Après la Seconde Guerre mondiale, Gérard Schneider fréquente les artistes Georges Mathieu, Hans Hartung et Pierre Soulages. Outre une amitié certaine, les peintres partagent une même vision abstraite de l’art. Ils participent au mouvement de l’abstraction lyrique, développant une gestuelle picturale liée à l’émotion. Les expositions des œuvres de Gérard Schneider se multiplient. Le peintre présente ses toiles en Allemagne lors de l’exposition Wanderausstellung Französischer Abstrakter Malerei, et aux États-Unis à la galerie Samuel Kootz. Des rétrospectives se tiennent à Bruxelles et à Düsseldorf en 1953 et en 1962. Présent à la Biennale de Venise à trois reprises, Gérard Schneider contribue également à la Documenta de Cassel en 1955 et 1959, à la biennale de São Paulo en 1951, 1953 et 1961 et à l’Exposition internationale d’art à Tokyo en 1959. Constamment en quête de nouvelles expérimentations, Gérard Schneider s’empare de la couleur avec ardeur à partir des années 1970. Utilisant de préférence la technique de l’acrylique, le peintre superpose les couches colorées. Il effectue de larges coups de pinceau, favorisant le geste spontané.

Malgré tout, la composition reste finement maîtrisée, organisée, structurée. Les coulures de peinture et les traces de pinceau marquent la frénésie du geste.Vers les années 1980, Gérard Schneider privilégie les peintures à l’acrylique sur papier. Par un geste proche de la calligraphie, cependant sans contrainte, l’artiste s’exprime pleinement sur ce support. Les couleurs vives contrastent entre elles, souvent opposées à des lignes noires chargées d’harmoniser la composition. Les titres de certaines de ses œuvres, comme Opus 18 ou Opus 316, font référence à la musique. À ce propos, Gérard Schneider rapproche les deux arts. L’artiste explique que, selon lui, « il faut voir la peinture abstraite comme on écoute la musique, sentir l’intériorité émotionnelle de l’œuvre sans lui chercher une identification avec une représentation figurative quelconque ». N’ayant pas cessé de peindre, Gérard Schneider décède à quatre-vingt-dix ans, en 1986.

Avant l’exécution de ses peintures, Gérard Schlosser colle souvent une couche de sable sur la toile ce qui lui donne une matière particulière. Sur sa peinture intitulée Pousse-toi un peu, peinte en 1965, un pantalon est posé au premier plan sur la bande de sable encore visible. Le vêtement se détache du fond par ses contours noirs. Au deuxième plan figure un couple allongé, dont le spectateur n’aperçoit que le haut des têtes et les bustes. 

Dans les années 1970, Gérard Schlosser représente la réalité de façon précise, voire hyperréaliste. Il affectionne les scènes de loisirs. Dans ses toiles, les corps se prélassent sur l’herbe, les personnages s’abandonnent. Une sensualité s’en dégage. Le spectateur, voyeur, observe les détails révélés par le gros plan du cadrage.

L’artiste photographie au préalable les scènes qu’il veut représenter. Il en saisit l’ambiance. Gérard Schlosser en sélectionne un cadrage particulier, généralement resserré. À l’aide d’un épiscope, il projette la photo ainsi choisie pour la peindre. Les années suivantes, Gérard Schlosser réalise des photomontages. Il découpe des parties de photos pour recréer une composition. 

Dans sa série en hommage à Fernand Léger, exécutée dans les années 2010, des spectateurs sont représentés de dos. Ils se tiennent devant des œuvres du peintre ainsi célébré. Ces mêmes années, Gérard Schlosser n’hésite pas à mettre en évidence le voyeurisme induit dans son œuvre en découpant ses toiles en forme de serrure. Des corps dénudés sont représentés à l’intérieur comme dans son tableau Il l’a toujours été, réalisé en 2012. Il dévoile l’intimité de ses personnages.

Tout au long de son parcours, Gérard Schlosser, s’il reste fidèle à ses thèmes de prédilection que sont les instants fugitifs du quotidien, en varie les représentations. Ancré dans la figuration narrative, il utilise la photographie, le collage et la peinture pour révéler la beauté du banal par des détails choisis.

Georges Rasetti se marie avec Céline Chaudet en 1888. Leur fils, prénommé également Georges, deviendra peintre. 

En 1891, le couple séjourne en Bretagne, à Huelgoat. Ils y fréquentent les artistes Paul Sérusier, Mogens Ballin et Jan Verkade. C’est à cette époque que Georges Rasetti réalise l’œuvre intitulée Élégantes au jardin public. Elle représente un parc où figurent deux personnages : des femmes, en long manteau noir. L’influence des artistes de l’école de Pont-Aven et des nabis s’y ressent. Les formes y sont simplifiées, les aplats de couleurs harmonieuses se juxtaposent. 

De ses séjours en Bretagne, Georges Rasetti en rapporte des portraits et des paysages. Il s’inspire de la région pour représenter ses habitants et des scènes rurales. Les couleurs oscillent entre le bleu et le violet qui contrastent avec le rouge et l’orange. Parmi ses œuvres figurent des toiles telles que Bacchanale devant le lac, Les Ramasseuses de pommes de terre ou le Concours de pêche.
Le peintre a également réalisé des natures mortes aux signes bretons distinctifs comme Pichet à la nappe fleurie et à l’assiette en Quimper. 

Georges Rasetti se forme à l’art de la céramique. Dans son atelier de Bois-Colombes, il en apprend la technique à certains de ses amis, dont les artistes Maurice Denis, François-Xavier Roussel, Georges Rouault et Édouard Vuillard. 

Georges Rasetti décède en 1938, à Paris. Son fils, qui signe ses œuvres sous le nom de Georges Estrel Rasetti, participe aux épreuves artistiques des Jeux olympiques d’Amsterdam avec sa toile Cross-country en 1928.

Paul-Élie Ranson expose ses œuvres à partir de l’année 1889. Conformément aux intentions des nabis, l’artiste participe également à l’élaboration de décors de théâtre, à la décoration intérieure, à des illustrations pour des revues et surtout à des tapisseries. Il s’attache à simplifier les formes, il se sert de couleurs vives, appliquées en aplats. Il utilise des motifs géométriques, notamment des arabesques, ou floraux.
Passionné par la marionnettique, Paul-Élie Ranson organise de nombreux spectacles. En 1901, il écrit une satire, pièce de Guignol pour les vieux enfants, intitulée L’Abbé Prout. Il en réalise également les illustrations. 

En 1894, le marchand d’art et collectionneur Siegfried Bing, spécialisé dans l’importation d’objets asiatique, commande à Paul-Élie Ranson le décor de la salle à manger du Salon de l’Art nouveau. Le peintre a ainsi livré des panneaux peints illustrant des scènes de la vie quotidienne, des paysages et des femmes.

Paul-Élie Ranson s’intéresse au mysticisme, à l’ésotérisme et à la religion. Ces thèmes sont abordés dans des tableaux tels que Christ et Bouddha (1890), Les Sorcières autour du feu (1891) ou encore La Sorcière au chat noir (1893). L’artiste est également inspiré dans ses œuvres par le thème de la femme et de la nature. Les peintures La Chambre bleue ou Nu à l’éventail (1891), La Femme aux paons (1900) ou Paysage au serpent (1906) en attestent.

En 1898, le père de Paul-Élie Ranson meurt tandis que son fils nait. Cette époque est marquée par les séjours fréquents de l’artiste chez ses amis, tel Georges Lacombe en Normandie. En effet, l’artiste supporte peu la maternité de sa femme. Parallèlement, sa santé se détériore. 

Cependant, en 1908, Paul-Élie Ranson et sa femme, avec l’appui des nabis, fondent une académie de peinture. L’artiste décède l’année suivante, à quarante-sept ans, de la fièvre typhoïde.
Le travail de Paul-Élie Ranson, notamment ses peintures, tapisseries et tableaux décoratifs, est représentatif de l’Art nouveau.

Alphonse Osbert fréquente alors le Salon des indépendants. Celui-ci a été fondé, entre autres artistes, par son ami Georges Seurat, par Odilon Redon et par Paul Signac en 1884. L’artiste y expose en 1891 son tableau Harmonie d’automne. La toile, aux teintes harmonieuses de bleus, de violets et d’orange, offre une vision poétique, une douce atmosphère de rêve. Les œuvres d’Alphonse Osbert tendent vers une dimension spirituelle, à l’instar des artistes exprimant leur rejet du réalisme académique. Le peintre expose également au Salon de la Rose-Croix, mouvement d’avant-garde rassemblant des œuvres empreintes de mysticisme. Il côtoie le poète Stéphane Mallarmé.

En 1892, Alphonse Osbert présente au Salon de la Société nationale des Beaux-Arts son tableau Vision. Sainte Geneviève se situe dans un pré. À ses pieds se tient un mouton. La jeune bergère semble plongée dans un état de méditation, le regard tourné vers le ciel. La gamme de bleus utilisée est l’une des composantes marquantes du style pictural du peintre.