Estimation gratuite Maurice Esteve

Maurice Estève

by Art Contemporain

Home » artistes » Page 170

Estimation et cote de l'artiste Maurice Estève

Maurice Estève est un peintre et dessinateur français lié au groupe des Réalités Poétiques et l’un des membres de la Nouvelle École de Paris.

Estimation gratuite Maurice Esteve

Vous souhaitez  expertiser une œuvre de Maurice Estève et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire. Faites estimer une œuvre de Maurice Estève en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Estimer mon oeuvre de Maurice Estève

Qui est l'artiste Maurice Estève ?

Maurice Estève passe son enfance à Culan, dans le Cher, où il connaît sa première expérience artistique à l’âge de neuf ans. Saisi par la beauté de la nature, il y trouve tout au long de sa vie une source d’inspiration primordiale. La seconde expérience décisive qui détermine sa vocation artistique a lieu en 1913, lorsqu’il découvre au Louvre les tableaux de Chardin, Corot, Delacroix, Courbet, et surtout de Paolo Uccello. En 1915, retenu à Culan par la guerre, Maurice Estève réalise ses premières peintures. A la fin de la guerre, il s’installe à Paris et travaille comme typographe et apprenti dans une fabrique de meubles, tout en fréquentant le soir les Académies libres de Montparnasse. Il représente alors ce qui l’entoure dans un style naturaliste.

Maurice Estève : du naturalisme à la peinture de paysage

Après avoir passé un an à Barcelone pour diriger un atelier de dessin textile, Maurice Estève rentre à Paris en 1924, et s’inscrit à l’Académie Colarossi à Montparnasse. Il donne alors libre-court à son intérêt pour les Primitifs du Louvre, et pour l’œuvre de Cézanne. Maurice Estève se détourne progressivement du naturalisme, et ses œuvres prennent des accents pointillistes, fauves, et surtout surréalistes dans les années 1927-1928. Inspiré par Henri Matisse et Fernand Léger, Maurice Estève choisit la voie du non-illusionniste, et peint des figures statiques ou actives en compartimentant les surfaces par des bandes de couleurs vives. La thématique privilégiée est celle du couple, représenté par des combinaisons de plans échelonnés et arabesques. Il participe à sa première exposition de groupe en 1929, au Salon des Surindépendants à Paris.

L’intérêt nouveau de Maurice Estève pour le cinéma et la mise en scène ralentit sa production au début des années 1930. Elle reprend cependant en 1933 avec une facture et des sujets nouveaux. Il s’attache à représenter des scènes d’ablutions, en créant des jeux d’ombres et de lumières. Les figures, aux volumes robustes, sont réalisées sans dessin préalable.

La guerre civile espagnole ravive les souvenirs de Catalogne de Maurice Estève, et provoque sa période expressionniste en 1936. Ses œuvres telles que Les sœurs de Barcelone présentent des alors personnages aux silhouettes torturées, et aux visages comparables à des masques. Cette phase expressionniste est intense mais brève. Dès 1937, Maurice Estève se lie avec Robert et Sonia Delaunay, pour qui la couleur est forme et mouvement. A leurs côtés, Maurice Estève réalise des décors muraux pour l’Exposition universelle de Paris. En 1938, Maurice Estève se rapproche du Primitivisme hiératique, et se consacre à la réalisation de natures mortes et de tableaux intimes, à présence féminine, sous l’influence de Cézanne et de Pierre Bonnard. Pendant l’Occupation, pour échapper à l’atmosphère d’enfermement parisienne, il retourne cependant à la penture de paysage, avec un intérêt marqué pour l’ouverture des espaces et la brillance des couleurs.

Estimer mon oeuvre de Maurice Estève

Estimation et cote de Maurice Estève sur le marché de l'art

Dans les années 1940, après avoir rencontré Ferdinand Léger en 1946, Maurice Estève évolue vers l’Abstraction. Il consomme cette transition avec Hommage à Fouquet (1952), dans lequel il utilise la couleur pure, sans référent extérieur, en donnant une grande importance à la couleur et à la lumière. Son cheminement n’est pas le résultat d’une conversion mais plutôt l’aboutissement de ses multiples expérimentations artistiques.

A partir des années 1950, Maurice Estève multiplie d’ailleurs les pratiques, et traduit son art sur tous types de supports. Il réalise ses premières lithographies en 1952 à l’atelier Clot. Ayant reçu la commande de cartons de vitraux pour l’église de Berlincourt, il les conçoit comme une couronne de lumière (1957). Après les vitraux, Maurice Estève s’essaie à la réalisation de cartons de tapisserie, sur la commande du marchand Iram Iynedjian en 1963. La même année, il commence à pratiquer activement le collage, mais réserve cette pratique à ses séjours dans le Cher. Maurice Estève mène des recherches sur la matérialité des œuvres jusqu’à la fin de sa carrière, récompensées en 1970 par le Grand Prix national des Arts, puis en 1987 par une exposition hommage au Grand-Palais.

Les œuvres des membres de la Seconde école de Paris ont suscité un véritable engouement des collectionneurs entre les années 1996 et 2006, avec une hausse de leur estimation de 130%. Les œuvres de Maurice Estève ont bénéficié de cette faveur, comme en témoigne la vente de succession d’Olga Carré, veuve du galerie Louis Carré, en 2002. Maurice Estève ayant signé un contrat d’exclusivité avec ce galeriste en 1942, les œuvres présentées à cette vente étaient nombreuses. Ce sont les dessins qui ont eu le plus de succès, étant souvent adjugés à 4 fois au-delà des estimations hautes (soit à 3 000 – 8 000€). Les ventes n’atteignent cependant plus les niveaux des années 1990, et le record des ventes est encore détenu par une vente londonienne de 1990 (Trigourec (1972), adjugé pour 483 988 € soit 297 000 £). Aujourd’hui, pour un budget de 10 000 à 50 000 €, l’amateur peut trouver un large choix de travaux sur papiers, et pour 50 000 à 150 000 €, il est possible d’acquérir une peinture.

Vous souhaitez faire expertiser un tableau de Maurice Estève et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire. Estimez votre oeuvre de Maurice Estève en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Estimer mon oeuvre de Maurice Estève

En lien avec Maurice Estève

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.

Remplir le formulaire

Nom, prénom, email … Toutes les informations nécessaires pour que nos experts puissent vous recontacter rapidement suite à votre demande d’expertise d’objet.
Étape 1

Joindre vos photos

Veillez à ce que les photographies soient nettes, de bonne qualité et prises sous tous les angles afin que nos experts puissent réaliser l’estimation de votre œuvre.
Étape 2

Réponse en 48 heures

Une fois que nous avons reçu les éléments, nos commissaires priseurs réalisent l’expertise de votre bien et vous fournissent une première estimation en 48h.
Étape 3
ESTIMATION GRATUITE
Estimation gratuite Auguste Herbin

Auguste Herbin

by Art moderne

Home » artistes » Page 170

Estimation et cote de l'artiste Auguste Herbin

Auguste Herbin (1882-1960) est un peintre, fresquiste, sculpteur et dessinateur qui eut un rôle central sur le développement de l’Abstraction géométrique française grâce à son « Alphabet plastique ». Il rejoint successivement les groupes de la Section d’Or, Abstraction-Création, et Réalités Nouvelles.

Estimation gratuite Auguste Herbin

Vous souhaitez  expertiser une œuvre d’Auguste Herbin et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire. Faites estimer une œuvre d’Auguste Herbin en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Estimer mon oeuvre d'Auguste Herbin

Les recherches stylistiques d’Auguste Herbin

Les années de formation

Auguste Herbin découvre le dessin en suivant les cours municipaux. Une bourse de mérite lui permet de s’inscrire à l’école des Beaux-Arts de Lille, et d’y étudier le dessin entre 1900 et 1901. Rapidement, Auguste Herbin s’installe à Paris. Il y découvre l’Impressionnisme et le Postimpressionnisme de Manet, Seurat, Van Gogh et Cézanne. En 1906, il expose au Salon des Indépendants des toiles présentant des formes et couleurs indépendantes de la réalité. Il est alors qualifié de Fauve par la critique.

Auguste Herbin et le cubisme

Auguste Herbin se nourrit des innovations artistiques de la scène parisienne. Il s’installe au Bateau-Lavoir en 1909, et mène des expériences cubistes. Cherchant à transcrire la réalité, il rejoint le cubisme « prismatique », et expose ses toiles en 1912 à la Section d’Or à Paris, ainsi qu’à la Sécession de Berlin. L’année suivante, ses œuvres sont présentées à l’Armory Show de New York.

Estimer mon oeuvre d'Auguste Herbin

Entre Abstraction et figuration

Auguste Herbin compte parmi les pionniers de l’Abstraction en France. A partir de 1917, il choisit l’abstraction pure. Ses toiles se présentent alors comme des compositions de couleurs, non figuratives. Il est exposé par la Galerie de L’Effort Moderne dirigée par Léonce Rosenberg. De 1922 à 1925, dans un contexte de Retour à l’ordre, Auguste Herbin revient brièvement à la figuration. Il figure les paysages de Haute-Provence, mais dans une sensibilité cubiste renouvelée. La représentation est soumise à un découpage géométrique rigoureux. S’interrogeant sur les fondements de la création artistique, Auguste Herbin se tourne finalement définitivement vers l’Abstraction.

Auguste Herbin, le peintre Abstrait à l’ « Alphabet plastique »

La mise en place d’un vocabulaire particulier

A partir de 1926, Auguste Herbin cherche à créer un art universel accessible à tous, en donnant une nouvelle tridimensionnalité à son œuvre. S’inspirant de la symbolique des couleurs développée par Vassily Kandinsky, Auguste Herbin met en place un « Alphabet plastique » qu’il théorise dans L’Art Non Figuratif Non Objectif en 1949. Associant les formes et les couleurs à des sensations précises, à une spatialité particulière, il codifie la couleur pour permettre une transmission universelle des émotions, et donne à chaque coloris des significations multiples. Ainsi, il associe le jaune au rayonnement vers l’extérieur, et le bleu au rayonnement vers l’intérieur. Le rouge, jaune et bleu sont aussi associés à la mobilité, et le blanc, le noir et le vert à l’immobilité. Enfin, les roses et les violets peuvent être associés tant à la mobilité qu’à l’immobilité, selon les teintes qui les encadrent. Les formes et couleurs sont simplifiées pour maitriser les relations des couleurs entre elles, qui changent leurs significations. A chaque lettre correspondent une couleur et plusieurs formes. Les œuvres sont des compositions de formes et de couleurs, sans recours à la sensibilité, qu’Auguste Herbin rejette pour sa subjectivité. Cette codification annonce les structures primaires de l’Abstraction minimaliste américaine. Auguste Herbin s’illustre également par des sculptures qui adoptent des formes géométriques et organiques.

Une figure tutélaire de l’Abstraction

L’importance d’Auguste Herbin pour l’histoire de l’Abstraction se manifeste par son rôle dans la création du groupe Abstraction-Création, réunissant les artistes abstraits travaillant à Paris, avec Georges Vantongerloo en 1931. Auguste Herbin compte aussi parmi les fondateurs du Salon des Réalités Nouvelles en 1946, qu’il dirige jusqu’en 1955. La renommée de l’artiste est très forte après la guerre, et son influence sur l’Abstraction géométrique perdure jusqu’à sa mort en 1960.

Estimation et cote d'Auguste Herbin sur le marché de l'art

Auguste Herbin est un artiste polymorphe reconnu par les collectionneurs pour l’entièreté de sa carrière artistique. En ce qui concerne les peintures, elles sont estimées pour la plupart entre 10 000 et 50 000 €. Ce sont avant tout les œuvres réalisées en Corse et à Paris en 1907, les plus rares dans sa production, qui remportent l’adhésion des collectionneurs. Elles représentent les 7 meilleures ventes de toiles de l’artiste, avec Route de montagne en Corse (1907), vendue à New York en 2018 pour 589 398 € (700 000 $), comme vente la plus élevée. Ses toiles de sa première période abstraite sont classées juste derrière, avant ses créations inspirées par son alphabet. Les dessins et aquarelles les plus prisées sont pour leur part les compositions « cubistes » de sa première période abstraite, le record des ventes étant détenu par Composition cubiste (1918), vendue à New York en 2017 pour 72 896 € (80 000 $ ).

(Illus.)Auguste Herbin dans l’atelier de Picasso, 11 boulevard de Clichy, début 1911

ous souhaitez faire expertiser un tableau d’Auguste Herbin et recevoir son estimation ?Estimer un tableau d’Auguste Herbin en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Estimer mon oeuvre d'Auguste Herbin

En lien avec Auguste Herbin

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.

Remplir le formulaire

Nom, prénom, email … Toutes les informations nécessaires pour que nos experts puissent vous recontacter rapidement suite à votre demande d’expertise d’objet.
Étape 1

Joindre vos photos

Veillez à ce que les photographies soient nettes, de bonne qualité et prises sous tous les angles afin que nos experts puissent réaliser l’estimation de votre œuvre.
Étape 2

Réponse en 48 heures

Une fois que nous avons reçu les éléments, nos commissaires priseurs réalisent l’expertise de votre bien et vous fournissent une première estimation en 48h.
Étape 3
ESTIMATION GRATUITE
Estimation gratuite Georges Mathieu

Georges Mathieu

by Art Contemporain

Home » artistes » Page 170

Estimation et cote de Georges Mathieu

Georges Mathieu (1921-2012) est l’un des maîtres incontestés de l’abstraction lyrique, un mouvement dont il fut à la fois le pionnier et le théoricien. Son œuvre, marquée par la spontanéité du geste et la fulgurance de la couleur, rompt avec les canons traditionnels de la peinture pour s’imposer comme une véritable écriture de l’énergie. Visionnaire, provocateur et poète, Mathieu a profondément influencé l’art du XXᵉ siècle, ouvrant la voie à l’expression gestuelle et à la performance picturale.

Estimation gratuite Georges Mathieu

Prix des œuvres de Georges Mathieu

  • Peinture : entre 15 000 € et 800 000 €

  • Dessin, gouache ou encre : entre 2 000 € et 60 000 €

  • Estampe ou lithographie : entre 300 € et 5 000 €

Vous possédez une toile, une gouache ou une estampe de Georges Mathieu et souhaitez en connaître la valeur ? Faites appel à Estimon’objet, plateforme d’expertise et d’estimation en ligne de référence. Nos commissaires-priseurs et experts spécialisés en art moderne et contemporain vous garantissent une estimation gratuite, précise et confidentielle, réalisée à partir de simples photos et descriptions. Que votre œuvre soit une peinture monumentale, une composition sur papier ou une lithographie, Estimon’objet vous accompagne dans toutes les étapes de l’évaluation et de la vente, en France comme à l’international.

Estimer un tableau de Georges Mathieu

Georges Mathieu, le maître de l’abstraction lyrique

Né à Boulogne-sur-Mer en 1921, Georges Mathieu se forme d’abord à la littérature et à la philosophie avant de se tourner vers la peinture dans les années 1940. Très tôt, il revendique une approche intuitive et émotionnelle de l’art, à rebours du constructivisme géométrique dominant à l’époque. En 1947, il expose ses premières œuvres abstraites, où le geste prime sur la forme. En 1948, il organise avec Wols et Hartung l’exposition HWPSMTB, marquant la naissance de l’abstraction lyrique, un courant qu’il définira comme « la traduction directe de l’émotion en peinture ». Sa carrière prend un tournant décisif dans les années 1950, lorsqu’il réalise ses célèbres performances publiques : Mathieu peint alors de grandes toiles en direct, souvent devant des spectateurs, dans un véritable acte de création théâtralisé. Ces gestes rapides, exécutés sans dessin préalable, traduisent l’intensité du moment et la pureté du sentiment.

Une œuvre gestuelle, poétique et monumentale

Les œuvres de Georges Mathieu se distinguent par :

  • Un geste calligraphique libre : le pinceau, souvent trempé directement dans la peinture, glisse ou éclabousse la toile dans un élan spontané.

  • Une palette éclatante : rouge carmin, bleu outremer, or, noir et blanc s’entrecroisent pour créer des compositions dynamiques et vibrantes.

  • Une tension entre chaos et harmonie : chaque toile est un champ de forces où la matière semble exploser tout en obéissant à une mystérieuse rigueur interne.

Ses peintures emblématiques — telles que Homage to Charles Quint (1958), Bataille de Bouvines (1954) ou Capétienne (1972) — illustrent cette énergie brute et spirituelle. Par son approche performative et intuitive, Mathieu a anticipé le dripping de Pollock et influencé les grands mouvements gestuels américains et japonais (Gutai).

Je souhaite une expertise gratuite de mon Georges Mathieu

Georges Mathieu, un artiste célébré à travers le monde

Tout au long de sa carrière, Georges Mathieu a exposé dans les plus prestigieux musées et galeries du monde : le Musée d’Art Moderne de Paris, la Tate Gallery à Londres, le Museum of Modern Art (MoMA) de New York, ou encore le Musée national d’art moderne de Tokyo.
Il est également connu pour ses incursions dans le design et la communication : il a conçu des logos (comme celui d’Antenne 2 en 1975) et des pièces de mobilier au style baroque et futuriste. Chevalier de la Légion d’Honneur et membre de l’Académie des Beaux-Arts, Mathieu laisse une œuvre foisonnante, célébrée tant pour son audace plastique que pour sa philosophie de la création.

Cote des oeuvres de Georges Mathieu sur le marché de l'art

La cote de Georges Mathieu connaît une ascension continue depuis plusieurs années, portée par un regain d’intérêt pour les pionniers de l’abstraction gestuelle. Les grandes toiles des années 1950 à 1970 atteignent régulièrement des prix élevés, tandis que les œuvres sur papier restent accessibles pour les jeunes collectionneurs. Les collectionneurs apprécient particulièrement les œuvres datées et signées de la main de l’artiste, dont la gestuelle unique garantit l’authenticité. Cette forte demande confirme la place de Mathieu parmi les artistes français les plus influents du XXᵉ siècle. Quelques ventes marquantes de Georges Mathieu :

  • Souvenir de la maison d’Autriche (1958), huile sur toile, vendue plus de 2 000 000 € en 2021.

  • Capétienne (1972), huile sur toile, adjugée 1 250 000 €

  • Hommage à Louis XI (1955), vendue près de 750 000 €

  • Les Capétiens partout ! (1960), huile sur toile, adjugée 680 000 € à Paris

Vous possédez une œuvre de Georges Mathieu — peinture, gouache, dessin ou lithographie — et souhaitez en connaître la valeur actuelle ? Grâce à Estimon’objet, obtenez une estimation gratuite, rapide et confidentielle, réalisée par des experts spécialisés en art abstrait et contemporain. En quelques clics, transmettez vos photos et informations : notre équipe vous délivrera une évaluation rigoureuse et vous orientera vers la meilleure stratégie de vente pour valoriser votre œuvre sur le marché français et international.

(Illus.) Georges MATHIEU (1921-2012) Jour immense. 1986

Estimation Georges Mathieu

Reconnaître la signature de Georges Mathieu

La signature de Georges Mathieu est généralement inscrite en bas à droite ou à gauche de la toile, à la peinture fine ou au pinceau brosse. Elle se caractérise par une écriture rapide, légèrement inclinée, souvent accompagnée de la date. Dans certaines œuvres, notamment les grands formats, Mathieu ajoute parfois un titre manuscrit au dos de la toile. Sa signature, fluide et nerveuse, reflète le dynamisme de son geste pictural : les lettres sont élancées, le « G » souvent ouvert et le « M » anguleux. Ces particularités, ainsi que la présence d’un certificat ou d’une provenance claire, permettent de confirmer l’authenticité d’une œuvre du maître.

Signature Georges Mathieu
Expertise signature Georges Mathieu
Expertise gratuite Georges Mathieu

En lien avec Georges Mathieu

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.

Remplir le formulaire

Nom, prénom, email … Toutes les informations nécessaires pour que nos experts puissent vous recontacter rapidement suite à votre demande d’expertise d’objet.
Étape 1

Joindre vos photos

Veillez à ce que les photographies soient nettes, de bonne qualité et prises sous tous les angles afin que nos experts puissent réaliser l’estimation de votre œuvre.
Étape 2

Réponse en 48 heures

Une fois que nous avons reçu les éléments, nos commissaires priseurs réalisent l’expertise de votre bien et vous fournissent une première estimation en 48h.
Étape 3
ESTIMATION GRATUITE
Estimation gratuite Andrew Dasburg

Andrew Dasburg

by Art moderne

Home » artistes » Page 170

Estimation et cote de l'artiste Andrew Dasburg

Andrew Dasburg, peintre, dessinateur et sculpteur, est considéré comme le premier représentant américain du modernisme. 

Estimation gratuite Andrew Dasburg

Vous souhaitez  expertiser une œuvre d’Andrew Dasburg et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire. Faites estimer une œuvre d’Andrew Dasburg en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Estimer mon oeuvre d'Andrew Dasburg

Les inspirations artistiques d'Andrew Dasburg

Né à Paris en 1887, Andrew Dasburg déménage avec sa famille aux Etats-Unis à l’âge de cinq ans. Blessé lors d’un accident en 1891, il porte un handicap à la hanche, qui le contraint à suivre un enseignement dans des écoles spécialisées.  

Andrew Dasburg se forme à la peinture à l’Art Student League sous la direction de Kenyon Cox, Frank DuMond et Birge Harrison. Il poursuit cet apprentissage auprès de Robert Henri, dont il suit les cours du soir à la New York School of Art, aussi appelée Chase School. S’installant à Woodstock en 1908, il partage un atelier avec le peintre impressionniste John Fabian Carlson. 

Découverte des avant-gardes à Paris et premières expositions d’Andrew Dasburg aux États-Unis

En 1909, Andrew Dasburg se rend à Paris, où il se mêle au cercle de Gertrude Stein. Ce séjour lui fournit l’occasion de rencontrer Pablo Picasso, de visiter le studio d’Henri Matisse, et de découvrir Paul Cézanne à la Galerie Vollard et Auguste Renoir dans la maison de Paul Durand-Ruel. Rentré aux Etats-Unis dès 1911, il commence à exposer ses œuvres à l’Armory Show en 1913. Les trois tableaux et la sculpture présentés au cours de ce dernier événement sont inspirés à la fois par les tableaux de Paul Cézanne, d’Henri Matisse, et de Georges Braque, mais aussi par le Futurisme alors naissant. A l’aide de petites touches colorées, Andrew Dasburg met en valeur l’architecture du paysage. Ses œuvres, au fait des dernières innovations européennes, suscitent l’étonnement. La réception est enthousiaste et il est choisi pour devenir membre de l’Union des Beaux-Arts et Lettres sous le patronage de Paul Adam, Auguste Rodin, et Vincent d’Indy. 

Un rapport tourmenté à l’abstraction

Andrew Dasburg se tourne progressivement vers l’Abstraction, développant une version propre du Cubisme, pour retrouver la structure et la signification des formes, comme en témoigne son tableau Improvisation (1915-1916). Cependant dès 1916 il abandonne l’Abstraction totale, pour retourner à l’art figuratif. Ce faisant, il détruit nombre de ses travaux antérieurs. Andrew Dasburg se tourne vers l’enseignement, enseignant la peinture de paysage à Woodstock à partir de 1917, et à la Student Art League de 1919 à 1921. 

Estimer mon oeuvre d'Andrew Dasburg

Andrew Dasburg, figure majeure de la scène artistique du Nouveau Mexique

Dans les années 1920, Andrew Dasburg étudie de façon approfondie l’art de Paul Cézanne, et réalise une série de paysages du Nouveau Mexique, région qu’il a découvert à l’été 1918. Séduit par Taos, il y retourne chaque année, ainsi qu’à Santa Fe. C’est l’un des premiers peintres modernistes attachés à cette région. 

Andrew Dasburg est progressivement considéré comme un personnage éminant de la communauté artistique locale. Collectionneur et vendeur d’artisanat hispanique et amérindien, il cofonde The Spanish and Indian Trading Company en 1926. 

Comptant parmi les artistes majeurs de la scène américaine dans les années 1930, Andrew Dasburg reçoit le Guggenheim Fellowship en 1932 pour étudier la peinture murale à Mexico. Après quelques mois, il renonce cependant à cette bourse pour pouvoir rentrer chez lui et divorcer. 

L’année suivante il s’installe définitivement au Nouveau Mexique, et continue ses recherches inspirées du Cubisme pour transcrire le paysage. Souffrant de la maladie d’Addison, Andrew Dasburg interrompt cependant sa carrière pendant sept ans. Il retrouve cependant à la fin des années 1930 la force de recommencer à peindre, et retourne à l’Abstraction en 1947. Son art reste intimement lié à la nature, mais approche le paysage de manière émotionnellement neutre, à l’aide de formes géométrique et de lignes entrecroisées, dans une démarche comparable à celle de Piet Mondrian. 

Sa carrière est récompensée par un doctorat honoraire en Beaux-Arts remis par l’université de New Mexico en 1958.

Estimation et cote de Dasburg sur le marché de l'art

Peintre américain, l’œuvre d’Andrew Dasburg n’a jusqu’à aujourd’hui été vendue en enchères publiques que sur le marché américain. Ce sont ses dessins et aquarelles qui occupent la plus grande part du marché (67%), au détriment de ses peintures (29%) et estampes (4,76%). Ce sont cependant les peintures qui atteignent les prix les plus élevés. Le record des ventes est détenu par son tableau Landscape (1913), vendu à New-York en 2018 pour 176 956 € (200 000 $). Ses œuvres circulent peu sur le marché de l’art. Ainsi, seuls sept dessins et estampes ont été vendus entre 2012 et 2022. Les estimations sont pour leur part assez variables, deux des dessins ayant été évalués à 2000-5000 €, quatre autres à 1200-2000 €, et le dernier dessin à 700-1000€. 

(Illus.)Improvisation, par Andrew Dasburg, v. 1915-1916. Wikimedia.

Vous souhaitez faire expertiser un tableau d’Andrew Dasburg et recevoir son estimation ? Estimez votre œuvre d’Andrew Dasburg en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Estimer mon oeuvre d'Andrew Dasburg

En lien avec Andrew Dasburg

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.

Remplir le formulaire

Nom, prénom, email … Toutes les informations nécessaires pour que nos experts puissent vous recontacter rapidement suite à votre demande d’expertise d’objet.
Étape 1

Joindre vos photos

Veillez à ce que les photographies soient nettes, de bonne qualité et prises sous tous les angles afin que nos experts puissent réaliser l’estimation de votre œuvre.
Étape 2

Réponse en 48 heures

Une fois que nous avons reçu les éléments, nos commissaires priseurs réalisent l’expertise de votre bien et vous fournissent une première estimation en 48h.
Étape 3
ESTIMATION GRATUITE
Estimation gratuite Daum

Daum frères

by Art DécoratifVaseVerrerie

Home » artistes » Page 170

Estimation et cote des frères Daum

La verrerie et cristallerie Daum frères se distingue avant tout par sa créativité artistique et technique. Son histoire est à la fois celle d’une famille et d’un artisanat. La manufacture est fondée à Nancy, dans un territoire traditionnellement attaché à la fabrication verrière depuis le XVIIème siècle.

Estimation gratuite Daum

Prix des œuvres Daum Nancy

  • Verrerie (vases, lampes, coupes, cristal gravé ou émaillé) – entre 150 € et plus de 350 000 €

Vous souhaitez  expertiser une œuvre des frères Daum et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire. Faites estimer une œuvre des frères Daumen quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Estimer un vase Daum Nancy

Les débuts de Daum frères et Cie, entreprise de céramique familiale

Jean Daum, notaire de Bitche, prend la direction de l’usine de verre Sainte-Catherine fondée en 1874. Il rachète progressivement les parts des propriétaires, qu’il lègue à ses fils Auguste et Antonin Daum. La manufacture prend alors le nom de Daum frères et Cie. Les frères Daum proposent du verre à vitre, puis du verre taillé. C’est surtout la verrerie « fantaisiste », qu’ils proposent à partir de 1891, qui fait leur fortune. Les pièces de Daum frères se rattachent par leur style à l’Art nouveau alors en plein essor à Nancy. Les motifs inspirés par la nature, en particulier les semis de fleurs, ont la part belle dans les verres Daum frères. La conception des pièces « fantaisie » est confiée à des collaborateurs extérieurs prometteurs, tels que Jacques Grueber, qui rénove l’art du vitrail, Louis Majorelle, qui dessine les lampes pour Daum frères, ou encore Edmond Lachenal, qui conçoit les verres et gobelets. Le dessinateur Henri Bergé assure la formation des artisans verriers dans les années 1900, et imagine les motifs floraux et paysagers de la manufacture.

Estimer une œuvre des frères Daum

Frères Daum : de la verrerie d'art moderne et accessible

Les frères Daum s’inscrivent dans la modernité par leurs recherches techniques en matière de verrerie d’art. Réalisant l’importance de l’éclairage électrique, ils fabriquent des luminaires adaptés dès 1898. Souhaitant baisser leur coût de revient, ils exploitent toutes les possibilités offertes par la gravure à l’acide fluorhydrique, réduisant ainsi le temps consacré au décor des verres. Le succès commercial de Daum frères s’explique également par la présence de l’entreprise aux Expositions universelles de Chicago de 1893 et de Bruxelles en 1897, qui assure à la manufacture une publicité internationale. La réussite de Daum frères est couronnée à l’Exposition universelle de 1900, où ils reçoivent le premier prix. En parallèle des pièces d’expositions, Daum frères propose des pièces d’usage plus simples, accessibles à tous. Pour ces pièces, le catalogue reste le même jusqu’aux années 1925. Pour les pièces d’exception, à partir des années 1910, les verres se font plus clairs, et intègrent des paillons d’or qui mettent en évidence les effets de transparence. La Première Guerre mondiale donne un coup d’arrêt à la production. Elle reprend rapidement après la guerre, sous la direction artistique de Paul Daum. La manufacture se rapproche désormais du style Art Déco, qui séduit désormais la clientèle. La manufacture Daum continue à se distinguer par des prouesses techniques et le raffinement du décor, comme le montre le vase à Camille Cavallier, réalisé en 1924. Bien que des crises économiques et sociales marquent l’entre-deux-guerres, la commande de la verrerie de table du paquebot Normandie en 1935 donne de nouvelles perspectives à la manufacture. C’est l’occasion pour Daum frères se livrer aux premiers essais de production de cristal, qui fait la fortune de l’entreprise après la Seconde Guerre mondiale. Pendant la guerre, Paul Daum qui est démobilisé assure la direction de l’entreprise jusqu’à sa déportation en 1943.

Estimation et cote des frères Daum sur le marché de l'art

A la Libération, l’entreprise désormais dirigée par Henri et Michel Daum choisit de se dédier à la fabrication de pièces en cristal. Michel Froissart, petit-fils d’Antonin Daum, met au point un cristal « blanc », suffisamment épais et pur pour être présenté sans artifice de taille ni de décor. La technique du « mandrin » permet aux artisans de se dispenser du soufflage du verre, et de donner des formes sculpturales au cristal. Les pièces Daum frères se caractérisent désormais par des formes fluides et simples, aux lignes harmonieuses, qui cherchent avant tout à réfracter la lumière. La créativité et l’originalité du nouveau style de Daum frères sont consacrées lors de l’exposition L’Art du verre présentée à Paris en 1951. Cependant Daum frères connait un déclin à partir des années 1960, et dépose le bilan en 1983, après l’échec de sa fusion en 1975 avec la Compagnie française du Cristal. La production de Daum frères couvre un arc temporel long. Ce sont pourtant surtout les pièces de Style Art nouveau qui font leur succès aujourd’hui sur le marché de l’art. Les pièces sont prisées en particulier en Allemagne, qui compte 70% des ventes, et au Japon, qui enregistre les valeur les plus hautes valeurs lors des ventes. C’est à Tokyo que s’est vendu en 2015 le Reseda And Bruyere Flower Vase (vers 1900), qui constitue le record des ventes de vases Daum frères (66 690 €). Depuis ce pic en 2015, la valeur des objets Daum frères a décru en 2015, mais connait une légère remontée depuis 2021. A titre indicatif, les vases ont actuellement une estimation entre 8 000 et 30 000 €, les lampes sont estimées de 3 000 à 5 000 €, et les bols et gobelets de 400 à 3 000 €. Vous souhaitez faire expertiser une œuvre des frères Daum et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire. Estimez votre objet des frères Daum en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Estimer un vase signé Daum NANCY

Reconnaître la signature Daum Nancy

Reconnaitre la signature de Daum Nancy est une étape essentielle pour authentifier les créations de cette prestigieuse cristallerie fondée en 1878 par Jean Daum et ses fils, maîtres verriers emblématiques de l’Art nouveau. Les signatures varient selon les époques et les techniques : les pièces des années 1890 à 1914 portent généralement la mention « Daum Nancy » accompagnée de la croix de Lorraine, symbole régional et marque distinctive de la maison. Cette signature peut être gravée à la roue, émaillée, ou encore acide-gravée sur le flanc ou à la base du vase. Les œuvres les plus anciennes présentent parfois une inscription manuscrite légèrement irrégulière, tandis que les productions postérieures à 1920 arborent une signature plus standardisée, souvent moulée ou en relief. Sur les créations contemporaines, la mention « Daum France » est gravée ou apposée au burin sur le cristal. Face aux nombreuses reproductions ou pièces attribuées par erreur à la manufacture, faire authentifier la signature par un expert reste indispensable. Sur Estimon’Objet, nos spécialistes du verre et de l’Art nouveau vous accompagnent dans l’identification, l’authentification et l’estimation de vos œuvres signées Daum Nancy.

Signature Daum Nancy
Expertise signature Daum Nancy
Expertise gratuite Daum Nancy

En lien avec les frères Daum Nancy

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.

Remplir le formulaire

Nom, prénom, email … Toutes les informations nécessaires pour que nos experts puissent vous recontacter rapidement suite à votre demande d’expertise d’objet.
Étape 1

Joindre vos photos

Veillez à ce que les photographies soient nettes, de bonne qualité et prises sous tous les angles afin que nos experts puissent réaliser l’estimation de votre œuvre.
Étape 2

Réponse en 48 heures

Une fois que nous avons reçu les éléments, nos commissaires priseurs réalisent l’expertise de votre bien et vous fournissent une première estimation en 48h.
Étape 3
ESTIMATION GRATUITE
Estimation Pierre Savigny de Belay

Pierre Savigny De Belay

by Art modernePeinture Régionaliste

Home » artistes » Page 170

Estimation et cote de l'artiste Pierre Savigny de Belay, peintre français du XXième siècle

Pierre Savigny de Belay (dit Pierre de Belay) est un artiste peintre, aquarelliste, dessinateur et graveur, né à Quimper. Il se distingue par son attachement à la fois à Paris et à la Bretagne.
Estimation Pierre Savigny de Belay

Vous souhaitez faire expertiser un tableau de Pierre Savigny de Belay et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire en cliquant ici. Estimez votre œuvre de Pierre Savigny de Belay en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Estimer mon oeuvre de Pierre Savigny de Belay

Pierre de Belay, un artiste entre Quimper et Paris

C’est en rendant visite à Max Jacob, ami de la famille, en 1905, que Pierre Savigny de Belay rencontre les artistes du Bateau-Lavoir. Ces artistes assurent sa formation, et il réalise au cours de ce séjour ses premières œuvres connues, des portraits d’amis au crayon. Pierre Savigny de Belay n’appartient alors à aucune école, mais se nourrit du bouillonnement artistique de la scène parisienne, où se déploient alors le Fauvisme, l’Expressionnisme, et l’Impressionnisme tardif. De retour à Paris entre 1908 et 1910, il s’affirme comme portraitiste. Il ne choisit cependant la carrière artistique qu’une fois démobilisé, en 1918. Il s’installe alors à Paris, et étudie à l’Académie de la Grande Chaumière. Son style personnel s’épanouit à partir de 1919.

Pierre de Belay et les années 1920 : fêtes et folklore

Le peintre de la vie nocturne de Montparnasse

En 1920, Pierre Savigny de Belay réalise sa première peinture de café à La Rotonde, à Montparnasse. Représentant les terrasses des cafés et restaurants, il s’affirme comme peintre de la vie nocturne des Années folles. Pierre Savigny de Belay participe également à la vie artistique comme décorateur et critique. Entre 1923 et 1926, il réalise aussi des dessins pour la revue Arlequin, périodique des arts et des spectacles, dans un esprit proche de la caricature.

Le peintre de la Bretagne

Pierre Savigny de Belay fait une partie de sa carrière en Bretagne. Il y rencontre un grand succès à partir de 1923, grâce aux toiles réalisées pour le décor de l’Hôtel Ker Moor à Bénodet (1922). A partir de cette date, il se rend chaque été en Cornouaille. Il représente les traditions et la modernité de la Bretagne contemporaine, avec des thèmes tels que les marchés, fêtes et Pardons, mais aussi des scènes de ports. Le peintre renouvelle les thèmes traditionnels bretons avec un style résolument moderne, adoptant une gamme de tons limité, et des formes synthétiques. Il emprunte au fauvisme dans les teintes choisies, et au cubisme dans sa construction des formes, comme dans La Gavotte (1919). En 1924, le critique Gustave Khan remarque Le port de Concarneau de Pierre Savigny de Belay au Salon des Indépendants, et devient un soutien fidèle du peintre. Il réalise ses premières expositions personnelles à Paris en 1924 et 1925, et remporte un grand succès. En parallèle, il expose avec l’Union artistique à Concarneau en 1925. La visibilité accrue de l’artiste entraine des commandes, dont celle du décor du bal de la Horde en 1926.

Estimer mon oeuvre de Pierre Savigny de Belay

Les années 1930 et 1940 : les Avocats, le « treillisme » et le classicisme

Dans les années 1930, Pierre Savigny de Belay continue à représenter les scènes de la vie parisienne, et consacre à partir de 1931 une série au monde judiciaire, surnommée « la période des avocats ». Grâce à un ami qui lui obtient une carte de presse, le dessinateur documente des procès. Il représente notamment l’affaire Stavisky par des dessins et peintures quotidiens, exposés à la galerie Katia Granoff à Paris en 1935. L’État acquiert plusieurs œuvres à Pierre Savigny de Belay, à partir de 1931. Il est alors au sommet de son art, et c’est à cette période qu’il réalise ses œuvres les plus célèbres, Le Buveur (1936) et Le joueur de Biniou (1938). Artiste dans le goût officiel, il participe à l’Exposition Universelle de 1937 avec La pêche au chalut, un panneau monumental de 10 x 4 m. Pierre Savigny de Belay reçoit également des commandes internationales, et réalise dès la fin des années 1930 des projets à l’étranger. Ainsi, il se rend à Stockholm en 1939 pour préparer les décors, costumes et affiches du théâtre Folkan, mais rentre en France à cause de la guerre. Pierre Savigny de Belay invente une nouvelle technique à la peinture à l’huile, qu’il nomme le « treillisme ». Cette technique, inspirée de la gravure qu’il pratique depuis 1925, utilise l’entrecroisement de traits pour donner une impression de profondeur, comme dans La Bretonne (1941). Il consacre une exposition au « treillisme » à Paris en 1943, avant de retourner à la tradition classique.

La cote des œuvres de Pierre Savigny de Belay

Pierre Savigny de Belay est un artiste bien représenté dans les collections muséales françaises en raison de don de nombreuses œuvres par sa veuve à différentes institutions en 1972. Il est apprécié avant tout par les collectionneurs français (95% des ventes en France). Ses aquarelles et dessins, qui représentent 57% des ventes, font de lui un artiste très accessible. La plupart s’échangent pour 100 à 500 €. Les peintures, pour leur part, ont une estimation généralement comprise entre 1 000 et 5 000 €, bien que le prix de vente puisse largement dépasser les 18 000 € s’il s’agit de scènes bretonnes.

(Illus.)Pierre Savigny de Belay, La Bretonne, 1941, Musée des Beaux-Arts de Brest

Je désire une estimation gratuite

En lien avec Pierre Savigny de Belay ​

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.

Remplir le formulaire

Nom, prénom, email … Toutes les informations nécessaires pour que nos experts puissent vous recontacter rapidement suite à votre demande d’expertise d’objet.
Étape 1

Joindre vos photos

Veillez à ce que les photographies soient nettes, de bonne qualité et prises sous tous les angles afin que nos experts puissent réaliser l’estimation de votre œuvre.
Étape 2

Réponse en 48 heures

Une fois que nous avons reçu les éléments, nos commissaires priseurs réalisent l’expertise de votre bien et vous fournissent une première estimation en 48h.
Étape 3
ESTIMATION GRATUITE
Estimation gratuite Henri Matisse

Henri Matisse

by Art moderne

Home » artistes » Page 170

Estimation et cote de l'artiste Henri Matisse

Henri Matisse (1869-1954) est un dessinateur et peintre au chromatisme vibrant, ayant mené tout au long de sa carrière des recherches sur la couleur.

Estimation gratuite Henri Matisse

Vous souhaitez  expertiser une œuvre d’Henri Matisse et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire. Faites estimer une œuvre d’Henri Matisse en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Estimer mon oeuvre d'Henri Matisse

Henri Matisse : des recherches sur la couleur dès sa formation académique

Henri Matisse découvre le dessin lors d’une convalescence en 1879. Deux ans plus tard, il abandonne ses études de droit pour étudier la peinture à l’Académie Julian. Il entre dans l’atelier de Gustave Moreau à partir de 1892, puis intègre l’École des Beaux-Arts de Paris en 1895. Il copie alors les maitres du Louvre, et peint des natures mortes.

En 1895, grâce à une exposition au Palais du Luxembourg, Henri Matisse découvre l’Impressionnisme, et s’essaie immédiatement à la peinture en plein air en Bretagne. Sur les conseils de Pissarro, il se rend à Londres en 1898 pour découvrir l’œuvre de William Turner. Inspiré par son traitement de la lumière, Henri Matisse expérimente immédiatement sa méthode à Ajaccio et Toulouse.

A partir de 1900 Henri Matisse complète sa formation à l’Académie de Grande Chaumière et dans l’Atelier Carrière. Cherchant à libérer la couleur dans la peinture, il séjourne chez Paul Signac à Saint-Tropez, et expérimente une version personnelle du divisionnisme. Il y réalise plusieurs œuvres, dont Luxe, calme et volupté (1904).

Henri Matisse, précurseur du Fauvisme

En 1905, Henri Matisse passe l’été à Collioure avec André Derain. Ensemble, ils adoptent une peinture en couleurs non divisées, en aplats de tons purs et contrastes affirmés, donnant naissance au Fauvisme. La Femme au chapeau (1905) exposée par Henri Matisse au Salon d’Automne fait scandale.

La couleur, considérée comme un mode d’expression, n’a pas de fonction descriptive, comme le montrent Le Bonheur de vivre et Nu bleu en 1907.

Estimer mon oeuvre d'Henri Matisse

Les années cubistes et le Retour à l’Ordre : intérêt pour la figure humaine et l’Orient

En 1906, Henri Matisse opère un recentrement sur la figure humaine dans ses peintures, dessins et modelages. Il réalise une série de portraits peints et sculptés dont le visage du modèle est le véritable enjeu. Il adopte une approche conceptuelle des formes, inspirée par l’art africain qu’il découvre en 1906. Henri Matisse est aussi influencé par l’art de Cézanne et des Cubistes, dans ses têtes sculptées telles que Jeannette. Sa peinture se fait de plus en plus géométrique et sombre pendant la guerre, alors qu’il fréquente le cubiste Juan Gris et les Futuristes italiens.

La reconnaissance de l’art d’Henri Matisse est internationale, et il expose à Londres, à Moscou, Berlin, et à New York à l’Armory Show en 1913. Sa renommée est telle qu’il ouvre une Académie à Paris. L’aisance financière que lui procure sa notoriété lui permet de faire de nombreux voyages. Henri Matisse se rend à plusieurs reprises au Maghreb et visite les collections européennes d’art islamique, se constituant par là-même un répertoire de formes nouveau. Puisant dans cette inspiration, il peint une série d’Odalisques entre 1918 et 1929, dans un style inspiré par Ingres. Les décors et costumes qu’il dessine pour les Ballets Russes de Diaghilev soulignent son goût pour les arts décoratifs.

Les arts graphiques et décoratifs : le dessin transparent et les papiers découpés

A partir de 1925, Henri Matisse se consacre au dessin, à la gravure, et aux arts décoratifs. Figure sur fond ornemental (1926) ouvre une nouvelle période dans son œuvre, qui dure jusqu’à la Seconde guerre mondiale. Les formes en réserve sont suggérées à l’aide d’un trait transparent, et mises en valeur par le contraste d’un petit nombre de couleurs. Henri Matisse cherche avant tout à représenter le mouvement et à restituer l’expressivité de la couleur. Pour cela, il exploite tous les médiums, et applique sa techniques sur ses illustrations pour poèmes, sur les panneaux monumentaux tels que de La Danse pour la fondation Barnes, ou encore les cartons de tapisserie.

A partir de 1944, Henri Matisse est très éprouvé par une opération chirurgicale et l’arrestation de sa femme et de sa fille pour faits de résistance. Il développe alors un nouveau mode d’expression, qu’il exploite jusqu’à sa mort. Pour préserver l’intensité de la couleur, il réalise dès 1944 des compostions à partir d’éléments découpés dans des papiers gouachés. Ses premiers collages tels que Jazz (1947) sont relativement simples, mais ils se complexifient vers 1952. La Tristesse du roi (1952) est constituée comme un autoportrait où la couleur triomphe.

A l’instigation du père Couturier et du frère Rayssiguier, Henri Matisse travaille également à la l’architecture et la décoration de la chapelle du Rosaire des Dominicaines de Vence entre 1948 et 1951. Cet ensemble synthétise ses recherches sur l’équilibre des lignes, couleurs, et de la lumière, et est conçu comme une œuvre d’art totale.

Estimation et cote de Matisse sur le marché de l'art

Figure indépendante au goût peu habituel pour les arts décoratifs, Henri Matisse va à contre courant de son époque. Il compte aujourd’hui parmi les artistes les plus prisés mondialement, occupant la 127 rang des ventes en 2021. En ce qui concerne les peintures, l’entrée de gamme est haute, les tableaux ne se vendant qu’exceptionnellement pour moins de 100 000 €. Odalisque couchée aux magnolias (1923), vendue à New York en 2018 pour 60 138 721 € (71 500 000 $) constitue le record des ventes. Pour les dessins et aquarelles, il faut compter 10 000 à 50 000 €, et les estampes s’échangent généralement pour 10 000 à 50 000 €.

Vous souhaitez faire expertiser un tableau d’Henri Matisse et recevoir son estimation ? Estimez votre oeuvre d’Henri Matisse en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Estimer mon oeuvre d'Henri Matisse

En lien avec Henri Matisse

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.

Remplir le formulaire

Nom, prénom, email … Toutes les informations nécessaires pour que nos experts puissent vous recontacter rapidement suite à votre demande d’expertise d’objet.
Étape 1

Joindre vos photos

Veillez à ce que les photographies soient nettes, de bonne qualité et prises sous tous les angles afin que nos experts puissent réaliser l’estimation de votre œuvre.
Étape 2

Réponse en 48 heures

Une fois que nous avons reçu les éléments, nos commissaires priseurs réalisent l’expertise de votre bien et vous fournissent une première estimation en 48h.
Étape 3
ESTIMATION GRATUITE
Estimation gratuite Zdzislaw Beksinski

Zdzislaw Beksinski

by Art Contemporain

Home » artistes » Page 170

Estimation, cote et valeur de l'artiste Zdzislaw Beksinski

Zdzisław Beksiński (1929-2005) est le maître incontesté de l’art fantastique polonais. Cet ancien architecte a marqué les esprits avec ses peintures de cathédrales en ruine, de déserts mystérieux et de personnages squelettiques. Chez lui, pas de demi-mesure : il a tout exploré, de la photographie aux peintures cauchemardesques sur bois, jusqu’à ses derniers travaux sur ordinateur. 

Contactez Estimon’objet pour obtenir une estimation gratuite de votre œuvre de Zdzisław Beksiński ! C’est un artiste rare sur le marché français et sa cote est élevée.

Estimation gratuite Zdzislaw Beksinski

Prix des œuvres de Zdzislaw Beksinski

  • Peinture (huile, tempera, toile) – entre 200 € et plus de 400 000 €

  • Aquarelle, gouache, encre sur papier – entre 70 € et 50 000 €

  • Dessin (crayon, fusain, sanguine, lavis) – entre 70 € et 5 000 €

  • Estampe / multiples / lithographie (tirages signés ou éditions) – entre 130 € et 3 500 €

  • Photographie (tirages, épreuves, séries) – entre 300 € et 3 500 €

Vous souhaitez faire expertiser une œuvre de Zdzisław Beksiński et recevoir son estimation ? Remplissez votre demande via notre formulaire. Estimez votre objet de Zdzisław Beksiński en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

Estimer mon oeuvre de Zdzislaw Beksinski

La cote de Zdzislaw Beksinski sur le marché de l’art

La cote des peintures à l’huile et panneaux

Les tableaux de sa « période fantastique » (les années 1970 et 1980) font s’envoler les enchères, surtout en Pologne où il est une immense star ! Beksiński n’achetait pas de toiles dans le commerce : il peignait ses cauchemars à l’huile ou à l’acrylique sur des panneaux de bois de récupération (type isorel ou aggloméré) qu’il préparait lui-même.

La cote de ces œuvres a littéralement explosé ces cinq dernières années. Voici quelques ventes records et références :

  • Peinture « AA72 » (Huile sur panneau, 1972) : un grand squelette monumental emblématique, adjugé à Varsovie en 2021 pour le record de 420 000 €.
  • Composition fantastique (Huile sur panneau, 1981) : une scène de désert avec des ruines, vendue aux enchères en 2023 pour 280 000 €.
  • Peinture « WZ » (Huile sur panneau, 1997) : une composition très épurée de la fin de sa vie, aux tonalités bleutées, adjugée pour 142 000 € au cours de l’année 2022.

La cote des dessins et œuvres sur papier

Le dessin a accompagné Beksiński toute sa vie. Ses feuilles des années 1960, faites à l’encre de Chine ou au fusain, explorent un érotisme sombre avec des corps déformés. Ces dessins très détaillés plaisent énormément ! Si vous trouvez une œuvre originale de cette époque, les prix en vente publique tournent souvent entre 15 000 € et 45 000 €.

Exemples de ventes récentes :

  • Composition érotique (Encre sur papier, 1968) : un dessin complexe de sa jeunesse, adjugé pour 24 000 € en 2022.
  • Étude de personnage (Fusain, 1975) : un croquis préparatoire pour ses grands tableaux, vendu en 2024 pour 18 500 €.

La cote des photographies d’époque (vintages)

Avant de peindre, Beksiński s’est fait connaître dans les années 1950 grâce à ses photos d’avant-garde. Ce sont des clichés en noir et blanc très sombres : des gros plans de visages serrés avec des cordes ou des textures de peau très marquées.

Les tirages d’époque, développés par l’artiste lui-même dans sa salle de bain à Sanok, sont très recherchés. Une photo originale des années 1950 se vend aujourd’hui entre 5 000 € et 15 000 €.

Quelques exemples de ventes :

  • Portrait de Zofia (Tirage d’époque, 1957) : le visage de sa femme de profil, adjugé en 2020 pour 11 000 €.
  • Abstraction (Tirage d’époque, 1958) : une épreuve historique exposée dans les années 50, vendue en 2023 pour 9 500 €.
Je souhaite connaître le prix de mon Zdzislaw Beksinski

Comment reconnaître une œuvre de Zdzislaw Beksinski ?

Le style de Beksiński saute aux yeux avec son ambiance de fin du monde, mais le secret réside dans la matière. L’artiste passait sa peinture en couches ultra-fines, comme les maîtres d’autrefois. Même si ses sujets interpellent, voire font peur (mutilations, tombes, spectres), la lumière est d’une précision chirurgicale et crée des contrastes très forts.

Un autre détail important : ses tableaux n’ont jamais de titre. Beksiński détestait expliquer son travail. À la place, il gravait des codes avec des lettres et des chiffres au dos (comme « AA », « RE » ou « Y ») suivis de l’année. Si vous avez un panneau en bois qui mélange cette technique très fine avec un sujet macabre sans titre, la piste Beksiński se confirme !

Reconnaître la signature de Zdzislaw Beksinski

Beksiński ne signait jamais ses peintures sur le devant car il refusait de briser l’illusion de son univers fantastique. Il faut donc retourner le tableau : son nom est toujours inscrit à l’arrière d’une écriture cursive rapide, tracée au feutre noir ou directement au pinceau. Il y ajoutait ses propres codes d’inventaire (comme « AA », « RE » ou « Y ») suivis des dimensions exactes de l’œuvre, le tout écrit de sa propre main.

C’est également sur la nature de l’encre que se joue l’expertise. Sur les panneaux des années 1970 et 1980, le solvant des feutres de l’époque a légèrement migré dans le bois avec les décennies, ce qui crée une micro-auréole visible à la loupe que les faussaires ne peuvent pas imiter. Si vous apercevez un nom inscrit sur le devant de la peinture, ou si l’encre à l’arrière est trop nette, noire et brillante (comme si elle sortait d’un marqueur moderne), le doute s’installe immédiatement !

Expertise signature Zdzisław Beksinski
Expertise signature Zdzisław Beksiński
Je souhaite une estimation gratuite et en ligne

Tableau de Zdzislaw Beksinski : ce que regardent nos experts

Lorsqu’un tableau de Beksiński nous est soumis, le premier réflexe de Romain Rudondy, notre expert en art contemporain chez Estimon’objet, est d’analyser la découpe du panneau sur les clichés fournis. L’artiste taillait ses plaques de bois lui-même, alors Romain cherche les bosses sur les tranches et les coulures d’enduit blanc qui dépassent parfois sur les côtés du cadre d’origine. Cela peut-être un début de preuve.

Ensuite, il faut retracer le voyage du tableau. En dehors de la Pologne, Beksiński a eu un seul grand marchand historique : Piotr Dmochowski, installé à Paris. C’est lui qui a vendu la majorité des peintures en Occident dans les années 1980 et 1990, et au dos se trouve souvent les étiquettes de sa galerie ou les reçus d’achat de l’époque. En recoupant ces documents avec les registres officiels du Musée historique de Sanok (la ville natale de l’artiste qui conserve tout son inventaire testamentaire), Romain peut certifier l’authenticité de la peinture.

Zdzislaw Beksinski, un peintre entre art fantastique et tragédies polonaises

Avant de révolutionner l’art polonais, Beksiński passe de longues années à travailler comme architecte et chef de chantier, une routine technique qui l’étouffe profondément. Pour échapper à ce quotidien, il consacre toutes ses nuits à la création. Il explore d’abord la photographie brute, puis se tourne vers le dessin. Le véritable tournant se produit à la fin des années 1960 lorsqu’il abandonne définitivement les plans de construction pour la peinture. Le public ne s’y trompe pas : en 1972, sa première grande exposition à Varsovie est un triomphe absolu et l’intégralité de ses œuvres est vendue ! Sa célèbre période fantastique est alors lancée.

Malgré cette reconnaissance internationale, Beksiński choisit de vivre en marge du monde. Il s’enferme de longs mois dans son appartement de Varsovie. Là, il bloque les fenêtres pour peindre exclusivement sous la lumière artificielle d’une lampe, au rythme des symphonies classiques qu’il écoute toute la journée. Beksiński refuse les voyages, fuit ses propres vernissages et va jusqu’à brûler des tableaux dans son jardin s’il les juge trop intimes. Sa démarche n’a rien de provocante : il transpose simplement ses rêves et ses propres angoisses.

La fin de son existence est marquée par des drames successifs. L’artiste affronte la perte de son épouse Zofia en 1998, suivie un an plus tard, le soir de Noël, par le suicide de son fils Tomasz, une figure très populaire de la radio polonaise. Isolé au milieu de son appartement vide, il continue d’inventer et se tourne même vers les débuts de l’art numérique, avant de connaître un destin tragique en 2005, assassiné à son domicile pour une affaire d’argent. Il laisse derrière lui une œuvre monumentale.

Estimer ma peinture de Zdzislaw Beksinski
Romain Rudondy Commissaire-priseur
Découvrir nos experts

Le conseil de notre expert Romain Rudondy

Avec la montée de sa cote, nous voyons passer de plus en plus de faux Beksiński lors de nos expertises en ligne. Souvent, il s’agit d’une simple impression numérique sur panneau, avec juste un peu de matière rajoutée par-dessus pour imiter le relief de l’huile. Pour que nous puissions valider l’authenticité, il nous faut des clichés nets de l’arrière du bois ! Ces images permettent de traquer la micro-auréole de l’encre d’époque ou les étiquettes de la galerie Dmochowski.

Demander une estimation

En lien avec Zdzislaw Beksinski

Estimation d’objet d’art de Zdzislaw Beksinski en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.

Remplir le formulaire

Nom, prénom, email … Toutes les informations nécessaires pour que nos experts puissent vous recontacter rapidement suite à votre demande d’expertise d’objet.
Étape 1

Joindre vos photos

Veillez à ce que les photographies soient nettes, de bonne qualité et prises sous tous les angles afin que nos experts puissent réaliser l’estimation de votre œuvre.
Étape 2

Réponse en 48 heures

Une fois que nous avons reçu les éléments, nos commissaires priseurs réalisent l’expertise de votre bien et vous fournissent une première estimation en 48h.
Étape 3
ESTIMATION GRATUITE
Estimation gratuite Chu teh chun

Chu Teh-Chun

by Art Contemporain

Home » artistes » Page 170

Estimation et cote de l'artiste Chu Teh Chun

Chu Teh-Chun (1920-2014) est un peintre franco-chinois reconnu pour son œuvre abstraite lyrique, où se mêlent la tradition picturale chinoise et l’expressionnisme occidental. Maître du geste et de la lumière, il est considéré comme l’un des plus grands représentants de l’abstraction poétique du XXᵉ siècle. Ses toiles, empreintes d’énergie et de spiritualité, séduisent les collectionneurs du monde entier et atteignent aujourd’hui des sommets sur le marché de l’art.

Estimation gratuite Chu teh chun

Prix des œuvres de Chu Teh Chun

  • Peinture – entre 30 000 € et plus de 8 000 000 €

  • Aquarelle, gouache, encre sur papier – entre 5 000 € et 250 000 €

  • Estampe, lithographie – entre 800 € et 20 000 €

Vous possédez une peinture, une aquarelle ou une estampe de Chu Teh-Chun et souhaitez en connaître la valeur ?
Faites estimer votre œuvre en toute simplicité grâce à Estimon’objet, la référence de l’expertise en ligne.
Nos commissaires-priseurs et experts agréés réalisent une estimation gratuite, précise et confidentielle, en s’appuyant sur l’analyse du support, de la période de création, de la technique et de la provenance de l’œuvre. Vous recevrez une estimation fiable sous quelques jours, fondée sur les dernières tendances du marché international.

Expertise aquarelle Chu Teh Chun

Chu Teh-Chun, un pont entre Orient et Occident

Né en 1920 à Baitou Zhen, en Chine, Chu Teh-Chun étudie à la célèbre École des Beaux-Arts de Hangzhou, où il est formé par les maîtres Lin Fengmian et Wu Dayu, pionniers du dialogue entre la peinture chinoise et occidentale. En 1955, il s’installe à Paris, attiré par l’effervescence artistique de l’époque. Sa rencontre avec l’art abstrait, notamment les œuvres de Nicolas de Staël, bouleverse sa pratique : il abandonne progressivement la figuration pour développer un langage pictural unique, nourri à la fois de calligraphie chinoise et de lyrisme occidental. L’artiste fait partie de ce que l’on appelle la « trilogie de l’abstraction chinoise », aux côtés de Zao Wou-Ki et Wu Guanzhong. Tous trois ont contribué à redéfinir la peinture moderne chinoise en l’ouvrant à l’abstraction tout en préservant son essence poétique et spirituelle.

L’art de Chu Teh-Chun : la lumière comme écriture

Les œuvres de Chu Teh-Chun se distinguent par une maîtrise absolue du geste et de la matière. Son pinceau, inspiré de la calligraphie chinoise, trace sur la toile des formes dynamiques et lumineuses, évoquant à la fois les forces de la nature et les mouvements intérieurs de l’âme. La lumière occupe une place centrale : incandescente ou diffuse, elle semble jaillir du cœur même de la composition, créant un espace où l’abstraction devient poésie. L’artiste mêle subtilement les encres, les pigments et les huiles, jouant sur la transparence et la profondeur. Sa palette, dominée par les bleus, les ors et les rouges, traduit une énergie vitale, presque cosmique. Ses œuvres évoquent les paysages intérieurs, les tempêtes célestes, les jaillissements de lumière ou les éclats d’orage – des visions à la fois puissantes et méditatives.

Estimer mon oeuvre de Chu Teh Chun

Une reconnaissance internationale

Dès les années 1960, Chu Teh-Chun connaît une reconnaissance croissante en Europe. Il expose dans des galeries majeures, notamment la Galerie de France, puis à New York, Genève et Hong Kong. En 1987, il est élu membre de l’Académie des Beaux-Arts en France, devenant le premier artiste d’origine chinoise à recevoir cet honneur. Ses œuvres figurent aujourd’hui dans les plus grandes collections publiques et privées : Musée d’Art Moderne de Paris, Musée Cernuschi, National Museum of China, Shanghai Art Museum, ou encore la Fondation Chu Teh-Chun. La reconnaissance internationale de Chu Teh-Chun s’est accompagnée d’une envolée spectaculaire de sa cote. En Asie, notamment à Hong Kong, Pékin et Taipei, ses œuvres atteignent régulièrement plusieurs millions d’euros lors des ventes aux enchères.

Estimation et cote de Chu Teh-Chun sur le marché de l’art

La cote de Chu Teh-Chun s’est considérablement affirmée depuis les années 2000. Sa double appartenance culturelle et la puissance de son abstraction poétique séduisent un public mondial. Les collectionneurs asiatiques, notamment de Hong Kong et de Taïwan, se disputent aujourd’hui ses grandes huiles sur toile, rarissimes sur le marché. Les peintures de grand format issues des années 1970-1990 figurent parmi les plus recherchées. Les encres et gouaches sur papier, plus abordables, offrent une alternative prisée pour accéder à l’univers du maître. Les estampes, quant à elles, permettent de découvrir la gestuelle et la composition de Chu Teh-Chun à des prix plus accessibles. La progression de sa cote s’explique également par la rigueur du travail de la Fondation Chu Teh-Chun, qui œuvre à la préservation et à la diffusion de son œuvre, garantissant ainsi l’authenticité et la pérennité de sa valeur. Quelques ventes marquantes de Chu Teh-Chun

  • “Les élans du matin”, huile sur toile (1983), vendue 11 800 000 € en 2021.

  • “Lumière Hivernale”, huile sur toile (1987), adjugée 8 000 000 €  en 2022.

  • “Nocturne”, huile sur toile (1986), vendue 5 200 000 €  en 2020.

  • “Symphonie en bleu”, encre et gouache sur papier, vendue 180 000 €

  • “Composition abstraite”, lithographie signée, adjugée 9 000 € 

Vous souhaitez connaître la valeur actuelle d’une œuvre de Chu Teh-Chun ? Confiez votre demande à Estimon’objet, plateforme de référence dans l’estimation d’art moderne et contemporain. Nos experts analysent votre peinture, dessin ou estampe et vous transmettent une estimation fiable, gratuite et confidentielle sous quelques jours. Faites expertiser votre œuvre de Chu Teh-Chun dès aujourd’hui sur www.estimonobjet.fr, et découvrez la véritable valeur de votre patrimoine artistique.

(Illus.) CHU TEH CHUN (1920-2014) N° 294, composition. 1968 Huile sur toile

Estimer un tableau signé Chu Teh Chun

Reconnaître la signature de Chu Teh Chun

Savoir reconnaître la signature de Chu Teh-Chun (朱德群) est essentiel pour authentifier ses œuvres — huiles sur toile, œuvres sur papier, estampes ou gravures — et en estimer correctement la valeur. Chez Chu Teh-Chun, on observe fréquemment les éléments suivants :

  • La signature latine « CHU TEH-CHUN » ou « Chu Teh-Chun » apposée en bas à droite de la toile, accompagnée presque toujours d’une date (année précise, ex. 1962, 1968, 1979). 

  • Parfois, la signature est doublée d’une signature en idéogrammes chinois (朱德群), soit à proximité de la signature latine, soit au verso de l’œuvre.

  • Sur les estampes et lithographies, on retrouve la signature en bas à droite au crayon, ainsi que la numérotation ou la justification (édition limitée, E.A., etc.). Par exemple Saison bleue IV (2006) est signé « Chu Teh-Chun » en bas à droite, numéroté « 50/99 » à gauche au crayon.

  • Sur les œuvres plus importantes (huiles sur toile), la signature latine peut être contresignée ou titrée au verso, avec mention de date et parfois d’édition, ce qui renforce l’authenticité.

Parmi les signes d’authenticité à vérifier :

  • que la signature latine soit claire, cohérente avec le style de trait de l’artiste (épaisseur, inclinaison) ;
  • la présence, si applicable, des caractères chinois (朱德群) ;
  • la date associée, souvent proche de la période stylistique de l’œuvre ;
  • la numérotation éditoriale pour les œuvres sur papier si ce sont des estampes ;
  • la cohérence du support (toile, papier, etc.) et du style (abstraction lyrique, couleurs vives, coups de pinceaux fluides).

Sur Estimon’Objet, nos experts vérifient systématiquement ces critères pour vous aider à authentifier vos œuvres de Chu Teh-Chun et estimer leur valeur réelle sur le marché.

Signature Chu teh Chun
Expertise gratuite signature Chu Teh Chun
Expertise gratuite Chu Teh Chun

En lien avec Chu Teh Chun

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.

Remplir le formulaire

Nom, prénom, email … Toutes les informations nécessaires pour que nos experts puissent vous recontacter rapidement suite à votre demande d’expertise d’objet.
Étape 1

Joindre vos photos

Veillez à ce que les photographies soient nettes, de bonne qualité et prises sous tous les angles afin que nos experts puissent réaliser l’estimation de votre œuvre.
Étape 2

Réponse en 48 heures

Une fois que nous avons reçu les éléments, nos commissaires priseurs réalisent l’expertise de votre bien et vous fournissent une première estimation en 48h.
Étape 3
ESTIMATION GRATUITE
Estimation gratuite Maurice Utrillo

Maurice Utrillo

by Art moderne

Home » artistes » Page 170

Estimation et cote de l'artiste Maurice Utrillo

Maurice Utrillo (1883-1955) a passé sa vie à arpenter les rues de la Butte, loin du faste des grands boulevards. Fils de Suzanne Valadon, il a trouvé dans les façades de Montmartre une source d’inspiration inépuisable. C’est sa capacité à transformer une ruelle décrépite en un moment de poésie pure qui a bouleversé les collectionneurs et fait de lui une figure incontournable du marché de l’art moderne !

Si vous avez un tableau ou une gouache d’Utrillo, il mérite une attention particulière. Chez Estimon’objet, nos commissaires-priseurs vous aident à y voir clair avec une estimation gratuite et fiable.

Estimation gratuite Maurice Utrillo

Prix des œuvres de Maurice Utrillo

  • Peinture : entre 8 000 € et 600 000 €

  • Dessin ou gouache : entre 2 000 € et 40 000 €

  • Estampe : entre 300 € et 3 000 €

Vous possédez une toile, une gouache ou un dessin de Maurice Utrillo et souhaitez en connaître la valeur ? Faites appel à Estimon’objet, plateforme d’expertise et d’estimation en ligne de référence. Notre équipe de commissaires-priseurs et d’experts en art moderne analyse gratuitement vos œuvres, à partir de simples photos et descriptions, afin de vous délivrer une estimation fiable, rapide et confidentielle. Qu’il s’agisse d’une vue de Montmartre, d’un paysage de province ou d’une œuvre sur papier, nous vous orientons vers les meilleures opportunités de vente, en France comme à l’international.

Estimer mon oeuvre de Maurice Utrillo

La cote de Maurice Utrillo sur le marché de l’art

La cote des tableaux à l’huile (Période Blanche)

Ses huiles sur toile de la « Période Blanche » (vers 1910-1914) sont les plus recherchées ! Utrillo y ajoutait parfois du plâtre à sa peinture pour donner du relief aux murs. Ces œuvres majeures peuvent atteindre des sommes très élevées : certaines vues de Montmartre ont dépassé les 120 000 € en vente aux enchères, et les pièces les plus exceptionnelles franchissent régulièrement la barre des 200 000 € lorsqu’elles sont rares ou issues de collections prestigieuses.

La cote des gouaches et des dessins

Entre les huiles de musée et les estampes, les gouaches et les dessins occupent une gamme intermédiaire. Très lumineuses, ces œuvres sur papier se négocient généralement entre 15 000 € et 35 000 € selon la qualité du sujet. Un bel exemplaire représentant une ruelle typique a par exemple été adjugé autour de 28 000 € en 2022. Tout dépend ici de la fraîcheur des couleurs et de l’état de conservation !

La cote des lithographies et œuvres graphiques

Du côté des œuvres graphiques ou des multiples, les prix sont bien plus modestes. On trouve des lithographies originales très appréciées dans une fourchette allant de 500 € à 2 500 €.

Je désire connaître le prix de mon Utrillo

Comment reconnaître une œuvre de Maurice Utrillo ?

Identifier un Utrillo, c’est avant tout observer comment il traite les bâtiments. Contrairement aux paysagistes classiques, il chercher la structure. Ses tableaux se reconnaissent à leurs perspectives souvent raides où les lignes des trottoirs et des façades convergent vers un point de fuite central. L’impression de vide est saisissante !

La clé réside surtout dans ce qu’on appelle sa matière. Si vous voyez des murs dont la peinture semble épaisse, granuleuse, presque comme du vrai crépi, vous êtes sur la bonne piste. Pendant sa meilleure période, il mélangeait du plâtre et de la colle à ses blancs pour imiter la texture des murs de Montmartre. C’est ce côté « maçonné » de la peinture qui est sa véritable signature visuelle.

Enfin, regardez les détails : les fenêtres sont souvent de simples rectangles sombres, et les rares passants sont de petites silhouettes solitaires, esquissées de dos avec quelques traits rapides. Chez Utrillo, ce n’est pas l’humain qui raconte l’histoire, c’est le mur.

Reconnaître la signature de Maurice Utrillo

La signature d’Utrillo est l’une des plus célèbres du XXe siècle, mais c’est aussi un véritable piège pour les amateurs. Elle se reconnaît à son aspect très appliqué, presque scolaire, avec des lettres penchées qui rappellent les cahiers d’écriture de l’époque. La mention la plus fréquente est « Maurice, Utrillo, V. ». Ce fameux « V » final, qu’il a ajouté toute sa vie, est un hommage vibrant à sa mère, Suzanne Valadon !

Cependant, ne vous y trompez pas : Utrillo est l’un des artistes les plus pastichés au monde. Sa signature a été imitée des milliers de fois, parfois du vivant même de l’artiste. Ce que nos experts traquent, ce n’est pas seulement le nom, mais la vitesse du trait. Une signature trop hésitante ou, au contraire, trop « dessinée » doit immédiatement alerter.

Sur les œuvres de la Période Blanche, la signature est souvent gravée dans la matière fraîche ou peinte avec une couleur qui tranche nettement sur le fond crayeux. C’est cette fusion entre le nom et la texture du tableau qui est le meilleur gage d’authenticité.

Signature Maurice Utrillo
Expertise signature Maurice Utrillo
Je souhaite une estimation gratuite

Tableau de Maurice Utrillo : ce que regardent nos experts

Lorsque vous nous confiez vos photos, notre expert en art moderne Romain Rudondy commence par « ausculter » la structure même de la couche picturale. Sur un Utrillo, l’état de conservation est crucial : le mélange de plâtre utilisé par l’artiste peut se fragiliser avec le temps. Il vérifie si la matière est encore saine ou si des restaurations anciennes masquent la touche originale.

Grâce à vos clichés, nous traquons les indices de provenance qui font toute la valeur d’une œuvre de cette importance. Un Utrillo n’est jamais seul ; il voyage souvent avec des étiquettes de galeries mythiques comme celle de Paul Pétridès, le marchand historique de l’artiste, ou des cachets de successions prestigieuses. Ces marquages sur le châssis ou le cadre sont les témoins de l’histoire du tableau. C’est en croisant cet examen technique avec une analyse stylistique pointue que nous parvenons à authentifier votre œuvre et à lui donner sa juste place sur le marché actuel !

Maurice Utrillo, le peintre de l'âme de Montmartre

Utrillo n’est pas venu au monde sous les meilleurs auspices. Enfant illégitime de la célèbre peintre et modèle Suzanne Valadon, il grandit dans l’effervescence de la Butte Montmartre, élevé par sa grand-mère pendant que sa mère fréquente les ateliers de Renoir ou de Toulouse-Lautrec. Très tôt, le jeune Maurice sombre dans un alcoolisme sévère qui l’oblige à multiplier les séjours en maisons de santé. C’est pour tenter une ultime thérapie, sur les conseils d’un médecin, que Valadon le force à tenir un pinceau. Ce qui ne devait être qu’un remède contre ses démons devient instantanément une révélation : le jeune homme se met à peindre avec une urgence et une sincérité qui vont bientôt fasciner le tout-Paris !

Sa vie bascule réellement lors de sa fameuse « Période Blanche« , où il parvient à transformer sa solitude en succès mondial. Malgré une existence ponctuée de crises et un tempérament tourmenté qui le pousse à vivre en reclus, son génie finit par s’imposer aux yeux des plus grands marchands, comme Paul Pétridès.

En 1935, il épouse Lucie Valore, qui prendra en main la gestion de sa carrière et lui offrira une fin de vie plus apaisée dans le calme du Vésinet. Utrillo s’éteint en 1955, laissant derrière lui l’image d’un artiste qui a su capturer, mieux que quiconque, l’âme mélancolique et la dignité des rues parisiennes.

Estimer mon tableau de maurice utrillo
Romain Rudondy Commissaire-priseur
Découvrir nos experts

Le conseil de notre expert Romain Rudondy

Quand vous photographiez votre Utrillo, focalisez-vous sur les détails de la matière. La Période Blanche est célèbre pour ses empâtements au plâtre, mais ce sont des zones extrêmement sensibles qui peuvent se soulever ou présenter des micro-fissures avec le temps. Prenez un cliché en gros plan d’un angle du tableau : cela me permet d’évaluer la santé de la couche picturale et de vérifier si l’œuvre a déjà subi des restaurations lourdes

Demander une estimation

En lien avec Maurice Utrillo

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

L’expertise en ligne de votre objet se fait facilement, en trois étapes ! C’est gratuit et confidentiel.

Remplir le formulaire

Nom, prénom, email … Toutes les informations nécessaires pour que nos experts puissent vous recontacter rapidement suite à votre demande d’expertise d’objet.
Étape 1

Joindre vos photos

Veillez à ce que les photographies soient nettes, de bonne qualité et prises sous tous les angles afin que nos experts puissent réaliser l’estimation de votre œuvre.
Étape 2

Réponse en 48 heures

Une fois que nous avons reçu les éléments, nos commissaires priseurs réalisent l’expertise de votre bien et vous fournissent une première estimation en 48h.
Étape 3
ESTIMATION GRATUITE