Jean Dunand continue de travailler le laque. Il est élu au jury du prix américain Blumentahl qui récompense les artistes français de la période. Dunand expose à New-York mais il se remet aussi à exposer en France aux salons habituels (artistes décorateurs, salon d’automne). Le style de Dunand se modernise, grâce à la géométrisation des formes qu’il opère. Dunand est chevalier de la Légion d’Honneur en 1919. En 1921, au Salon des Artistes Décorateurs, Jean Dunand peut enfin exposer l’oeuvre dont il rêve depuis plusieurs années, lui qui n’arrivait pas à intégrer totalement le laque à ses créations : un long panneau entièrement laqué, commandé par le peintre Henry de Waroquier, que Dunand a réalisé sur dessin de ce dernier (motifs de barques de pêcheurs et fond montagneux). En 1921, une exposition à la galerie Georges Petit fait date : Dunand y a réuni ses amis Paul Jouve, Jean Goulden et François-Louis Schmied, ami d’enfance de Dunand. Ces artistes sont les tenants les plus brillants du luxe Art Déco, et leur succès est fulgurant, à tel point qu’ils recommencent plusieurs années de suite à exposer ensemble. 

Antonin Mercié réalise de nombreuses œuvres sur les thèmes patriotiques qui deviennent, très vite, son domaine de prédilection. Le sculpteur représente des épisodes historiques de l’histoire française en s’inspirant de représentations d’ordre mythologique. Lorsqu’il représente David,  une de ses œuvres les plus connue, le sculpteur  fait preuve d’une minutie sans pareil dans les détails du visage du héros de la Bible.  Son bronze s’inspire du fameux David de Donatello. L’artiste réalise de nombreux bustes, des statuts et même des médaillons qui lui valent une médaille d’honneur à l’Exposition universelle de 1878. Il finit par enseigner le dessin et la sculpture à l’école  des Beaux-Arts où il forme de nombreux artistes du XXe siècle comme le célèbre Constantin Brancusi. 

Antonin Mercié se lance dans la peinture à partir de 1880, et reçoit une médaille au salon de 1883 avec une Vénus rousse sur le modèle de celle de Botticelli. Le sculpteur s’inscrit dans la catégorie des peintres de l’École toulousaine dont Alexandre Falguière en est le chef de file. L’artiste est reconnu pour ses décorations architecturales, telle que Le Génie des arts, et pour avoir ornée plusieurs monuments de France. Antonin Mercié maîtrise, par un exercice minutieux, la forme et le rendu d’un drapé presque réaliste. Il utilise un bronze patiné pour réaliser son David et sculpte sur la base circulaire des motifs orientaux avec une précision impressionnante. Le sculpteur s’empare ensuite d’une action et il suppose un mouvement de retrait de l’épée de David ou bien son rangement dans le fourreau. La scène est à mi-temps entre le début et la fin de l’action rendant la sculpture dynamique malgré la symbolique de la scène représentée.

Julio González s’installe avec sa famille à Montmartre, et partage jusqu’en 1904 l’atelier de Pablo Gargallo. Quelques mois plus tard, Pablo Picasso arrive à son tour à Montmartre, ainsi que Manolo, Torres-Garcia et d’autres jeunes peintres et sculpteurs espagnols qui viennent se nourrir du travail des avant-gardes, de Rodin à Cézanne, en passant par Gauguin et les Nabis. En 1901 il se lie avec Max Jacob, puis voyage avec Picasso, devenu son cher ami, avec lequel il se brouille pourtant en 1904 suite à la disparition de dessins de Joan González. 

En 1905, Julio González prend un atelier dans le 15e arrondissement. Les frères s’implantent durablement dans le panorama parisien et fréquentent le Bateau-Lavoir et les espagnols de Paris, mais Joan, malade, rentre de plus en plus souvent à Barcelone. Dès 1907, Julio González expose au Salon des Indépendants. L’année suivante, son frère Joan meurt. C’est un choc pour le peintre et sculpteur, qui cesse de travailler quelques mois. Il voit de temps en temps son ami Constantin Brancusi, unique relation de cette phase de sa vie. Finalement González se remet à la création avec le basque Paco Durrio, réalisant sculptures et objets d’arts sur commande, et la vie reprend le dessus.

Dans la lignée des avant-gardes historiques, le Formisme s’oppose aux préceptes classiques de l’art et se positionne à l’encontre des groupes qui le précèdent. En Pologne, la scène artistique est largement dominée par l’Académisme et l’Impressionnisme ainsi que le principe du mimétisme, suivant lequel l’art se doit d’imiter la nature. 

Théoricien principal du groupe, Léon Chwitesk considère le Formisme comme un style nouveau fondé sur le réalisme et le Beau ainsi que sur les expériences expressionnistes, futuristes et cubistes.  La révolte des artistes formistes se manifeste à travers la quête de la forme pure, définie comme l’essence de l’art. Dans un article de 1922, Auguste Zamoyski précise ses positions en affirmant l’acte de sculpter comme le résultat du « besoin de la forme » et la forme pure comme « ce qui surgit du pur besoin de façonner ». 

Les idéaux d’Auguste Zamoyski se manifestent dans ses premières sculptures. Créées entre 1917 et 1925, l’artiste façonne les motifs de ses bronzes à travers des lignes sinueuses, entre la figuration et l’abstraction, qui rappellent les oeuvres de prédécesseur Brancusi. En bronze, en marbre ou en bois, les sculptures Ice dwoje (Entre deux) ou Portrait de Louis Marcoussis sont caractéristiques de la première période d’Auguste Zamoyski. 

D’abord influencé par la sculpture de Rodin, Alexander Archipenko s’empare ensuite de la grammaire cubiste. En 1909, il réalise Torse, sa première sculpture aux lignes anguleuses et aux volumes à tendance géométrique. Il s’inspire à ce moment des sculptures de Käthe Kollwitz et d’Ernst Barlach. 

Au cours des années 1910, Alexander Archipenko expérimente et crée peu à peu son propre style, dit post-cubiste. D’un côté, l’artiste façonne de nouveaux enjeux plastiques liés à la relation entre les vides et les pleins, à partir de volumes pleins et de volumes en creux, proche de son contemporain Brancusi. Le bronze Woman Combing her Hair de 1915 est une bonne illustration de cette esthétique. 

De l’autre, Alexander Archipenko réalise des sculptures peintes, mettant en relation la peinture et la sculpture, et ouvre la sculpture à une diversité de matériaux (verre, fil de fer, métal…). La série des Medrano (1912), sortes de pantins désarticulés, résulte de ces expérimentations. Archipenko déploie une sculpture de facture constructiviste, qu’il ne cessera de développer par la suite. 

Dans les années 1920 et 1930, Alexander Archipenko emprunte deux voies différentes : une sorte de retour à la tradition où la forme lisse domine (Femme, 1920) et un style constructiviste combinant la peinture et la sculpture (Archipeintures, 1924-1928). Dans les années 1940, 1950 et 1960, Archipenko reviendra à ses débuts post-cubistes à travers une exploration de matériaux nouveaux tels que le plastique. 

Au début des années 1930, John Graham, émigré russe, le présente à Arschile Gorky, mais aussi aux grands peintres de l’avant-garde américaine comme Willem de Kooning, Edgar Levy, Stuart Davis, Jean Xceron ou Jackson Pollock. Mais David Smith découvre surtout, grâce à John Graham vers 1931-32, la technique de la soudure élaborée et utilisée par Julio González et son célèbre ami, Pablo Picasso, lors de leurs collaborations. David Smith lui-même ayant été formé à l’art de la soudure lors de son passage dans l’industrie automobile, il comprend le rôle qu’est destiné à jouer cette nouvelle approche de la sculpture, et il tente de délaisser la peinture ; pourtant, souvent encore, il accroche des objets en bois, en corail et en métal sur les toiles, comme s’il tentait de concilier sa vocation de sculpteur avec sa formation de peintre. Puis Smith se libère pour se tourner définitivement vers la sculpture. De sa carrière de peintre, il ne gardera qu’un goût forcené pour le dessin, préparant souvent ses réalisations en trois dimensions. Ses premières sculptures en métal soudé datent de 1933, et forment une série de têtes composées à partir d’éléments hétéroclites soudés entre eux, une esthétique que pratique Picasso à cette période. En 1934, il s’installe à Brooklyn dans un hangar, le « Terminal Iron Works ». Ce grand espace permet à David Smith de manier ses outils de soudure sans risque, à l’instar de Julio González, qu’il appelle « le maître du chalumeau ». 

Entre 1905 et 1911, Henri Laurens travaille en solitaire à l’élaboration d’une sculpture nouvelle, inspirée par le cubisme synthétique. En 1911 il rencontre Georges Braque, père du cubisme avec Picasso ; pourtant, il n’entre pas encore de plein-pied dans le mouvement. Il suit sa propre voix, même si désormais, il n’est plus isolé. De cette période on trouve une oeuvre sculptée, le portrait de Marthe Gireud, daté de 1912. Vraisemblablement, à cette époque il se serait aussi essayé aux dessins cubistes aux tons colorés, faisant sans doute penser à certains des interprètes du cubisme que l’on trouve alors au coeur de la Section d’Or de Jacques Villon, comme Picabia ou Léger. 

1913 marque son entrée dans le champ de l’avant-garde parisienne : pour la première fois, il expose au Salon des Indépendants. 

En 1914, Laurens ne rend pas part au conflit, car il est amputé d’une jambe. L’année suivante, Picasso, qui apprécie son travail, vient le voir avec Léonce Rosenberg, directeur de la galerie L’Effort Moderne. Rosenberg lui achète des sculptures et le soutient. L’influence de Pablo Picasso pousse le jeune Henri Laurens vers le cubisme, et ses premières oeuvres cubistes datent de cette période. Il rencontre à ce moment-là Modigliani, mais aussi Juan Gris avec lequel il se lie d’amitié.