Estimation gratuite Gego

Gego

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Estimation et cote de l’artiste Gego

Gego (1912-1994), de son vrai nom Gertrud Goldschmidt, est une figure incontournable de l’art abstrait du XXe siècle. D’origine allemande, naturalisée vénézuélienne, elle s’impose par son œuvre singulière, entre sculpture, dessin et installation. Sa pratique fait d’elle une artiste à part, dont la reconnaissance internationale n’a cessé de croître depuis les années 2000.

Estimation gratuite Gego

Prix des œuvres de Gego

  • Sculpture ou installation - entre 30 000 € et 1 200 000 €

  • Œuvre sur papier (dessin, encre) - entre 5 000 € et 300 000 €

  • Estampe ou multiple - entre 1 000 € et 15 000 €

Vous possédez une sculpture, une œuvre sur papier ou une estampe signée Gego ? Grâce à Estimon’objet, obtenez une estimation rapide, gratuite et confidentielle de votre œuvre. Nos experts en art moderne et contemporain, tous commissaires-priseurs expérimentés, vous délivrent une évaluation fiable en quelques jours, sans aucun engagement.

 

Gego, une trajectoire artistique singulière

Née à Hambourg en 1912 dans une famille juive allemande, Gertrud Goldschmidt étudie l’ingénierie et l’architecture à Stuttgart. Fuyant le régime nazi, elle s’installe au Venezuela en 1939, où elle deviendra l’une des grandes figures de la scène artistique latino-américaine. Dans un pays marqué par le constructivisme et l’abstraction géométrique, Gego développe un langage plastique personne : elle y enseigne, expérimente, crée.

À partir des années 1950, elle réalise des sculptures linéaires d’une subtilité remarquable, jouant avec l’espace et la lumière. Ses recherches s’intensifient dans les années 1960-70, notamment avec ses fameuses séries de « Dibujos sin papel » (Dessins sans papier) et les grandes installations « Reticuláreas », composées de fils métalliques formant des réseaux suspendus.

Les oeuvres de Gego, ou l'art du fil, du vide et de la ligne

Gego refuse les conventions de l’art monumental. Ses œuvres, fragiles et pourtant rigoureusement construites, défient les catégories traditionnelles : ni tout à fait sculpture, ni tout à fait dessin.

Caractéristiques majeures de son œuvre :

  • La ligne comme structure : qu’elle soit dessinée à l’encre ou matérialisée en fil de fer, la ligne est l’unité fondamentale de son langage visuel.

  • Le réseau comme motif : Gego tisse littéralement des structures spatiales, souvent modulaires, semblables à des toiles arachnéennes.

  • L’instabilité comme posture : ses œuvres évoluent avec la lumière, le regard du spectateur, les ombres. Elles proposent une esthétique du mouvement discret et du changement permanent.

Sa démarche s’inscrit à contre-courant du rationalisme rigide de l’abstraction européenne, et intègre une dimension poétique et organique.

Gego, une artiste à la reconnaissance posthume internationale

Durant sa vie, Gego est surtout reconnue au Venezuela, où elle enseigne à l’Instituto de Diseño de Caracas et influence plusieurs générations d’artistes. Ce n’est qu’après sa mort, dans les années 1990-2000, que son œuvre connaît un regain d’intérêt à l’échelle mondiale. Ses rétrospectives marquantes :

  • Museum of Fine Arts, Houston (2005)

  • The Drawing Center, New York (2007)

  • Guggenheim Museum, New York (2023) : grande exposition rétrospective qui a repositionné Gego comme une figure essentielle de l’abstraction moderne et de la sculpture contemporaine.

  • Tate Modern, Londres (2024) : exposition confirmant sa stature internationale.

Aujourd’hui, son œuvre figure dans les collections de grands musées : MoMA, Tate, Reina Sofía, Centre Pompidou ou encore le Museum of Fine Arts de Houston.

La cote de Gego en constante évolution sur le marché de l’art

La redécouverte de Gego par les institutions et les collectionneurs internationaux a entraîné une hausse marquée de la valeur de ses œuvres sur le marché de l’art. Les sculptures, en particulier les pièces emblématiques des années 1960-70, atteignent des prix records dans les ventes aux enchères. Exemples de ventes notables :

  • Reticulárea cuadrada 71/4 (1971), sculpture suspendue – adjugée 1 200 000 $

  • Dibujo sin papel (1970), fil métallique et acier – vendu 740 000 $ 

  • Sin Título (1984), encre sur papier – vendue 215 000 € 

  • Columna (1975), structure filaire verticale – adjugée 850 000 $ 

  • Séries d’estampes ou lithographies – entre 1 000 € et 15 000 € 

Vous souhaitez vendre ou faire assurer une œuvre de Gego ? Estimon’objet vous accompagne à chaque étape. Notre équipe spécialisée dans l’art moderne et contemporain vous fournit une estimation gratuite, en ligne, sous 48 à 72 heures. Envoyez simplement une ou plusieurs photos de votre œuvre, avec ses dimensions et son éventuelle provenance, sur www.estimonobjet.fr. Nous analysons sa valeur en nous appuyant sur le marché international, les ventes récentes et notre réseau de maisons de ventes.

(Illus.) Gego structure cinétique en acier 

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Estimation gratuite Daniel Spoerri

Daniel Spoerri

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Estimation et cote de l’artiste Daniel Spoerri

Daniel Spoerri (1930 – 2024) est un artiste majeur du XXe siècle, connu pour avoir transformé les objets du quotidien en œuvres d’art à la fois poétiques, critiques et conceptuelles. Figure centrale du Nouveau Réalisme, Spoerri est l’inventeur des célèbres « tableaux-pièges », véritables instantanés de repas fixés dans le temps, qui interrogent avec humour et ironie notre rapport à la consommation et à l’art.

Estimation gratuite Daniel Spoerri

Prix des œuvres de Daniel Spoerri

  • Tableau-piège / Assemblage - entre 5 000 € et 150 000 €

  • Sculpture / Installation - entre 10 000 € et 100 000 €

  • Estampe / Multiple signé - entre 300 € et 6 000 €

Vous possédez un tableau-piège ou une sculpture de Daniel Spoerri ? Vous avez hérité d’un tirage, d’un assemblage ou d’un multiple signé par l’artiste ? Faites appel à Estimon’objet pour une estimation gratuite, confidentielle et réalisée par de véritables commissaires-priseurs. En quelques clics, recevez une estimation précise de la valeur de votre œuvre.

Daniel Spoerri, un artiste visionnaire de la scène à l’objet

Né en 1930 à Galați, en Roumanie, Daniel Spoerri fuit très tôt la persécution nazie avec sa famille. Il s’installe en Suisse, où il entame une carrière de danseur et de metteur en scène avant de se tourner définitivement vers l’art plastique dans les années 1950. C’est à Paris qu’il rencontre les figures du Nouveau Réalisme, comme Yves Klein, Jean Tinguely ou Arman, avec qui il fonde le mouvement en 1960 sous l’impulsion du critique Pierre Restany. Daniel Spoerri impose alors un geste artistique radical : figer le réel, fixer la vie.

Les tableaux-pièges, œuvres signature de Daniel Spoerri

Le concept phare de Daniel Spoerri est né presque par hasard. Un jour, il décide de coller les éléments d’un repas (verres, assiettes, couverts, restes de nourriture) sur la table avant de la redresser à la verticale. Ainsi naît le premier « tableau-piège » (ou tableau-piège) en 1960, capturant l’instant comme une nature morte contemporaine. 

Ces œuvres, à mi-chemin entre ready-made, performance et sculpture, fixent des scènes de la vie ordinaire avec un regard à la fois ironique et profondément critique. Elles évoquent la société de consommation, le passage du temps, mais aussi la mémoire. Outre les tableaux-pièges, Spoerri a également réalisé :

  • Des assemblages d’objets hétéroclites, inspirés du surréalisme.

  • Des multiples édités à partir d’objets trouvés, souvent produits en séries limitées et signées.

  • Des sculptures alimentaires, comme ses fameuses pièces en chocolat moulé.

  • Des œuvres performatives, notamment le Restaurant de Spoerri, où il servait des repas devenant plus tard… des œuvres d’art.

Une carrière internationale entre galeries et musées

Le travail de Daniel Spoerri a été exposé dans les plus grandes institutions artistiques du monde, notamment :

  • Le MoMA de New York,

  • Le Centre Pompidou à Paris,

  • La Kunsthalle de Bâle,

  • Le Musée Tinguely de Bâle,

  • La Fondation Maeght à Saint-Paul-de-Vence.

En 2009, Spoerri fonde son propre musée, le Spoerri Garten à Seggiano, en Toscane : un immense jardin de sculptures qui témoigne de la richesse de son univers artistique. Jusqu’à sa disparition en 2024, il a continué d’exposer et d’interroger les limites de l’art contemporain avec un esprit libre et décalé.

La cote de Daniel Spoerri sur le marché de l’art

Daniel Spoerri bénéficie d’une reconnaissance internationale stable et soutenue, tant du côté des institutions que des collectionneurs. Ses œuvres se vendent régulièrement aux enchères, avec une cote solide sur le marché. Voici quelques ventes marquantes :

  • Tableau piège (vers 1960), assemblage sur bois, vendu 118 750 € 

  • Eat Art Piece (1970), multiple en chocolat signé, vendu 7 500 € 

  • Sans titre (piège à couverts), vendu 36 400 €

  • Montage aux fourchettes (1964), adjugé 92 000 € 

Les pièces les plus emblématiques (tableaux-pièges anciens, œuvres Eat Art, grands assemblages…) peuvent atteindre plus de 100 000 € selon leur date, leur provenance et leur état de conservation.

Le marché de l’art contemporain accorde une place particulière aux pionniers du Nouveau Réalisme, et Daniel Spoerri en fait partie intégrante. Que vous possédiez un tableau-piège historique, une estampe signée ou un objet issu de ses multiples, faites appel à Estimon’objet pour obtenir une estimation gratuite, sérieuse et rapide. Notre équipe d’experts vous accompagne dans la valorisation de vos œuvres, avec une parfaite connaissance du marché actuel et des tendances. Faites estimer votre œuvre dès aujourd’hui pour en connaître le juste prix.

(Illus.) Daniel SPOERRI (1930) Le cracheur d’argent aux cheveux d’or. 1994 

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Estimation gratuite Ludwig Mies Van Der Rohe

Ludwig Mies Van Der Rohe

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Estimation et cote de l’artiste Ludwig Mies van der Rohe

Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969) est l’un des plus grands maîtres de l’architecture moderne. Pionnier du style international, il a profondément marqué le XXe siècle avec une vision épurée et radicale de l’espace. Ses réalisations, à la fois monumentales et minimalistes, ont posé les bases d’une esthétique fonctionnelle où « less is more » devient une philosophie. Meubles, dessins, maquettes, documents signés ou objets issus de ses projets iconiques sont aujourd’hui recherchés sur le marché de l’art.

Estimation gratuite Ludwig Mies Van Der Rohe

Prix des œuvres de Ludwig Mies van der Rohe

  • Mobilier d’édition (fauteuils, chaises, tables) - entre 2 000 € et 80 000 €

  • Dessin original ou plan signé - entre 5 000 € et 120 000 €

  • Maquette ou œuvre unique - entre 20 000 € et 300 000 €

  • Archives, photographies ou correspondances - entre 1 000 € et 25 000 €

Vous possédez un dessin original, une maquette, un meuble ou un document signé de Ludwig Mies van der Rohe ? Estimon’objet vous accompagne pour en connaître la valeur. Notre réseau d’experts, de commissaires-priseurs et de professionnels du design vous fournit une estimation fiable, gratuite et confidentielle, sous 48 à 72 heures. Grâce à notre service en ligne, vous obtenez une première analyse sans engagement, pour tout objet de collection lié à l’univers de Mies van der Rohe.

Mies van der Rohe, un maître du modernisme

Né en 1886 à Aix-la-Chapelle en Allemagne, Ludwig Mies van der Rohe commence sa carrière dans l’entreprise de son père tailleur de pierre. Autodidacte, il se forme en travaillant aux côtés de Peter Behrens, où il côtoie également Walter Gropius et Le Corbusier. Dès les années 1920, il développe une esthétique rigoureuse, rejetant l’ornementation au profit d’une forme pure, fonctionnelle, structurée par des matériaux modernes comme l’acier et le verre. 

Mies devient en 1930 le dernier directeur du Bauhaus, avant que l’école ne soit fermée sous la pression du régime nazi. Contraint à l’exil, il émigre en 1937 aux États-Unis où il entame une carrière exceptionnelle, notamment à la tête de l’école d’architecture de l’Illinois Institute of Technology (IIT).

Œuvres emblématiques et mobilier iconique

Ludwig Mies van der Rohe est mondialement connu pour des bâtiments devenus symboles du modernisme architectural, comme :

  • Le Pavillon de Barcelone (1929) : conçu pour l’exposition internationale, ce pavillon éphémère est aujourd’hui une icône absolue de l’architecture moderne, avec ses lignes horizontales, son toit plat et l’usage spectaculaire du marbre, de l’acier et du verre.

  • La Villa Tugendhat (Brno, 1930) : classée au patrimoine mondial de l’UNESCO, cette résidence privée incarne la quintessence du luxe minimaliste.

  • Le Seagram Building (New York, 1958) : en collaboration avec Philip Johnson, cette tour noire de verre et de bronze révolutionne l’architecture de gratte-ciel.

  • La Farnsworth House (1951) : cette maison sur pilotis, située dans l’Illinois, est une leçon magistrale de transparence, d’équilibre et de rationalité.

Outre l’architecture, Mies a également marqué l’histoire du design mobilier. La chaise Barcelona (1929), conçue avec Lilly Reich pour le pavillon éponyme, est une pièce culte toujours éditée par Knoll. D’autres modèles tels que la chaise MR, la table Tugendhat ou encore les fauteuils Brno demeurent prisés des collectionneurs.

Une carrière internationale et un héritage vivant

L’influence de Mies van der Rohe dépasse largement les frontières. Il a formé des générations d’architectes et sa vision a irrigué tout le mouvement moderniste. Son travail est aujourd’hui étudié dans les écoles d’architecture du monde entier, et ses réalisations continuent d’inspirer les architectes contemporains. 

Le Mies van der Rohe Award, prix décerné par l’Union européenne pour l’architecture contemporaine, porte son nom, preuve de l’importance de son héritage. Ses bâtiments font l’objet de restaurations attentives et ses meubles sont encore fabriqués selon les plans originaux.

La cote de Ludwig Mies van der Rohe sur le marché de l’art

La demande pour les œuvres, dessins, archives et objets associés à Mies van der Rohe est en constante progression. Qu’il s’agisse de pièces de mobilier d’époque, de documents signés ou de dessins préparatoires, le marché est porté par un engouement durable pour les grands noms de l’architecture moderniste. Voici quelques résultats de ventes notables :

  • Chaise Barcelona avec ottoman (édition Knoll ancienne, cuir d’origine), vendue 35 000 €

  • Dessin original du Seagram Building signé, adjugé 78 000 $ .

  • Maquette d’étude pour le Pavillon de Barcelone, vendue 145 000 € .

  • Correspondance manuscrite entre Mies et Lilly Reich, adjugée 18 000 € 

Que vous soyez collectionneur, amateur de design ou héritier d’un bien ancien, Estimon’objet vous accompagne pour expertiser vos objets de valeur. Notre réseau de spécialistes du design et de l’architecture du XXe siècle vous permet d’obtenir une estimation précise et contextualisée. Envoyez simplement vos photos et informations via notre formulaire en ligne, et recevez votre estimation gratuite en moins de 72 h. Donnez à vos objets l’attention qu’ils méritent avec Estimon’objet, la référence en expertise d’objets de collection et d’architecture.

(Illus.) Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969) Paire de fauteuils modèle MR 90 dits Barcelona

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Estimation gratuite Yuri Zorko

Yuri Zorko

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Estimation et cote de l’artiste Yuri Zorko

Yuri Zorko (1937-2019) est un peintre ukrainien dont l’œuvre célèbre la beauté des paysages et la poésie du quotidien. Formé dans la grande tradition figurative, il développe un style où la lumière et la couleur deviennent les véritables protagonistes de la scène. Son regard sensible sur la nature traduit une véritable harmonie entre l’homme et son environnement.

Estimation gratuite Yuri Zorko

Prix des œuvres de Yuri Zorko

  • Peinture - entre 4 000 € et 35 000 €

  • Technique mixte / collage - entre 1 500 € et 12 000 €

  • Dessin - entre 800 € et 4 500 €

Vous possédez une œuvre de Yuri Zorko – toile, dessin ou technique mixte – et souhaitez en connaître la valeur ? Faites estimer votre œuvre en toute simplicité grâce à Estimon’objet. Nos commissaires-priseurs et experts indépendants vous proposent une estimation gratuite, rapide et confidentielle, avec un avis professionnel en moins de 72h. Notre équipe spécialisée suit de près l’évolution de la cote de Yuri Zorko sur le marché de l’art contemporain.

Yuri Zorko, une quête du paysage et des contrastes

Yuri Valentinovich Zorko naît en 1937 dans le village de Razdolnoye, au cœur du Primorsky Kraï, une région de l’extrême-orient russe où la nature impose sa force et sa lumière. Très tôt attiré par le dessin, il développe un goût prononcé pour la couleur et la composition. Il poursuit sa formation artistique à l’École d’art de Donetsk, où il étudie auprès de peintres comme V. Gladkyi et B. Stashevskyi, figures marquantes de la peinture soviétique de l’époque. Cet enseignement lui transmet la rigueur du dessin académique et la maîtrise des contrastes chromatiques.

Après ses études, Zorko s’installe en Ukraine, où il s’impose peu à peu comme un artiste indépendant, fidèle à la tradition figurative tout en cultivant une approche personnelle du paysage. En 1971, il devient membre de l’Union nationale des artistes d’Ukraine, ce qui lui permet de participer à de nombreuses expositions officielles. Tout au long de sa carrière, il voyage à travers les campagnes et les petites villes d’Ukraine, dont il peint les saisons, les villages enneigés et les lumières changeantes. Honoré du titre d’« Artiste du peuple d’Ukraine » à la fin des années 1990, il reste actif jusqu’à la fin de sa vie. 

La peinture de Zorko, entre abstraction et pulsion

Les toiles de Yuri Zorko se reconnaissent immédiatement à leur atmosphère paisible et à leur palette délicatement modulée. Il privilégie les paysages et les scènes de la vie rurale, qu’il aborde avec une grande sensibilité à la lumière naturelle. Ses compositions, souvent baignées d’une clarté douce, traduisent plus une émotion qu’une stricte reproduction du réel.

L’artiste affectionne particulièrement les contrastes de saisons : les neiges bleutées de l’hiver, les lilas du printemps, les reflets dorés de la fin d’été. Sa touche souple et fluide, combinée à des harmonies de tons sobres, confère à ses œuvres un caractère contemplatif. Chaque toile semble être le souvenir d’un instant de silence, capté avec sincérité et justesse.

Une carrière entre Europe centrale et scène internationale

Yuri Zorko connaît une reconnaissance certaine au fil de sa carrière. Dès les années 1960, il participe à des expositions régionales et nationales, avant d’être invité à présenter ses œuvres à des salons internationaux. Son travail séduit par sa sincérité et sa maîtrise technique, qualités très estimées dans la tradition picturale ukrainienne.

En 1999, il reçoit le titre honorifique d’« Artiste du peuple d’Ukraine », une distinction réservée aux créateurs ayant marqué la culture nationale. De nombreuses expositions personnelles lui sont consacrées, notamment à Kiev, Donetsk et Kharkiv, ainsi qu’à l’étranger. Aujourd’hui encore, ses tableaux figurent dans des collections publiques et privées, en Ukraine, en Russie, mais aussi en Europe de l’Ouest, témoignant de l’intérêt durable pour sa peinture.

La cote de Yuri Zorko sur le marché de l’art

Si Zorko n’appartient pas au cercle des peintres les plus cotés du marché international, il bénéficie d’une reconnaissance constante parmi les amateurs d’art figuratif et les galeries spécialisées dans la peinture ukrainienne moderne. Sur le marché de l’art, ses œuvres se distinguent par une cote stable et accessible, reflet d’un artiste reconnu.

Ses huiles sur toile de moyen format s’échangent généralement entre 1 000 € et 2 000 €, tandis que ses petites compositions sur carton ou papier se vendent entre 300 € et 800 €. Certaines œuvres majeures, notamment des paysages d’hiver ou des compositions florales, ont atteint plus de 5 000 € lors de ventes aux enchères récentes. Les collectionneurs apprécient la sincérité de son geste et la douceur de sa palette, qui rappellent la grande tradition paysagiste de l’Europe de l’Est. 

(Illus.) Yuri Zorko composition, marbre signé 1976

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Estimation gratuite Bram Bogart

Bram Bogart

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Estimation et cote de l’artiste Bram Bogart

Bram Bogart (1921-2012) est un artiste belge d’origine néerlandaise, reconnu pour ses œuvres à la frontière entre la peinture et la sculpture. Son style unique en fait l’un des représentants majeurs de l’abstraction informelle en Europe. Son œuvre, à la fois tactile et monumentale, fascine collectionneurs et amateurs d’art contemporain.

Estimation gratuite Bram Bogart

Prix des œuvres de Bram Bogart

  • Peinture et œuvre mixte - entre 4 000 € et 180 000 €

  • Œuvre sur papier - entre 500 € et 15 000 €

Vous possédez une peinture ou une œuvre en relief de Bram Bogart et vous souhaitez en connaître la valeur ? Faites appel à Estimon’objet, le site de référence en matière d’expertise d’œuvres d’art en ligne. Grâce à notre équipe composée de commissaires-priseurs et d’experts du marché de l’art, vous bénéficiez d’une estimation gratuite, confidentielle et fiable, délivrée en quelques jours seulement. Profitez d’une évaluation rigoureuse pour vos œuvres, qu’il s’agisse d’une peinture historique des années 1950 ou d’un grand format texturé des années 1980.

Bram Bogart, sculpteur de la couleur

Né en 1921 à Delft, aux Pays-Bas, Bram Bogart débute comme peintre figuratif dans les années 1940 avant de se tourner rapidement vers l’abstraction. Il s’installe en France dans les années 1950, période marquée par ses premières recherches sur la matière. C’est dans ce contexte qu’il développe un langage pictural unique, basé sur l’épaisseur de la peinture et la densité du geste.

À partir de 1960, installé en Belgique, Bogart affine sa technique en inventant sa propre recette de matière : un mélange de ciment, de poudre de marbre, de pigments et de colle appliqué sur de grandes toiles. Ces compositions tridimensionnelles font de lui un pionnier de la peinture-matière, au croisement entre sculpture et peinture, loin de toute tradition académique.

Une œuvre entre abstraction lyrique et art concret

Les œuvres de Bram Bogart se reconnaissent au premier coup d’œil. Elles se distinguent par :

  • Des reliefs massifs : ses toiles deviennent des objets en soi, imposants, pesants, comme sculptés dans la couleur.

  • Une palette vibrante : du blanc pur aux rouges profonds, en passant par des bleus cobalt ou jaunes solaires, Bogart travaille la couleur comme une force autonome.

  • Une matière vivante : la texture, le grain et les aspérités de la peinture jouent un rôle central, et invitent à une lecture  visuelle et tactile de l’œuvre.

  • Un format monumental : nombre de ses toiles dépassent le mètre cinquante, ce qui renforce considérablement l’impact physique et spatial de son art.

Ses compositions, souvent sans titre, sont à la fois pures et expressives, profondément marquées par une quête d’équilibre entre spontanéité du geste et maîtrise de la matière.

Une carrière entre Paris, Bruxelles et l’international

Bram Bogart a exposé dans les plus grandes galeries européennes, notamment chez Rive Droite à Paris, chez Deweer Gallery ou encore Axel Vervoordt en Belgique. Dès les années 1960, il participe à plusieurs expositions majeures de l’abstraction en Europe et ses œuvres entrent dans de nombreuses collections publiques et privées, telles que celles du Musée d’Art Moderne de Paris, du S.M.A.K. de Gand, ou du Musée d’Ixelles. Représenté dans des foires comme la FIAC, Art Brussels ou TEFAF, Bogart a su imposer son style singulier, en dehors des courants dominants, mais toujours recherché pour son authenticité plastique et son ancrage dans la matière.

La cote de Bram Bogart sur le marché de l’art

La cote de Bram Bogart s’est considérablement affirmée depuis sa disparition en 2012. Son travail, à la fois emblématique de l’art européen de l’après-guerre et intemporel par sa force formelle, séduit un public international. Les grandes galeries redonnent une visibilité à son œuvre, tandis que les maisons de ventes enregistrent des résultats solides, voire spectaculaires pour certaines pièces majeures. Voici quelques ventes récentes remarquables :

  • « Bleu Rompu » (1972), œuvre mixte sur toile, adjugée 168 000 € 

  • « Wit vlak » (1969), peinture à la matière dense et blanche, vendue 94 500 € 

  • « Rood en Geel » (1985), œuvre texturée monumentale, vendue 78 000 € 

  • « Composition blanche » (1961), vendue 62 000 € 

Les formats plus modestes et les œuvres sur papier, bien que plus accessibles, connaissent également une demande croissante. 

Vous avez hérité d’une grande toile abstraite des années 1970 ou d’un travail mixte en relief signé de sa main ? Estimon’objet vous propose une estimation rapide, professionnelle et confidentielle, réalisée par de véritables experts du marché de l’art. Grâce à notre plateforme en ligne, vous bénéficiez d’un accompagnement sur mesure pour valoriser votre œuvre au plus juste de sa cote actuelle. Estimon’objet est aujourd’hui la référence incontournable de l’expertise d’art en ligne, au service des collectionneurs, des héritiers et des passionnés d’art moderne. 

(Illus.) Bram Bogart (1921-2012) Sans titre Aquagravure Signée

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Estimation gratuite Victor Laks

Victor Laks

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Estimation et cote de l’artiste Victor Laks

Victor Laks (1924-2011) est un peintre français dont l’œuvre explore les frontières de l’abstraction. Formé dans le bouillonnement artistique de l’après-guerre, il développe un langage fondé sur le geste et la lumière. Laks appartient à cette génération d’artistes pour qui la peinture devient un espace de pensée et de liberté. 

Estimation gratuite Victor Laks

Prix des œuvres de Victor Laks

  • Peinture - entre 800 € et 6 000 €

  • Œuvre sur papier (dessin, aquarelle, encre) - entre 300 € et 2 500 €

  • Estampe ou gravure - entre 100 € et 600 €

Vous possédez une peinture, un dessin ou une estampe de Victor Laks et souhaitez connaître sa valeur ? Faites appel à Estimon’objet pour obtenir une estimation gratuite, confidentielle et réalisée par de véritables commissaires-priseurs. En quelques jours seulement, recevez une expertise rigoureuse et fiable pour toute œuvre signée Victor Laks.

Victor Laks, une peinture en quête d’essence

Victor Laks est né en 1924 à Châtillon (Hauts-de-Seine). Après des études initiales à Lyon, il poursuit son parcours à Paris, notamment à la Sorbonne et à l’École du Louvre, où il enrichit sa culture artistique. Il vit également une période aux États-Unis, ce qui l’ouvre au monde de l’art international, avant de revenir en France en 1955 et de consacrer tout son temps à la peinture abstraite. Son séjour dans différents pays et sa curiosité pour les formes picturales contemporaines font de lui un acteur discret mais actif du paysage artistique d’après-guerre.

Les caractéristiques de l’œuvre de Victor Laks

L’œuvre de Victor Laks se révèle à travers une abstraction organique et fluide, où le geste du dessin et de l’encre s’associe à des lavis souvent subtils. Il travaille fréquemment sur papier à l’encre de Chine, au lavis ou à la gouache, mais utilise aussi à la peinture à l’huile dans ses moments les plus monumentaux.

Ses compositions évoquent une « naissance des formes », un processus pictural en mouvement plutôt qu’une simple représentation, ce qui leur confère un caractère presque méditatif. On y perçoit aussi un équilibre entre l’empreinte du signe et la liberté du blanc, et une attention à l’espace négatif qui rend ses pièces très contemporaines.

Victor Laks, la reconnaissance artistique de son vivant

Victor Laks a exposé dès les années 1948 aux États-Unis, puis très activement en Europe à partir des années 1960, ce qui témoigne d’une reconnaissance progressive.

En 1968, par exemple, il fait l’objet d’une exposition personnelle organisée par Michel Tapié à l’« International Center of Aesthetic Research » à Turin ainsi qu’à la Galleria del Grattacielo à Milan. Bien que son nom ne soit pas forcément familier du grand public, il est reconnu dans les cercles de l’art abstrait comme un artiste engagé dans une voie personnelle et singulière. Il bénéficie également de rétrospectives, encore aujourd’hui.

La cote de Victor Laks sur le marché de l’art

Bien qu’il ne soit pas au sommet du marché de l’art contemporain, Laks bénéficie d’une cote respectable, particulièrement pour les collectionneurs intéressés par l’abstraction française de l’après-guerre. Sur le marché de l’art, ses œuvres présentent des fourchettes de prix variées selon la technique, le format, l’époque et l’état de conservation.

Par exemple, des lavis sur papier lui sont proposés pour des estimations modestes (quelques centaines d’euros) ; une œuvre « Noir et blanc au dessus du 120 », huile sur toile de 1967 (150 × 240 cm) s’est adjugée à 5 600 €. D’autres sources recensent des prix allant jusqu’à environ 5 963 $ pour certaines œuvres majeures. Les travaux plus petits ou sur papier se vendent souvent pour quelques centaines d’euros, comme une œuvre estimée 200-300 € récemment.

(Illus.) Victor LAKS (1924-2011) Noir et blanc au dessus du 120. 1967 Huile sur toile Signée et datée

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Estimation gratuite Robert Couturier

Robert Couturier

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Estimation et cote de l’artiste Robert Couturier

Robert Couturier (1905-2008) est une figure incontournable de la sculpture française du XXe siècle. Artiste raffiné, héritier de la grande tradition classique, son œuvre célèbre le corps humain dans des formes harmonieuses. Son travail, salué de son vivant, continue d’être recherché par les collectionneurs et amateurs d’art moderne.

Estimation gratuite Robert Couturier

Prix des œuvres de Robert Couturier

  • Sculpture - entre 1 200 € et 70 000 €

  • Dessin ou estampe - entre 200 € et 5 000 €

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Robert Couturier, le sculpteur de la modernité classique

Né en 1905 à Angoulême, Robert Couturier montre dès sa jeunesse une sensibilité artistique affirmée. En 1920, il monte à Paris et travaille dans les ateliers de décoration avant d’intégrer l’École Estienne, puis l’École nationale supérieure des arts décoratifs. Il y est formé au dessin et à la sculpture, dans la lignée des grands maîtres classiques.

Sa carrière prend un tournant décisif dans les années 1930, lorsqu’il devient le praticien du célèbre sculpteur Aristide Maillol. Cette rencontre marque durablement son approche de la forme humaine, influencée par la douceur et la plénitude des volumes. En parallèle, il fréquente des figures majeures de son époque comme Henri Laurens, Fernand Léger ou encore Le Corbusier, avec qui il collabore sur certains projets. Ces échanges nourrissent son style, à la fois fidèle à la tradition et ouvert aux recherches de la modernité.

Robert Couturier : une œuvre sculptée toute en équilibre

L’univers artistique de Robert Couturier repose sur un vocabulaire formel et sobre. Son œuvre met en scène des figures féminines élancées, avec des lignes fluides. Son matériau de prédilection est le bronze, qu’il travaille avec une rigueur classique et une élégance intemporelle. Parmi ses sculptures les plus emblématiques, on retrouve :

  • « La Liseuse », une silhouette féminine recueillie, toute en courbes discrètes ;

  • « La Danseuse », hommage au mouvement capturé dans l’instant ;

  • « Femme assise », qui illustre la stabilité et la sensualité des formes pleines.

Mais Robert Couturier ne s’est pas limité à la sculpture : il a aussi produit une œuvre graphique prolifique, avec des dessins et lithographies exprimant la même recherche de pureté formelle. Il s’est également illustré dans le domaine du vitrail et de la tapisserie.

Une carrière ponctuée de commandes et de reconnaissance

Tout au long de sa carrière, Couturier a reçu d’importantes commandes publiques, notamment après la Seconde Guerre mondiale. Il participe à la décoration de l’université d’Antananarivo (Madagascar), ou encore à la conception de sculptures monumentales pour des bâtiments publics en France. Il expose dans de nombreuses galeries et institutions, en France comme à l’étranger : Biennale de Venise, Salon de Mai, Salon des Réalités Nouvelles…

Il est également professeur aux Beaux-Arts de Paris et à l’École des arts décoratifs, formant de nombreuses générations de jeunes artistes. En 1970, il est élu membre de l’Académie des Beaux-Arts. Son œuvre, déjà reconnue, bénéficie dès lors d’un statut patrimonial qui accroît sa cote auprès des amateurs d’art moderne.

La cote de Robert Couturier sur le marché de l’art

La cote de Robert Couturier reste solide sur le marché secondaire. Ses sculptures en bronze, en particulier les éditions anciennes signées et numérotées, font l’objet d’une demande constante. Les œuvres de petit format sont accessibles, tandis que les grandes pièces atteignent des prix significatifs lors des ventes aux enchères. Les dessins, lithographies et aquarelles de l’artiste, bien que plus abordables, sont également prisés pour leur qualité de trait et leur cohérence avec le travail sculpté. Voici quelques adjudications récentes qui témoignent de l’intérêt pour son œuvre :

  • « Femme debout », bronze, hauteur 80 cm – adjugée 56 000 € 

  • « La Liseuse », bronze, édition ancienne – vendue 38 000 € 

  • « Femme assise », dessin au fusain sur papier – adjugé 2 800 € 

  • Suite de lithographies, signées, tirées à 75 exemplaires – vendues 1 500 € 

Vous êtes en possession d’un bronze, d’un dessin ou d’un tirage signé de Robert Couturier ? Ne laissez pas le doute subsister. Estimon’objet vous accompagne dans l’estimation gratuite de votre œuvre, en ligne et en toute confidentialité. Grâce à notre expertise, bénéficiez d’une évaluation rapide et fiable, réalisée par des professionnels du marché de l’art.

(Illus.) Robert COUTURIER (1905-2008) Maternité Bronze patiné et signé

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Estimation gratuite Guy Charon

Guy Charon

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Estimation et cote de l’artiste Guy Charon

Guy Charon (1920-2021) est un peintre français reconnu pour ses paysages lumineux, et ses compositions colorées d’inspiration post-impressionniste. Artiste discret mais prolifique, il s’inscrit dans la grande tradition de la peinture figurative française du XXe siècle. Ses œuvres séduisent par leur charme bucolique et leur capacité à capter la lumière avec une grande subtilité.

Estimation gratuite Guy Charon

Prix des œuvres de Guy Charon

  • Peinture - entre 400 € et 3 000 €

  • Dessin ou aquarelle - entre 150 € et 800 €

  • Estampe ou lithographie - entre 50 € et 300 €

Vous possédez une peinture de Guy Charon et souhaitez en connaître la valeur ? Faites estimer votre œuvre en toute simplicité grâce à Estimon’objet. Notre équipe de commissaires-priseurs spécialisés en art moderne et contemporain vous propose une estimation gratuite, confidentielle et rapide. En quelques jours, vous recevez une évaluation précise basée sur les dernières ventes aux enchères et l’évolution du marché.

Guy Charon, un peintre ancré dans la tradition figurative

Né en 1920 à Suresnes, Guy Charon manifeste très tôt un goût marqué pour la peinture et les paysages. Après des études à l’École des Beaux-Arts de Paris, il s’oriente naturellement vers une peinture de plein air, dans la lignée des impressionnistes et des post-impressionnistes. Il voyage et s’installe un temps à Giverny, sur les traces de Claude Monet, avant de trouver son style propre : une peinture sereine, aux contours souples et à la lumière enveloppante. Influencé par les grands noms de l’École de Paris, Guy Charon développe une œuvre accessible et chaleureuse, aux accents poétiques. Il peint aussi bien des bords de Seine que des places de village, des vergers en fleurs ou des vues de Provence, avec la lumière toujours au cœur de sa composition.

L'oeuvre de Guy Charon, mélange de peinture et de poésie

L’univers de Guy Charon se caractérise par :

  • Une palette claire et vive, où dominent les tons pastel et les nuances douces de bleu, vert ou ocre.

  • Un goût pour les paysages animés, souvent bordés de maisons aux toits rouges, d’arbres fruitiers, de chemins sinueux ou de scènes de marché.

  • Une touche fluide, souple et spontanée, qui restitue le mouvement de la nature avec délicatesse.

L’artiste affectionnait particulièrement les saisons intermédiaires : printemps et automne, pour leurs couleurs subtiles et leurs jeux de lumière. Son œuvre respire la sérénité, la beauté du quotidien et une forme de nostalgie heureuse. Guy Charon a également produit de nombreuses aquarelles, lithographies et dessins, dans une veine plus intimiste. Certaines œuvres font l’objet de collections particulières, et d’autres sont régulièrement présentées en ventes publiques ou en galeries spécialisées dans l’art du XXe siècle.

Une carrière marquée par la fidélité au motif

Artiste prolifique, Guy Charon a exposé tout au long de sa carrière en France et à l’international. Il a été membre de plusieurs salons reconnus comme le Salon d’Automne, le Salon des Indépendants ou encore le Salon Comparaisons. Sa fidélité à une peinture figurative classique lui a valu une reconnaissance constante, tant auprès du public que des collectionneurs. Il a également enseigné à l’École d’art de la ville de Paris, partageant sa passion du paysage et sa rigueur technique avec de nombreuses générations d’artistes. Certaines de ses œuvres ont été acquises par des institutions régionales ou des collections privées notables.

La cote de Guy Charon sur le marché de l’art

La cote de Guy Charon reste stable et accessible, avec une demande régulière pour ses toiles de paysages et ses scènes rurales. Sa signature rassure les collectionneurs recherchant des œuvres figuratives de qualité à des prix abordables. Les ventes aux enchères montrent une tendance haussière pour les grandes huiles sur toile, notamment celles représentant la campagne française, les villages ensoleillés ou les scènes de bord de mer. Quelques ventes remarquables de Guy Charon :

  • « Maison à Giverny », huile sur toile, adjugée 2 600 €

  • « Paysage de Provence », huile sur toile, vendue 1 900 € 

  • « Le marché provençal », huile sur toile, adjugée 1 300 € 

  • « Bord de rivière au printemps », aquarelle, vendue 620 € 

Vous souhaitez vendre ou assurer une peinture, une aquarelle ou une lithographie de Guy Charon ? Faites appel à Estimon’objet, le spécialiste de l’estimation en ligne d’œuvres d’art. Nous vous accompagnons dans l’expertise de vos biens avec sérieux, transparence et réactivité. Profitez de notre formulaire en ligne pour envoyer vos photos et descriptions, et obtenez une estimation fiable en quelques clics. 

(Illus.) Guy CHARON (1927-2021) Platanes devant le mas Huile sur toile Signée en bas à droite

Reconnaître la signature de Guy Charon

Savoir reconnaître la signature de Guy Charon est essentiel pour authentifier une œuvre de ce peintre français emblématique de la figuration poétique et onirique de la seconde moitié du XXᵉ siècle. Sur ses toiles et œuvres sur papier — notamment ses célèbres scènes de cafés, de cabarets, de couples attablés ou de personnages solitaires baignés de lumière nocturne, exposées à la galerie Katia Granoff et dans de nombreuses collections privées — Guy Charon signe généralement « Guy Charon » ou plus simplement « Charon », parfois accompagné de la date d’exécution. La signature est le plus souvent apposée au pinceau en bas de la composition, dans une écriture cursive souple et lisible, utilisant une teinte sombre contrastant avec ses atmosphères feutrées et ses jeux d’ombres. Sur ses dessins, lavis et gouaches, on retrouve également une signature au crayon ou à l’encre. Dans un marché où circulent œuvres d’atelier, attributions incertaines et faux, faire vérifier la signature de Guy Charon par un expert qualifié demeure indispensable. Sur Estimon’Objet, nos spécialistes de l’art moderne et contemporain vous accompagnent dans l’identification, l’authentification et l’estimation de vos œuvres signées Guy Charon, qu’il s’agisse d’une toile, d’un dessin ou d’une œuvre sur papier.

Expertise signature Guy Charon
Signature Guy Charon

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Estimation gratuite Rene Duvillier

René Duvillier

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Estimation et cote de l’artiste René Duvillier

René Duvillier (1919-2002) est un peintre français majeur de l’abstraction d’après-guerre. Membre du mouvement de l’abstraction lyrique, il a su marquer l’histoire de l’art abstrait par une œuvre d’une grande sensibilité, aujourd’hui redécouverte par les amateurs et les collectionneurs.

Estimation gratuite Rene Duvillier

Prix des œuvres de René Duvillier

  • Peinture - entre 3 000 € et 25 000 €

  • Dessin ou gouache - entre 600 € et 3 000 €

  • Estampe - entre 100 € et 800 €

Vous possédez une toile abstraite de René Duvillier et souhaitez en connaître la valeur ? Faites estimer votre œuvre gratuitement grâce à Estimon’objet. Notre équipe de commissaires-priseurs spécialisés dans l’art moderne et contemporain vous propose une estimation précise, confidentielle et rapide. Obtenez une réponse sous quelques jours et bénéficiez de notre expertise pour vendre ou assurer votre œuvre en toute sérénité.

René Duvillier, une figure discrète mais essentielle de l’abstraction

Né en 1919 à Paris, René Duvillier s’intéresse dès sa jeunesse à la peinture. Il suit une formation artistique classique avant de s’orienter rapidement vers des formes non figuratives, influencé par les bouleversements esthétiques de l’après-guerre.

Dans les années 1950, il rejoint les artistes de l’abstraction lyrique, mouvement auquel il apporte une sensibilité singulière, plus méditative que démonstrative. Son travail s’inscrit dans la lignée des grands noms de l’abstraction française, comme Gérard Schneider, Hans Hartung ou Pierre Soulages, tout en conservant une voix propre : celle d’un coloriste intuitif et d’un chercheur de formes.

L’univers plastique de René Duvillier

L’art de René Duvillier repose sur plusieurs éléments fondamentaux :

  • Une abstraction gestuelle maîtrisée : ses toiles montrent une grande liberté dans la touche, avec des formes qui s’imbriquent, se heurtent ou fusionnent dans un équilibre subtil.

  • Une palette riche et nuancée : Duvillier explore toutes les gammes de couleurs, du noir profond aux rouges flamboyants, en passant par des bleus électriques et des terres chaudes.

  • Une spiritualité silencieuse : son œuvre ne cherche pas l’effet, mais invite à la contemplation. Il s’agit souvent d’une quête d’harmonie intérieure, traduite par des rythmes et des tensions visuelles.

Son travail d’art contemporain évolue au fil des décennies, adoptant des formats plus amples, des compositions plus épurées ou plus denses, selon les périodes.

Une carrière menée en marge du marché

René Duvillier expose dès les années 1950 dans des galeries parisiennes et participe à de nombreux salons (Salon des Réalités Nouvelles, Salon d’Octobre, etc.). Il est également présent dans plusieurs expositions collectives aux côtés d’artistes majeurs de son temps. S’il n’a jamais cherché la notoriété, son œuvre est soutenue par des critiques et collectionneurs exigeants. Il développe une production constante et rigoureuse jusqu’aux dernières années de sa vie, avant de s’éteindre en 2002. 

La cote de René Duvillier sur le marché de l’art

La cote de René Duvillier connaît une progression constante ces dernières années. Ses peintures figurent désormais régulièrement dans les catalogues de ventes dédiées à l’abstraction française ou à l’École de Paris. Plusieurs ventes récentes illustrent cette tendance :

  • « Composition abstraite » (huile sur toile, 1972), adjugée 14 820 €

  • « Sans titre » (acrylique sur toile, 1980), vendue 11 050 € 

  • « Abstraction lyrique » (gouache sur papier), vendue 1 500 € 

  • « Mouvement chromatique » (huile sur toile), adjugée 9 000 € 

Les œuvres les plus prisées sont celles des années 60-70, marquées par une grande liberté de composition et une palette très affirmée. Les dessins et gouaches, plus accessibles, séduisent également les amateurs d’art moderne à la recherche d’œuvres authentiques à prix raisonnables. 

Vous pensez posséder une peinture ou une œuvre sur papier de René Duvillier ? Estimon’objet vous accompagne dans l’estimation gratuite et experte de votre œuvre, qu’il s’agisse d’un tableau ancien ou d’un dessin abstrait. Nos commissaires-priseurs spécialisés vous apportent un éclairage sur sa valeur actuelle et vous guident dans vos démarches de vente.

(Illus.) René Duvillier  (1919-2002) Composition Huile sur toile

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Estimation gratuite Roger Desserprit

Roger Desserprit

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Estimation et cote de l’artiste Roger Desserprit

Roger Desserprit (1923-1985) est un artiste français reconnu pour son travail dans le domaine de la sculpture abstraite, du dessin et de la peinture. Son langage plastique s’inscrit dans la mouvance de l’art construit d’après-guerre. Acteur discret mais important de la scène artistique française du XXe siècle, il a su développer une œuvre à la fois géométrique et personnelle.

Estimation gratuite Roger Desserprit

Prix des œuvres de Roger Desserprit

  • Sculpture - entre 2 000 € et 40 000 €

  • Dessin ou peinture - entre 800 € et 12 000 €

  • Relief mural ou œuvre monumentale - sur demande, selon les matériaux, dimensions et provenance

Vous possédez une sculpture, un dessin ou une peinture de Roger Desserprit et souhaitez en connaître la valeur ? Faites estimer votre œuvre gratuitement et en toute confidentialité grâce à Estimon’objet. Notre équipe de commissaires-priseurs vous garantit une estimation fiable, précise et sans engagement, délivrée sous quelques jours. Que vous envisagiez une vente ou simplement une assurance, nos experts vous accompagnent.

Roger Desserprit, la rigueur de l’abstraction lyrique

Né en 1923 à Roanne, Roger Desserprit se forme à l’École nationale supérieure des arts appliqués à Paris, où il développe un goût prononcé pour les formes pures et les volumes structurés. C’est dans les années 1950 qu’il commence à exposer régulièrement, dans un contexte artistique marqué par la recherche d’un nouvel ordre plastique après les traumatismes de la guerre. 

Dès ses premières œuvres, Desserprit affirme un style qui puise dans la géométrie tout en s’en affranchissant. Influencé par l’abstraction constructiviste, il collabore avec de nombreux architectes et décorateurs, notamment pour la réalisation de panneaux muraux, bas-reliefs ou sculptures intégrées à l’architecture. Cette dimension décorative et monumentale reste une signature forte de son travail.

Formes et équilibre : les œuvres de Roger Desserprit

Le langage artistique de Roger Desserprit repose sur :

  • Des volumes abstraits et modulés : souvent réalisées en bois, métal, pierre ou béton, ses sculptures jouent avec l’ombre, la lumière et les pleins et déliés.

  • Un rapport étroit avec l’architecture : Desserprit conçoit des œuvres in situ, en dialogue avec l’espace urbain ou architectural, comme le prouvent plusieurs commandes publiques réalisées dans les années 1960-1970.

  • Des reliefs et dessins préparatoires : très soignés, ils révèlent l’importance du dessin dans sa démarche et sont aujourd’hui recherchés sur le marché.

Dans ses peintures et dessins, Desserprit explore également la tension entre ordre géométrique et spontanéité du geste, ce qui le rapproche parfois des membres du groupe Espace ou du courant de l’abstraction lyrique.

Roger Desserprit, un artiste à redécouvrir

Malgré une reconnaissance certaine de son vivant, notamment dans le monde de l’architecture et du design d’intérieur, Roger Desserprit reste aujourd’hui un artiste encore trop méconnu du grand public. Cependant, les expositions récentes consacrées à l’abstraction d’après-guerre et à l’art construit permettent une redécouverte progressive de son œuvre. Son travail est régulièrement présenté dans des galeries spécialisées dans l’abstraction géométrique ou l’art des années 50 à 70. Plusieurs collectionneurs institutionnels ou privés s’intéressent à ses pièces, notamment ses sculptures monumentales en métal peint ou ses reliefs muraux très représentatifs de l’esthétique moderniste.

Roger Desserprit a participé à de nombreuses expositions collectives et personnelles dans les années 1950 à 1980, notamment à Paris (Salon des Réalités Nouvelles), mais aussi à l’étranger. Il a également collaboré avec des éditeurs de mobilier et de décoration, ce qui confère à certaines de ses œuvres une double valeur artistique et design. Ses œuvres ont été montrées dans des institutions comme le Musée d’Art Moderne de Paris et sont encore présentes dans plusieurs collections publiques françaises.

La cote de Roger Desserprit sur le marché de l’art

La cote de Roger Desserprit connaît un regain d’intérêt depuis une dizaine d’années. Ses sculptures modernistes, aux lignes épurées, séduisent les amateurs de design vintage et d’art architectural. Les pièces monumentales ou les œuvres réalisées dans les années 60-70, particulièrement recherchées, voient leur prix grimper régulièrement lors des ventes aux enchères. Voici quelques ventes notables de ces dernières années :

  • « Sculpture en tôle pliée et peinture laquée », circa 1970, adjugée 38 000 € 

  • « Relief mural en bois peint », vendu 14 300 € 

  • « Sans titre », dessin à l’encre et crayon, 1974, adjugé 1 200 € 

  • « Composition géométrique », peinture sur toile, vendue 6 800 €

Les œuvres de Desserprit restent encore abordables en comparaison avec celles de ses contemporains comme François Morellet ou Victor Vasarely, ce qui en fait une belle opportunité pour les jeunes collectionneurs ou les amateurs d’art géométrique. 

Vous souhaitez faire estimer une sculpture, un dessin ou un tableau de Roger Desserprit ? Que vous soyez héritier, collectionneur ou simplement curieux, Estimon’objet vous accompagne dans l’évaluation de votre bien. Notre équipe de spécialistes vous garantit une estimation sérieuse, rapide et confidentielle, appuyée sur les dernières données du marché de l’art. Décrivez votre œuvre et recevez votre estimation gratuite sous quelques jours sur www.estimonobjet.fr.

(Illus.) Roger DESSERPRIT (1923-1985) Le petit couple. 1971 Bronze patiné Signé

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