À Nice, à partir de 1942, Nicolas de Staël développe un style personnel abstrait. De retour à Paris, il présente ses peintures à la galerie Jeanne Bucher en 1944. Il s’agit de sa première exposition parisienne, et elle suscite l’enthousiasme des collectionneurs. Le peintre expose donc de nouveau chez Jeanne Bucher en 1945, et entre à la galerie Louis Carré en 1946. Ses toiles sont alors marquées par une abstraction intense, constituée de formes s’enchevêtrées qui émergent de l’obscurité. Nicolas de Staël réalise également des dessins à l’encre de Chine, couvrant la surface de la feuille en ne laissant que quelques espaces blancs en réserve, pour créer de la luminosité.

Les œuvres telles que La vie dure (1946) témoignent d’une certaine tristesse et de la dureté des conditions de vie dans l’immédiate après-guerre. Le peintre vit alors dans un grand dénuement, ne dispose pas d’un véritable atelier, et souffre de la mort de Jeannine Guillou, sa compagne (en 1946). En 1947, Nicolas de Staël s’installe dans un atelier dans le 14ème arrondissement de Paris, où il fréquente beaucoup Georges Braque. La même année, il rencontre le marchand Théodore Schempp, qui lui ouvre le marché américain.  

Artiste fédérateur et engagé, Ivan Kramskoï dirige la Révolte des Quatorze au sein de l’Académie en 1863. Les élèves révoltés, qui demandent le droit de choisir leur sujet au concours de l’Académie, sont expulsés. Ensemble, ils fondent alors l’Artel des artistes, un groupe guidé par l’idée que l’Art doit être un instrument du progrès.
Les toiles d’Ivan Kramskoï traduisent encore l’influence de ses maîtres, notamment celle de Karl Bryullov dans ses paysages conventionnels d’inspiration romantique. Il élabore à cette période le type figuratif de l’homme russe, faisant du modèle un symbole de son rôle social.

Karl Brioullov rentre en Russie en 1835 en parcourant la Grèce, la Turquie et l’Asie centrale. Il est accueilli comme peintre de cour, et obtient dès l’année suivant un poste d’enseignant à l’Académie des Beaux-arts de Saint-Pétersbourg. Dans ses œuvres, il mêle la simplicité du style néoclassique et l’expressivité du romantisme, prolongeant ses expériences italiennes. Il continue son activité de portraitiste, réalisant une série de petits portraits qui traduisent la profondeur psychologique de ses modèles. 

Karl Brioullov se tourne par ailleurs vers la peinture d’église. De 1843 à 1847, il se consacre à la peinture de l’Ascension du Christ, sur la coupole de la cathédrale Saint-Isaac de Saint-Pétersbourg. Cette coupole, qui mesure 800m2, constitue un projet majeur dans la carrière de l’artiste. La santé de Karl Brioullov s’amenuise cependant au cours de la réalisation, et il quitte finalement la Russie en 1849 pour se soigner à l’étranger. Il laisse beaucoup d’œuvres inachevées, et ne revient jamais dans son pays. 

Après un séjour à Madère en 1849, Karl Brioullov retourne en Italie, où il meurt deux ans plus tard.  

Dès 1905, Isaak Brodsky s’engage comme soutien de la révolution. De 1905 à 1907, il se fait connaitre comme caricaturiste politique, avec des œuvres telles que Funérailles rouges, dénonçant la répression armée de la manifestation pacifique de Saint-Pétersbourg du 9 janvier 1905. Ses caricatures lui valent d’être menacé d’exclusion de l’Académie des arts, et d’être privé du droit de vivre hors de la zone de résidence réservée à la communauté juive.

Isaak Brodsky achève cependant sa formation à l’Académie, et reçoit même la médaille d’or et une bourse de l’Académie pour étudier à l’étranger. De 1909 à 1911, le peintre parcourt l’Allemagne, la France, l’Italie et l’Espagne. C’est au cours de ce voyage qu’il se rapproche de Maxime Gorki. 

Les portraits et paysages réalisés par Isaak Brodsky à cette période sont marqués par sa formation académique. Ses toiles adoptent également une dimension onirique comparable à l’Art nouveau, perceptible dans des œuvres telles que l’Autoportrait d’Isaak Brodsky avec sa fille (1911).  

Isaak Brodsky acquiert progressivement une notoriété à l’étranger. En 1913, le tableau Hiver en province qu’il présente à l’exposition internationale de Munich reçoit même la médaille d’or de l’exposition.

Ivan Aïvazovski navigue pour la première fois sur les bateaux de guerre de la flotte de la Baltique en 1836. 

Les toiles du jeune peintre sont particulièrement appréciées pour son chromatisme raffiné, et la fraicheur transparente de l’air qu’il parvient à traduire, comme dans Côte maritime (1840).

La médaille d’or et la bourse qu’il reçoit de l’Académie pour son tableau Près du phare permettent au peintre de partir étudier à l’étranger en 1837. À la demande de l’Académie, Ivan Aïvazovski commence ce séjour par deux ans en Crimée pour réaliser des paysages marins.

Grâce à sa bourse, il se rend à Berlin, Dresde, Vienne, Trieste, et finalement Venise en 1840. L’artiste tisse un large cercle de relations en Italie, parmi lesquels compte l’écrivain Nikolaï Gogol. Après Venise, Ivan Aïvazovski vit à Naples, Rome, Sorrente, Amalfi entre 1841 et 1843. Il réalise pendant ce séjour cinquante toiles marines qui ont un grand succès. On remarque la fraicheur de ses effets atmosphériques et la dimension émotionnelle de ses toiles, qui le rapprochent du romantisme naissant. 

Une fois sa formation achevée, Ivan Aïvazovski se rend dans les différentes capitales européennes pour faire connaitre son art, et se faire élire dans différentes Académies. 

Les œuvres de maturité de Boris Koustodiev relèvent à la fois de la peinture de genre et du portrait. De 1904 à 1910, il réalise une série de toiles lyriques sur la thématique de l’enfance, telles que Le Matin (1904), ou encore Fillette avec un chien (19106).

En 1905-1907, Boris Koustodiev affirme son intérêt pour les arts graphiques. Il se révèle comme artiste satyrique, en dessinant des caricatures publiées dans les revues révolutionnaires Éventail (Joupel) et Poste infernale (Adskaïa Potchta). En 1905, il débute également son activité d’illustrateur, genre qu’il continue à pratiquer tout au long de sa carrière. A travers ses créations, Boris Koustodiev manifeste un intérêt toujours plus marqué pour la représentation du peuple.
En 1908, Boris Koustodiev se passionne pour la sculpture, qu’il considère comme la technique la plus adaptée pour réaliser des portraits, et délaisse temporairement la peinture. Il sculpte alors des portraits d’acteurs, peintres et écrivains, tels que A. Remizov, I. Yerchov ou M. Doboujinski. S’il retourne rapidement à la peinture, Boris Koustodiev conserve de cette période un traitement nouveau des volumes dans ses toiles.
Sous l’influence du cercle du Monde de l’art, selon lequel toutes les formes et genres artistiques de l’art sont à égalité, Boris Koustodiev multiplie les expériences picturales. Il ne se limite plus à la peinture à l’huile, mais pratique également la détrempe, la gouache, les pastels, les crayons de couleurs et les techniques mixtes.

Ses voyages en Autriche, en Allemagne, en Italie et en France en 1909 lui permettent de renouveler ses modèles. Le peintre puise alors inspiration dans l’œuvre des maitres anciens et dans celle des modernes tels que Vincent Van Gogh pour accroitre la monumentalité de ses représentations.
Artiste reconnu, Boris Koustodiev est élu à l’Académie impériale des Beaux-Arts de Saint-Pétersbourg en 1909, et le musée des Offices lui commande son autoportrait en 1912. Il est alors le représentant principal de l’art russe du début du XXème siècle.

Lorsqu’éclate la Révolution russe, Boris Grigoriev se trouve en Russie. Il demeure un an à Moscou, avant de fuir à Berlin en passant par la Finlande en 1918. En 1917-1918, Boris Grigoriev devient professeur à l’Institut Stroganov. En réponse aux bouleversements politiques et sociaux, il réalise une série de peintures et dessins qui traduisent dans un style cubiste ses recherches sur les fondements de la condition humaine. Sa série de tableaux, dessins et textes intitulée Rasseïa (Russie des instincts), est une création empreinte de mélancolie, qui cherchent à transmettre l’essence de l’humanité. Dès 1918, Boris Grigoriev s’exile cependant à Berlin, où il continue à pratiquer son art. Son style se transforme sous l’effet d’influences nouvelles, et il fait la synthèse entre le cubisme et l’expressionnisme. Son dessin se sophistique progressivement, et il traduit par ses œuvres une vision originale de l’humanité.