Dans ses tableaux, Robert Pinchon représente des paysages majoritairement de sa ville natale, Rouen, et des cotes normandes, mais aussi de Paris et de la Seine, et de leurs alentours. L’artiste explore avec soin les cieux, les motifs de l’eau, à travers la mer ou les fleuves, les jeux de reflets et de lumière. Il porte une attention très précise aux effets atmosphériques et à leurs changements, à la manière des impressionnistes. Stylistiquement, Robert Pinchon se rapproche davantage des pointillistes et des fauves. Dans certains tableaux, il témoigne d’une touche divisée, tandis que dans d’autres toiles, il construit ses motifs par aplats colorés, moins nuancés et cernés de noir. Dans tous les cas, Robert Pinchon fait de la couleur la source de son expression, ce que l’on retrouve également dans ses natures mortes et rares portraits. Les peintures de Robert Pinchon sont ainsi le fruit de multiples influences. Néanmoins, à la différence des fauves qui explorent la couleur pour elle-même, Robert Pinchon demeure dans un rapport réaliste au motif. En cela, il demeure fidèle aux expérimentations impressionnistes et postimpressionnistes, davantage qu’à celles modernes initiées par le fauvisme.   

Paul Delvaux n’a jamais rejoint officiellement le groupe des surréalistes, sans doute en raison d’un décalage historique. L’exposition de 1938 marque à la fois le triomphe et la fin progressive du surréalisme, accélérée par l’arrivée de la Seconde Guerre mondiale. Esthétiquement, Paul Delvaux comprend également quelques singularités en regard du groupe surréaliste. 

À la différence des surréalistes, Paul Delvaux ancre son univers onirique dans la réalité. Dans ses tableaux, l’artiste représente de manière réaliste les objets, les figures et leurs contextes d’apparition. Lorsque les surréalistes délaissent le rapport au réel pour construire de nouvelles images à l’aide d’association d’idées, Paul Delvaux conserve la nature des éléments issus de la réalité. Il préfère associer des éléments réels de manière incongrue, créant un sentiment d’inquiétante étrangeté. 

Par sa démarche, Paul Delvaux se rapproche du « réalisme magique », théorisé par le critique d’art allemand Franz Roh en 1925, qui mêle des éléments surnaturels à un environnement réaliste. De nature poétique, sacré et érotique, les thèmes développés par Paul Delvaux et sa touche réaliste le relient aux univers de Balthus ou Carrel Willink.  

Paul Delvaux ne cessera de développer son univers réaliste et magique dans ses tableaux, mais aussi dans des illustrations pour des recueils de poèmes, des décors de pièces de théâtres, et des lithographies. De son vivant, il connaîtra un succès international, ce dont atteste la conservation de ses oeuvres dans des institutions prestigieuses autour du monde.

Marié à partir des années 1880, Pascal Dagnan-Bouveret se tourne progressivement vers sa propre vie quotidienne. Il réalise de nombreux portraits de sa femme et de sa famille, de ses amis et de son entourage, d’une époustouflante vitalité. À travers ces tableaux, l’artiste expose son sens de l’observation et son attention aux détails, ainsi que sa volonté de représenter la réalité, sans l’idéaliser. Par son talent, Pascal Dagnan-Bouveret devient rapidement le portraitiste de l’aristocratie parisienne. 

En parallèle, Pascal Dagnan-Bouveret revient à des sujets religieux. L’artiste réintroduit ces thèmes dès la série réalisée en Bretagne sur le thème du Pardon en 1886. Représentant cette tradition bretonne, il ouvre la porte aux tableaux des artistes postimpressionnistes tels que Gauguin, Maurice Denis et le groupe des Nabis. En parallèle, Pascal Dagnan-Bouveret reprend des thèmes plus classiques tels que La Cène. 

À la fin des années 1890, les peintures religieuses et les portraits de Pascal Dagnan-Bouveret se charge d’une influence symboliste. L’artiste se lie d’amitié avec la comtesse René de Béarn, qui acquiert La Cène, et fréquente les milieux symbolistes. Il réalise de nombreux portraits des comédiens et des scènes religieuses, et il reprend des figures d’héroïnes théâtrales telles qu’Ophélie. Sa touche se fait alors plus vaporeuse, comme pour accueillir le mystère et l’invisible, au coeur de sa création. 

Sous la République de Weimar, l’Allemagne trouve une forme de stabilité. En écho, Max Beckmann représente dans ses tableaux des scènes de genre et des paysages urbains, maritimes, campagnards à travers un style plus paisible. À l’entre-deux guerres, Max Beckmann est un artiste reconnu en Allemagne, en Europe et aux États-Unis.

De courte durée, cette période de calme donne suite à l’avènement du nazisme, des fascismes européens, de la crise économique, et d’une nouvelle période sombre pour Max Beckmann. En 1935, il réalise son triptyque La tentation, métaphore de l’Allemagne : son passé violent, marqué par la guerre et la crise, son passé plus récent de relatif retour au calme, et l’avenir sombre qui l’attend. La palette est plus diversifiée et vive que dans ses tableaux précédents.

Désigné par le nazisme comme un « artiste dégénéré », Beckmann se réfugie à Amsterdam et à Paris, avec l’idée d’émigrer aux États-Unis en 1947. Émerveillé par ces villes modernes, Max Beckmann peint la vitalité des environnements urbains, dans des compositions complexes, riches de références à la modernité, et aux coloris éclatants, à la lisière du décoratif. En 1950, le pavillon allemand de la Biennale de Venise est consacré à l’oeuvre de Max Beckmann, qui décède quelques mois plus tard.

Pour autant, Bernard Lorjou devient l’un des peintres les plus connus du grand public au cours des années 1950 et expose au Salon des peintres témoins de leur temps et au Salon d’Automne tout au long de sa carrière. Depuis son décès, de nombreuses rétrospectives ont eu lieu en France, et Bernard Lorjou demeure connu aujourd’hui au sein de la peinture contemporaine.

Sur le marché de l’art, les peintures modernes, emblématiques de la Réalité Poétique, de Raymond Legueult se font rares mais remportent une jolie cote. Les portraits, les paysages ou les scènes du quotidien sont estimés en moyenne entre 2 000 et 10 000 euros. Pour ses tableaux de paysage à la lisière de l’abstraction, on retrouve des prix autour de 4 000 – 5 000 euros. 

Ce sont les aquarelles et les dessins de Raymond Legueult qui sont les plus recherchés sur le marché de l’art. Pour un dessin à la mine de plomb, les prix oscillent entre 80 et 250 euros, tandis que les fusains avoisineront les 700 euros. Concernant les aquarelles, les estimations débutent à 100 euros pour des motifs allusifs ou des natures mortes, et s’élèvent entre 400 et 1200 euros pour des scènes du quotidien, d’intérieur ou de plage. Enfin, il faudra compter en moyenne entre 20 et 100 euros pour une lithographie ou une héliogravure de Raymond Legueult.