Maximilian Pirner commence dans le domaine de l’art par une formation à l’Académie des Beaux-Arts de Prague de 1872 à 1874. L’artiste décide ensuite de suivre une seconde formation à l’Académie des beaux-arts de Vienne de 1875 à 1879. Sa reconnaissance prend du temps mais l’artiste persévère en perfectionnant sa formation. À Vienne, il fait la rencontre d’un peintre nommé  Josef Matyáš Trenkwald (1824-1897), devenu directeur des Beaux-Arts de Vienne, qui le recommande au poste de professeur à l’Académie de Prague.

 Au XIXe siècle, l’Empire Russe connaît un renouveau dans de nombreux domaines artistiques dû à une atmosphère agitée dû aux conflits politiques. Maximilian Pirner participe alors à l’exploitation des nouvelles tendances émergentes et se développe au sein de l’Art Nouveau. Il est presque aussitôt influencé par le souffle de la modernité et son œuvre lui vaut une reconnaissance importante de son vivant.

Maximilian Pirner est aussi membre de la Sécession viennoise, un courant artistique qui s’est épanoui en Autriche puis jusqu’à Vienne entre 1898 et 1910. Grâce à ça l’artiste peut participer à de nombreuses expositions et manifestations avec comme point d’ancrage Vienne, mais aussi Prague Budapest et d’autres villes de l’empire austro-hongrois. Les membres s’alignent sur une pensée qui tend à s’éloigner du conformisme, à instaurer un contact avec les artistes étrangers, de lutter contre l’élan nationaliste des pays européens et particulièrement de renouveler les arts appliqués afin de créer un art total.

Maximilian Pirner est parmi les membres fondateurs du Cercle artistique Mánes fondé en 1887 dont l’objectif est d’organiser des conférences et des débats sur l’art moderne, autant national qu’international. Le peintre y était actif et participe à de nombreuses manifestations. De plus, il laisse derrière lui de nombreux tableaux ainsi que des esquisses pour des vitraux. Pirner meurt le 2 avril 1924 à Prague et demeure comme l’un des précurseurs de l’esthétique austro-hongrois de la fin du XIXe siècle.

La cote de Marc Chagall repose sur un marché international particulièrement actif. Ses œuvres intéressent aussi bien les grands collectionneurs d’art moderne que les amateurs séduits par son univers coloré et poétique.

Les peintures réalisées entre les années 1910 et 1940 comptent parmi les plus recherchées. Les tableaux consacrés à Bella, sa première épouse et muse, occupent une place importante dans son marché. Les vues de Vitebsk, les mariés, les musiciens, les animaux et les scènes bibliques rencontrent également une forte demande.

Le sujet ne suffit toutefois pas à déterminer la valeur. La date, le format, la qualité de la composition, l’intensité des couleurs, la provenance et la présence d’un certificat jouent un rôle déterminant.

Issu d’une famille d’artistes et d’artisans, son père Joseph Cogniet, artiste dessinateur de papier peint, et sa mère Marguerite Métuel, fille d’artisans aisés, Léon Cogniet s’intéresse très vite aux domaines artistiques. Dès l’année 1812, Léon Cogniet entre à l’école des Beaux-Arts de Paris et devient l’élève de Pierre Narcisse Guérin (1774-1833) avec qui il se lie d’amitié.

Cogniet reçoit  l’enseignement de Guérin  et rencontre dans son atelier, Théodore Géricault (1791-1824), Jean Alaux (1786-1864) et Harry Scheffer (1794-1858). Entouré d’artistes de renommée, le jeune peintre débute sa carrière avec des aptitudes certifiées et un regard engagé sur la société environnante. En effet, après le conflit franco-britannique le pays ainsi que sa stabilité ont été bouleversés. Cogniet y trouvera l’une de ses plus grandes sources d’inspiration.

En 1815, Léon Cogniet reçoit le prix du Torse, créant ainsi un engouement autour de l’artiste qui finit par lui ouvrir les portes du concours pour le Prix de Rome.  Le peintre s’y présente alors et réalise pour cette opportunité, la toile intitulée Briséis pleurant Patrocle et reçoit le deuxième prix. Avec persévérance, il retente le concours l’année suivante et peint Œnone refusant de secourir Paris blessé. Malheureusement l’artiste essuie un nouvel échec, mais celui-ci retente en 1817  en y présentant son Hélène délivré par Castor et Pollux qui lui vaut, cette fois, le premier prix de Rome.

De 1817 à 1822, Cogniet est pensionnaire de l’Académie de France à Rome et participe de plus en plus au salon. Ses toiles aux thèmes historiques concordent avec le mouvement artistique en vogue à cette époque. Avant de partir en Italie, l’artiste confirme son talent de portraitiste en réalisant les portraits de son père, de sa mère et de sa sœur ainsi que son autoportrait. L’Italie et ses paysages aux couleurs chaudes amènent l’artiste à la pratique de la peinture de paysage. 

Installé en Italie, Léon Cogniet réalise une copie d’après un marbre antique afin de l’envoyer à Paris.  L’artiste introduit ce marbre dans sa composition et peint un grand tableau d’histoire intitulé Marius sur les ruines de Carthage. La toile est présentée au Salon de 1824 aux côtés d’une de ses réalisations nommée Scène de massacre des innocents. Ses travaux obtiennent un franc succès puisque la première est vendue au roi Charles X et la deuxième au banquier Lafitte.

Sa renommée étant certifiée Léon Cogniet devient de plus en plus proche des mouvements naissants comme le romantisme. Il présente au Salon de 1827 Une femme des pays des esquimaux ou encore en 1828 L’enlèvement de Rebecca inspiré de la littérature de Walter Scott.

Son passage en Italie lui a permis de découvrir la peinture de paysage et Cogniet y trouve un certain intérêt. En 1827, il commence une série de peintures sur la vie de Saint-Étienne pour l’église de Saint-Nicolas-des-Champs à Paris. Le peintre représente des scènes religieuses aux atmosphères et aux arrière-plans minutieusement travaillés.

À partir de 1836, la famille de Jules Lefebvre s’installe à Amiens où son père exerce la profession de boulanger. L’artiste fréquente d’abord l’école communale de dessin sous l’enseignement de son professeur Joseph Fusillier. Le professeur remarque alors le talent du jeune Lefebvre et le convainc de s’inscrire à l’école des Beaux-Arts de Paris. Après avoir passé un concours avec brio, le peintre entre à l’école des Beaux-Arts en 1852 dans l’atelier du fameux Léon Cogniet (1794-1880). C’est grâce à la ville d’Amiens que Lefebvre peut bénéficier de cet enseignement puisqu’il reçoit une bourse de la ville afin de se concentrer entièrement à la peinture.

 En 1861, Jules Lefebvre participe au grand prix de Rome avec une peinture intitulée La mort de Priam et gagne le Grand Prix. Cet honneur accru à sa reconnaissance faisant de lui l’une des figures majeures de l’art académique français. Dès lors, l’artiste participe entre 1855 et 1898 au salon parisien où il expose environ soixante-douze portraits. En 1891, Lefebvre devient l’un des membres de l’Académie des Beaux-Arts où il se crée un réseau d’influence.

Jules Lefebvre enseigne aussi à la célèbre académie Jullian et est réputé comme étant un professeur sympathique, avec sous tutelle, des peintres de nombreuses nationalités. Il enseigne aux peintres américains tels que Childe Hassam (1859-1935), Frank Weston Benson (1862-1951),  Edmund Charles Tarbell (1862-1938) et John Noble Barlow (1861-1917).Aussi les peintres français tels que Georges Rochegrosse (1859-1938), Henri-Lucien Doucet (1856-1895), Camille Bourget (1866-1931), le sculpteur français Paul Landowski (1875-1961) et le portraitiste Gustave Brisgand (1867-1944). Son atelier se trouvait au numéro cinq de la rue La Bruyère à Paris.

Grâce à son talent pour les portraits, Jules Lefebvre affirme une connaissance de la physionomie et de l’anatomie qu’il exerce dans toutes ses réalisations. Son œuvre la plus célèbre est sans doute La Vérité,  ou le peintre représente une femme nue, aux courbes soulignant sa grâce, sortant d’un puits un miroir à bout de bras. Le clair-obscur ajoute au corps féminin une allure presque divine. Le peintre réalise également, dans un autre registre, les plafonds de l’hôtel de Vanderbilt à New York, le plafond de la cour de cassation ainsi que celui des Lettres à l’hôtel de ville de Paris.

Jules Lefebvre meurt après un long combat contre une maladie le 24 février 1912 dans son hôtel de la rue La Bruyère à Paris. Ce jour-là, les articles de presse parus à cette occasion reflètent un avis mitigé  entre le respect dû à cet artiste reconnu et une franche critique envers un artiste trop classique, presque passé de mode pour l’époque.

Séraphine de Senlis est issue d’une famille modeste de quatre enfants. Orpheline à sept ans, Séraphine devient domestique de 1881 à 1901 au couvent de la charité de la Providence à Clermont-de-l’Oise. L’empreinte religieuse qu’elle tire de cette expérience marque son œuvre durant toute sa carrière. À partir de 1906, la peintre est installée à Senlis où elle loge au 1 rue du Puits-Tiphaine et travaille pour des familles bourgeoises. En 1912, sa rencontre avec le marchand Wilhelm Uhde (1874-1947), qui la confond avec une femme de ménage, ouvre de nombreuses opportunités pour Séraphine de Senlis.

En 1907, après un élan de créativité, Séraphine de Senlis présente six toiles à l’exposition de la Société des Amis des Arts à l’hôtel de ville de Senlis. Wilhelm Uhde visite l’exposition est directement frappé par ses œuvres et décide de la soutenir. L’artiste se fait remarquer et en 1928 le musée de Cassel en Allemagne acquiert un de ses tableaux. En 1929, le marchand Wilhelm Uhde est touché par la crise et cesse d’aider Séraphine de Senlis qui entreprend alors de grandes dépenses.

Le 31 janvier 1932, après une crise de folie, Séraphine de Senlis est internée dans l’hôpital psychiatrique de Clermont de l’Oise. L’artiste arrête de peindre et se met à écrire de nombreuses lettres sur sa souffrance et se plaint d’être persécutée. Pour autant, ces œuvres sont exposées par Uhde en 1932 à l’exposition les primitifs modernes et à l’exposition Les Maîtres populaires de la réalité, réalisées à Paris. Ses œuvres sont aussi envoyées à Zurich et à New York en 1942.

Né à Mallemort en 1803, dans les Bouches-du-Rhône, Camille Roqueplan s’intéresse tôt à la peinture sans pour autant commencer un apprentissage. C’est à vingt ans, encouragé par son père, qu’il entre à l’atelier de maître Maillard. Il y étudie l’art du paysage avant de devenir l’élève du peintre néoclassique Abel de Pujol, puis de l’artiste Antoine-Jean Gros. Interrompant son apprentissage, Camille Roqueplan tente sans succès le concours du prix de Rome. En 1822, il expose pour la première fois au Salon des artistes français. Il y remportera plusieurs médailles, dont la médaille d’or en 1822 pour ses tableaux Paysan au coucher du soleil et Roulier dans une écurie. Par la suite, il obtient la médaille de première classe en 1828 et la croix d’officier de la Légion d’honneur en 1852. 

À cette époque, Camille Roqueplan est reconnu et estimé dans le monde de l’art. Dans les années 1830, il tient son atelier. Adolphe Menut, Gabriel-Gervais Chardin ou encore Charles Fortin figurent parmi ses élèves.
En 1841, le peintre reçoit une commande importante. Il est chargé de la décoration de la Bibliothèque de la Chambre des pairs au Sénat, en collaboration avec Eugène Delacroix et Léon Riesener. 

Camille Roqueplan décède de la tuberculose en 1855, à Paris. Le romancier et critique d’art Théophile Gautier fait alors l’éloge du maître. Ce texte est reproduit dans son ouvrage Histoire du romantisme, paru en 1874.