Ce peintre est en effet considéré comme l’un des précurseurs de cette peinture moderne, lorsqu’au Salon de 1863, il fait scandale avec son Déjeuner sur l’herbe, une huile sur toile aujourd’hui conservée au Musée d’Orsay. Il traduit en peinture l’idéal du peintre moderne selon Baudelaire, à savoir celui « qui saura arracher à la vie actuelle son côté épique, et nous faire voir et comprendre, avec de la couleur et du dessin, combien nous sommes grands et poétiques dans nos cravates et nos bottes vernies ». Si cette peinture fait scandale, c’est avant tout parce qu’elle représente une femme nue aux côtés de deux hommes habillés et parce que cette dernière fixe celui qui observe le tableau. La cote actuelle de Édouard Manet peut dépasser le million d’euros pour des formats entre 25 et 40 centimètres. Il est classé 2722e selon Artprice en 2020, avec 38 lots vendus. La cote de Gustave Caillebotte s’élève quant à elle à environ 4 230 000 euros pour des formats entre 60 et 80 centimètres. Parmi les lots importants vendus ces dernières années, on remarquera l’une de ses œuvres, le lot n°23/a, vendu le 15 mai 2018 à New-York. Le pont de l’Europe, cette huile sur toile de 64,7 x 81,3 centimètres a été adjugée 6 893 858 euros. Vous souhaitez faire expertiser un tableau de nu et recevoir son estimation. Remplissez votre demande via notre formulaire. Estimer un tableau de nu en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

C’est ainsi qu’on peut observer que de la Vénus d’Urbin de Titien (peinte en 1538) à l’Olympia (peinte en 1863) à scandale de Manet, en passant par la Grande Odalisque de Dominique Ingres (en 1814), le nu féminin est un genre particulièrement prisé par les peintres occidentaux. Il est présent dès la Renaissance, sur le modèle antique de la Venus pudica, ou Vénus pudique : le corps féminin nu se doit d’être représenté dans une attitude de pudeur et de retenue. La représentation du corps est l’occasion de faire jouer les matières, la transparence de la chair, ce qui est visible dans le travail de Peter Paul Rubens par exemple. Certains artistes travaillent le nu avec une facture plus libre, comme c’est le cas d’Édouard Manet. Si l’Odalisque, exposée au Salon de 1865 choque tellement, c’est en grande partie par le traitement des textures et de la chair en particulier, avec une matière épaisse et dans des demi-teintes.

Le nu féminin est souvent la représentation d’un corps idéalisé et l’expression de canons de beauté. Ce n’est qu’au XXème siècle que les artistes prendront de l’autonomie par rapport à ces normes, comme on le voit dans le Nu bleu II, une gouache avec collage sur toile réalisée par Henri Matisse en 1952. Le nu est encore aujourd’hui un thème très prisé du marché de l’art. Parmi les artistes cités, on notera la cote d’Édouard Manet, qui est d’environ 2 millions d’euros. Le 23 mai 2017 un lot de Manet, Femme nue se coiffant, une huile sur toile de moyen format, a été adjugé 5 632 000 euros. Vous souhaitez faire expertiser un tableau de nu et recevoir son estimation. Remplissez votre demande via notre formulaire. Estimer un tableau de nu en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Durant le XVIIIème siècle, le genre suscite des créations remarquables : entre portraits royaux ou portraits intimes, il ne cesse d’être travaillé par les peintres. On retiendra notamment le portrait au pastel d’une qualité et d’une subtilité exceptionnelle de Quentin de la Tour, Madame de Pompadour, peint entre 1752 et 1755 et représentant la protectrice des arts, revêtue d’une robe aux reflets moirés. Dans les siècles qui suivent, le portrait reste un genre prisé des peintres. Les portraitistes cités plus haut continuent aujourd’hui d’être très prisés sur le marché de l’art. On retiendra la cote de Nicolas de Largillière qui est d’environ 30 000 euros pour des moyens formats. Lors d’une vente qui a eu lieu le 18 juin 2020 en France, une huile sur toile de Largillière, Portrait d’une dame de qualité, de moyen format, a été adjugée pour 18 452 euros. Vous souhaitez faire expertiser un tableau de portrait et recevoir son estimation. Remplissez votre demande via notre formulaire. Estimer un tableau de portrait en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Les impressionnistes sont des peintres de la modernité. Ils ne représentent pas seulement des paysages mais s’attachent également à représenter de nouveaux sujets, ancrés dans la vie moderne, comme les gares, le chemin de fer, les usines, et les lieux de sociabilité en ville que sont les cafés et les guinguettes. Ainsi, Auguste Renoir a représenté dans Bal du moulin de la Galette, peint en 1876 et conservé au Musée d’Orsay, un bal qui se déroule un dimanche après-midi à Montmartre, et qui nous laisse imaginer l’animation qui y régnait. Les impressionnistes restent aujourd’hui encore très prisés des collectionneurs. La cote d’Auguste Renoir est d’environ 400 000 euros pour un petit format, et la cote de Claude Monet est d’environ 2 millions d’euros pour le moyen format. La vente à New-York du 8 décembre 2020 a vu une huile sur toile de moyen format de cet artiste être adjugée 4 729 000 dollars, soit environ 3 903 264 euros. Vous souhaitez faire expertiser un tableau impressionniste et recevoir son estimation. Remplissez votre demande via notre formulaire. Estimer un tableau impressionniste en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.et totalement confidentiel.

Ce genre fleurit dans toute l’Europe, de la Hollande à l’Italie, en passant par les bodegones espagnols, dont la particularité est de ne représenter que des biens alimentaires, ou encore les natures mortes françaises, où prime la corbeille de fruits. Au cours du XVIIème siècle, la nature morte connaît une évolution formelle. Alors qu’au début du siècle les objets sont disposés sur la toile de manière desserrée, sans construction pyramidale, les natures mortes de la fin du siècle accusent une composition plus géométrisée, en diagonale ou en pyramide.

En France, le genre de la nature morte obtient une véritable reconnaissance grâce à la critique élogieuse que Denis Diderot fait du Bocal d’olives, une huile sur toile de 1760, et de la Raie, une huile sur toile de 1728, toutes deux exécutées par Jean-Baptiste Siméon Chardin. Tout en adoptant une facture libre et une palette de couleurs restreinte, ce peintre impose la nature morte sur le devant de la scène en présentant ces deux tableaux en guise de morceaux de réception à l’Académie royale de peinture et de sculpture, c’est-à-dire en intégrant l’institution prestigieuse grâce à elles. La nature morte est un genre mis de côté au XIXème siècle mais qui rencontre un regain d’intérêt au XXème siècle grâce aux œuvres de Paul Cézanne qui inspirent les cubistes, par exemple la Nature morte aux pommes, une huile sur toile réalisée vers 1890 et conservée au Musée de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg.

Les artistes qui ont peint des natures mortes ont encore aujourd’hui une cote importante. La cote de Chardin par exemple, est actuellement d’environ 1 200 000 euros pour un moyen format. La cote de Braque est d’environ 200 000 euros pour des œuvres de petits formats. On retiendra la vente en ligne en 2019 du lot n°527, une huile sur toile de petit format réalisée par Chardin, intitulée Nature morte avec une raie, un panier d’onion, des œufs et une cruche, qui a été adjugée pour 83 081 euros. Vous souhaitez faire expertiser un tableau de nature morte et recevoir son estimation. Remplissez votre demande via notre formulaire. Estimer un tableau de nature morte en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Au XVIIIème siècle, le paysage est mis en avant à travers le sous-genre des marines, qui s’attache à représenter la mer, ou à travers les vedute de Giovanni Antonio Canaletto, ces vues de la ville de Venise qui intègrent ville et port selon un horizon très large. À la fin du siècle, le paysage est mis au service de l’expression du sublime, ce qui à la fois émeut profondément le spectateur tout en provoquant la terreur. On trouve autant des représentations de naufrages que de montagnes escarpées. On peut citer par exemple une huile sur toile réalisée par Joseph Wright entre 1775 et 1797, Vue du Vésuve depuis Posilippo. Le genre du paysage connaît un nouvel essor au XIXème siècle, au temps des romantiques, car il offre la possibilité de refléter les émotions des artistes. Caspar David Friedrich exprime ainsi de la mélancolie dans son huile sur toile Le Voyageur contemplant une mer de nuages, peinte en 1818 et conservée à la Kunsthalle de Hambourg.

Les artistes de la fin du XIXème siècle qui travaillent en plein-air, tels les impressionnistes, n’auront de cesse de réinventer la représentation du paysage, avant que les avant-gardes du XXème siècle ne viennent décomposer le motif du paysage en bouleversant la forme et la couleur. Parmi les nombreux artistes cités, certains ont un grand succès sur le marché de l’art tels Nicolas Poussin, dont la cote est d’environ 400 000 euros pour un moyen format, et celle de Caspar David Friedrich, qui est d’environ 1 million d’euros pour un moyen format. On retiendra la vente du 21 mai 2016 à Cologne. Le lot n°1264, une huile sur toile réalisée par Poussin et de moyen format a été adjugée 210 800 euros. Vous souhaitez faire expertiser un tableau représentant un paysage ?  Remplissez votre demande via notre formulaire en nous communiquant photos et description de votre peinture de paysage. Estimer votre tableau en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Les paysages typiques de « l’Orient », tels que le désert ou l’oasis, sont également pris pour modèles. En effet, à côté de cette représentation d’un « Orient » rêvé, certaines œuvres témoignent d’une veine plus réaliste. C’est le cas des carnets de voyage d’Eugène Delacroix au Maroc. Bien que le XIXème siècle reste le siècle de l’orientalisme par excellence, celui-ci perdure jusqu’à la première moitié du XXème siècle, encouragé par le mythe colonial et se cristallise notamment autour de de la figure du conservateur du Musée du Luxembourg et président de la Société des peintres orientalistes français, Léonce Bénédicte.

Aujourd’hui, malgré un nouveau regard porté sur l’orientalisme dans la recherche, les œuvres de ce type ont toujours du succès ; en témoigne la cote actuelle de Jean-Auguste Dominique Ingres qui est d’environ 60 000 euros pour des moyens formats, et celle d’Eugène Delacroix qui est d’environ 200 000 euros. Parmi les lots de tableaux orientalistes vendus ces dernières années, on retiendra la vente en France le 17 mars 2019 du lot n°159, Personnage en costume de Palikar, une huile sur toile de petit format réalisée par Delacroix. Elle a été adjugée 300 000 euros. Vous souhaitez faire expertiser un tableau orientaliste et recevoir son estimation. Remplissez votre demande via notre formulaire. Estimer un tableau orientaliste en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Les premiers artistes fauves se sont rencontrés dans l’atelier de Gustave Moreau, au sein de l’École des Beaux-Arts, entre 1894 et 1897. Ils adoptent les enseignements de leur maître : « Plus les moyens sont élémentaires, et plus la sensibilité apparaît ». Les trois artistes majeurs de cette avant-garde sont Matisse, Derain et Vlaminck. Ils entretiennent des amitiés fortes et ont travaillé par duos, à savoir le duo Matisse-Derain et le duo Vlaminck-Derain. La ville de Collioure, à la frontière avec l’Espagne, a par exemple été un véritable laboratoire d’expérience plastique pour le duo Matisse-Derain.

Parmi les toiles représentatives du fauvisme, on retiendra Le Bonheur de vivre, une huile sur toile peinte entre 1905 et 1906 par Matisse et conservée aujourd’hui à la Barnes Fondation à Merion aux États-Unis, ou l’huile sur toile Composition (l’Âge d’Or) peinte par Derain, en 1905 également, conservée au Teheran Museum of Contemporary Art. Malgré des liens forts entre les artistes, le fauvisme ne constitue pas un mouvement théorisé à l’époque. Ils ne se regroupent pas en tant qu’école et leur proximité est de courte durée : ils prennent en effet des directions différentes dès 1908.

Les peintres fauves sont encore aujourd’hui très prisés au sein du marché de l’art. Actuellement, la cote des peintres fauves est d’environ 400 000 euros pour des moyens formats réalisés par Matisse, et d’environ 30 000 euros concernant les moyens formats de Vlaminck. Parmi les lots de peinture fauve vendus ces derniers temps, on retient la vente du 8 octobre 2020 qui a eu lieu à New-York. Le lot n° 535, Nature morte au compotier, une huile sur toile réalisée par Vlaminck y a été adjugée pour 687 500 dollars, soit environ 584 922 euros. Vous souhaitez faire expertiser un tableau fauve et recevoir son estimation. Remplissez votre demande via notre formulaire. Estimer un tableau fauve en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

On considère que le cubisme connaît trois phases de développement. Le cubisme cézannien en constitue la première phase, et s’étend de 1907 à 1909. Cette appellation vient du fait que Braque et Picasso s’inscrivent alors dans le sillage de Paul Cézanne. Il s’agit de peindre selon une simplification des formes, et, pour reprendre les mots de Cézanne à l’adresse d’Émile Bernard, de « traite(r) la nature par le cylindre, la sphère, le cône, le tout mis en perspective, soit que chaque côté d’un objet, d’un plan, se dirige vers un point central ». C’est en 1907 que Picasso réalise Les Demoiselles d’Avignon, une huile sur toile conservée au Museum of Modern art à New-York et considérée comme le couronnement de cette première phase du cubisme. Durant l’été 1908, Braque et Picasso se retrouvent à l’Estaque, situé à côté de Marseille, et c’est là-bas qu’ils réalisent un travail commun où l’émulation règne. Dans l’huile sur toile de Braque Maisons à l’Estaque, réalisée en 1908 et conservée au Musée des Beaux-arts de Berne, apparaît l’héritage de Cézanne : le travail des corps tout en volume et les glissements de plans, c’est-à-dire qu’on n’arrive pas toujours à les distinguer.