par la série de Claude Monet des Cathédrales de Rouen, réalisée entre 1892 et 1894. Cela permet ainsi d’étudier les effets du soleil sur la pierre selon différentes heures de la journée et de rendre compte des nuances de couleurs. C’est une peinture est claire, à la facture fragmentée, par petites touches, ce qui lui est beaucoup reproché au départ. L’esthétique impressionniste est également influencée par les estampes japonaises, collectionnées par Monet par exemple. En effet, elles donnent à voir une nouvelle manière de rendre compte de la lumière, grâce à des contrastes forts. L’impressionnisme est ancré dans son temps : c’est pourquoi les peintres sont également inspirés par des photographes, comme Gustave Le Gray, à travers l’idée de décapage visuel des paysages.

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Les impressionnistes sont des peintres de la modernité. Ils ne représentent pas seulement des paysages mais s’attachent également à représenter de nouveaux sujets, ancrés dans la vie moderne, comme les gares, le chemin de fer, les usines, et les lieux de sociabilité en ville que sont les cafés et les guinguettes. Ainsi, Auguste Renoir a représenté dans Bal du moulin de la Galette, peint en 1876 et conservé au Musée d’Orsay, un bal qui se déroule un dimanche après-midi à Montmartre, et qui nous laisse imaginer l’animation qui y régnait.

Les impressionnistes restent aujourd’hui encore très prisés des collectionneurs. La cote d’Auguste Renoir est d’environ 400 000 euros pour un petit format, et la cote de Claude Monet est d’environ 2 millions d’euros pour le moyen format. La vente à New-York du 8 décembre 2020 a vu une huile sur toile de moyen format de cet artiste être adjugée 4 729 000 dollars, soit environ 3 903 264 euros.

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Nature morte

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La nature morte resta pendant longtemps un genre mineur, relégué loin derrière la peinture d’Histoire selon la hiérarchie des genres de l’historiographe André Félibien, établie en 1667. Le genre de la nature morte naît au XVIème siècle, avec les artistes italiens Jacopo de Barbari et Giovanni da Udine, autant que chez les artistes flamands.
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L’artiste italien Caravage contribue à donner à ce genre davantage d’envergure en réalisant l’huile sur toile Corbeille de fruits, vers 1595, conservée à la Pinacothèque Ambrosienne de Milan, dans laquelle la nature morte n’est plus simplement traitée comme un motif décoratif, mais comme un genre à part entière.

C’est avant tout au XVIIème siècle et chez les artistes nordiques que ce genre s’épanouit, lorsque des peintres entreprennent de se consacrer exclusivement à ce domaine. Les sujets représentés sont variés : fleurs, tables servies ou desservies, plats de mets fins avec poissons, gibiers ou fruits, ou encore instruments de scientifiques et de penseurs. C’est l’occasion pour les artistes de montrer leur virtuosité dans le traitement et la représentation de matières et de textures très variées : des tissus moirés à la délicatesse des pétales de fleurs en passant par la porcelaine ou la chair des fruits ou des gibiers, ce genre offre une grande palette de possibilités. C’est ce qu’illustre l’huile sur toile réalisée par Peter Claesz, Nature morte de table servie, vers 1637 et conservée à Madrid au Musée du Prado.

Ces compositions renvoient tantôt aux cinq sens, tantôt aux arts et aux sciences ou encore au goût de l’époque pour les cabinets de curiosités. Mais elles recèlent également souvent un sens caché, une dimension morale empreinte de la philosophie des pères de l’Église : « vanitas vanitatum », c’est-à-dire vanités des vanités. Ces natures mortes sont ainsi là pour rappeler à l’Homme la vacuité de la vie et le fait qu’il est condamné à mourir. Cela passe par le choix des éléments représentés, qui possèdent chacun une symbolique, ce que l’on voit par exemple chez Adriaen van Utrecht, Nature morte de Vanitas avec fleurs et crâne, une huile sur toile réalisée en 1642.

Ce genre fleurit dans toute l’Europe, de la Hollande à l’Italie, en passant par les bodegones espagnols, dont la particularité est de ne représenter que des biens alimentaires, ou encore les natures mortes françaises, où prime la corbeille de fruits.

Au cours du XVIIème siècle, la nature morte connaît une évolution formelle. Alors qu’au début du siècle les objets sont disposés sur la toile de manière desserrée, sans construction pyramidale, les natures mortes de la fin du siècle accusent une composition plus géométrisée, en diagonale ou en pyramide.

En France, le genre de la nature morte obtient une véritable reconnaissance grâce à la critique élogieuse que Denis Diderot fait du Bocal d’olives, une huile sur toile de 1760, et de la Raie, une huile sur toile de 1728, toutes deux exécutées par Jean-Baptiste Siméon Chardin. Tout en adoptant une facture libre et une palette de couleurs restreinte, ce peintre impose la nature morte sur le devant de la scène en présentant ces deux tableaux en guise de morceaux de réception à l’Académie royale de peinture et de sculpture, c’est-à-dire en intégrant l’institution prestigieuse grâce à elles. La nature morte est un genre mis de côté au XIXème siècle mais qui rencontre un regain d’intérêt au XXème siècle grâce aux œuvres de Paul Cézanne qui inspirent les cubistes, par exemple la Nature morte aux pommes, une huile sur toile réalisée vers 1890 et conservée au Musée de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg.

Les artistes qui ont peint des natures mortes ont encore aujourd’hui une cote importante. La cote de Chardin par exemple, est actuellement d’environ 1 200 000 euros pour un moyen format. La cote de Braque est d’environ 200 000 euros pour des œuvres de petits formats. On retiendra la vente en ligne en 2019 du lot n°527, une huile sur toile de petit format réalisée par Chardin, intitulée Nature morte avec une raie, un panier d’onion, des œufs et une cruche, qui a été adjugée pour 83 081 euros.

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Peinture de paysage

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Longtemps considéré comme un genre mineur de l’histoire de l’art, le paysage a néanmoins fait l’objet de nombreuses productions au fil des siècles. Le discours quant à la hiérarchie des genres, codifiée par les théoriciens académiques, naît au XVIème siècle.

Le genre du paysage en tant que tel apparaît à la Renaissance, simultanément chez les peintres nordiques comme dans les gravures de Dürer, et chez les peintres italiens, tels que Léonard de Vinci, Dosso Dossi ou Titien. C’est en 1520 qu’apparaît pour la première fois le terme de “paysage”, alors utilisé pour décrire des tableaux de collections vénitiennes qui représentent la nature.

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Deux manières de représenter le paysage coexistent. La première, réaliste, est le fait d’artistes nordiques comme Mathias et Paul Bril, tandis que la seconde est davantage idéalisée et renvoie à ce que l’on appelle le paysage classique, initié par les peintres italiens.

Le paysage réaliste, ou naturaliste, s’est développé chez les Nordiques qui cherchent à représenter une nature qui soit le plus fidèle possible au réel. Pour autant, les paysages de ces derniers ne sont pas dénués de bucolisme, célébrant l’opulence des Flandres. Entre paysages urbains, ciels et mers, les peintres nordiques s’éloignent des ruines italiennes en mettant en avant les caractéristiques de leurs propres pays : des pays de navigateurs où les ailes de moulin ne cessent de tourner, comme le représente la si emblématique œuvre de Jacob von Ruisdael, Le Moulin de Wijk bij Duurstede, une huile sur toile peinte vers 1670 et conservée au Rijksmuseum d’Amsterdam.

Annibal Carrache, peintre du XVIIème siècle est, quant à lui, à l’origine du paysage classique, à savoir un paysage très rigoureusement construit, qui s’étage par plans successifs autour de la masse architecturale d’une ville et qui est prétexte à représenter une scène religieuse selon une représentation qui correspond moins au réel. La nature qui est donnée à voir a été domestiquée par l’Homme, selon les codes d’une Arcadie antique adaptée à la grammaire de la religion judéo-chrétienne. C’est ce que l’on peut notamment observer dans La Fuite en Égypte, une huile sur toile réalisée entre 1602 et 1604 et conservée à la galerie Doria Pamphili à Rome. Le paysage classique est également porté par la figure de Claude le Lorrain, dans l’œuvre Paysage avec la nymphe Egérie, exécutée en 1669 et conservée à Naples à la Galleria Nazionale di Capodimonte. Nicolas Poussin a également peint beaucoup de paysages, dans une veine encore plus méditative.

Au XVIIIème siècle, le paysage est mis en avant à travers le sous-genre des marines, qui s’attache à représenter la mer, ou à travers les vedute de Giovanni Antonio Canaletto, ces vues de la ville de Venise qui intègrent ville et port selon un horizon très large. À la fin du siècle, le paysage est mis au service de l’expression du sublime, ce qui à la fois émeut profondément le spectateur tout en provoquant la terreur. On trouve autant des représentations de naufrages que de montagnes escarpées. On peut citer par exemple une huile sur toile réalisée par Joseph Wright entre 1775 et 1797, Vue du Vésuve depuis Posilippo.

Le genre du paysage connaît un nouvel essor au XIXème siècle, au temps des romantiques, car il offre la possibilité de refléter les émotions des artistes. Caspar David Friedrich exprime ainsi de la mélancolie dans son huile sur toile Le Voyageur contemplant une mer de nuages, peinte en 1818 et conservée à la Kunsthalle de Hambourg. Les artistes de la fin du XIXème siècle qui travaillent en plein-air, tels les impressionnistes, n’auront de cesse de réinventer la représentation du paysage, avant que les avant-gardes du XXème siècle ne viennent décomposer le motif du paysage en bouleversant la forme et la couleur.

Parmi les nombreux artistes cités, certains ont un grand succès sur le marché de l’art tels Nicolas Poussin, dont la cote est d’environ 400 000 euros pour un moyen format, et celle de Caspar David Friedrich, qui est d’environ 1 million d’euros pour un moyen format. On retiendra la vente du 21 mai 2016 à Cologne. Le lot n°1264, une huile sur toile réalisée par Poussin et de moyen format a été adjugée 210 800 euros.

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Peintures Orientaliste

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L’orientalisme, en histoire de l’art, ne désigne ni un mouvement, ni un style, mais correspond davantage à un état d’esprit au XIXème siècle, lié aux conquêtes et colonisations des pays occidentaux, tels que la France, dans les pays orientaux. Il fait suite aux chinoiseries et aux turqueries du XVIIIème siècle et illustre le fait que les artistes occidentaux puisent leur inspiration dans une culture et une grammaire stylistique étrangères, parfois méconnues et souvent fantasmées.

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Histoire de la peinture orientaliste

Le thème de l’orientalisme dans les Beaux-Arts se caractérise avant tout par une certaine vision des artistes occidentaux sur ce qu’était « l’Orient ». Ce terme désignait une réalité fantasmée, à savoir une aire géographique très vaste, allant des pays arabes à la Turquie.

Cette vision de « l’Orient » trouve sa source dans la campagne militaire des troupes françaises menée par le général Bonaparte contre les troupes anglaises en Égypte, entre 1798 et 1801. Les carnets de Vivant Denon, écrivain et futur conservateur au Louvre, regroupés dans son Voyage en Égypte, influencent ensuite toute une génération d’artistes. Mais ce qui révèle véritablement l’Orient à l’Occident, c’est la révolte des Grecs contre l’occupation turque.

L’orientalisme s’exprime notamment avec des sujets témoignant d’une vision fantasmée de l’ailleurs. Nombreux sont les artistes qui, comme Dominique Ingres dans La Grande Odalisque, une huile sur toile réalisée en 1814 et conservée au Musée du Louvre, expriment le rêve d’un « Orient » idéalisé. Ce dernier est ici conjugué au thème du nu féminin dans l’héritage de la Renaissance, à travers des scènes de harem et de bain. Eugène Delacroix, par ses divers voyages, a également été très marqué par l’Orient, comme en témoignent des œuvres telles que La Mort de Sardanapale, une huile sur toile peinte en 1827 et conservée au Musée du Louvre ou Femmes d’Alger dans leur appartement, une huile sur toile peinte en 1833 et conservée dans la même institution.

Les peintres orientalistes phares

Les paysages typiques de « l’Orient », tels que le désert ou l’oasis, sont également pris pour modèles. En effet, à côté de cette représentation d’un « Orient » rêvé, certaines œuvres témoignent d’une veine plus réaliste. C’est le cas des carnets de voyage d’Eugène Delacroix au Maroc.

Bien que le XIXème siècle reste le siècle de l’orientalisme par excellence, celui-ci perdure jusqu’à la première moitié du XXème siècle, encouragé par le mythe colonial et se cristallise notamment autour de de la figure du conservateur du Musée du Luxembourg et président de la Société des peintres orientalistes français, Léonce Bénédicte.

Aujourd’hui, malgré un nouveau regard porté sur l’orientalisme dans la recherche, les œuvres de ce type ont toujours du succès ; en témoigne la cote actuelle de Jean-Auguste Dominique Ingres qui est d’environ 60 000 euros pour des moyens formats, et celle d’Eugène Delacroix qui est d’environ 200 000 euros.

Parmi les lots de tableaux orientalistes vendus ces dernières années, on retiendra la vente en France le 17 mars 2019 du lot n°159, Personnage en costume de Palikar, une huile sur toile de petit format réalisée par Delacroix. Elle a été adjugée 300 000 euros.

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Estimation tableaux fauves en ligne

Peintures Fauves

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Estimation de peinture fauve en ligne

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Le fauvisme est le premier mouvement d’avant-garde du XXème siècle en France. Le terme « d’avant-garde artistique » désigne les mouvements artistiques qui, à partir de la deuxième moitié du XIXème siècle et sur fond de modernisme, opèrent une rupture esthétique, politique et sociale par rapport au monde de l’art.

Empruntant au vocable militaire, les artistes de l’avant-garde se positionnent contre les valeurs bourgeoises, les codes de l’art académique et le système du Salon. Ce qui caractérise les artistes d’avant-garde, ce sont à la fois leur jeunesse, le fait qu’ils vivent en communauté, autour de lieux centraux tels que Montmartre ou Montparnasse, et un art se voulant provocateur ou contestataire.

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Estimation fauvisme : les peintres célèbres

Le terme de fauvisme naît d’un scandale lors du Salon d’Automne de 1905 à Paris. En effet, dans la salle n°7 se trouvent alors réunies les œuvres de différents jeunes artistes : Henri Matisse, André Derain, Maurice de Vlaminck, Charles Camoin, Henri Manguin et Albert Marquet. Au milieu des toiles, une petite sculpture d’un enfant se rapproche d’une esthétique des artistes de la Renaissance, en marbre et selon des canons de beauté très classiques. À la vue du contraste entre ces toiles aux couleurs détonantes et la petite sculpture, le critique d’art Louis Vauxcelles s’exclame : « C’est Donatello parmi les fauves ! ». Au sein de l’exposition, La femme au chapeau de Matisse, une huile sur toile peinte la même année et conservée aujourd’hui au Museum of Modern Art de San Francisco, est celle qui suscite le plus de réactions outrées de la part des visiteurs car elle se situe aux antipodes des canons bourgeois de l’époque, notamment par son usage des couleurs qui correspondent au réel. Si les peintres fauves ont d’abord suscité le rejet du public et de la critique, ils connaissent néanmoins une consécration rapide, dès le Salon de 1906. Ils sont alors plus nombreux, Georges Braque et Raoul Dufy ayant à leur tour adopté ce style.

Les artistes fauves se caractérisent par leur liberté de peindre, dans l’héritage des impressionnistes. Leur esthétique se distingue avant tout par le traitement de la couleur, qui affirme son autonomie, par des teintes ne correspondant plus à la réalité. Matisse, par exemple, représente une plage au sable rouge dans l’huile sur toile La plage rouge réalisée à l’été 1905. Des couleurs pures (non mélangées) et les couleurs primaires (bleu, rouge et jaune) sont systématiquement employées, associées à une touche en hâchures. En outre, la lumière est très présente dans les œuvres. On observe également de grands applats de couleur dans la construction de l’espace, ainsi qu’une simplification du dessin amenant à une simplification des formes.

Les toiles célèbres du fauvisme

Les premiers artistes fauves se sont rencontrés dans l’atelier de Gustave Moreau, au sein de l’École des Beaux-Arts, entre 1894 et 1897. Ils adoptent les enseignements de leur maître : « Plus les moyens sont élémentaires, et plus la sensibilité apparaît ». Les trois artistes majeurs de cette avant-garde sont Matisse, Derain et Vlaminck. Ils entretiennent des amitiés fortes et ont travaillé par duos, à savoir le duo Matisse-Derain et le duo Vlaminck-Derain. La ville de Collioure, à la frontière avec l’Espagne, a par exemple été un véritable laboratoire d’expérience plastique pour le duo Matisse-Derain.

Parmi les toiles représentatives du fauvisme, on retiendra Le Bonheur de vivre, une huile sur toile peinte entre 1905 et 1906 par Matisse et conservée aujourd’hui à la Barnes Fondation à Merion aux États-Unis, ou l’huile sur toile Composition (l’Âge d’Or) peinte par Derain, en 1905 également, conservée au Teheran Museum of Contemporary Art.

Malgré des liens forts entre les artistes, le fauvisme ne constitue pas un mouvement théorisé à l’époque. Ils ne se regroupent pas en tant qu’école et leur proximité est de courte durée : ils prennent en effet des directions différentes dès 1908.

Les peintres fauves sont encore aujourd’hui très prisés au sein du marché de l’art. Actuellement, la cote des peintres fauves est d’environ 400 000 euros pour des moyens formats réalisés par Matisse, et d’environ 30 000 euros concernant les moyens formats de Vlaminck. Parmi les lots de peinture fauve vendus ces derniers temps, on retient la vente du 8 octobre 2020 qui a eu lieu à New-York. Le lot n° 535, Nature morte au compotier, une huile sur toile réalisée par Vlaminck y a été adjugée pour 687 500 dollars, soit environ 584 922 euros.

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Estimation Tableaux - Peinture Cubiste

Peinture cubiste

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Estimation de sa peinture cubiste en ligne

Le cubisme est un mouvement d’avant-garde dont les bornes chronologiques s’étendent de 1907 à 1914. Le terme d’avant-garde désigne les mouvements artistiques qui, à partir de la deuxième moitié du XIXème siècle et sur fond de modernisme, opèrent une rupture esthétique, politique et sociale par rapport au monde de l’art. Les artistes des avant-gardes se positionnent contre les valeurs bourgeoises, les codes de l’art académique et le système du Salon, c’est-à-dire une reconnaissance sociale des artistes via un jury qui prône les canons artistiques des Beaux-Arts.
Estimation Tableaux - Peinture Cubiste
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Art moderne : qu'est-ce que le cubisme ?

Les artistes des avant-gardes, souvent jeunes, vivent et travaillent en communauté. En outre, leurs pratiques créatives pluridisciplinaires se veulent provocantes ou contestataires. Le cubisme s’inscrit dans la continuité du fauvisme, le premier mouvement d’avant-garde du XXème siècle. Les artistes qui, par leur esthétique, ont été désignés comme « cubistes » doivent cette appellation, d’abord péjorative, au critique d’art Louis Vauxcelles. En effet, ce dernier considère ces tableaux comme un assemblage de petits cubes, d’où il tire le terme de « cubiste ». Ce sont Pablo Picasso, Georges Braque, André Derain ou encore Fernand Léger, entourés des poètes Max Jacob et André Salmon. Ils se connaissent au moins depuis 1907 et gravitent à Paris autour de cités d’artistes, notamment Montmartre avec le Bateau-Lavoir et à Montparnasse avec la Ruche. Ces artistes plasticiens sont peu appréciés du public et vivent pauvrement. Ce n’est que grâce aux marchands d’art Ambroise Vollard, Daniel-Henry Kahnweiler et Léon Rosenberg qu’ils sont peu à peu reconnus. Après le fauvisme, qui avait transformé la manière d’utiliser la couleur, les artistes cubistes révolutionnent la façon de représenter l’espace et les formes. Les apports des arts extra-occidentaux les inspirent dans la redéfinition de la perspective et la fragmentation des formes. Le cubisme n’est pas encore un mouvement abstrait, mais on assiste toutefois à un rejet du réalisme, visible dans le traitement des objets en volume qui se trouvent éclatés ou décomposés. La gamme chromatique se réduit à des tonalités centrées autour des ocres et des gris. Enfin, les artistes s’ouvrent à de nouvelles techniques, notamment le collage.

Les différentes phases du cubisme en art moderne

On considère que le cubisme connaît trois phases de développement.

Le cubisme cézannien

Le cubisme cézannien en constitue la première phase, et s’étend de 1907 à 1909. Cette appellation vient du fait que Braque et Picasso s’inscrivent alors dans le sillage de Paul Cézanne. Il s’agit de peindre selon une simplification des formes, et, pour reprendre les mots de Cézanne à l’adresse d’Émile Bernard, de « traite(r) la nature par le cylindre, la sphère, le cône, le tout mis en perspective, soit que chaque côté d’un objet, d’un plan, se dirige vers un point central ». C’est en 1907 que Picasso réalise Les Demoiselles d’Avignon, une huile sur toile conservée au Museum of Modern art à New-York et considérée comme le couronnement de cette première phase du cubisme. Durant l’été 1908, Braque et Picasso se retrouvent à l’Estaque, situé à côté de Marseille, et c’est là-bas qu’ils réalisent un travail commun où l’émulation règne. Dans l’huile sur toile de Braque Maisons à l’Estaque, réalisée en 1908 et conservée au Musée des Beaux-arts de Berne, apparaît l’héritage de Cézanne : le travail des corps tout en volume et les glissements de plans, c’est-à-dire qu’on n’arrive pas toujours à les distinguer.

Le cubisme analytique

Le cubisme analytique suit cette première période, de 1909 à 1911. C’est la phase la plus hermétique du cubisme, avec des compositions de plus en plus difficilement lisibles car les figures humaines autant que les paysages et les natures mortes sont complètement décomposées. L’huile sur toile peinte par Pablo Picasso en 1910, Portrait de Daniel Henry Kahnweiler, illustre cette évolution.

Le cubisme synthétique

La dernière phase est désignée sous le nom de cubisme synthétique, et s’étend de 1912 à 1914 environ. Les artistes choisissent de faire marche-arrière dans leur processus de décomposition du réel, afin de revenir à des œuvres plus lisibles. C’est également à partir de ce moment qu’ils utilisent de nouveaux matériaux, jugés comme non artistiques, tels que le carton ou la corde, et qu’ils procèdent à des collages. L’œuvre emblématique de cette période est la Nature morte à la chaise cannée réalisée par Picasso au printemps 1912, une huile sur toile et toile cirée sur toile.

Durant les années 1910, les cubistes qui s’affirment en groupe, organisent plusieurs expositions, dont la première a lieu en 1911 à Paris. La fin de la décennie marque la dissolution de cette école d’artistes.

 

Les œuvres cubistes ont aujourd’hui une place de choix dans les musées et sur le marché de l’art. Ainsi, la cote de Pablo Picasso est actuellement d’environ 8 millions d’euros pour un moyen format, tandis que celle de Georges Braque est d’environ 200 000 euros. Fait marquant : la vente du 11 novembre 2019 à New-York d’une huile sur toile de moyen format réalisée par Braque, L’église de Carrières-Saint-Denis, a été adjugée 3 915 000 dollars. Cette adjudication représente 2 944 516 euros, bien au-delà donc de sa côte habituelle.

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