Vers 1895, à trente-quatre ans, Aristide Maillol décide se consacrer à la sculpture. Il y est encouragé par ses amis nabis Édouard Vuillard, Pierre Bonnard, Maurice Denis et Henri Matisse. C’est à cette époque qu’il fait la connaissance du comte allemand Harry Kessler, qui devient son mécène. 

En 1905, Aristide Maillol expose au Salon d’Automne sa sculpture en plâtre Femme, qui sera par la suite intitulée Méditerranée. Cette œuvre suscite l’admiration : elle représente une femme nue, assise sur un socle. Ici, c’est toute la sérénité et la beauté de la nature qui est symbolisée au travers de formes simples, épurées et harmonieuses.

Cinq ans plus tard, il présente à ce même Salon sa statue Pomone. Cette figure grandeur nature représente la divinité des fruits, idéal de la beauté féminine. La reconnaissance du travail d’Aristide Maillol devient alors internationale. Les commandes augmentent, dont des demandes publiques. Ses œuvres sont exposées aux États-Unis, à l’Armory Show, à Bâle, Londres ou même à Berlin.

En quête d’harmonie, Aristide Maillol s’inspire de plusieurs modèles afin de créer sa figure idéale aux formes des plus sensuelles. Rencontrée en 1934, la jeune Dina Vierny devient sa muse et sa collaboratrice. Elle influence l’artiste en ce qui concerne la réalisation de nombreuses statues monumentales telles L’Air ou La Montagne. Le sculpteur exécute quelques statues avec des modèles masculins comme Le Désir ou Le Cycliste. Ses oeuvres sont réalisées dans des matières variées comme la pierre, le bois, la terre cuite, le plâtre, le bronze, le plomb…

Aristide Maillol décède en 1944, à la suite d’un accident de voiture. Ses sculptures sont appréciées et jugées comme des chefs-d’œuvre de l’art français. Parmi elles figurent notamment les statues intitulées Léda, Harmonie, Le Fleuve, l’Île-de-France ou encore des monuments aux morts comme celui de Banyuls.

De 1957 à 1967, le groupe ZERO veut bousculer les conventions artistiques. Le peintre et sculpteur Günther Ueckler rejoint le duo en 1961. D’autres artistes issus de mouvements différents, se reconnaissant dans les principes fondateurs du groupe, collaborent aux expositions sans pour autant en devenir des membres permanents. Parmi eux figurent Yves Klein, Yayoi Kusama, Arman, Lucio Fontana, Jesús Rafael Soto et Jean Tinguely. Dans ce contexte lié à l’après-guerre, ces artistes ont pour caractéristique commune leur besoin d’épuration de l’art. Ils travaillent en fonction de l’espace, avec des couleurs pures, monochromes, et en maniant de nouvelles technologies.

Quant à Heinz Mack, il crée des sculptures élaborées en métal, en miroir ou encore en aluminium. Ces matériaux lui permettent de manipuler et de refléter la lumière selon des angles différents. Il joue avec les illusions d’optique, demandant alors au spectateur un effort pour s’impliquer dans sa lecture de l’œuvre. Weisser Vibration (Vibration blanche), Black and White (Noir et blanc), Vibration im Blau (Vibration dans le bleu) sont les titres de quelques-unes de ses œuvres.
Dans cette même période, Heinz mack crée des reliefs, telles les séries Lamellen-reliefs ou Silberrelief. Ces œuvres emblématiques, composées de bandes réfléchissantes, forment des ondulations et génèrent des effets visuels étonnants.

Dès 1890, Henri-Gabriel Ibels, surnommé par ses amis le « nabi journaliste », travaille au sein de divers journaux. Ses illustrations et ses caricatures paraissent dans le journal Le Père Peinard, hebdomadaire anarchiste, à La Plume, à L’Escarmouche, au Mirliton ou encore à L’Écho de Paris. 

En 1892, Henri-Gabriel Ibels collabore régulièrement avec le Théâtre Libre d’André Antoine. Il réalise les affiches et les illustrations des programmes.
Illustrateur engagé, Henri-Gabriel Ibels participe à la revue Le Sifflet dès sa création par Achille Steens. Cet hebdomadaire satirique, foncièrement dreyfusard, est édité de 1898 à 1899. Il comporte quatre-vingt-cinq numéros.
Poursuivant ses diverses collaborations, Henri-Gabriel Ibels est chargé l’année 1900 de concevoir l’affiche du Grand Prix de lutte aux Folies-Bergères. Cependant, il se consacre peu à peu à d’autres activités. Il donne des cours de dessin dans des écoles d’art appliqué municipales. En 1910, il occupe le poste de secrétaire artistique au théâtre de l’Odéon. Il s’adonne également à la décoration et à l’élaboration de costumes de théâtre. En 1913, il reçoit la Légion d’honneur.

Charles Filiger expose deux études pointillistes au Salon des artistes indépendants en 1889. En 1890, il y présente quatre œuvres. Cependant, le peintre délaisse la capitale, trop coûteuse, pour retourner habiter en Bretagne, à Pouldu. Son style s’apparente à celui des symbolistes. Il présente ses œuvres au Salon bruxellois des XX en 1891, à la galerie Durand-Ruel, puis à la Rose+Croix et au Barc de Boutteville. Alfred Jarry fait l’éloge de ses gouaches dans le journal Mercure de France en 1894. Rémy de Gourmont lui commande des illustrations. Le comte Antoine de la Rochefoucault, peintre et collectionneur d’art, le mécène pour un temps. 

Les œuvres de Charles Filiger, généralement de petits formats, sont constituées principalement de gouaches et de dessins sur papier et sur carton. Comme les nabis, le peintre utilise des aplats de couleurs pures et vives. Parmi ses gouaches les plus célèbres figurent le Paysage du Pouldu et Paysage breton. Ces productions montrent l’emploi par le peintre de tons contrastés et de formes simples aux contours soulignés. Le Jugement dernier, La Vierge et deux anges ou encore une représentation de Saint-Jean Baptiste illustrent quant à elles des scènes religieuses. 

Par ailleurs, Charles Filiger se sert de motifs géométriques pour l’ornementation de ses œuvres. Sur ses portraits tels celui de Jeanne d’Arc, de la Madone à la tête inclinée, de Prométhée ou de Salomon 1er, roi de Bretagne, l’artiste trace des parallélépipèdes, des triangles et des cercles comme des frises servant de cadre coloré. Cette série d’œuvres s’intitule Notations chromatiques. 

Vers l’année 1904, Charles Filiger sombre dans des addictions dévastatrices. Il devient solitaire et il erre sans domicile. Il tente même de se faire interner dans un asile. C’est par André Breton que son travail sera remis à l’honneur après sa mort, dans les années 1940.

À Paris, Jan Verkade parcourt les expositions. Il rencontre bientôt Paul Sérusier, qui l’introduit auprès d’écrivains symbolistes tel Stéphane Mallarmé, mais aussi auprès de ses amis de l’Académie Julian. C’est ainsi que Jan Verkade rejoint le groupe des nabis. 

Surnommé « le nabi obéliscal » par Paul Ranson, Jan Verkade se lie d’amitié avec de nombreux artistes. Il assiste aux soirées où les échanges philosophiques et artistiques abondent. 

En 1891, Jan Verkade quitte Paris pour la Bretagne. En compagnie de Mogens Ballin, il se loge à Pont-Aven pour y attendre son ami Paul Sérusier. Inspiré par les paysages bretons et ses habitants, Jan Verkade y réalise un grand nombre d’études. En juin, les trois peintres se retrouvent à Huelgoat. Puis, seul, Jan Verkade séjourne à Pouldu, en Bretagne. Après un bref passage en Hollande, il s’installe à Paris en 1892. Il expose alors au Salon des indépendants où il connait un certain succès.

De retour en Bretagne, à Saint-Nolff, Jan Verkade peint la vie rurale. Peu à peu, le peintre se convertit au catholicisme. Il se fait baptiser à Vannes en 1894.

Toujours accompagné par Mogens Ballins, Jan Verkade poursuit ses voyages en Italie. Enthousiasmé par les fresques de Giotto, il décide de se consacrer à la peinture religieuse. En 1894, Jan Verkade entre à l’abbaye bénédictine Saint-Martin à Beuron, en Allemagne, sous le nom de Dom Willibrord Verkade. Paul Sérusier fera le portrait de son ami en 1903 avec le tableau intitulé Portrait de Verkade à Beuron.

En 1964, après celle au Salon de la jeune peinture, Jean-Pierre Cassigneul obtient une exposition particulière à la galerie Tivey-Faucon. C’est à cette période qu’il reçoit la reconnaissance artistique de Kiyoshi Tamenaga. Ce jeune marchand d’art japonais se spécialise dans la diffusion d’artistes européens. Il acquiert une quinzaine de tableaux qu’il présente au Japon. Jean-Pierre Cassigneul expose donc à Tokyo par son intermédiaire dès 1966. 

Dans le même temps, Noël Schuman propose à Jean-Pierre Cassigneul d’illustrer le livre de Joseph Kessel intitulé La Tour du malheur. La collaboration entre l’éditeur et le peintre se poursuit régulièrement, notamment avec l’édition des Pièces condamnées de Charles Baudelaire en 1977. Le recueil est ponctué de lithographies originales du peintre. Des portraits et de nus de femmes y figurent. 

Simone Karoff et Charles Zabler, respectivement directeurs des galeries parisiennes Findlay et Bellechasse, découvrent les peintures de Jean-Pierre Cassigneul. Ces deux personnalités du monde de l’art contemporain contribueront régulièrement à promouvoir le travail de Jean-Pierre Cassigneul en exposant ses œuvres, dont ses lithographies.

Des expositions majeures suivront aux États-Unis, au Japon, à Paris et en Europe comme récemment à Amsterdam.