En 1868, Guillaume Romain Fouace retourne à Cherbourg. Pour continuer sa pratique du dessin, l’artiste loue un atelier situé rue du bassin (actuelle rue du Maréchal Foch)  ou il entreprend une série de portraits. Il offre à la ville les portraits de Vauban et de Jean Bart avec un tracé réaliste qui lui vaut aujourd’hui sa reconnaissance.

Le court mais intense épisode de la guerre franco-prussienne (1870-1871)  donc Guillaume Romain Fouace participe reste cependant très peu documenté. Par la suite l’artiste retourne s’installer à Paris où il y rencontre son épouse Adèle David. Toujours bercé par le paysage et l’atmosphère du Cotentin, il s’adonne à des activités telles que la chasse et la pêche dans lesquelles il puise son inspiration.

Guillaume Romain Fouace expose en parallèle au Salon de 1870, et ce de manière régulière. C’est seulement à partir du Salon de 1873 que ses natures mortes sont présentées au public.

Au tout début des années 1920, un revirement s’opère chez Giorgio De Chirico qui adopte alors un style néoclassique puis néoromantique et néobaroque : se définissant comme « pictorclassicus », il prône un retour à la tradition et à l’étude des grandes œuvres ayant marqué l’Histoire de l’art.  La peinture a tempera se substitue à la peinture à l’huile : cette technique traditionnelle, employée par les peintres du Quattrocento, permet d’obtenir un rendu proche de la fresque et accentue le caractère religieux et mystérieux des tableaux. En 1923, Giorgio De Chirico rejoint le groupe Valori Plastici, courant italien qui s’étend de 1917 à 1921. Composé, à l’origine, de peintres mobilisés qui se rencontrent à l’hôpital militaire de Ferrare, le groupe peint un monde surnaturel, épuré et mécanique dans lequel les objets prennent vie, tels les mannequins. L’atmosphère de ces peintures, baignées d’un éclairage intense, incite à la méditation. En témoignent les séries Villes romaines, Fils prodigue et Argonautes.

Très tôt, Léon Bonnat montre un intérêt tout particulier pour le portrait et les sujets historiques, traités chacun avec un réalisme tenant à la fois de la tradition espagnole et française. Désireux de devenir peintre d’histoire, Bonnat renouvelle sa bourse pour se rendre en Italie de 1858 à 1861. Là-bas, l’artiste étudie les maîtres et renforce son attrait pour le formel en brossant des scènes de genre.Cependant, les envois obligatoires que Léon Bonnat doit faire pour justifier sa présence à la Villa Médicis sont plus religieux qu’historiques. Aussi, lorsqu’il expose l’un de ses portraits en 1877, le succès le persuade de se consacrer à ce format. Finalement, ce ne sont pas moins de deux-cent portraits portant la signature de Léon Bonnat qui sont recensés. Sa notoriété s’est principalement bâtie sur sa carrière de portraitiste, laquelle lui permet de devenir, en 1881, membre de l’Académie.

Després parlait volontiers de ses « bijoux rudes », en partie en raison des matériaux qu’il travaille. L’orfèvre renonce, pour faire table rase du passé, à l’emploi des pierres précieuses. Il crée cependant une polychromie en utilisant l’ivoire, le galuchat, la laque, le corail, les pierres semi-précieuses (onyx, lapis, malachite, calcédoine, turquoise), et ponctuellement l’émail. Concernant les métaux, Després se cantonne toujours à l’argent et l’étain, travaillés de manière originale, dans des formes massives, amples et audacieuses, qui mêlent arêtes vives et formes arrondies souvent martelées. Després préfère la forme innovante à la noblesse des matières. Il apprécie l’effet du métal blanc, qui lui permet également de produire des pièces peu onéreuses. Ses rares utilisations de l’or sont souvent limitées à la pose de feuilles fines, afin de créer un contraste avec l’argent. Il faut enfin souligner que Jean Després s’affirme comme un designer d’objets utilitaires, des pièces pour la table aux chandeliers, en passant par les pichets ou services à thé.