Estimation gratuite André Borderie

André Borderie

Home » artistes » Page 168

Estimation et cote de l'artiste André Borderie

André Borderie est un peintre, céramiste, sculpteur et cartonnier de tapisserie français. En 1939, il découvre un ouvrage illustré de Paul Klee qui réveille sa sensibilité artistique et influence alors ses premiers travaux par son graphisme et son humanisme.

Estimation gratuite André Borderie

Vous souhaitez  expertiser une œuvre d’André Borderie et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire. Faites estimer une œuvre d’André Borderie en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Les débuts artistiques d'André Borderie

Dès 1948, Borderie prend la décision de quitter les P.T.T. (Postes, Télégraphes et Téléphones) pour se consacrer exclusivement à son art. Il fonde alors un atelier d’artistes à Bures-sur-Yvette (91) avec les artistes Pierre et Véra Székely, où sont créés peintures sur céramiques et meubles, qu’ils signent en commun jusqu’en 1957. Dès lors, l’artiste se démarque avec des pièces qui contrastent avec les règles usuelles du métier, échappant à la perfection géométrique au profit de la poésie.

La réfléxion artistique d'André Borderie

En 1955, André Borderie adhère au collectif Espace, qui réunit architectes et artistes pour promouvoir la présence de l’art en milieu urbain, et réalise des fontaines, des bas-reliefs ou encore du mobilier urbain.

À la fin des années 1950, André Borderie se tourne vers la réalisation de cartons de tapisserie, participant à son renouveau. Son travail, jouant avec la lumière, est surtout marqué par un aspect lyrique et abstrait. En 1963, il reçoit le Grand Prix national de la tapisserie française pour sa tapisserie Rue de la Paix, dont le carton est immédiatement acquis par le Mobilier national.

André Borderie s’est longtemps montré plus discret sur sa peinture, dans laquelle il exprime sa spiritualité, ainsi que ses réflexions plus intimes sur la vie antérieure. Durant toute sa carrière, l’artiste invente des formes liées à la matérialité et la plasticité du support. Ses œuvres sont ainsi marquées par l’asymétrie et le dépouillement.

Estimation gratuite d'André Borderie

André Borderie meurt en 1998 à Senlis après une longue carrière. Aujourd’hui, son travail est reconnu et très bien représenté dans le monde du marché de l’art. Certaines de ses productions se vendent plusieurs milliers d’euros, à l’instar de la typologie des coupes des années 1960, dont le montant peut atteindre 28 000 euros.

En lien avec André Borderie

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.
Estimation gratuite Isamu kenmochi

Isamu Kenmochi

Home » artistes » Page 168

Estimation et cote de l'artiste Isamu Kenmochi

Né en 1912 et décédé en 1971, Isamu Kenmochi est un designer moderniste japonais, grand représentant du design industriel japonais. Il étudie à la Haute école des arts industriels de Tokyo avant de travailler à l’institut de recherche pour les arts industriels dans cette même ville.

Estimation gratuite Isamu kenmochi

Vous souhaitez  expertiser une œuvre de Isamu Kenmochi et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire. Faites estimer une œuvre de Isamu Kenmochi en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Tout savoir sur Isamu Kenmochi

Le design industriel japonais se caractérise d’abord par des œuvres qui sont à la fois esthétiques, utiles et discrètes. Il se réfère en même temps aux principes hérités de la culture traditionnelle japonaise à savoir l’élégance, la sensibilité, l’harmonie ou la sensorialité. Il s’agit finalement d’allier le beau à l’utile.

Kenmochi travaille de concert avec Isamu Noguchi à partir de 1950. Ce dernier a d’abord débuté sa carrière dans l’atelier du sculpteur Brancusi à Paris. Les deux designers sont les pionniers d’un design japonais moderne où il s’agit d’intégrer les matériaux des arts ancestraux japonais aux nouvelles créations. Cela se traduit par exemple par l’usage de l’osier tressé dans la réalisation de fauteuils. Ce principe est illustré dans le Round Rattan Chair de 1960. Ce fauteuil tout en rondeur se veut très minimaliste, car les lignes sont réduites à l’essentiel. Il s’inscrit ainsi dans la veine moderniste. Dans d’autres œuvres, l’artiste mêle l’osier à des matériaux typiques du design industriel, comme le métal. La Bamboo Basket Chair ou Chaise panier en bambou réalisée en 1950 par Kenmochi et Noguichi est emblématique de ce design.

Après avoir visité les États-Unis où il se renseigne davantage sur les recherches en matière de design industriel, Kenmochi devient l’un des membres fondateurs de l’Association des designers industriels japonais, en 1952. Cette association permet à plusieurs designers japonais d’approfondir leurs recherches à propos du design industriel et de son adaptation aux matériaux traditionnels japonais comme le bambou par exemple.

Estimation gratuite Isamu Kenmochi

Le design de Kenmochi rencontre encore aujourd’hui un grand succès visible dans le domaine du marché de l’art. En effet, rien qu’en 2021, de nombreuses ventes de mobilier signé par Kenmochi ont eu lieu à travers le monde. La côte du designer est actuellement d’environ 3 000 euros pour ce qui concerne des lots de deux à trois fauteuils en bois dont la hauteur est de 75 centimètres. Un lot de fauteuils dits Haco, en bois, et mesurant 76 centimètres de haut a été adjugé pour 3 600 euros en mars 2021.

Vous souhaitez faire expertiser une œuvre d’Isamu Kenmochi et recevoir son estimation. Remplissez votre demande via notre formulaire. Estimer une œuvre d’Isamu Kenmochi en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

En lien avec Isamu Kenmochi

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.
Estimation gratuite Alessandro Mendini

Alessandro Mendini

Home » artistes » Page 168

Estimation et cote de l'artiste Alessandro Mendini

Né en 1931 à Milan, Alessandro Mendini est un designer et théoricien du design italien. Il étudie à l’École Polytechnique de Milan où il achève son doctorat en 1959. Il devient en parallèle rédacteur en chef de la revue Casabella – une revue d’architecture qui est une référence à l’époque -, puis fonde la revue Modo – qui est fondée en 1977 et est consacrée au design. Il se distingue par sa volonté d’introduire une nouvelle pratique du design : le « redesign ».

Estimation gratuite Alessandro Mendini

Vous souhaitez  expertiser une œuvre de Alessandro Mendini et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire. Faites estimer une œuvre de Alessandro Mendini en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Design: passion d'Alessandro Mendini

Il s’agit en effet de reprendre des œuvres phares du design, tel le Fauteuil Wassily de Marcel Breuer (1925-1926) et de les détourner en y apportant des motifs appliqués sur le cuir par collage.

Il agit de même avec la chaise Supperleggera de Gio Ponti (1891-1979) sur laquelle il appose des insignes. C’est par des réalisations de ce type qu’il devient le théoricien et designer majeur du Studio Alchimia, un groupe d’avant-garde post-radical fondé à Milan en 1976 par Alessandro et Adriana Guerriero. Ce groupe a pour but de “matérialiser la chose non existante”. Alessandro Mendini cherche dans son travail à remettre en question la discipline du design, qui ne peut véritablement s’accomplir sans se libérer du poids du passé et des réalisations antérieures. Avec le “redesign”, il cherche à prouver que « le sens et la valeur d’un objet peut tenir exclusivement à la décoration qu’on y applique[1] ».

En parallèle, Mendini défend également le « design banal » afin de pallier le constat d’un « vide culturel et intellectuel du design de masse des sociétés industrielles[2] ». Par ce concept de “design banal” il cherche à mettre en avant la valeur des ornements de façade qu’on retrouve sur les objets du design. C’est dans ce but qu’il crée le Fauteuil Proust en 1978. À partir d’un fauteuil aux formes complexes et chantournées proche d’un style Louis XV, il appose de petits ornements selon une technique pointilliste où des dés de couleurs se superposent dans des teintes vives. Parmi ses nombreuses réalisations, Mendini lance en 1981 une gamme de meubles, Mobile Infinito où les éléments décoratifs en métal aimanté sont combinables au gré des envies de l’utilisateur.

Finalement, sa pratique de « l’Anti-design » marque la fin des « interdits modernistes[3] », qui se traduisaient par la mise en avant de l’authenticité, la mise en avant d’échelle de valeurs, la rationalisation et l’absence d’ornements. Il donne ainsi naissance à une nouvelle grammaire du design associée à un nouveau langage symbolique des formes. Il propage ainsi les idées du post-modernisme. Ce mouvement cherche avant tout à détruire des conventions artistiques centrées sur l’auto purification du médium de création afin de s’affranchir de toutes références historiques. Il y a aussi surtout la volonté d’annihiler tout rapport de valeur entre une culture d’élite et une culture populaire afin de créer un objet qui soit en quelque sorte “impure”. “L’anti-design” tel qu’il est pratiqué par Mendini s’exprime dans le renversement de l’échelle de valeurs jusqu’alors existante pour créer des objets qui ne soient pas purs, esthétiques, et standardisés pour créer quelque chose d’hybride.

Estimation et cote d'Alessandro Mendini sur le marché de l'art

Alessandro Mendini continue d’influencer aujourd’hui encore le monde du design. Son influence apparaît nettement lors des ventes aux enchères. Sa cote actuelle concernant la vente de fauteuils Proust, en bois et aux dimensions suivantes : 108 x 104 x 116 centimètres, est d’environ 31 000 euros. En 2021, un fauteuil Proust datant de 1978 a été adjugé 42 000 euros, alors qu’il était estimé entre 15 000 et 20 000 euros.

Vous souhaitez faire expertiser une œuvre d’Alessandro Mendini et recevoir son estimation. Remplissez votre demande via notre formulaire. Estimer une œuvre d’Alessandro Mendini en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

En lien avec Alessandro Mendini

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.
Estimation gratuite Tendo Mokko

Tendo Mokko

Home » artistes » Page 168

Estimation et cote de l'artiste Tendo Mokko

Tendo Mokko est une marque de fabrique de meuble japonaise créée en 1940 dans la ville de Tendo, non loin de Tokyo. La caractéristique de cette ville était de travailler le bois et en particulier les pièces du jeu d’échecs japonais. Les Yamagata, artisans de la ville de Tendo, sont en effet reconnus dans leur travail car ils ont la réputation d’allier curiosité, technique et patience à travers leur savoir-faire.

Estimation gratuite Tendo Mokko

Vous souhaitez  expertiser une œuvre de Tendo Mokko et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire. Faites estimer une œuvre de Tendo Mokko en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Naissance de Tendo Mokko

À compter des années 1940, le contreplaqué, un matériau formé à partir de la superposition de fines plaques de bois collées à fibres opposées, offre de nouvelles possibilités dans la création de meubles pour les artisans de Tendo. C’est ainsi que naît la marque Tendo Mokko qui existe encore aujourd’hui et qui est l’une des premières au Japon à utiliser ce matériau, novateur pour l’époque. Cette coopérative d’ébénistes et de charpentiers souhaite avoir une production de masse tout en préservant la haute qualité du mobilier. En effet, le bois du contreplaqué, issu de conifères, est un matériau moins onéreux que le bois massif car il nécessite moins d’arbres à couper. La marque cherche aussi à valoriser la solidité de ses meubles faits pour durer et être transmis de génération en génération.

La qualité avant la quantité

La marque collabore en outre avec des architectes et designers japonais renommés et met en avant, à travers leurs réalisations, la souplesse du contreplaqué permettant de créer du mobilier tout en rondeur.

Tendo Mokko cherche avant tout à mettre en avant la qualité des meubles produits. Créés à partir d’un matériau composite, les meubles s’éloignent des créations réalisées avec des essences considérées comme « nobles », tel le noyer ou le bois de teck par exemple. Si la ligne des meubles est gracieuse et soignée, leur solidité n’est pas pour autant négligée et les meubles sont particulièrement légers. Enfin, une part belle est donnée aux textures, puisque la marque n’oublie pas le plaisir du toucher pouvant être ressenti par les utilisateurs. En effet, l’aspect extérieur du bois est très lisse et délicat, tandis que les matériaux textiles sont d’une grande douceur et d’un confort enveloppant.

Faire estimer gratuitement une oeuvre de Tendo Mokko

Les artistes les plus représentés aux enchères sont Isamu Kenmochi, Sori Yanagi et Saburo Inui. Leurs côtes sont relativement stables. Les tabourets Butterly de Yanagi avoisinent régulièrement les 4 000 euros et la moyenne des prix observés pour les tables basses de Saburo Inui est de 3 000 euros. Les tables basses d’Isamu Kenmochi atteignent des montants plus élevés, l’une d’elles, passée en vente le 26 mars 2015, obtient une adjudication de 13 480 euros.

En lien avec Tendo Mokko

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.
Estimation gratuite Steph Simon

Steph Simon

Home » artistes » Page 168

Estimation et cote de l'artiste Steph Simon

Au commencement de sa carrière, Steph Simon (1902-1982) a été agent commercial de l’entreprise l’Aluminium français avant de devenir ingénieur des Arts et Métiers. C’est en 1956 qu’il ouvre une galerie située sur le boulevard Saint-Germain à Paris. Il la baptise de son nom et en fait un lieu renommé du design. Sa formation d’ingénieur influence sans doute ses choix de galeristes : il cherche dès lors à promouvoir un mobilier moderne.

Estimation gratuite Steph Simon

Vous souhaitez  expertiser une œuvre de Steph Simon et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire. Faites estimer une œuvre de Steph Simon en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

L'histoire de Steph Simon

Par ce terme de moderne, on entend un mobilier qui soit fonctionnel, standardisé, et qui recherche un certain confort, caractéristique des années 1950. À l’origine du modernisme il y a le Bauhaus, à la fois école et lieu de création qui s’est développé entre 1919 et 1933 en Allemagne. L’esthétique prônée par le Bauhaus est dénuée d’ornements, très géométrique, dans des tons sombres et emploie des matériaux jusqu’alors réservés à l’industrie : le métal, le verre et le béton. Parmi les premiers artistes et architectes du Bauhaus nous pouvons nommer Walter Gropius, Marcel Breuer, ou encore Ludwig Mies van der Rohe.

La cote des œuvres de Steph Simon

Steph Simon greffe un bureau d’études à sa galerie où vont être conçus des aménagements intérieurs privés et industriels. Les plus grands noms du design français y sont représentés, parfois de manière exclusive à la fois parce que sa galerie est précurseuse dans le domaine, et à la fois car il acquiert une grande renommée. Ainsi, les designers Jean Prouvé et Charlotte Perriand, par exemple, trouvent leurs créations exposées. Figures majeures du design français dans l’après-guerre, tous deux participent à un projet d’ameublement de la résidence universitaire Monbois à Nancy et de la résidence universitaire Jean-Zay à Antony. Ces habitats construits à l’échelle industrielle accueillent un mobilier qui se veut tout à la fois fonctionnel, simple et élégant. Charlotte Perriand crée par exemple l’étagère Cassina, constituée de planches horizontales, des éléments de couleur noire sont modulables et permettent de s’adapter au besoin de l’utilisateur. Sans doute que le succès de Steph Simon et de sa galerie est lié à l’image qu’il incarne alors et qu’il partage avec les artistes dont il expose les créations de manière exclusive : un monde meilleur avec des objets qui soient tout à la fois pratiques, utiles et beaux. Il se fait aussi beaucoup connaître grâce à ses vernissages où clients, artistes et spécialistes du domaine se rencontrent.

D’autres grands noms du design sont diffusés grâce à Steph Simon : Serge Mouille et ses luminaires, les céramiques de Georges Jouve, les tissages de Simone Prouvé et les lanternes en papier d’Isamu Noguchi. Tous ces artistes œuvrent à créer des objets qui correspondent au mieux au besoin des utilisateurs, et qui soient accessibles au plus grand nombre. En tout cas, tel en a été le souhait, dans les faits, seule une certaine classe sociale pouvait en bénéficier. La production industrielle de ce mobilier n’empêchait pas de soigner leur qualité et leur beauté. La galerie ferme cependant ses portes en 1974 car la clientèle se fait désormais trop rare sans doute à cause de l’évolution des goûts et d’autres courants artistiques qui prennent le dessus, notamment l’esthétique vive et colorée du pop.

Certains designers qui ont vu leurs travaux présentés et vendus dans la galerie de Steph Simon jouissent encore aujourd’hui d’une importante reconnaissance et celle-ci se reflète naturellement au niveau du marché de l’art. Ainsi, la côte de Charlotte Perriand et Jean Prouvé atteint, pour des créations communes, environ 10 000 euros pour les modèles de lit à tablette pivotante par exemple. Le 30 juin 2021 a eu lieu une vente aux enchères où l’un des lits à tablette pivotante, en acier et mesurant 61 x 190 x 80,2 centimètres s’est fait adjuger 20 968 euros.

Vous souhaitez faire expertiser une œuvre de Steph Simon et recevoir son estimation. Estimer une œuvre de Steph Simon en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

En lien avec Steph Simon

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.
Estimation gratuite Guy de Rougemont

Guy De Rougemont

Home » artistes » Page 168

Estimation et cote de l'artiste Guy de Rougemont

Guy de Rougemont est un peintre et sculpteur français, né en 1934 à Paris. Après des études aux Arts-Déco, il séjourne deux ans à Madrid, durant sa formation au sein de la Casa de Velázquez, école française proposant une formation culturelle. L’artiste participe rapidement à ses premières expositions, à l’instar de la Biennale de Paris en 1965 et du Salon de Mai de 1966.

Estimation gratuite Guy de Rougemont

Vous souhaitez  expertiser une œuvre de Guy de Rougemont et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire. Faites estimer une œuvre de Guy de Rougemont en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Guy de Rougemont, un vrai touche à tout

Guy de Rougemont prend également part à plusieurs programmes d’aménagement urbain et intervient dans des lieux quotidiens de passage : il réalise notamment la gare du RER de Marne-la-Vallée, le parvis du musée d’Orsay, l’hôpital Saint-Louis, ou encore d’autres œuvres à l’international, à l’instar de l’Hakone Open Air Museum au Japon ou l’Hofgarten de Bonn. Son travail est marqué par la volonté de supprimer la frontière entre les différents types d’art, en particulier entre la peinture et la sculpture.

 

La peinture pour commencer

Artiste pluridisciplinaire, Guy de Rougemont est avant tout un peintre, à la palette riche. Il se définit d’ailleurs comme tel dans l’un de ses derniers catalogues : « Je suis peintre : ma sculpture, mes meubles, mes tapis sont d’un peintre ».

Il s’inspire notamment de sa peinture afin de nourrir sa création sur les autres supports : l’artiste se lance alors dans la lithographie et la production d’objets mobiliers et de lampes. Par cette démarche, il cherche à exprimer son souci de rattacher les productions artistiques au quotidien.

René Faroux, critique d’art et journaliste, définit Guy de Rougemont comme ayant « inventé une galaxie faite de formes cylindriques, d’ellipses, de totems, de lignes serpentines qui proposent une symbiose polychrome entre le minimalisme et le Pop Art ».

Le Musée des Arts Décoratifs de Paris lui consacre en 1990 une spectaculaire rétrospective. Quelques années plus tard, en 1997, Guy de Rougemont est élu à l’Académie des Beaux-Arts.

Faire estimer gratuitement une oeuvre de Bernard Lorjou

Ses œuvres appartiennent aujourd’hui à de prestigieuses collections privées à travers le monde. Certaines productions emblématiques apparaissent sur le marché de l’art. La série des Lampes nuages, produite au début des années 1970, atteint une valeur d’environ 5 000 euros, tandis que ses emblématiques Colonnes colorées peuvent atteindre 20 000 euros, à l’instar d’un lot vendu en avril 2006, datant de 1976.

(Illus.)Table basse dit Nuages, Guy de Rougemont

Vous souhaitez faire expertiser une œuvre de Guy de Rougemont et recevoir son estimation. Estimer une œuvre de Guy de Rougemont en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

En lien avec Guy de Rougemont

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.
Estimation gratuite Jean-Baptiste Olive

Jean-Baptiste Olive

Home » artistes » Page 168

Estimation et cote de l'artiste Jean-Baptiste Olive

Jean-Baptiste Olive (1848-1936) est un peintre français renommé pour ses marines lumineuses et ses paysages méditerranéens d’une précision poétique. Artiste profondément attaché à la Provence et à la mer, il s’est imposé comme l’un des plus grands représentants de la peinture naturaliste du sud de la France, entre rigueur académique et éclat impressionniste. Ses toiles, empreintes d’un réalisme lumineux, séduisent depuis plus d’un siècle les collectionneurs du monde entier.

Estimation gratuite Jean-Baptiste Olive

Prix des œuvres de Jean-Baptiste Olive

  • Peinture : entre 2 000 € et 40 000 €

  • Dessin ou aquarelle : entre 800 € et 6 000 €

  • Estampe : entre 200 € et 1 200 €

Vous possédez une peinture, une aquarelle ou une marine signée Jean-Baptiste Olive et souhaitez connaître sa valeur ? Faites estimer votre œuvre simplement et gratuitement grâce à Estimon’objet. Nos commissaires-priseurs et experts agréés vous garantissent une estimation précise, confidentielle et sans engagement, réalisée sous quelques jours. La cote de Jean-Baptiste Olive varie selon la période, le sujet (marines, ports, paysages urbains), la technique et l’état de conservation de l’œuvre.

Jean-Baptiste Olive, le maître des marines méditerranéennes

Né à Marseille en 1848, Jean-Baptiste Olive se forme à l’École des Beaux-Arts de sa ville natale, sous la direction d’Émile Loubon et d’Augustin Aubert, deux figures majeures de la peinture provençale. Très tôt, il révèle un talent exceptionnel pour la représentation des paysages et des ports. Fasciné par la lumière du Sud, il en fait le sujet central de son œuvre. Dès les années 1870, Olive s’impose comme un peintre réaliste et précis, attentif à la composition et à la restitution des effets atmosphériques. Il expose pour la première fois au Salon de Marseille avant de présenter ses œuvres au Salon des Artistes Français à Paris, où il rencontre un vif succès.

Une carrière au service de la lumière

Installé à Paris à partir de 1876, Jean-Baptiste Olive se lie à de nombreux artistes et mécènes, tout en continuant à peindre les paysages du Sud et les vues portuaires. Son style, marqué par une observation minutieuse du réel, séduit un public en quête de beauté simple et d’horizons apaisés. Ses marines, ses vues du Vieux-Port de Marseille, de Martigues, de Venise ou encore de Gênes traduisent une même fascination pour les reflets de l’eau et les jeux de lumière sur les voiles et les quais. Olive peint la mer avec une justesse rare : jamais figée, toujours mouvante, oscillant entre calme et intensité. Parallèlement, il réalise de nombreuses commandes publiques, notamment pour la décoration du pavillon de la Méditerranée à l’Exposition universelle de 1900, où ses grandes toiles monumentales rencontrent un immense succès.

Un peintre reconnu et décoré

Jean-Baptiste Olive reçoit de nombreuses distinctions tout au long de sa carrière. Il obtient une médaille d’argent à l’Exposition universelle de 1889, puis la médaille d’or en 1900. En 1918, il est fait Chevalier de la Légion d’honneur pour l’ensemble de son œuvre. Ses tableaux intègrent rapidement les collections publiques : le Musée d’Orsay, le Musée des Beaux-Arts de Marseille, le Musée de Toulon ou encore le Musée national de la Marine conservent plusieurs de ses toiles. Ces institutions saluent l’excellence de sa technique et sa capacité à traduire l’atmosphère méditerranéenne avec un réalisme vibrant.

L’univers pictural de Jean-Baptiste Olive

L’art de Jean-Baptiste Olive repose sur une observation précise du monde et une parfaite maîtrise de la lumière. Sa peinture se distingue par :

  • Une clarté méditerranéenne : Olive capte la transparence de l’air et la pureté du ciel, jouant avec des dégradés subtils de bleu, de beige et d’or.
  • Un réalisme poétique : bien que fidèle à la nature, sa peinture évoque une émotion sereine et contemplative.
  • Une technique maîtrisée : son coup de pinceau précis et l’harmonie de ses compositions lui confèrent une rigueur quasi photographique.

Outre ses marines, Olive a également peint des vues urbaines, notamment de Paris, de Venise et de Gênes, où il excelle dans la représentation des architectures et des reflets sur les canaux.

Estimation et cote de Jean-Baptiste Olive sur le marché de l'art

Les œuvres de Jean-Baptiste Olive sont très recherchées par les collectionneurs français et étrangers, séduits par leur qualité picturale et leur élégance intemporelle. Les grandes marines représentant Marseille, Martigues ou Venise atteignent les prix les plus élevés.  La cote de l’artiste demeure stable, avec une tendance haussière pour les huiles sur toile de grand format et les compositions maritimes signées de sa main. Ses aquarelles et dessins, plus accessibles, offrent une belle opportunité d’acquérir une œuvre authentique d’un grand maître provençal. Le marché de Jean-Baptiste Olive reste solide, soutenu par une clientèle fidèle et par la rareté des grandes marines sur le marché. Voici quelques ventes marquantes :

  • « Le Vieux-Port de Marseille au crépuscule », huile sur toile, adjugée 36 000 € en 2023.
  • « Venise, le Grand Canal », huile sur toile, vendue 28 000 € en 2022.
  • « Martigues, le port au soleil levant », huile sur toile, adjugée 22 500 €  en 2024.
  • « Bateaux au port de Gênes », aquarelle, vendue 5 200 € 

Les petits formats et études préparatoires s’échangent entre 2 000 et 8 000 euros, tandis que les grandes marines peuvent dépasser 40 000 euros selon leur sujet, leur provenance et leur état de conservation. Vous détenez une toile ou une aquarelle de Jean-Baptiste Olive et souhaitez en connaître la valeur ? Confiez votre demande à Estimon’objet, spécialiste de l’estimation en ligne d’œuvres d’art. Nos experts et commissaires-priseurs vous accompagnent pour une expertise fiable, confidentielle et gratuite, vous permettant de connaître la juste valeur de votre œuvre avant vente ou succession. Obtenez dès aujourd’hui votre estimation gratuite sur www.estimonobjet.fr, la référence pour l’expertise et l’évaluation d’œuvres de Jean-Baptiste Olive.

(Illus.)Jean-Baptiste Olive – Calanque d’En Vau

Reconnaître la signature de Jean Baptiste Olive

La signature de Jean-Baptiste Olive est généralement apposée en bas à droite de la toile, parfois à gauche selon la composition. Elle est souvent écrite en lettres cursives élégantes ou capitales fines, accompagnée parfois du mot Marseille sur les œuvres anciennes. Sur certaines toiles, on trouve simplement « J.-B. Olive » ou « Olive ». La signature est appliquée à la peinture noire ou brune, discrète mais lisible, fidèle à la sobriété de l’artiste.

Signature Jean-Baptiste Olive
Expertise signature Jean-Baptiste Olive

En lien avec Jean-Baptiste Olive

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.
Estimation gratuite Pierre-Auguste Renoir

Pierre-Auguste Renoir

Home » artistes » Page 168

Estimation et cote de l'artiste Pierre-Auguste Renoir

Pierre Auguste Renoir (1841-1919) est l’un des plus grands maîtres de l’Impressionnisme. Son œuvre, d’une grâce infinie et d’une sensualité lumineuse, a profondément marqué l’histoire de la peinture française et mondiale. Renoir a célébré la beauté, la joie de vivre et la douceur du quotidien à travers des portraits, des scènes de vie et des paysages vibrants de lumière. Aujourd’hui, ses toiles comptent parmi les plus recherchées du marché de l’art, et les collectionneurs du monde entier continuent de se passionner pour ses œuvres.

Estimation gratuite Pierre-Auguste Renoir

Prix et cote des œuvres de Pierre Auguste Renoir

  • Peintures : entre 200 000 € et plus de 70 millions d’euros

  • Dessins et pastels : entre 10 000 € et 400 000 €

  • Estampes et lithographies : entre 1 000 € et 40 000 €

Vous possédez une peinture, un dessin ou une lithographie de Pierre Auguste Renoir et souhaitez en connaître la valeur ? Faites estimer votre œuvre en toute simplicité grâce à Estimon’objet, plateforme d’expertise en ligne reconnue. Nos commissaires-priseurs et experts en art impressionniste réalisent une estimation gratuite, précise et confidentielle, sous quelques jours seulement. Chaque œuvre est étudiée selon ses caractéristiques : technique, période, signature, provenance, état de conservation et résultats d’enchères comparables.

Pierre Auguste Renoir, le peintre de la lumière et de la vie

Né à Limoges en 1841 dans une famille modeste, Pierre Auguste Renoir manifeste très tôt un don exceptionnel pour le dessin. À treize ans, il entre comme apprenti dans un atelier de porcelaine, où il peint des motifs floraux et décoratifs — une formation qui influencera durablement son goût pour la couleur et la texture. En 1862, Renoir s’installe à Paris et suit les cours de Charles Gleyre, où il rencontre Claude Monet, Alfred Sisley et Frédéric Bazille. Ensemble, ils posent les bases de ce qui deviendra l’Impressionnisme. Renoir participe à la première exposition impressionniste en 1874, où il présente des œuvres audacieuses, marquées par une touche libre et une lumière vibrante.

Un art du bonheur et de la sensualité

Contrairement à Monet, qui se consacre principalement au paysage, Renoir s’intéresse à la figure humaine. Il peint des scènes de la vie moderne : des déjeuners en plein air, des bals, des portraits de jeunes femmes et des enfants. Parmi ses œuvres les plus célèbres, on retrouve :

  • “Le Déjeuner des canotiers” (1881) — un chef-d’œuvre de convivialité et de lumière, conservé à la Phillips Collection de Washington.
  • “La Danse à Bougival” (1883) — incarnation de la joie et du mouvement, exposée au Museum of Fine Arts de Boston.
  • “Les Grandes Baigneuses” (1887) — témoignage de son intérêt pour la peinture classique et la sensualité du corps féminin.

Son style évolue au fil du temps : plus structuré et sculptural dans les années 1880, il tend vers une recherche d’harmonie et de douceur dans sa maturité. Les visages s’arrondissent, les chairs deviennent nacrées, et les contours se dissolvent dans une lumière dorée.

Renoir et la maturité de son art

Souffrant d’arthrite dans les dernières années de sa vie, Renoir continue pourtant de peindre avec un pinceau fixé à sa main. Il s’installe à Cagnes-sur-Mer, sur la Côte d’Azur, où il réalise des œuvres d’une grande sérénité, baignées de soleil et d’humanité. Il y produit également des sculptures en collaboration avec le sculpteur Richard Guino, élève d’Aristide Maillol. Ces pièces, bien que moins nombreuses que ses peintures, sont aujourd’hui très recherchées sur le marché. Renoir décède en 1919, laissant une œuvre considérable de plus de 4 000 toiles et dessins. Son influence perdure encore aujourd’hui : de nombreux artistes modernes, comme Matisse ou Picasso, admirèrent sa liberté picturale et sa maîtrise du coloris.

Estimation et cote de Renoir sur le marché de l'art

Les œuvres de Pierre Auguste Renoir figurent parmi les plus recherchées du marché de l’art. Sa cote, stable et soutenue depuis plusieurs décennies, témoigne de la reconnaissance universelle dont il bénéficie. Les collectionneurs apprécient particulièrement :

  • Ses nus féminins, célébrant la beauté charnelle et la douceur des formes.
  • Ses portraits intimistes, empreints d’une chaleur humaine rare.
  • Ses paysages méditerranéens, lumineux et apaisants.

Quelques ventes remarquables de Pierre Auguste Renoir

  • “Bal du moulin de la Galette” (1876) — vendu pour 78,1 millions de dollars en 1990.
  • “Au Bord de l’eau” (1885) — adjugé 26,9 millions de dollars en 2010.
  • “Jeune femme cueillant des fleurs” — vendue 14 millions de dollars  en 2022.
  • “La Baigneuse assise” — adjugée 9,5 millions d’euros en 2019.

Ces ventes illustrent la valeur exceptionnelle des œuvres de Renoir sur le marché international et leur attrait intemporel auprès des collectionneurs. Vous possédez un tableau, un dessin ou une estampe de Pierre Auguste Renoir ? Confiez son évaluation à Estimon’objet, votre partenaire de confiance pour l’expertise et l’estimation d’œuvres d’art. Nos spécialistes vous accompagnent avec rigueur et discrétion, afin de vous fournir une estimation fiable et adaptée à la réalité du marché actuel. Recevez une expertise gratuite et rapide en quelques clics et découvrez la véritable valeur de votre œuvre de Pierre Auguste Renoir. Quelques ventes remarquables de Pierre Auguste Renoir

Vous souhaitez faire expertiser un tableau d’Auguste Renoir et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire. Estimez votre oeuvre d’Auguste Renoir en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Reconnaître la signature de Pierre-Auguste Renoir

La signature de Renoir varie légèrement selon les périodes, mais elle se compose le plus souvent de la mention “Renoir” seule, inscrite à la peinture rouge ou brun foncé, généralement en bas à droite de la toile. Sur certaines œuvres plus anciennes, on trouve la signature complète “A. Renoir” ou juste un“R” majuscule  , tandis que ses dessins et lithographies peuvent porter des variantes manuscrites plus libres. Les experts d’Estimon’objet examinent la signature à la loupe, en croisant les éléments stylistiques et techniques pour garantir l’authenticité d’une œuvre.

Expertise signature Pierre Auguste Renoir
Signature Pierre Auguste Renoir

En lien avec Pierre-Auguste Renoir

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.
Estimation gratuite Pierre Ambrogiani

Pierre Ambrogiani

Home » artistes » Page 168

Estimation et cote de l'artiste Pierre Ambrogiani

Pierre Ambrogiani (1907-1985) est une figure emblématique de la peinture provençale du XXᵉ siècle. Connu pour son style vigoureux et coloré, il s’impose comme un grand interprète de la lumière méditerranéenne, à la croisée du fauvisme et de l’expressionnisme. Ses œuvres, souvent empreintes de joie, de mouvement et d’intensité, capturent l’âme du Sud avec une force rare. Vous possédez une œuvre de Pierre Ambrogiani dont vous souhaitez connaitre la valeur ? Contactez Estimon’objet !

Estimation gratuite Pierre Ambrogiani

Prix des œuvres de Pierre Ambrogiani

  • Peinture : entre 1 000 € et 30 000 €

  • Dessin, gouache ou aquarelle : entre 400 € et 5 000 €

  • Estampe ou lithographie : entre 100 € et 1 500 €

Vous possédez une peinture, une gouache ou une lithographie de Pierre Ambrogiani et souhaitez en connaître la valeur ? Faites appel à Estimon’objet, la plateforme de référence pour l’estimation en ligne d’œuvres d’art. Notre équipe de commissaires-priseurs et d’experts agréés vous propose une estimation gratuite, confidentielle et sans engagement, en quelques jours seulement. Chaque demande est étudiée avec rigueur, en tenant compte de la cote actuelle de l’artiste, de la technique utilisée, de la dimension, de l’état de conservation et de la provenance de l’œuvre.

Pierre Ambrogiani, le peintre des couleurs du Midi

Né en 1907 à Ajaccio, Pierre Ambrogiani s’installe très jeune à Marseille, ville à laquelle il restera profondément attaché toute sa vie. D’abord facteur des Postes, il se consacre à la peinture dès les années 1930, animé par une passion viscérale pour la couleur et la lumière. Autodidacte, il développe un style singulier, libre de toute influence académique, marqué par une touche énergique et une palette flamboyante. Son œuvre, joyeuse et expressive, rend hommage à la Provence, à ses paysages, à ses marchés, à ses ports et à ses scènes de vie populaires. Ambrogiani peint la Méditerranée avec une intensité solaire, traduisant sur la toile les émotions immédiates que lui inspire son environnement.

Une carrière féconde et reconnue

À partir des années 1940, Pierre Ambrogiani expose régulièrement à Paris et dans le sud de la France. Il participe à de nombreux salons et expositions collectives, notamment au Salon d’Automne, au Salon des Indépendants et au Salon Comparaisons. Sa peinture, rapidement reconnue pour sa puissance expressive, attire l’attention des critiques et des collectionneurs. Dans les années 1950 et 1960, Ambrogiani s’impose comme une figure majeure de l’école provençale, aux côtés d’Augustin Hanicotte, Louis Mathieu Verdilhan ou Antoine Ferrari. Il reçoit la médaille d’or du Salon des Artistes Français en 1953, consacrant son talent et sa contribution à la peinture contemporaine. Ses œuvres figurent dans de nombreuses collections publiques, notamment au Musée Cantini de Marseille, au Musée d’Art Moderne de Paris et au Musée d’Art de Toulon, mais aussi dans de prestigieuses collections privées à travers le monde.

L’univers pictural de Pierre Ambrogiani

La peinture d’Ambrogiani est immédiatement reconnaissable : une matière dense, des aplats audacieux, une gestuelle libre et une explosion de couleurs chaudes. Son trait vif traduit le mouvement et la vie, tandis que sa palette — rouge vermillon, jaune éclatant, vert olive, bleu outremer — restitue la lumière crue du Midi. Ses thèmes de prédilection témoignent de son attachement à la Méditerranée :

  • Les ports et les marins, notamment ceux de Marseille ou Martigues, où il saisit la vitalité du monde maritime.
  • Les marchés provençaux, grouillants de personnages et de senteurs, véritables symphonies chromatiques.
  • Les paysages du Sud, où la nature se fait éclat et rythme.
  • Les natures mortes, dans lesquelles fruits et fleurs deviennent prétextes à des études de matière et de lumière.

Ambrogiani fut également un dessinateur et lithographe prolifique, maîtrisant à merveille les jeux d’ombre et de densité de l’encre.

Pierre Ambrogiani et la modernité

Bien que profondément enraciné dans sa Provence natale, Ambrogiani sut inscrire son œuvre dans la modernité picturale du XXᵉ siècle. Son approche instinctive et expressive de la couleur le rapproche du fauvisme, tandis que la vigueur de son trait évoque parfois les recherches expressionnistes européennes. Il n’imite ni ne théorise : il peint par nécessité, avec sincérité, refusant l’académisme comme les modes passagères. Cette authenticité confère à son œuvre une force intemporelle. Aujourd’hui, la cote de Pierre Ambrogiani connaît un regain d’intérêt. Les collectionneurs recherchent activement ses œuvres majeures — en particulier les grandes huiles figuratives et les paysages lumineux — pour leur puissance émotionnelle et leur ancrage dans la tradition méditerranéenne.

Cote des œuvres de Pierre Ambrogiani sur le marché de l’art

Le marché de Pierre Ambrogiani reste dynamique, notamment pour les huiles sur toile et les gouaches représentant des paysages du Midi ou des scènes portuaires. Ses œuvres s’échangent régulièrement dans les grandes maisons de ventes françaises et internationales. Quelques ventes marquantes :

  • « Marché provençal », huile sur toile, adjugée 18 000 € en 2023.
  • « Le port de Marseille », huile sur toile, vendue 22 000 € en 2022.
  • « Nature morte aux fruits », huile sur toile, adjugée 9 500 €  Londres.
  • « Les pêcheurs à Martigues », gouache, vendue 4 000 € en 2024.

Les lithographies et dessins, plus accessibles, se négocient entre 200 et 800 euros, tandis que les grandes compositions peintes atteignent aisément plus de 20 000 euros selon leur sujet, leur période et leur provenance. Vous souhaitez vendre ou simplement connaître la valeur de votre tableau signé Pierre Ambrogiani ? Confiez votre demande à Estimon’objet, expert de l’estimation en ligne d’œuvres d’art. Notre équipe de commissaires-priseurs spécialisés vous accompagne dans l’identification, l’évaluation et la mise en vente de votre œuvre, en toute transparence. Obtenez dès aujourd’hui votre estimation gratuite, précise et confidentielle sur www.estimonobjet.fr.

(Illus.) Pierre AMBROGIANI (1907-1985) Autoportrait Huile sur toile Signée en bas à gauche

Reconnaître la signature de Pierre Ambrogiani

La signature de Pierre Ambrogiani est généralement écrite en capitales ou en cursives épaisses, souvent placée en bas à droite du tableau. Elle est parfois inscrite à la peinture rouge ou noire, directement sur la couche picturale. On retrouve fréquemment les initiales « P. Ambrogiani » ou la signature complète « Pierre Ambrogiani ». Comme son geste pictural, sa signature est énergique et spontanée, témoignant d’un tempérament expressif.

Expertise signature Pierre Ambrogiani
Signature Pierre Ambrogiani

En lien avec Pierre Ambrogiani

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.
Estimation gratuite Maurice De Vlaminck

Maurice De Vlaminck

Home » artistes » Page 168

Estimation et cote de l'artiste Maurice de Vlaminck

Maurice de Vlaminck est un artiste autodidacte anarchiste, fermement opposé tant à la tradition artistique qu’aux courants d’Avant-garde. Il forme avec André Derain l’école de Chatou, et participe au mouvement Fauve, avant de s’inspirer de façon originale de l’art de Cézanne et de l’Expressionnisme.

Estimation gratuite Maurice De Vlaminck

Vous souhaitez  expertiser une œuvre de Maurice de Vlaminck et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire. Faites estimer une œuvre de Maurice de Vlaminck en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Maurice de Vlaminck, un artiste autodidacte

Maurice de Vlaminck s’intéresse à la peinture à partir de 1892. Il exerce plusieurs activités, travaillant notamment comme mécanicien, cycliste de course, et musicien. Entre 1896 et 1899, il donne des leçons de musique et travaille comme violoniste au Théâtre du Château d’Eau.

Artiste anarchiste, Maurice de Vlaminck refuse l’enseignement artistique et évite les musées. Très revendicatif, il dit vouloir bruler l’école des Beaux-arts. Jules Robichon, membre de la Société des Artistes Français, lui donne cependant des techniques de dessin en 1895. Maurice de Vlaminck apprécie alors l’Impressionnisme, et rencontre Claude Monet en 1900. Il s’intéresse aussi à l’art « primitif », qu’il collectionne à partir de 1900.

Sa personnalité artistique s’affirme entre 1900 et 1901, lorsqu’il partage un atelier avec André Derain, son voisin à Chatou. Tous deux visitent ensemble l’exposition Van Gogh à la galerie Bernheim-Jeune en 1901, et A. Derain lui présente Henri Matisse. Impressionnés par l’expressivité de l’art de V. Van Gogh, Maurice de Vlaminck et André Derain adoptent des couleurs contrastées, indépendantes de la réalité mais traduisant des sentiments. Maurice de Vlaminck s’inspire également des formes synthétiques et de la touche de Van Gogh, en long aplats, qui semble jetée au couteau.

La collaboration s’interrompt avec le départ d’André Derain pour son service militaire, mais Maurice de Vlaminck continue ses recherches, et ses premières œuvres sont présentées dans une exposition collective à la galerie Berthe Weill à Paris en 1904.

Maurice de Vlaminck, l’artiste Fauve (1904-1907)

Maurice de Vlaminck expose dans la salle VII du Salon d’Automne de 1905, surnommée « la cage aux Fauves », aux cotés d’André Derain, Henri Matisse, Henri Manguin, Charles Camoin et Albert Marquet. Pour Maurice de Vlaminck, « Le fauvisme n’est pas une invention, une attitude mais une façon d’être, d’agir, de penser, de respirer ». Il pratique ce style de 1904 à 1907. Ses œuvres sont très proches de celles d’André Derain, avec qui il peint depuis son retour à Chatou. Il refuse cependant de l’accompagner à Collioure, peut-être pour raisons financières. En 1906, Ambroise Vollard achète toutes les peintures de l’atelier de Maurice de Vlaminck, qu’il présente à une exposition l’année suivante. Il est alors un artiste Fauve renommé, mais ses recherches évoluent vers de nouvelles directions lorsqu’il visite la rétrospective consacrée à Cézanne au Salon d’Automne de 1907.

Le tournant Cézannien (1907-1910)

La visite de l’exposition Cézanne constitue un nouveau stimulus esthétique, qui l’incite à se préoccuper davantage de la structure du paysage, et non plus de l’exubérance de la couleur. Cette recherche se traduit dans des œuvres telles que Nature morte au pichet et à l’orange (1910), ou encore Cheminée d’usine à Puteaux (1910-1911). Elle dure jusqu’en 1910, où il connaît une brève période cubiste.

Bien qu’il partage des sources d’influences communes avec le cubisme, il s’oppose finalement à ce mouvement, et cherche à réaliser des œuvres plus réalistes. Il réalise alors surtout des paysages, d’abord en Angleterre, où il se rend sur les conseils d’Ambroise Vollard en 1911, puis sur la côte d’Azur, où il séjourne avec André Derain en 1913. Ses paysages sont fortement architecturés, et rendus dans des tons austères. A la même période, il commence une activité de céramiste.

L’expressionnisme paysager

La Première guerre mondiale constitue une interruption dans sa pratique artistique. Père de quatre enfants, il n’est pas envoyé au front mais mobilisé dans une usine. Il ne retourne à la peinture qu’après la guerre, et réalise des paysages avec des tons plus sombres, et de forts empâtements. Ses motifs de prédilection sont une route, quelques maisons, ou un arbre sous un ciel menaçant, comme pour La route nationale (1935). Son style est qualifié d’Expressionnisme paysager en raison de la représentation dramatique de la lumière.

Lors de la Seconde guerre mondiale, Maurice de Vlaminck participe au voyage des artistes et écrivains français en Allemagne nazie en 1941, et collabore ensuite pendant l’occupation. Il publie un violent article intitulé « Opinions libres… sur la peinture » dans lequel il accuse Pablo Picasso d’avoir dévoyé la peinture française. Il est interdit de publication par le Comité national des écrivains à la Libération, et meurt ostracisé en 1958.

Estimation et cote de de Vlaminck sur le marché de l'art

Bien que la plupart des œuvres de Maurice de Vlaminck soient vendues en France, c’est aux États-Unis et au Royaume Uni que leur chiffre d’affaires est le plus élevé. Ses peintures représentent 46% des ventes, et se vendent pour la majorité pour 10 000 à 50 000 €. Il n’est néanmoins pas rare qu’elles dépassent le million, et peuvent aller jusqu’à 13 488 000 € (20 000 000 $ ), comme fut le cas en 2011 à New York, pour Paysage de banlieue (1905). Les estampes s’échangent plus facilement, mais moins fréquemment. Elles ne représentent que 35% des ventes, bien qu’elles soient accessibles à davantage de bourses. En effet, elles s’acquièrent le plus souvent pour 100 à 500 €, et ne dépassent que très rarement les 5 000 €.

(Illus.)Maurice de Vlaminck, Maisons à Chatou, 1905, The Art Institute of Chicago.

Vous souhaitez faire expertiser un tableau de Maurice de Vlaminck et recevoir son estimation ? Estimez votre œuvre de Maurice de Vlaminck en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

En lien avec Maurice de Vlaminck

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.
Shopping Basket