Estimation gratuite Théodore Rousseau

Théodore Rousseau

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Estimation et cote de l’artiste Théodore Rousseau

Théodore Rousseau (1812-1867) est l’un des maîtres fondateurs de l’École de Barbizon, figure essentielle de la peinture de paysage au XIXe siècle. Précurseur de l’impressionnisme, son œuvre puissante et poétique s’ancre dans une observation sensible de la nature. Ses tableaux témoignent de son attachement profond aux forêts françaises, en particulier à celle de Fontainebleau.

Estimation gratuite Théodore Rousseau

Prix des œuvres de Théodore Rousseau

  • Peinture - entre 10 000 € et 800 000 €

  • Dessin ou aquarelle - entre 1 000 € et 80 000 €

  • Estampe ou gravure - entre 100 € et 2 000 €

Vous possédez une peinture ou un dessin de Théodore Rousseau et souhaitez en connaître la valeur ? Faites appel à Estimon’objet, référence de l’expertise en ligne. Nos commissaires-priseurs professionnels vous proposent une estimation gratuite, rapide et confidentielle. En quelques jours, vous obtenez une évaluation fiable, établie à partir des dernières ventes aux enchères et de l’état du marché.

Théodore Rousseau, peintre de la forêt

Né à Paris en 1812, Théodore Rousseau débute très jeune dans la peinture. Élève de Jean-Charles-Joseph Rémond, il se détourne rapidement du néoclassicisme pour se consacrer à la peinture de plein air, trouvant son inspiration dans les paysages naturels, loin des académismes. 

Dès les années 1830, Rousseau s’installe à Barbizon, petit village en lisière de la forêt de Fontainebleau. Aux côtés de Jean-François Millet, Narcisse Diaz de la Peña ou encore Charles-François Daubigny, il forme le noyau dur de l’École de Barbizon, mouvement artistique déterminant qui remet la nature au centre de l’expression picturale. Rejeté à plusieurs reprises par le Salon officiel, Rousseau persiste dans son art avec une rigueur et une sensibilité rare. Son style se caractérise par :

  • Une fidélité absolue au motif : il peint la nature telle qu’elle est, dans sa simplicité, ses accidents, ses ombres.

  • Une atmosphère mélancolique et contemplative : ses paysages ne sont jamais anecdotiques mais empreints d’une poésie profonde.

  • Une technique minutieuse : Rousseau travaille lentement, accumulant les couches et les effets de matière.

Une œuvre au service du paysage français

Théodore Rousseau a laissé une œuvre remarquable, centrée sur les forêts, les marais, les clairières et les vieux arbres. Parmi ses chefs-d’œuvre les plus célèbres :

  • « La Forêt de Fontainebleau » (vers 1850), conservée au musée d’Orsay, véritable manifeste de son art.

  • « Le Marais », une composition magistrale à l’atmosphère brumeuse, qui traduit l’attention du peintre à la lumière et à l’humidité de l’air.

  • « Les Chênes d’Apremont », œuvre monumentale où la majesté des arbres devient presque sacrée.

Rousseau peint également des études sur le vif à l’huile sur papier, très recherchées pour leur spontanéité. Ses dessins à la pierre noire ou au lavis, parfois annotés, séduisent les amateurs pour leur dimension intime.

Théodore Rousseau, une reconnaissance tardive mais pérenne

Longtemps ignoré des circuits officiels, Théodore Rousseau est finalement reconnu à la fin de sa vie. Il expose à l’Exposition universelle de 1855, obtient une médaille et se voit décoré de la Légion d’honneur. À sa mort en 1867, il est salué comme l’un des grands rénovateurs du paysage français. 

Aujourd’hui, ses œuvres sont conservées dans les plus grands musées du monde : Musée du Louvre, Musée d’Orsay, The Metropolitan Museum of Art (New York), National Gallery (Londres) ou encore le Getty Museum.

La cote de Théodore Rousseau sur le marché de l’art

La cote de Théodore Rousseau reste stable, particulièrement pour ses peintures à l’huile de grande dimension et ses dessins préparatoires bien documentés. Voici quelques ventes marquantes :

  • « Sous-bois, clairière dans la forêt de Fontainebleau », huile sur toile, 62 x 105 cm, vendue 770 000 € 

  • « Vue de forêt à l’automne », huile sur panneau, adjugée 215 000 € 

  • « Le ruisseau de la Houzée », dessin à la pierre noire, vendu 38 000 € 

  • « Chênes et rochers à Fontainebleau », huile sur toile, estimée 100 000 – 150 000 €, vendue 187 500 € 

Vous avez hérité d’un tableau ancien ? Vous possédez un dessin signé Théodore Rousseau ou un paysage de Barbizon ? Grâce à Estimon’objet, bénéficiez d’une expertise en ligne rapide, gratuite et confidentielle. Notre réseau de commissaires-priseurs spécialisés vous accompagne pour connaître la valeur réelle de votre œuvre et vous orienter vers les meilleures stratégies de vente, en salle ou en ligne.

(Illus.) Paysage Théodore Rousseau

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Estimation gratuite Frans Pourbus Le Jeune

Frans Pourbus Le Jeune

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Estimation et cote de l’artiste Frans Pourbus le Jeune

Frans Pourbus le Jeune (1569-1622) est un maître du portrait de cour à l’époque baroque. Peintre officiel des cours de Mantoue et de France, il a su capturer avec une finesse remarquable le faste et les subtilités psychologiques de ses modèles. Héritier d’une dynastie artistique flamande, il reste aujourd’hui une figure incontournable de la peinture ancienne.

Estimation gratuite Frans Pourbus Le Jeune

Prix des œuvres de Frans Pourbus le Jeune

  • Peinture ancienne - entre 30 000 € et 1 500 000 €

  • Dessin - entre 4 000 € et 80 000 €

  • Œuvre attribuée / atelier - entre 8 000 € et 120 000 €

Vous possédez un tableau ancien attribué à Frans Pourbus le Jeune ou à son entourage ? Faites estimer votre œuvre gratuitement, en toute confidentialité, avec Estimon’objet. Notre équipe d’experts et de commissaires-priseurs spécialisés dans les maîtres anciens vous garantit une évaluation rigoureuse, tenant compte de l’état, de la provenance, du sujet et des comparables passés en vente publique. Une estimation sérieuse, rapide et sans engagement.

Frans Pourbus le Jeune, portraitiste des puissants

Né en 1569 à Anvers, Frans Pourbus le Jeune est le fils du peintre Frans Pourbus l’Ancien, et le petit-fils de Pieter Pourbus. Formé très tôt à l’art du portrait, il développe un style minutieux et élégant, caractérisé par une grande attention portée aux détails vestimentaires et à la représentation du statut social de ses modèles. 

Dans les années 1590, il s’établit à Bruxelles puis à Mantoue, où il devient peintre de cour des Gonzague. En 1600, sur recommandation du duc de Mantoue, il est appelé en France pour peindre la reine Marie de Médicis. Il devient dès lors le portraitiste officiel de la cour française, immortalisant les figures majeures du royaume : Louis XIII enfant, Henri IV, Marie de Médicis, et de nombreux nobles.

Les portraits de Frans Pourbus le Jeune, au service du pouvoir

Les tableaux de Pourbus se distinguent par :

  • Un réalisme somptueux : tissus brodés, perles, armures, cols fraise… aucun détail n’échappe à son pinceau. Il valorise le rang social par la richesse des ornements.

  • Une composition frontale et posée : héritier du portrait flamand, il privilégie une posture digne, hiératique, qui impose le respect.

  • Un fond neutre et un éclairage contrôlé : mettant l’accent sur la personne, Pourbus élimine le superflu pour mieux souligner l’individualité du modèle.

  • Une facture lisse, sans repentir : chaque œuvre témoigne d’une grande maîtrise technique, et répond aux exigences des cours européennes.

Les portraits de Pourbus ne cherchent pas à explorer l’intériorité psychologique, mais à affirmer la puissance du modèle à travers l’apparat. Ce style rigoureux, parfois jugé austère, fut pourtant très prisé par les aristocrates du XVIIe siècle, soucieux de leur image.

Une carrière entre Flandre, Italie et France

Frans Pourbus le Jeune s’inscrit dans la tradition picturale flamande, tout en intégrant les codes du maniérisme italien et du classicisme français. À Mantoue, il côtoie des artistes majeurs comme Rubens. À Paris, il influence durablement le portrait officiel, ouvrant la voie à des peintres comme Philippe de Champaigne. Il meurt en 1622 à Paris, laissant derrière lui une œuvre prolifique, présente dans les plus grands musées du monde : le Louvre, le Prado, le Kunsthistorisches Museum de Vienne ou encore la National Gallery de Londres.

La cote de Frans Pourbus Le Jeune sur le marché de l’art

La cote de Frans Pourbus le Jeune reste soutenue. Ses tableaux sont recherchés par les institutions, les collectionneurs de peinture ancienne et les amateurs de portrait historique. Les œuvres de sa main se distinguent des productions d’atelier ou des copies, plus nombreuses sur le marché. Une attribution certaine, une provenance royale ou une œuvre conservée en excellent état peuvent faire bondir la valeur d’une peinture. Quelques ventes marquantes :

  • Portrait of Henri IV of France, huile sur toile, adjugé 1 370 000 € 

  • Portrait de Marie de Médicis, huile sur toile, vendu 745 000 € 

  • Portrait d’homme en armure, attribué à Pourbus, vendu 118 750 €

  • Portrait de jeune femme en robe brodée, atelier de Pourbus, adjugé 58 000 € 

  • Tête de noble, dessin à la pierre noire, vendu 24 000 € 

Vous possédez un portrait ancien ou un dessin de Frans Pourbus le Jeune ? Ne laissez pas le doute s’installer. Estimon’objet vous propose une expertise gratuite, confidentielle et fiable, avec un avis professionnel sous quelques jours. Grâce à notre réseau de spécialistes en peinture ancienne, nous identifions les œuvres d’atelier, les copies et les œuvres autographes.

(Illus.) Portrait par Frans Pourbus Le jeune

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Estimation gratuite Pierre Mignard

Pierre Mignard

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Estimation et cote de l’artiste Pierre Mignard

Pierre Mignard (1612-1695) est une figure majeure de la peinture française du XVIIe siècle, reconnu pour ses portraits élégants, ses compositions religieuses raffinées et son habileté technique. Peintre officiel de Louis XIV et rival notoire de Charles Le Brun, Mignard incarne le classicisme français dans ce qu’il a de plus raffiné et prestigieux. Son œuvre, à la croisée de la grâce italienne et de la rigueur académique française, continue de séduire les collectionneurs du monde entier.

Estimation gratuite Pierre Mignard

Prix des œuvres de Pierre Mignard

  • Peinture originale - entre 10 000 € et 600 000 €

  • Dessin ou esquisse - entre 3 000 € et 40 000 €

  • Œuvre d’atelier ou copie ancienne - entre 2 000 € et 30 000 €

Vous possédez un tableau attribué à Pierre Mignard ou issu de son atelier ? Faites appel à Estimon’objet pour obtenir une estimation précise, gratuite et confidentielle sous quelques jours. Nos commissaires-priseurs experts en peinture ancienne vous accompagnent pour déterminer l’authenticité, la provenance et la valeur actuelle de votre œuvre.

Pierre Mignard, le peintre des Grâces et des rois

Né en 1612 à Troyes dans une famille d’artistes, Pierre Mignard étudie la peinture auprès de Simon Vouet, puis poursuit sa formation à Rome où il s’imprègne durablement de l’art de Raphaël, du Caravage et de Guido Reni. Il y demeure plus de vingt ans, gagnant le surnom de « Mignard le Romain » et perfectionnant un style empreint de douceur, d’élégance et de spiritualité. À son retour en France en 1657, Mignard devient rapidement l’un des peintres les plus recherchés de la cour. Il est nommé Premier peintre du Roi en 1690, succédant à son éternel rival Charles Le Brun. Son style, moins austère, séduit les grands mécènes de l’époque, de la noblesse de province jusqu’au cercle intime de Louis XIV.

L’univers artistique de Pierre Mignard

Les œuvres de Mignard se caractérisent par :

  • Des portraits d’une grande finesse psychologique, notamment ceux de la noblesse et de la cour, comme le célèbre portrait de la marquise de Maintenon ou celui de Mademoiselle de Lavallière.

  • Des compositions religieuses monumentales, telles que « La Vierge à l’Enfant » ou « Le Christ en croix », où l’harmonie des lignes et la douceur des visages traduisent une ferveur profondément classique.

  • Une palette lumineuse, où dominent les tons chauds, les drapés nacrés et les carnations éclatantes, inspirées de l’école italienne.

Mignard a également laissé un corpus important de dessins, d’études préparatoires et de copies réalisées par son atelier. Ces œuvres secondaires, bien que moins cotées, intéressent les amateurs de peinture ancienne pour leur qualité d’exécution et leur accessibilité.

Un peintre courtisé et célébré

Au fil de sa carrière, Pierre Mignard accumule les commandes prestigieuses : plafonds peints à Versailles, décorations pour le Val-de-Grâce, portraits officiels du roi et des favorites, œuvres religieuses pour les églises de Paris et d’Avignon. Ses œuvres sont aujourd’hui conservées dans de nombreuses collections publiques :

  • Le Musée du Louvre (Paris),

  • Le Musée des Beaux-Arts de Lyon,

  • La National Gallery (Londres),

  • Le Metropolitan Museum of Art (New York).

Sa renommée ne s’est jamais éteinte, et le marché de l’art lui accorde toujours une place de choix parmi les maîtres anciens.

La cote de Pierre Mignard sur le marché de l’art

La cote de Pierre Mignard demeure stable et soutenue. Les collectionneurs, notamment anglo-saxons et européens, apprécient la qualité de ses portraits et la rareté de ses œuvres de chevalet disponibles sur le marché. Les pièces les plus convoitées sont les portraits autographes de personnalités historiques et les scènes religieuses de petit format. Voici quelques ventes remarquables :

  • Portrait de la Duchesse de La Vallière, huile sur toile, vendue 464 000 € .

  • La Vierge à l’Enfant avec Saint Jean-Baptiste, adjugée 287 000 € 

  • Portrait de Louis XIV enfant, vendu 180 000 € .

  • Tête d’étude d’ange, dessin au fusain, vendu 28 000 € 

Les œuvres d’atelier, notamment les copies d’après Mignard, atteignent fréquemment entre 5 000 € et 15 000 €, selon leur qualité et leur état de conservation. Vous avez hérité d’un tableau ancien ? Vous soupçonnez qu’il pourrait s’agir d’une œuvre de Pierre Mignard ou de son entourage ? Estimon’objet vous accompagne pour identifier, authentifier et estimer gratuitement votre œuvre. Grâce à notre réseau de commissaires-priseurs spécialisés et à notre expertise en peinture classique, vous bénéficiez d’un accompagnement de qualité, rapide et confidentiel. Faites estimer votre œuvre en ligne dès maintenant sur www.estimonobjet.fr.

(Illus.) Pierre Mignard

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Estimation gratuite Andrea Mantegna

Andréa Mantegna

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Estimation et cote de l’artiste Andrea Mantegna

Andrea Mantegna (1431-1506) est l’un des plus grands maîtres de la Renaissance italienne. Peintre, graveur et dessinateur virtuose, il a révolutionné la perspective et influencé des générations d’artistes. Sa rigueur architectonique, son goût pour l’antiquité classique et sa capacité à donner un souffle dramatique à la représentation sacrée ou mythologique en font une figure majeure du Quattrocento.

Estimation gratuite Andrea Mantegna

Prix des œuvres d'Andrea Mantegna

  • Gravure originale - entre 40 000 € et 1 500 000 €

  • Dessin - entre 150 000 € et plusieurs millions d’euros

  • Œuvre attribuée ou école de Mantegna - entre 10 000 € et 150 000 €

Vous possédez une estampe ancienne ou un dessin attribué à Andrea Mantegna ? Vous avez hérité d’une œuvre d’après Mantegna ou d’un tirage ancien de son atelier ? Faites appel à Estimon’objet pour obtenir une estimation précise, gratuite et confidentielle. Nos commissaires-priseurs experts analysent chaque œuvre avec soin, en tenant compte de son authenticité, de son état de conservation, de sa provenance et de sa rareté sur le marché.

Andrea Mantegna, l’œil visionnaire de la Renaissance

Andrea Mantegna naît vers 1431 à Isola di Carturo, près de Padoue, au sein d’un milieu modeste. Il est rapidement repéré par Francesco Squarcione, fondateur d’une école d’art réputée pour son attachement aux formes de l’antiquité. Doué d’un esprit critique et d’une grande maturité artistique, Mantegna s’émancipe vite de son maître et développe un langage visuel fondé sur l’illusion de la profondeur et une mise en scène dramatique des sujets religieux. 

Dès ses débuts, il impressionne par la vigueur de son dessin, inspiré des bas-reliefs antiques et des sculptures romaines. Il collabore avec des mécènes prestigieux comme les Gonzague de Mantoue ou les Este de Ferrare, intégrant dans son œuvre italienne une grande érudition classique.

Le style sculptural et intellectuel d'Andrea Mantegna

Le style de Mantegna se distingue par :

  • Une maîtrise pionnière de la perspective : il expérimente des raccourcis audacieux, comme dans le célèbre Christ mort (vers 1480), où le corps du Christ est vu en contre-plongée avec une force inédite à l’époque.

  • Des figures rigides et héroïques : influencées par la statuaire antique, elles dégagent une impression de solennité et de puissance.

  • Un goût pour la monumentalité : même dans de petites gravures ou des dessins préparatoires, Mantegna insuffle une grandeur épique à ses sujets.

  • Un lien constant avec l’Antiquité : dans ses décors, armures, poses, il réinterprète le langage antique au service de la foi chrétienne et de la gloire des mécènes.

Œuvres majeures d’Andrea Mantegna

Parmi ses œuvres les plus connues, on peut citer :

  • La Chambre des Époux (1465-1474), ou Camera degli Sposi, une fresque illusionniste au Palais ducal de Mantoue, considérée comme un chef-d’œuvre de perspective et de mise en scène.

  • Le Triomphe de César (1485-1492), un ensemble de neuf toiles aujourd’hui conservées au Hampton Court Palace (Angleterre), glorifiant la Rome antique avec un sens du détail et de la composition inégalé.

  • Le Christ mort et les trois pleureuses (vers 1480), conservé à la Pinacothèque de Brera à Milan, emblématique de sa vision dramatique de la religion.

  • Ses gravures d’une puissance expressive rare, comme La Descente aux limbes ou La Flagellation, qui ont inspiré Dürer et toute l’école gravée du Nord.

Andrea Mantegna, un artiste recherché par les collectionneurs

L’œuvre de Mantegna est aujourd’hui conservée dans les plus grandes collections muséales : le Louvre, la National Gallery de Londres, le Metropolitan Museum de New York ou encore le Kunsthistorisches Museum de Vienne. Mais certaines pièces circulent encore sur le marché de l’art, notamment les estampes anciennes et les dessins. Les œuvres originales de Mantegna sont extrêmement rares.

Toutefois, les épreuves anciennes ou issues de son atelier, ainsi que les dessins attribués, suscitent un fort intérêt auprès des collectionneurs et institutions. Leur authenticité et leur provenance sont déterminantes pour leur valeur.

La cote d'Andrea Mantegna sur le marché de l’art

La cote d’Andrea Mantegna reste soutenue, portée par l’extrême rareté de ses œuvres. Voici quelques ventes remarquables :

  • La Descente aux limbes (vers 1475), gravure sur cuivre, vendue 1 445 000 $ 

  • Le Christ mort porté par deux anges (d’après Mantegna), dessin attribué à un élève proche, adjugé 240 000 € 

  • La Flagellation du Christ (estampe originale), adjugée 980 000 €

  • Tête d’homme barbu, de profil (dessin attribué), vendue 185 000 € 

Vous avez en votre possession une œuvre ancienne, une estampe ou un dessin lié à Andrea Mantegna ? Estimon’objet vous accompagne dans l’estimation et l’expertise de votre œuvre. Notre équipe s’appuie sur des compétences muséales et une connaissance approfondie du marché de l’art ancien pour vous fournir une évaluation fiable, rapide et confidentielle. Qu’il s’agisse d’un original, d’un dessin attribué ou d’un tirage ancien, nous vous aidons à déterminer sa valeur et son potentiel sur le marché.

(Illus.) Andrea Mantegna huile sur toile 

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Estimation gratuite Fra Angelico

Fra Angelico

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Estimation et cote de l’artiste Fra Angelico

Fra Angelico (vers 1395-1455), moine dominicain et peintre de la première Renaissance italienne, est l’un des artistes de l’art sacré. Considéré comme un maître de la fresque religieuse, il a su marier grâce divine et rigueur gothique dans un style qui préfigure la Renaissance florentine. 

Estimation gratuite Fra Angelico

Prix des œuvres de Fra Angelico

  • Peinture religieuse - entre 500 000 € et plus de 6 000 000 €

  • Dessin ou esquisse ancienne - entre 100 000 € et 800 000 €

  • Fragment de prédelle ou panneau d’autel - entre 200 000 € et 3 000 000 €

Vous pensez posséder une œuvre attribuée à Fra Angelico ou à son atelier ? Une peinture ancienne, une prédelle ou un dessin d’époque ? Faites appel à Estimon’objet, le site de référence pour l’estimation d’art sacré et d’œuvres anciennes. Notre équipe de commissaires-priseurs expérimentés et d’experts en art ancien vous fournit une estimation gratuite, précise et confidentielle en quelques jours. Nous vous aidons à comprendre la valeur de votre œuvre et à envisager sa vente ou sa transmission.

Fra Angelico, le peintre de Dieu

Né Guido di Pietro vers 1395 à Vicchio, en Toscane, Fra Angelico devient moine dominicain au couvent de San Domenico à Fiesole. C’est là qu’il commence à peindre, sous l’influence du gothique international, avant d’évoluer vers un style plus lumineux et narratif, annonciateur de la Renaissance. Il adopte le nom de Fra Giovanni da Fiesole, mais sera plus tard surnommé Fra Angelico pour la douceur et la ferveur de son art, jugé « angélique ». À Florence, il devient l’un des principaux artisans de la réforme initiée par Masaccio, en intégrant la perspective et le réalisme à ses compositions religieuses. Son art italien s’inscrit dans une époque charnière, entre tradition gothique et innovations renaissantes.

La grâce dans le détail : les chefs-d’œuvre de Fra Angelico

Les œuvres anciennes de Fra Angelico sont marquées par :

  • Une spiritualité vibrante : ses figures sont empreintes de sérénité et de recueillement, souvent plongées dans un environnement paisible et lumineux.

  • Une maîtrise de la fresque : ses fresques dans le couvent San Marco à Florence sont parmi les plus beaux exemples d’art religieux italien, où simplicité formelle et profondeur mystique se retrouvent.

  • Un sens aigu du détail : ses peintures, notamment les prédelles et panneaux d’autel, se distinguent par la finesse des visages, des drapés et des décors dorés.

Parmi ses œuvres les plus emblématiques, citons :

  • L’Annonciation (vers 1440), conservée au couvent San Marco de Florence, icône absolue de l’art chrétien.

  • Le Jugement Dernier (1431), musée national de San Marco.

  • La Déposition du Christ (vers 1442), au musée du Prado à Madrid.

  • Le Couronnement de la Vierge (vers 1435), Musée du Louvre.

Fra Angelico réalisa également plusieurs retables, souvent en collaboration avec ses élèves, et des manuscrits enluminés d’une rare délicatesse.

Une renommée universelle, du couvent San Marco au Vatican

Fra Angelico est convoqué à Rome par le pape Eugène IV, puis par Nicolas V, pour y peindre la chapelle privée du pontife, la chapelle Niccoline, au Vatican. Ces fresques, achevées vers 1449, célèbrent la vie de saint Laurent et de saint Étienne avec une monumentalité toute renaissance. Canonisé en 1982 par le pape Jean-Paul II, Fra Angelico reste aujourd’hui une figure majeure de l’histoire de l’art religieux. Son influence traverse les siècles, de l’art sacré médiéval à la peinture contemporaine.

La cote de Fra Angelico sur le marché de l’art

La rareté des œuvres de Fra Angelico, conjuguée à leur importance historique et spirituelle, explique leur présence presque exclusive dans les musées. Cependant, certaines pièces issues de son atelier, ou attribuées à son cercle, ont été vendues lors de ventes aux enchères prestigieuses. Voici quelques résultats notables :

  • « La Vierge et l’Enfant avec deux anges », panneau attribué à l’atelier de Fra Angelico, vendu 2 100 000 £ 

  • « Fragment de prédelle : saint Thomas d’Aquin », adjugé 1 200 000 € 

  • « Tête de saint dominicain », dessin attribué au cercle de Fra Angelico, vendu 245 000 € 

Vous possédez un tableau ancien, un fragment religieux ou une peinture gothique d’inspiration florentine ? Faites appel à Estimon’objet, votre référence en estimation d’art ancien. Notre équipe d’experts analyse les caractéristiques techniques, stylistiques et historiques de votre œuvre pour vous fournir une évaluation fiable, gratuite et confidentielle. Grâce à notre connaissance du marché de l’art sacré et des grands maîtres anciens, vous bénéficiez d’une expertise rigoureuse, que ce soit pour une vente, une assurance ou une succession. 

(Illus.) Peinture ancienne de Fra Angelico

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Estimation gratuite Frans Hals

Frans Hals

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Estimation et cote de l’artiste Frans Hals

Frans Hals (vers 1582–1666) est l’un des plus grands peintres hollandais du XVIIe siècle, figure emblématique du Siècle d’or néerlandais. Réputé pour ses portraits d’un réalisme vibrant et sa touche vive, il a su capturer avec une précision saisissante l’énergie et les émotions de ses modèles. Son style libre et spontané a influencé des générations d’artistes jusqu’à l’époque moderne, de Manet à Van Gogh.

Estimation gratuite Frans Hals

Prix des œuvres de Frans Hals

  • Peinture - entre 100 000 € et 12 000 000 €

  • Dessin ou étude préparatoire - entre 50 000 € et 600 000 €

Vous êtes en possession d’un tableau ou d’un dessin attribué à Frans Hals ou à son atelier ? Faites estimer gratuitement votre œuvre grâce à Estimon’objet. Nos commissaires-priseurs vous offrent une estimation fiable, confidentielle et rapide, reposant sur l’analyse des ventes récentes, de l’état de conservation, de la provenance et des techniques employées.

Frans Hals, le peintre du mouvement et de la vie

Né à Anvers aux alentours de 1582, Frans Hals s’installe avec sa famille à Haarlem, aux Pays-Bas, dans un contexte de forte émigration liée aux guerres de religion. C’est dans cette ville que l’artiste s’épanouit pleinement et passe l’essentiel de sa carrière. Membre de la guilde de Saint-Luc de Haarlem dès 1610, il y devient rapidement l’un des portraitistes les plus en vue. 

Hals se distingue de ses contemporains par une approche révolutionnaire du portrait : alors que d’autres figent leurs modèles dans des poses solennelles, lui capte des instants fugaces, des expressions naturelles. Sa peinture respire, rit, parle. Il préfère les touches rapides, visibles, presque esquissées, qui donnent vie à ses compositions avec une spontanéité rare à l’époque.

Le style unique du peintre flammand Frans Hals

Les tableaux anciens de Frans Hals repose sur trois piliers majeurs :

  • Un réalisme psychologique saisissant : Hals excelle dans l’art de représenter la personnalité de ses modèles à travers leur posture, leur regard, leur sourire ou leur gestuelle.

  • Une technique fluide et dynamique : il manie le pinceau avec une virtuosité spontanée, en utilisant des touches visibles et libres qui annoncent la peinture impressionniste.

  • Une palette lumineuse et contrastée : bien que souvent sobre, sa gamme chromatique joue habilement sur les noirs, blancs, bruns et rouges, accentuant les effets de lumière et de profondeur.

Œuvres majeures de Frans Hals

Parmi les tableaux les plus célèbres de Frans Hals, on peut citer :

  • « Le joyeux buveur » (vers 1628) : conservé au Rijksmuseum, ce portrait jovial incarne le style libre et expressif de Hals.

  • « La Bohémienne » (vers 1628–1630) : un portrait fascinant de femme rieuse au regard direct, aujourd’hui au Louvre.

  • « Les régents de l’Hospice des vieillards de Haarlem » (1664) : l’un de ses derniers chefs-d’œuvre, où le réalisme se teinte de gravité.

  • « Banquet des officiers de la garde de Saint-Georges » (1616) : une scène collective d’une grande complexité, illustrant son talent pour les compositions de groupe.

Frans Hals, entre reconnaissance et oubli

Bien que reconnu de son vivant, Hals connaît une fin de vie difficile, marquée par la pauvreté. Il meurt en 1666 à Haarlem, dans un relatif anonymat. Ce n’est qu’au XIXe siècle que son génie est redécouvert, notamment grâce aux impressionnistes qui admirent sa touche rapide et sa capacité à capturer l’instant.

Aujourd’hui, il est considéré comme l’un des pères fondateurs de la peinture moderne. Ses peintures flamandes sont conservées dans les plus grands musées du monde : le Rijksmuseum d’Amsterdam, le Louvre, la National Gallery de Londres ou encore le Metropolitan Museum of Art à New York.

La cote de Frans Hals sur le marché de l’art

Le marché de l’art pour les œuvres de Frans Hals est particulièrement actif, même si les attributions sont rigoureuses et les œuvres véritablement autographes rares. La cote varie selon qu’il s’agisse d’un original, d’une œuvre de son atelier ou d’un suiveur. Voici quelques résultats de ventes emblématiques :

  • « Portrait of a gentleman, half-length, in black, with a white ruff and cuffs », huile sur toile, adjugée 10 300 000 £ 

  • « Portrait of a man in a slouch hat », vendu pour 9 400 000 $ 

  • « Tête d’homme souriant », attribué à Frans Hals, vendu 2 100 000 € 

  • Des œuvres issues de l’atelier ou de l’entourage de Hals se négocient entre 100 000 et 800 000 €, selon la qualité et l’état.

Vous avez hérité ou acquis un tableau ancien attribué à Frans Hals ? Avant toute décision de vente ou de conservation, confiez-le à nos experts pour une évaluation professionnelle. Estimon’objet vous accompagne dans l’estimation gratuite, rapide et confidentielle de vos tableaux anciens. Notre réseau de commissaires-priseurs vous garantit une expertise fiable, reposant sur des bases de données du marché actualisées et un savoir-faire reconnu dans l’art ancien.

(Illus.) Tableau ancien de Frans Hals

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Estimation gratuite Jacques Callot

Jacques Callot

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Estimation et cote de l’artiste Jacques Callot

Jacques Callot (1592-1635) est une figure majeure de l’histoire de la gravure européenne. Graveur virtuose, dessinateur de génie et chroniqueur de son époque, Callot s’est imposé par un style immédiatement reconnaissable, qui mélange sens du détail et satire mordante.

Estimation gratuite Jacques Callot

Prix des œuvres de Jacques Callot

  • Estampe / Gravure ancienne - entre 100 € et 25 000 €, selon l’état, l’édition et le sujet.

  • Dessin original (plus rare) - entre 8 000 € et 150 000 €.

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Jacques Callot, un maître de la gravure baroque

Né à Nancy en 1592, Jacques Callot grandit dans un duché de Lorraine alors indépendant. Très jeune, il montre des dispositions exceptionnelles pour le dessin. Il se forme d’abord à la gravure à Nancy, avant de se perfectionner à Rome et Florence, au contact des meilleurs maîtres italiens.

À Florence, il travaille pour la puissante famille des Médicis, qui devient l’un de ses premiers mécènes. De retour à Nancy vers 1621, Callot entre au service du duc de Lorraine Charles IV et développe une œuvre d’une richesse étonnante, où sujets religieux, scènes de genre, théâtre de foire, paysages, portraits et surtout, représentations de guerre et de misère humaine sont représentés.

Le style Callot : précision, ironie et humanité

L’œuvre de Jacques Callot se caractérise par :

  • Une extrême précision du trait : ses gravures au burin et à l’eau-forte sont d’une finesse remarquable, rendant avec justesse mouvements, attitudes et expressions.

  • Une richesse narrative : chaque estampe raconte une histoire, souvent complexe, que le spectateur découvre en détail.

  • Une dimension critique : Callot introduit dans ses œuvres une portée morale ou satirique, notamment dans ses séries sur les mendiants, les saltimbanques ou la guerre.

Il perfectionne notamment la technique de l’eau-forte avec vernis dur, qui lui permet une liberté de trait inégalée pour l’époque. Il influencera durablement Rembrandt, Goya, Daumier et même les caricaturistes du XIXe siècle.

Œuvres majeures de Jacques Callot

Parmi les séries les plus emblématiques de Jacques Callot, on peut citer :

  • Les Grandes Misères de la guerre (1633) : suite de 18 planches représentant avec une rare intensité les ravages des conflits (notamment la guerre de Trente Ans) sur les populations civiles.

  • Les Bohémiens (vers 1621-1623) : une série satirique sur la marginalité et les vagabonds, en 25 planches.

  • Les Caprices (1617-1618) : 50 estampes représentant un univers fantasque, burlesque et onirique.

  • La Foire de l’Impruneta ou La Foire de Gondreville : de grandes scènes foisonnantes, peuplées de centaines de personnages.

  • La Tentation de Saint Antoine (1635) : une gravure dantesque, dernière œuvre majeure de l’artiste, empreinte d’angoisse et de spiritualité.

Jacques Callot, une carrière influente et internationale

Largement diffusées grâce aux imprimeurs de l’époque, les œuvres de Jacques Callot ont circulé dans toute l’Europe. Admiré à la cour de France comme dans les États italiens, il fut aussi l’un des premiers artistes à faire de l’estampe un art autonome, à égalité avec la peinture ou la sculpture. Callot est également connu pour avoir influencé toute une tradition de la gravure narrative européenne, depuis Stefano della Bella jusqu’à Francisco de Goya. Sa capacité à dépeindre le tragique avec lucidité et parfois avec humour en fait un artiste moderne avant l’heure.

La cote de Jacques Callot sur le marché de l’art

La cote de Jacques Callot demeure stable et soutenue par une demande constante. Les œuvres les plus recherchées sont les séries complètes en bon état ou les impressions de premier tirage. Les feuilles uniques et les dessins préparatoires, bien plus rares, atteignent des prix élevés. Voici quelques ventes marquantes des œuvres de Jacques Callot :

  • « Les Grandes Misères de la guerre », série complète, vendue 22 500 €

  • Dessin à la plume pour « Les Bohémiens », adjugé 95 000 €

  • « La Tentation de Saint Antoine », belle épreuve ancienne, vendue 18 000 € 

  • « La Foire de l’Impruneta », tirage complet avec marges, adjugé 15 600 € 

Les épreuves isolées ou de second tirage peuvent se vendre entre 200 € et 3 000 €, tandis que les séries incomplètes restent très prisées si bien conservées. 

Que vous possédiez une estampe isolée, une série complète ou un dessin original de Jacques Callot, Estimon’objet vous accompagne dans la découverte de sa valeur. Notre équipe d’experts spécialisés en art ancien vous propose une estimation gratuite, rapide et fiable, accessible directement en ligne. Ne laissez pas vos œuvres anciennes sans valorisation : faites-les estimer dès aujourd’hui sur www.estimonobjet.fr.

(Illus.) Gravure de Jacques Callot

En lien avec Jacques Callot

Estimation d’objet d’art en ligne : comment faire ?

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Estimation gratuite Maurice Braun

Maurice Braun

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Estimation et cote de l’artiste Maurice Braun

Maurice Braun (1877-1941) est un peintre impressionniste américain  du début du XXe siècle, particulièrement reconnu pour ses paysages lumineux de la Californie. Son style distinctif, qui combine héritage européen et modernité américaine, fait aujourd’hui l’objet d’un intérêt soutenu sur le marché de l’art. 

Estimation gratuite Maurice Braun

Prix des œuvres de Maurice Braun

  • Peinture - entre 3 000 € et 150 000 €

  • Dessin / esquisse - entre 500 € et 5 000 €

Vous possédez une peinture signée Maurice Braun et souhaitez en connaître la valeur ? Faites appel à Estimon’objet, le site de référence pour l’estimation d’œuvres d’art en ligne. Notre équipe de commissaires-priseurs et d’experts qualifiés vous propose une estimation gratuite, fiable et confidentielle, en quelques jours seulement. Qu’il s’agisse d’un paysage californien, d’une scène de montagne ou d’une œuvre de jeunesse, notre réseau d’experts vous accompagne dans la valorisation de votre tableau de Maurice Braun.

Maurice Braun, un peintre de la lumière californienne

Né en 1877 à Nagy Bittse, en Hongrie (aujourd’hui Slovaquie), Maurice Braun émigre avec sa famille à New York à l’âge de quatre ans. Il étudie à la National Academy of Design, où il se forme au classicisme académique. Très tôt, il montre un talent certain pour le paysage, influencé par les grands maîtres européens. 

C’est au tournant du siècle que Braun affine son style, après avoir étudié avec le peintre impressionniste américain William Merritt Chase. Cette rencontre est déterminante : elle oriente son œuvre vers un impressionnisme plus libre et personnel. En 1909, Braun s’installe à San Diego, où il découvre la lumière exceptionnelle et les paysages puissants du sud de la Californie. C’est dans cet environnement qu’il va développer son langage pictural le plus accompli.

L'oeuvre de Maurice Braun, un style impressionniste personnel

L’art de Maurice Braun se distingue par :

  • Une lumière vibrante et maîtrisée : ses paysages sont traversés par une atmosphère chaude, dorée, souvent baignée du soleil californien.

  • Des compositions équilibrées : collines, eucalyptus, rivages et montagnes s’articulent dans une structure harmonieuse, qui révèle une grande sensibilité à la nature.

  • Un style impressionniste affirmé : Braun peint à larges touches, avec des couleurs fraîches, capturant l’instant et les variations de l’air et de la lumière.

Ses sujets de prédilection sont les collines de San Diego, les montagnes de la Sierra Nevada, les côtes du Pacifique et parfois des vues urbaines. Il travaille principalement à la peinture à huile, sur toile ou sur panneau, et laisse derrière lui une production riche et cohérente.

Une figure majeure de l’école californienne

Maurice Braun participe activement à la vie artistique de la Californie du Sud. Il est l’un des fondateurs de la San Diego Art Guild et expose régulièrement au Panama–California Exposition de 1915. Ses œuvres figurent également dans les collections de musées tels que le San Diego Museum of Art, le Los Angeles County Museum of Art (LACMA) ou encore le Laguna Art Museum. Sa reconnaissance ne cesse de croître, notamment grâce au regain d’intérêt pour les peintres paysagistes californiens du début du XXe siècle.

Braun est aujourd’hui considéré comme l’un des plus grands représentants de l’impressionnisme californien, aux côtés de Guy Rose et William Wendt.

La cote de Maurice Braun sur le marché de l’art

Le marché des œuvres de Maurice Braun est dynamique, notamment aux États-Unis, où ses paysages sont particulièrement prisés. Ses toiles les plus emblématiques, représentant les collines dorées ou les ciels de fin de journée, peuvent atteindre des sommes élevées lors de ventes aux enchères ou en galeries spécialisées. Quelques résultats récents illustrent l’intérêt pour son travail :

  • « Eucalyptus in Mission Valley », huile sur toile, vendue 150 000 $ 

  • « Sunset Glow », huile sur toile, adjugée 87 500 $

  • « San Diego Hills », peinture à l’huile, vendue 65 000 $ 

  • « California Landscape », toile de format moyen, estimée entre 30 000 et 50 000 €, vendue 43 000 € 

Les esquisses, petits formats ou œuvres de jeunesse, restent plus accessibles, avec des prix oscillant entre 2 000 et 10 000 euros selon leur état et leur provenance.

Grâce à Estimon’objet, l’expertise de votre œuvre de Maurice Braun n’a jamais été aussi simple. Notre plateforme vous met en relation avec des spécialistes du marché de l’art, capables d’identifier l’authenticité, la période, la provenance et la valeur de votre peinture. Recevez une estimation fiable, gratuite et confidentielle en quelques clics, et bénéficiez des conseils de véritables professionnels pour vendre ou assurer votre œuvre.

(Illus.) Composition Maurice Braun

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Estimation gratuite William Blake

William Blake

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Estimation et cote de l’artiste William Blake

William Blake (1757-1827) est une figure singulière et visionnaire de l’art britannique. Poète, graveur et peintre, il a su conjuguer les arts et les idées dans une œuvre mystique et inventive. Méconnu de son vivant, il est aujourd’hui reconnu comme l’un des artistes et penseurs les plus originaux de l’époque romantique. Ses créations, rares sur le marché de l’art, atteignent aujourd’hui des prix remarquables.

Estimation gratuite William Blake

Prix des œuvres de William Blake

  • Gravure, eau-forte ou enluminure - entre 10 000 € et 2 000 000 €

  • Dessin ou aquarelle - entre 30 000 € et 4 500 000 €

  • Livre illustré ou page manuscrite - entre 15 000 € et 800 000 €

Vous possédez une gravure ou une œuvre inspirée de William Blake et souhaitez en connaître la valeur ? Faites estimer votre pièce en toute simplicité grâce à Estimon’objet. Notre équipe de commissaires-priseurs experts vous garantit une estimation gratuite, confidentielle et rigoureuse, réalisée sous quelques jours seulement.

William Blake, un artiste visionnaire et marginal

Né en 1757 à Londres, William Blake manifeste très tôt une sensibilité artistique et spirituelle hors norme. À dix ans, il commence à graver des copies de sculptures antiques et entre à l’âge de 14 ans en apprentissage chez un graveur. Il étudie ensuite à la Royal Academy, tout en développant un style bien à lui, loin des conventions académiques.

Blake se distingue rapidement par une approche inclassable, qui réunit souvent poésie, illustration et théologie personnelle. Il considère ses visions comme réelles, souvent inspirées par des figures bibliques, mythologiques ou symboliques. Cette dimension mystique, au cœur de son œuvre, dérange ses contemporains mais fascine les amateurs d’art d’aujourd’hui.

L'oeuvre de William Blake, où se mêle poésie, image et prophétie

Ce qui fait la particularité de William Blake, c’est son refus de séparer le texte et l’image. Nombre de ses œuvres prennent la forme de livres illustrés, qu’il conçoit lui-même par une technique novatrice appelée « relief etching », mélange d’eau-forte et de typographie. Parmi ses œuvres majeures, on peut citer :

  • « Songs of Innocence and of Experience » (1794) : un recueil de poèmes illustrés montrant le contraste entre la pureté de l’enfance et la corruption du monde adulte.

  • « The Marriage of Heaven and Hell » (vers 1790-93) : ouvrage philosophique et poétique, mêlant satire, spiritualité et gravures marquantes.

  • « Jerusalem » (1804-1820) : l’un de ses livres prophétiques les plus ambitieux, composé de 100 pages gravées et peintes à la main.

  • Ses aquarelles bibliques, telles que « The Great Red Dragon », inspirées de l’Apocalypse de Saint Jean, aujourd’hui mondialement connues.

Blake réalisait aussi des illustrations pour d’autres auteurs, comme Edward Young ou Dante. Ses compositions aux formes puissantes, aux couleurs irréelles et aux symboles denses annoncent déjà le symbolisme, voire le surréalisme du XXe siècle.

William Blake : un génie reconnu après sa mort

De son vivant, William Blake connaît peu de succès. Considéré comme marginal et incompris, il subsiste grâce à des commandes de gravures. Il faut attendre le milieu du XIXe siècle pour qu’il soit redécouvert par les préraphaélites, puis élevé au rang d’icône par les surréalistes et les poètes du XXe siècle. 

Aujourd’hui, ses œuvres figurent dans les plus grandes collections publiques : Tate Britain, British Museum, Metropolitan Museum of Art, ou encore la Morgan Library. De nombreuses expositions lui sont régulièrement consacrées, contribuant à l’essor de sa cote.

La cote de William Blake sur le marché de l’art

La rareté des œuvres originales de William Blake (beaucoup ayant été tirées à très peu d’exemplaires) participe à leur très forte valorisation. Dessins, aquarelles et estampes atteignent régulièrement des prix à sept chiffres lors des ventes aux enchères. Voici quelques ventes marquantes de ces dernières années :

  • « The Good and Evil Angels Struggling for Possession of a Child », aquarelle, vendue 3 908 000 £ 

  • « The Book of Urizen », un exemplaire complet enluminé, vendu 2 500 000 $ 

  • « Songs of Innocence and of Experience », exemplaire illustré et colorisé par Blake, adjugé 1 328 000 £ 

Vous détenez une gravure ancienne ou une page enluminée de William Blake ? Vous avez hérité d’un dessin mystérieux portant son influence ou sa signature ? Faites appel à Estimon’objet, la référence de l’estimation en ligne pour les œuvres d’art. Nos experts vous accompagnent dans l’analyse, l’authentification et l’évaluation de votre bien, en tenant compte du marché actuel, de la rareté et de la provenance de l’œuvre. L’estimation est gratuite et totalement confidentielle.

(Illus.) William Blake, Oberon, Titania et Puck avec la danse des fées, vers 1786

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Estimation gratuite Aurele

Aurèle

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Estimation et cote de l’artiste Aurèle

Aurèle (né en 1963) est un artiste plasticien français inclassable, connu pour son univers visuel percutant, son engagement écologique ainsi que son célèbre emblème du « LostDog », devenu l’icône d’un monde en crise. Peintre, sculpteur, designer, Aurèle se positionne à la croisée de l’art contemporain, du street art et du pop art.

Estimation gratuite Aurele

Prix des œuvres d'Aurèle

  • Peinture - entre 2 000 € et 30 000 €

  • Sculpture - entre 3 000 € et 80 000 €

  • Édition / œuvre multiple - entre 300 € et 6 000 €

Vous possédez une sculpture de chien jaune, une toile colorée signée Aurèle ou une œuvre en édition limitée ? Faites estimer gratuitement votre œuvre grâce à Estimon’objet. Notre réseau de commissaires-priseurs et d’experts en art contemporain vous garantit une estimation fiable, rapide et confidentielle, pour mieux comprendre la valeur de votre œuvre sur le marché actuel.

Aurèle, l’artiste du « LostDog » en quête de sens

Né en 1963, Aurèle Ricard, dit simplement Aurèle, grandit dans une famille d’artistes : son père, Bernard Ricard, était peintre. Dès les années 1980, Aurèle affirme son indépendance et construit une œuvre fondée sur l’urgence du monde contemporain. Il découvre à New York l’effervescence post-punk et l’univers de Basquiat ou Keith Haring, qui influenceront son langage visuel direct, brut et saturé de signes. 

En 1986, il crée son LostDog, silhouette de chien errant inspirée d’une photo réelle, qui devient rapidement sa signature plastique et politique. Symbole de solitude, d’alerte écologique, d’exclusion et de résilience, ce chien jaune fluo devient omniprésent dans son œuvre et dans l’espace public, de Paris à Shanghai.

Aurèle, entre art, design et engagement

L’œuvre d’Aurèle s’étend bien au-delà de la peinture. L’artiste travaille des matériaux variés : bronze, résine, néon, textile, ou encore bois brûlé. Il collabore avec des designers et architectes de renom (Jean Nouvel, Ora-ïto), mais aussi avec des marques de luxe comme Louis Vuitton ou Christofle. 

Il est aussi un créateur engagé, militant pour les causes humanitaires et écologiques. Il participe à des actions en faveur de Médecins Sans Frontières, de la SPA ou de la Fondation Abbé Pierre. En 2009, il est invité à installer ses sculptures monumentales du LostDog à Pékin dans le cadre d’un programme environnemental. Ses expositions personnelles et installations urbaines ont marqué des lieux tels que :

  • Le Palais de Tokyo (Paris)

  • Le Centre Pompidou (Paris)

  • Le Museum of Modern Art (Shanghai)

  • La Biennale de Venise

  • Le Musée d’Art Contemporain de Nice

  • L’aéroport de Roissy Charles-de-Gaulle, où l’un de ses chiens géants a accueilli les voyageurs.

Les points forts de l’œuvre d’Aurèle

  • Un symbole universel : le LostDog est une figure immédiate et forte, qui touche un public large par sa simplicité et sa portée émotionnelle.

  • Des couleurs vives : jaune fluorescent, noir profond, rouge éclatant… L’artiste emploie une palette vive et expressive.

  • Une pratique transversale : peinture, sculpture, mobilier, installations, mode… Aurèle traverse les disciplines avec la même énergie.

  • Un art du manifeste : chaque œuvre est porteuse d’un message, souvent en lien avec la société, l’écologie ou les injustices sociales.

La cote d'Aurèle sur le marché de l’art

La cote d’Aurèle est stable depuis les années 2000, avec une demande régulière sur le marché français et international. Ses sculptures en résine ou bronze, surtout lorsqu’elles représentent le LostDog dans des formats monumentaux ou limités, sont les plus recherchées. Ses œuvres en édition ou ses collaborations avec des maisons de design peuvent aussi séduire des amateurs d’art contemporain, de pop culture ou d’art urbain. 

Son travail est notamment porté par des galeries spécialisées en art contemporain à Paris, New York, Milan ou Pékin. Il figure aussi dans plusieurs collections privées et publiques, renforçant la légitimité de son œuvre. Voici quelques exemples récents de ventes publiques qui illustrent l’intérêt croissant pour Aurèle :

  • « LostDog Fluopink », sculpture en résine, 90 cm – adjugée 24 700 €

  • « Black LostDog », bronze patiné, 60 cm – vendu 52 000 €

  • « LostDog Yellow on Red », acrylique sur toile – adjugée 15 000 €

  • « LostDog – No Future », néon et résine – estimée 30 000 à 40 000 € 

  • « LOSTDOG bronze monumental (220 cm) », œuvre unique – vendue 75 000 € 


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(Illus.) Aurèle, Marylin Jack off Technique mixte

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