Les années 1880-1905 correspondent à la période du postimpressionnisme. Ce terme désigne la fin de l’Impressionnisme et l’arrivée de multiples tendances artistiques telles que le pointillisme, le synthétisme, le symbolisme ou encore le nabis. Le postimpressionnisme regroupe des artistes aussi iconiques et divers que Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat ou encore Bonnard. 

À l’image de ses contemporains, Georges d’Espagnat doit aux artistes impressionnistes leur affranchissement des valeurs académiques, la valorisation des genres picturaux dits « mineurs » et l’invention d’une nouvelle manière de peindre. Dans ses tableaux, Georges d’Espagnat représente des nus, des paysages, des scènes de genre, des portraits et des natures mortes, à l’aide d’une palette aux tons francs, de cernes marqués et d’une touche aux effets de texture proches de ceux de son ami Auguste Renoir. 

Avec certains de ses confères, Georges d’Espagnat se détache également de l’Impressionnisme, et de sa peinture de l’instant, dans une volonté de retourner à la composition en peinture. En 1905, Georges d’Espagnat publie un article dans Mercure de France appelant à ce retour à la composition et déplorant l’absence de véritables peintures au profit de nombreux croquis. Sans être rattaché à un groupe particulier, Georges d’Espagnat agence méthodiquement les motifs sur ses toiles. La dimension très intimiste de ses peintures rappelle les oeuvres d’Édouard Vuillard ou de Pierre Bonnard.

Dès les années 1900, Cuno Amiet expose en Suisse et à l’étranger. En 1904, il participe à la Sécession viennoise avec Ferdinand Hodler, tandis qu’en 1905, il réalise sa première exposition personnelle au Künstlerhaus de Zurich, saluée par ses pairs et la critique. La même année, il présente ses tableaux à Dresde dans une exposition collective aux côtés, entre autres, de Ferdinand Hodler. 

À cette occasion, Cuno Amiet attire l’attention des artistes Kirchner, Heckel et Schmidt-Rottluf qui fondent, la même année, le groupe expressionniste Die Brucke. Sous l’influence du fauvisme, les artistes de Die Brucke entendent libérer la peinture de ses codes académiques, en privilégiant l’expression de leurs sentiments à partir d’un dessin libre et d’une explosion de la palette colorée. En résonance avec son travail pictural, Cuno Amiet rejoint le groupe, sur leur invitation, en 1906. 

Dans ses tableaux, Cuno Amiet représente de thèmes classiques tels que des paysages, des scènes de genre, des portraits et des natures mortes. Il construit ses toiles à travers des coups de pinceaux, d’intensité variable en fonction du motif, ainsi que d’une décomposition des nuances colorées, parfois cernées de noir, de bleu ou de rouge. Si la touche de Cuno Amiet n’est pas sans rappeler celle de Van Gogh, son travail de la couleur marque la singularité de la patte de cette artiste coloriste. 

Cuno Amiet participera aux expositions collectives de Die Brucke, jusqu’à la dissolution du groupe en 1913.

Terme inventé par Philibert Charrin, le Sanzisme désigne la volonté de s’affranchir de tous courants artistiques terminant en -isme, tels que le fauvisme, le cubisme ou le surréalisme, qui ont ponctué la première moitié du XXème siècle. Esthétiquement, les artiste lyonnais se réunissent autour de la volonté de faire émaner la lumière de l’espace pictural plutôt que de la nature extérieure.  À l’intérieur de ce groupe, André Cottavoz conçoit une peinture figurative à la lisière de l’abstraction. Dans ses tableaux, il représente de nombreux paysages, marins et urbains, qu’il rapporte de ses séjours et voyages, mais aussi des nus, des portraits et des natures mortes. À travers une palette aux tons pastels, l’artiste construit les motifs par empatement, à la truelle, et réduit la représentation à son essence. Peintre, André Cottavoz entretient un rapport sculptural avec son médium, qui lui vaudra le surnom de « Monticelli vert ». Le groupe du Sanzisme assure à André Cottavoz une base solide pour démarrer sa carrière, bien qu’il ne lui permette pas encore de vivre de son art. Au début des années 1950, André Cottavoz et ses confères déménagent à Paris dans l’idée d’intégrer les réseaux artistiques les plus cotés. Côtoyant les salons et répondant aux concours, André Cottavoz obtient le prix Fénéon en 1953, véritable tremplin pour sa carrière de peintre. À la suite, il exposera ses peintures figuratives dans toutes les grandes manifestations parisiennes.