À la fin de la guerre, les communes endeuillées veulent ériger des monuments en l’honneur des soldats. Ayant lui-même combattu dans les tranchées, le jeune sculpteur est particulièrement touché par ce sujet. Il réalise un Poilu. L’homme, d’une hauteur de deux mètres cinquante, se dresse sur son piédestal, vêtu de son uniforme et casque à la main, s’appuie sur une canne où s’accroche un serpent. La statue en plâtre est présentée en 1920 au Salon d’Automne. Monumentale, elle s’impose par son réalisme et sa sincérité, loin de l’image héroïque du sauveur. Elle se caractérise également par sa forme épurée. Joachim Costa se voit confier la réalisation des monuments de La Rochelle et de sa ville de Pézenas.

Joachim Costa rejoint La Douce France, mené par l’homme de lettres Emmanuel de Thubert. Ce collectif rassemble des artistes tels André Abbal, Ossip Zadkine ou encore Paul Dardé. Tous défendent la technique de la taille directe, sans utiliser le modelage au préalable. En 1921, Joachim Costa écrit l’ouvrage Modeleur et tailleur de pierre, nos traditions, qui traite de ce sujet. Le sculpteur se réfère aux bâtisseurs de cathédrales pour expliquer son positionnement. Une exposition du groupe a lieu en 1922 à la galerie Barbazangues. Cinq autres suivront, à l’initiative d’Emmanuel de Thubert.
En 1925, la Pergola de la Douce France est édifiée pour l’Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes. Cette sculpture, constituée de quatre blocs sculptés, est créée collectivement par le groupe et illustre les légendes celtiques. Joachim Costa y représente Tristan et Iseult, la fée Koridwen et le nain Guyon. L’œuvre de Joachim Costa remporte le grand prix de sculpture.  

Joachim Costa expose régulièrement aux salons parisiens. S’écartant de ses principes, il réalise également des statues en bronze et en céramique, comme ses sculptures d’animaux. Répondant à des commandes, il élabore des œuvres monumentales telle la statue Diane pour le jardin public de Montluçon. Il sculpte le monument à Joseph Anglade pour la ville de Lézignan-Corbières ou encore La Comédie pour la façade du théâtre de Saint-Brieuc. Cependant, sa carrière est freinée par la Seconde Guerre mondiale. Le sculpteur demeure un artiste représentatif de l’entre-deux-guerres.
Joachim Costa décède à Narbonne, en 1971.

Lors de la Première Guerre mondiale, Albéric Collins se réfugie chez sa sœur en Angleterre. Il regagne ensuite les Pays-Bas. En 1920, l’artiste expose à nouveau ses œuvres en Belgique et en France. Dès cette année, il remporte la médaille d’or avec sa sculpture La Force dans la compétition artistique aux Jeux olympiques d’été d’Anvers. 

En 1921, Albéric Collin reçoit une médaille d’or au Salon des indépendants de Paris. L’année suivante, une médaille en bronze lui est attribuée au Salon des artistes français où il présente un Dromadaire. En 1930, à l’Exposition universelle d’Anvers, le sculpteur expose douze éléphants de taille monumentale au Palais du Congo. Puis, cinq ans plus tard, il exhibe son imposant Éléphant monté par des Noirs à l’Exposition universelle de Bruxelles. Cette sculpture monumentale en béton armé illustre la vision coloniale de la Belgique sur l’Afrique à cette époque.

Après la révolution de 1848, Albert-Ernest Carrier-Belleuse reçoit sa première commande. Il réalise en plâtre doré Mademoiselle Rachel chantant la Marseillaise à la demande de son cousin, l’homme politique François Arago. De 1851 à 1855, Albert-Ernest Carrier-Belleuse est employé à la manufacture de porcelaine et de céramique de Mintons, en Angleterre. Il se marie à l’aquarelliste Anne-Louis Adnot, avec qui il aura huit enfants. De retour en France, Albert-Ernest Carrier-Belleuse expose régulièrement au Salon. Sa Bacchante, réalisée en marbre et présentée en 1863, suscite l’admiration. Louée pour sa sensualité, elle est achetée par Napoléon III. Quatre ans plus tard, son œuvre Le Messie lui fait gagner une médaille d’honneur. Cette sculpture représente la vierge Marie, tête inclinée, brandissant l’Enfant Jésus. Albert-Ernest Carrier-Belleuse travaille vite et possède une imagination fertile. Sa production s’accélère. Il réalise des marbres imposants comme Hébé endormie, dont la dimension excède légèrement deux mètres de hauteur, La Source ou encore Harmonie.

En 1921, financé par une bourse d’État, Victor Brecheret s’envole pour Paris. Il y rencontre les sculpteurs Henry Moore, Antoine Bourdelle, Constantin Brancusi et Aristide Maillol. Il expose régulièrement ses sculptures jusqu’en 1929 dans les salons parisiens tels que le Salon d’Automne, le Salon des artistes français ou encore le Salon des indépendants. Sa Dançarina (La Danseuse), présentée en 1925 au Salon d’Automne, suscite l’admiration. Ses volumes harmonieux et ses lignes pures et élégantes sont mis en valeur par la matière polie, tout en marbre.  

En son absence du Brésil se tient en février 1922 la Semaine d’art moderne de São Paulo. Le Groupe des modernistes y présente son manifeste. Douze sculptures de Victor Brecheret sont exposées parmi lesquelles Soror Dolorosa, La Victoire et Idole. La renommée de l’artiste se confirme au Brésil comme en France. Ses voyages entre les deux pays se prolongent jusqu’en 1936, année où le sculpteur s’installe définitivement à São Paulo. Durant ses séjours en France, le sculpteur a reçu médailles et récompenses dont la Légion d’honneur en 1934.

En 1913, Constantin Brancusi participe à l’Armory Show, un événement new-yorkais des plus réputés. Dès lors, la présentation de ses œuvres dans les salons s’enchaine. De l’Allied Artists à Londres ou à l’Internationale Kunstausstellung à Munich à des expositions personnelles à New York, puis à la Biennale de Venise en 1924, les sculptures de Constantin Brancusi sont reconnues et estimées internationalement. 

Constantin Brancusi se lie d’amitié avec Fernand Léger, Amadeo Modigliani, le Douanier Rousseau, Marcel Duchamp ou encore Man Ray qui le conseille sur le développement photographique. 

Parmi les œuvres les plus célèbres de Constantin Brancusi figurent les variations du Baiser, de Mademoiselle Pogany (très remarquée en son temps à l’Armory Show), de La Muse endormie, la Colonne sans fin, de L’Oiseau dans l’espace ou encore du Grand Coq.

Constantin Brancusi travaille directement dans la matière, à la main. Inspiré par l’art traditionnel de la sculpture sur bois, il taille la pierre. Par cette approche, le sculpteur crée les formes à partir d’un bloc, qu’il soit en marbre, en pierre ou en bois. Il définit ainsi des formes pures, éliminant le superflu pour n’en garder que l’essentiel. Les sculptures de Constantin Brancusi tendent vers l’abstraction, tout en restant figuratives. Elles sont produites à de nombreuses reprises afin d’accentuer leur simplification à mesure, et ce dans des matériaux différents. Leur surface est lisse et polie. Le socle, jusqu’alors servant uniquement à poser les statues, est supprimé ou au contraire pleinement intégré à l’œuvre.

Constantin Brancusi décède en 1957 à Paris, léguant à l’État français l’ensemble de son atelier.

En 1895, Antoine Bourdelle remporte sa première commande officielle d’envergure. En effet, la Société des anciens combattants de Montauban lance sur concours la réalisation d’un monument aux morts de la guerre de 1870. Le projet audacieux d’Antoine Bourdelle est accepté, suscitant cependant de vives controverses dues à l’expressivité des figures. 

La première exposition personnelle d’Antoine Bourdelle, en 1905, se tient à la galerie parisienne Hébrard. Peu à peu, le sculpteur prend son indépendance vis-à-vis d’Auguste Rodin, et il développe un style plus personnel et affranchi de ses influences. Il quitte l’atelier Rodin en 1908.
Parallèlement à sa pratique, Antoine Bourdelle enseigne à l’Académie de la Grande Chaumière. Parmi ses élèves figurent Alberto Giacometti, Germaine Richier ou Vieira da Silva. Ce goût de la transmission lui est apparu quelques années auparavant, lors de la création d’une école de sculpture avec Auguste Rodin et Jules Desbois. 

En 1910, c’est la gloire. Antoine Bourdelle expose au Salon de la Société nationale des Beaux-Arts sa statue Héraklès archer. Cette sculpture au thème mythologique représente le héros exécutant l’un de ses douze travaux. Sa force, son dynamisme et sa modernité séduisent. Déclinée sous des formes et des matériaux divers, cette statue est emblématique du travail d’Antoine Bourdelle.
Le sculpteur est nommé chevalier de la Légion d’honneur. Il sera Officier en 1919 puis Commandeur en 1924.

Ce succès lui vaut d’être désigné pour la décoration intérieure du théâtre des Champs-Élysées, à Paris. Antoine Bourdelle réalise les bas-reliefs de la façade et de l’atrium, prenant comme modèles la danseuse Isadora Duncan et sa seconde épouse Cléopâtre Sevastos. Il conçoit ses œuvres en harmonie avec l’architecture, il sculpte et peint. Il maîtrise parfaitement les techniques du moulage en bronze, sculpte le plâtre comme le marbre ou le bois et modèle la terre.

Les commandes publiques et privées suivent, dont certaines monumentales. Antoine Bourdelle réalise le bas-relief La Naissance d’Aphrodite pour l’Opéra de Marseille en 1923, La France pour l’Exposition des arts décoratifs en 1925 ou encore le Monument Mickiewicz en l’honneur du poète polonais en 1929. Parmi ses œuvres comptent également de nombreux bustes tels celui de Gustave Eiffel, installé au pied de la tour, de l’écrivain Léon Cladel ou celui d’Auguste Rodin.
Antoine Bourdelle décède en 1929, au Vésinet.

La reconnaissance de ses pairs comme des institutions publiques s’accroit au fur et à mesure des salons. Alfred Boucher réalise des bustes pour une clientèle privée. Au Salon de 1878, il dévoile sa sculpture Eve après la faute. Cette scène biblique, montrant une femme assise sur un tronc d’arbre qui entoure sa jambe repliée d’une main et tient une pomme dans l’autre, a gagné une médaille de deuxième classe. Cependant, c’est en 1881 avec La Piété filiale qu’Alfred Boucher remporte le prix du Salon.

Dès lors, les commandes d’État comme celles des particuliers se multiplient. Mais auparavant, l’artiste séjourne une nouvelle fois en Italie, de 1883 à 1884. Avant de partir, il présente son élève Camille Claudel à son ami Auguste Rodin, qui l’embauche alors comme praticienne. 

Alfred Boucher réalise en 1886 sa statue intitulée Au But. Cette œuvre, certainement la plus célèbre, représente trois coureurs en plein effort. Les corps penchés des sportifs nus décomposent le mouvement. Cette sculpture bâtie sur le thème de l’olympisme remporte une médaille au Salon, puis à l’Exposition universelle de 1889. Sa hauteur de deux mètres lui confère une présence des plus imposantes. Des réductions en bronze, en marbre ou en grès de ses œuvres sont éditées, contribuant ainsi à sa notoriété publique.  

Dès l’année 1920, Charles Artus commence à présenter ses œuvres dans les salons parisiens. En 1921, il expose une Oie endormie au Salon des artistes français. 

Le succès ne tarde pas. Charles Artus reçoit dans ce même salon une mention honorable en 1923, suivie d’une médaille de bronze en 1926. Cette année-là, il présente, entre autres, Coq au Salon d’Automne. La statuette en plâtre représente le gallinacé à fière allure. Elle est coulée en bronze l’année suivante, puis exposée à la Galerie Brandt en 1928. Le sculpteur façonne scrupuleusement l’animal en respectant son anatomie, tout en simplifiant les volumes. Le coq se tient tête et crête relevées, une patte devant l’autre, arrêté dans sa marche. 

Depuis 1922, l’artiste possède son atelier rue de Vaugirard. Sa notoriété s’accroit. Charles Artus reçoit des commandes d’état. Il expose au Salon des indépendants, au Salon des animaliers, à la Société nationale des Beaux-Arts ou encore au Salon des artistes décorateurs et dans les galeries Edgar Brandt, Charpentier et Bernheim jeune.

Comme le sculpteur François Pompon, Charles Artus confie la plupart de ses œuvres à la fonderie Valsuani. Les sculptures coulées en bronze, aux surfaces polies et à la patine parfaite, conviennent à l’artiste. Leur collaboration se poursuit durant de longues années et beaucoup de sculptures de Charles Artus en portent le cachet.