Dans la peinture de Gustave Cariot, on retrouve différents types de paysages tels que le paysage urbain et parisien, des vues de villages et de fermes ; des marines capturant la cote nord de la Bretagne, son horizon et ses falaises ; des champs, des pleines et des forêts d’île de France ou des bords du Rhin. 

Par ses sujets et ses intérêts, Gustave Cariot trouve en la figure de Claude Monnet une source d’inspiration inépuisable. Parfois travaillés en série, les paysages du Gustave Cariot témoignent de différentes saisons ou moments de la journée, et accueillent les changements de la lumière par des variations colorées. Cette attention portée à la lumière, aux effets atmosphériques et aux changements de saison le rapprochent manifestement du maître impressionniste. 

Dans certains tableaux, Gustave Cariot semble citer directement le maître. Par exemple, il représente à plusieurs reprises le motif de la meule, tel un écho à la très célèbre série de Monnet, peinte en 1890 à Giverny. Mais à la différence du maître impressionniste, Cariot construit le motif à travers une touche pointilliste, superposant les points de couleurs rouges, jaunes, oranges et verts pour le blé, et usant d’une matière plus vaporeuse et délicate pour le ciel rosée. 

Alexandre Sacha Garbell est habituellement associé à l’École de Paris. Ce terme désigne un ensemble d’artistes, souvent étrangers, de groupes et de styles ayant participé à faire de Paris la capitale occidentale de l’art moderne entre 1900 et 1960. Alexandre Sacha Garbell appartient à la deuxième génération, arrivée au cours de l’entre-deux-guerres, caractérisée par l’attrait pour la nouvelle tendance de l’abstraction.  

Rapidement, Alexandre Sacha Garbell demeure à l’écart des groupes et maintient une forme d’indépendance artistique. Figuratif, il réalise principalement des paysages et parfois des natures mortes ou des portraits. Il s’inspire principalement de Paris et de Mers-les-Bains, où il a ses habitudes, mais également de ses nombreux voyages en Italie ou encore au Danemark. Les paysages urbains et marins créés par l’artiste sont tantôt peuplés de ses habitants, tantôt dénués de toute présence humaine.  

À mesure qu’il progresse dans son travail, Alexandre Sacha Garbell évolue dans son style. Tenté par l’abstraction, il y renonce finalement et lui préfère une construction de la réalité en volumes et en formes, rythmés par des tons francs, contrastés et cernés. Alexandre Sacha Garbell vise le dépassement entre figuration et abstraction, abandonnant la représentation de la réalité au profit de la transposition sur la toile de l’essence du réel. Cet enseignement influence profondément la génération d’artistes de l’après-guerre, et Alexandre Sacha Garbell laisse une marque durable sur l’histoire de la peinture française. 

Avec ses amis du groupe Sanzsime, Jean Fusaro participe à redéfinir la peinture par-delà l’opposition entre figuration et abstraction. Chacun à leur manière, les artistes lyonnais se réunissent autour de la volonté de faire émaner la lumière de l’espace pictural plutôt que de la nature extérieure. Précisément, ce travail de la lumière à partir de la matière picturale brouille la frontière entre figuration et abstraction dans leurs peintures. 

Dans ses tableaux, Jean Fusaro représente des nus ou des scènes de la vie quotidienne, mais s’illustre principalement à travers les paysages. Les effets atmosphériques, retranscrits par l’artiste, lui permettent de travailler la matière de la peinture. Brossée ou légèrement empâtée, la touche de Jean Fusaro se déploie à travers des teintes douces, voire pastels, dans l’intention de restituer la lumière. 

Ces deux composantes offrent aux peintures de Jean Fusaro une dimension expressive puissante et poétique. Elle se manifeste à travers des ciels tourmentés, des mers agitées, des arbres balancés ou des villes habitées de figures humaines. Construits par des lignes fines, à la lisière du fantasmatique, les motifs de Jean Fusaro rappellent le dessin des peintures de Raoul Duffy. Les talents de coloriste et de dessinateur de Jean Fusaro s’exprimeront également dans de nombreuses aquarelles ainsi que des pastels. 

Révélé par ses vues de Paris, Edouard Cortes fait du paysage urbain, et des nocturnes en particulier, sa spécialité. Dans ses toiles, il représente la Ville Lumière, ses rues et ses quartiers emblématiques, tels que la Madeleine, Opéra, les Champs Elysées, Bastille ou encore République, en variant le cadrage, le moment de la journée ou encore le temps.   

En parallèle, Edouard Cortes réalise également des paysages urbains et ruraux, ainsi que des scènes de genre, bretons et normands, régions dans lesquelles il séjourne. Dans ces tableaux, l’artiste représente les villes tels que Caen, les campagnes bordant les zones urbaines, les intérieurs paisibles des habitants bretons, ou encore les bords de mer. Si Edouard Cortes développe ainsi son talent en se confrontant à d’autres types de paysages, les vues parisiennes nocturnes demeurent le lieu où il déploie toute sa maîtrise technique.  

Dans ses paysages urbains et parisiens, Edouard Cortes tire le portrait de Paris à l’aide d’une touche  à la fois vaporeuse et nette, d’une palette au service des effets atmosphériques et de la luminosité présente, et d’un cadrage photographique. Il apporte un soin particulier à la représentation de la pluie, des reflets et des trottoirs humides; aux paysages crépusculaires ou nocturnes, à leurs cieux et aux lumières de la ville; et aux perspectives dégagées, épousant les lignes dessinées par l’architecture hausmannienne nouvelle.