Estimation gratuite James Ensor

James Ensor

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Estimation et cote de l'artiste James Ensor

James Ensor est un peintre, graveur et dessinateur belge qui se distingue par son regard satyrique.

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James Ensor et les années d’expérimentation artistique à Bruxelles

James Ensor nait à Ostende en 1860. Il entre à l’âge de 13 ans en apprentissage auprès de deux peintres d’Ostende, qu’il considère comme trop traditionnels. A cette période, James Ensor représente des ports, des dunes, et des études de pêcheurs.
En 1877, James Ensor part à Bruxelles étudier à l’Académie des Beaux-Arts. Il se lie d’amitié avec Théo Hannon, qui l’introduit dans le cercle réuni autour du couple Rousseau, où il rencontre l’Avant-garde artistique bruxelloise. Il réalise alors des portraits à taille naturelle d’anonymes, tels que La Femme au nez retroussé (1879) ou encore Le Lampiste (1880). Ses tableaux sont cependant fortement critiqués par ses professeurs. Déçu par le milieu artistique, James Ensor retourne en 1880 à Ostende, et ne quitte plus la ville.

La maturité du style de James Ensor (1881-1890)

Les peintures satyriques de James Ensor

De retour à Ostende, James Ensor installe son atelier dans le grenier de l’immeuble du magasin familial, qu’il quitte peu. Il puise alors inspiration dans les scènes de rue observées depuis la fenêtre. Marqué par la boutique familiale et le carnaval d’Ostende, il adopte comme motif de prédilection les masques, symboles des dérives et de l’hypocrisie de la société, et les squelettes, la mort étant vue comme sens de l’existence. Inspiré par Pierre Paul Rubens, James Ensor réalise également de nombreux autoportraits. L’humour et le sarcasme sont très présents dans son art, comme le montre Squelettes se disputant un hareng-saur (1891), dont le titre constitue un jeu de mot sur le nom d’Ensor.
James Ensor se rapproche du symbolisme en créant des atmosphères oppressantes, suggérant indirectement des situations inquiétantes. A partir de 1881, ses toiles prennent des couleurs franches et expressives, formant des empâtements. Les expressions de ses modèles annoncent l’Expressionisme.

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James Ensor, dessinateur et graveur

En 1880, James Ensor commence une série de dessins représentant des portraits, des scènes de rue, et des natures mortes. Vivant dans un monde clos, il représente ce qu’il observe dans son environnement immédiat, soit les femmes de sa famille et ses lieux de vie. Les scènes de rue sont des juxtapositions de situations observées depuis la fenêtre, avec une économie de moyen, sans intérêt pour la cohérence et l’échelle.
James Ensor expérimente également la gravure à la taille sèche et douce à partir de 1885, menant alors des expériences pour capter la lumière.

La réception des créations de James Ensor

Isolé à Ostende, James Ensor participe néanmoins à la vie artistique bruxelloise. La critique se montre d’abord peu réceptive. Ses créations sont montrées à Bruxelles pour la première fois en 1880, mais on moque ses toiles telles que Le chou (1880) pour leur « turpitude ».
Cherchant une alternative au monde artistique conventionnel, James Ensor participe à la fondation du « groupe des XX » en 1883, un cercle d’artistes bruxellois revendiquant la liberté d’expression. Il en reste membre jusqu’à sa dissolution en 1893, mais ne s’entend pas avec le secrétaire du groupe, Octave Maus. Quand « La libre esthétique » succède au « groupe des XX », James Ensor en est exclu.

Le tournant des années 1890 : apaisement et reconnaissance du public

En 1893, James Ensor connaît une crise qui bouleverse sa production. Il cesse de peindre pendant un an, puis renoue avec la peinture avec un style plus léger. Il n’abandonne pas ses thématiques macabres, mais représente également des sujets religieux de façon décorative, tels que Moïse et les oiseaux (1924), des natures mortes et des paysages. Il retravaille également certaines œuvres réalisées entre 1880 et 1890, ce qui a parfois fait dire que sa créativité s’était tarie.
James Ensor reçoit une reconnaisse artistique à partir de la deuxième moitié des années 1890. En 1896, l’État belge lui achète Le Lampiste en 1896, et il organise sa première exposition personnelle à Bruxelles la même année. En 1903, il est fait Chevalier de l’Ordre de Léopold.
Le travail de James Ensor a eu une grande influence en Allemagne. Emil Nolde, Paul Klee, Erich Heckel, Alfred Kubin, Marc Chagall, et George Grosz en particulier sont particulièrement admiratifs du peintre.

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Estimation et cote d'Ensor sur le marché de l'art

Au sein des Symbolistes, l’estimation des œuvres de James Ensor compte parmi les plus élevées, et connaît une hausse depuis les années 2000. Artiste important du marché belge, il est également bien représenté sur les marchés anglais, américains et français. Ses peintures, qui représentent 79% des ventes, s’échangent rarement pour moins de 10 000 €. Il faut généralement compter 100 000 à 500 000 € pour acquérir l’une de ses toiles. Le record historique a été atteint en 2016 avec Squelette arrêtant masques, vendue pour 6 400 000 € à Paris. Les dessins pour leur part s’acquièrent le plus souvent pour 1000 à 5000 €. Le record des ventes de dessin a été atteint en 2020 à Londres, montrant la continuité du goût des collectionneurs pour cet artiste.

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(Illus.)James Ensor, Squelettes se disputant un hareng-saur (1891), Bruxelles, Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique

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Estimation Yves Klein

Yves Klein

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Estimation et cote de l'artiste Yves Klein

Yves Klein (1928-1962) est un artiste en haut en couleurs ; et pour cause, c’est au cours des années 1950 qu’il développe et brevète sa propre teinte connue sous le nom d’IKB (pour International Klein Blue), persuadé que dans le futur, les artistes ne peindraient plus que des monochromes. Cette invention, devenue la véritable marque de fabrique de l’artiste français, découle d’une volonté de représenter les émotions par la couleur plutôt que par la ligne, qui selon lui n’est pas en mesure de nous donner accès « à une quelconque autre dimension ».

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Les débuts artistiques du peintre Yves Klein

Alors qu’il avait pour première vocation d’être judoka, Yves Klein se dédie à une carrière artistique en autodidacte et se livre à des expérimentations diverses ; dont certaines, comme l’usage du pigment outremer, rencontrent un vif succès. En somme, il est un véritable pionnier dans son domaine, avide de nouveautés.

Yves Klein s’inscrit dans le mouvement du « Nouveau Réalisme », qui apparaît en octobre 1960. A l’instar du groupe des « artistes indépendants », qui deviennent “impressionnistes” dans les années 1870-1880, le Nouveau Réalisme est une initiative collective ayant pour but de réunir des artistes aux langages plastiques divers mais aux aspirations communes (utilisation d’objets de récupération et volonté de symboliser une nouvelle société de consommation après la guerre). Ce mouvement met en relation des figures connues du grand public telles que Niki de Saint Phalle et César, mais aussi Arman, François Dufrêne et Raymond Hains. Cette expression est forgée par le critique d’art Pierre Restany à l’occasion d’une première exposition collective en mai 1960.

En convoquant le concept de « réalisme », il se réfère au mouvement artistique et littéraire né au XIXème siècle qui entendait décrire, sans la magnifier, une réalité banale et quotidienne. Cependant, ce réalisme est « nouveau », de même qu’il y a eu un Nouveau Roman ou une Nouvelle Vague cinématographique. Sa vocation est de dépeindre une société contemporaine sans artifice à travers le prisme d’un objet spécifiquement choisi par l’artiste plutôt que par une image adéquate. Il s’agit plus simplement d’une façon de désacraliser l’art en explorant de nouvelles représentations du réel. Il est apparenté au mouvement américain du Pop Art par ses similitudes (sources d’inspiration puisées dans la réalité quotidienne et dans la publicité) mais n’en est pas une adaptation française. Yves Klein propose en une phrase sa définition personnelle du courant dans un de ses Monochromes : « Les Nouveaux Réalistes ont pris conscience de leur singularité collective ». Il faut d’ailleurs souligner que les artistes de ce groupe n’hésitent pas à avoir recours à la provocation afin de se faire une place sur la scène médiatique.

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Yves Klein et le monochrome

Klein ne fait pas exception à la règle, il est tout aussi audacieux que ses contemporains. Le mélange entre art conceptuel et performance inhérent à son œuvre contraste avec l’expressionnisme ou les premières sensibilités Pop d’autres artistes de l’époque. En effet, il explore à lui seul toutes les possibilités que son époque met à disposition. Ses Monochromes, des toiles recouvertes d’une seule couleur et systématiquement estimées par les experts au-delà d’un million d’euros, figurent parmi les œuvres les plus emblématiques de Klein. Toutefois, ce n’est pas lui, mais Restany qui choisit de les désigner comme « propositions monochromes ». Bien que l’on retienne essentiellement ses peintures bleu outremer (IKB), il faut rappeler que Klein choisit de présenter un tableau orange au salon des Réalités Nouvelles de 1955. Il est cependant refusé par le jury en raison de sa « trop grande simplicité ». C’est à l’occasion d’une soirée privée en 1958, que Klein renouvelle ses Monochromes en inventant les Anthropométries. Elles lui permettent de dépasser les frontières de la création artistique pour atteindre le concept de performance ou happening. Ces Anthropométries sollicitent des femmes nues en guise de pinceau pour appliquer de la peinture sur une toile. Le corps devient par cet acte à la fois créateur et création, faisant partie intégrante de l’œuvre finale. Il renouvelle l’expérience en 1960, cette fois-ci devant un public. Enfin, l’originalité de Klein réside dans la diversité de ses productions qui, loin de se limiter à la peinture, explorent aussi les voies de la sculpture, de l’estampe, du dessin et de l’ameublement.

Estimation et cote de Klein sur le marché de l'art

De nos jours, les œuvres de Klein et plus largement des artistes du Nouveau Réalisme sont très prisées sur le marché de l’art. Les innovations de Klein et sa contribution au groupe des Nouveaux Réalistes expliquent les prix élevés de ses productions : une peinture d’Yves Klein peut valoir entre 28 000 et 6 500 000 euros, tandis qu’une de ses sculptures peut valoir entre 4 000 et 3 000 000 euros. Les œuvres de Klein battent souvent des records : son tableau Feu Couleur 1 (1962) a été estimé à 30 millions de dollars en 2012, et La Rose du bleu (1960) a été vendue pour 29,8 millions d’euros la même année. Sa Sculpture éponge Bleue Sans titre (Se168, 1958) quant à elle, a été vendue aux enchères au prix record de 15 030 600 euros en 2013.

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Auguste Herbin

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Estimation et cote de l'artiste Auguste Herbin

Auguste Herbin (1882-1960) est un peintre, fresquiste, sculpteur et dessinateur qui eut un rôle central sur le développement de l’Abstraction géométrique française grâce à son « Alphabet plastique ». Il rejoint successivement les groupes de la Section d’Or, Abstraction-Création, et Réalités Nouvelles.

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Les recherches stylistiques d’Auguste Herbin

Les années de formation

Auguste Herbin découvre le dessin en suivant les cours municipaux. Une bourse de mérite lui permet de s’inscrire à l’école des Beaux-Arts de Lille, et d’y étudier le dessin entre 1900 et 1901. Rapidement, Auguste Herbin s’installe à Paris. Il y découvre l’Impressionnisme et le Postimpressionnisme de Manet, Seurat, Van Gogh et Cézanne. En 1906, il expose au Salon des Indépendants des toiles présentant des formes et couleurs indépendantes de la réalité. Il est alors qualifié de Fauve par la critique.

Auguste Herbin et le cubisme

Auguste Herbin se nourrit des innovations artistiques de la scène parisienne. Il s’installe au Bateau-Lavoir en 1909, et mène des expériences cubistes. Cherchant à transcrire la réalité, il rejoint le cubisme « prismatique », et expose ses toiles en 1912 à la Section d’Or à Paris, ainsi qu’à la Sécession de Berlin. L’année suivante, ses œuvres sont présentées à l’Armory Show de New York.

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Entre Abstraction et figuration

Auguste Herbin compte parmi les pionniers de l’Abstraction en France. A partir de 1917, il choisit l’abstraction pure. Ses toiles se présentent alors comme des compositions de couleurs, non figuratives. Il est exposé par la Galerie de L’Effort Moderne dirigée par Léonce Rosenberg. De 1922 à 1925, dans un contexte de Retour à l’ordre, Auguste Herbin revient brièvement à la figuration. Il figure les paysages de Haute-Provence, mais dans une sensibilité cubiste renouvelée. La représentation est soumise à un découpage géométrique rigoureux. S’interrogeant sur les fondements de la création artistique, Auguste Herbin se tourne finalement définitivement vers l’Abstraction.

Auguste Herbin, le peintre Abstrait à l’ « Alphabet plastique »

La mise en place d’un vocabulaire particulier

A partir de 1926, Auguste Herbin cherche à créer un art universel accessible à tous, en donnant une nouvelle tridimensionnalité à son œuvre. S’inspirant de la symbolique des couleurs développée par Vassily Kandinsky, Auguste Herbin met en place un « Alphabet plastique » qu’il théorise dans L’Art Non Figuratif Non Objectif en 1949. Associant les formes et les couleurs à des sensations précises, à une spatialité particulière, il codifie la couleur pour permettre une transmission universelle des émotions, et donne à chaque coloris des significations multiples. Ainsi, il associe le jaune au rayonnement vers l’extérieur, et le bleu au rayonnement vers l’intérieur. Le rouge, jaune et bleu sont aussi associés à la mobilité, et le blanc, le noir et le vert à l’immobilité. Enfin, les roses et les violets peuvent être associés tant à la mobilité qu’à l’immobilité, selon les teintes qui les encadrent. Les formes et couleurs sont simplifiées pour maitriser les relations des couleurs entre elles, qui changent leurs significations. A chaque lettre correspondent une couleur et plusieurs formes. Les œuvres sont des compositions de formes et de couleurs, sans recours à la sensibilité, qu’Auguste Herbin rejette pour sa subjectivité. Cette codification annonce les structures primaires de l’Abstraction minimaliste américaine. Auguste Herbin s’illustre également par des sculptures qui adoptent des formes géométriques et organiques.

Une figure tutélaire de l’Abstraction

L’importance d’Auguste Herbin pour l’histoire de l’Abstraction se manifeste par son rôle dans la création du groupe Abstraction-Création, réunissant les artistes abstraits travaillant à Paris, avec Georges Vantongerloo en 1931. Auguste Herbin compte aussi parmi les fondateurs du Salon des Réalités Nouvelles en 1946, qu’il dirige jusqu’en 1955. La renommée de l’artiste est très forte après la guerre, et son influence sur l’Abstraction géométrique perdure jusqu’à sa mort en 1960.

Estimation et cote d'Auguste Herbin sur le marché de l'art

Auguste Herbin est un artiste polymorphe reconnu par les collectionneurs pour l’entièreté de sa carrière artistique. En ce qui concerne les peintures, elles sont estimées pour la plupart entre 10 000 et 50 000 €. Ce sont avant tout les œuvres réalisées en Corse et à Paris en 1907, les plus rares dans sa production, qui remportent l’adhésion des collectionneurs. Elles représentent les 7 meilleures ventes de toiles de l’artiste, avec Route de montagne en Corse (1907), vendue à New York en 2018 pour 589 398 € (700 000 $), comme vente la plus élevée. Ses toiles de sa première période abstraite sont classées juste derrière, avant ses créations inspirées par son alphabet. Les dessins et aquarelles les plus prisées sont pour leur part les compositions « cubistes » de sa première période abstraite, le record des ventes étant détenu par Composition cubiste (1918), vendue à New York en 2017 pour 72 896 € (80 000 $ ).

(Illus.)Auguste Herbin dans l’atelier de Picasso, 11 boulevard de Clichy, début 1911

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Estimation gratuite Andrew Dasburg

Andrew Dasburg

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Estimation et cote de l'artiste Andrew Dasburg

Andrew Dasburg, peintre, dessinateur et sculpteur, est considéré comme le premier représentant américain du modernisme. 

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Les inspirations artistiques d'Andrew Dasburg

Né à Paris en 1887, Andrew Dasburg déménage avec sa famille aux Etats-Unis à l’âge de cinq ans. Blessé lors d’un accident en 1891, il porte un handicap à la hanche, qui le contraint à suivre un enseignement dans des écoles spécialisées.  

Andrew Dasburg se forme à la peinture à l’Art Student League sous la direction de Kenyon Cox, Frank DuMond et Birge Harrison. Il poursuit cet apprentissage auprès de Robert Henri, dont il suit les cours du soir à la New York School of Art, aussi appelée Chase School. S’installant à Woodstock en 1908, il partage un atelier avec le peintre impressionniste John Fabian Carlson. 

Découverte des avant-gardes à Paris et premières expositions d’Andrew Dasburg aux États-Unis

En 1909, Andrew Dasburg se rend à Paris, où il se mêle au cercle de Gertrude Stein. Ce séjour lui fournit l’occasion de rencontrer Pablo Picasso, de visiter le studio d’Henri Matisse, et de découvrir Paul Cézanne à la Galerie Vollard et Auguste Renoir dans la maison de Paul Durand-Ruel. Rentré aux Etats-Unis dès 1911, il commence à exposer ses œuvres à l’Armory Show en 1913. Les trois tableaux et la sculpture présentés au cours de ce dernier événement sont inspirés à la fois par les tableaux de Paul Cézanne, d’Henri Matisse, et de Georges Braque, mais aussi par le Futurisme alors naissant. A l’aide de petites touches colorées, Andrew Dasburg met en valeur l’architecture du paysage. Ses œuvres, au fait des dernières innovations européennes, suscitent l’étonnement. La réception est enthousiaste et il est choisi pour devenir membre de l’Union des Beaux-Arts et Lettres sous le patronage de Paul Adam, Auguste Rodin, et Vincent d’Indy. 

Un rapport tourmenté à l’abstraction

Andrew Dasburg se tourne progressivement vers l’Abstraction, développant une version propre du Cubisme, pour retrouver la structure et la signification des formes, comme en témoigne son tableau Improvisation (1915-1916). Cependant dès 1916 il abandonne l’Abstraction totale, pour retourner à l’art figuratif. Ce faisant, il détruit nombre de ses travaux antérieurs. Andrew Dasburg se tourne vers l’enseignement, enseignant la peinture de paysage à Woodstock à partir de 1917, et à la Student Art League de 1919 à 1921. 

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Andrew Dasburg, figure majeure de la scène artistique du Nouveau Mexique

Dans les années 1920, Andrew Dasburg étudie de façon approfondie l’art de Paul Cézanne, et réalise une série de paysages du Nouveau Mexique, région qu’il a découvert à l’été 1918. Séduit par Taos, il y retourne chaque année, ainsi qu’à Santa Fe. C’est l’un des premiers peintres modernistes attachés à cette région. 

Andrew Dasburg est progressivement considéré comme un personnage éminant de la communauté artistique locale. Collectionneur et vendeur d’artisanat hispanique et amérindien, il cofonde The Spanish and Indian Trading Company en 1926. 

Comptant parmi les artistes majeurs de la scène américaine dans les années 1930, Andrew Dasburg reçoit le Guggenheim Fellowship en 1932 pour étudier la peinture murale à Mexico. Après quelques mois, il renonce cependant à cette bourse pour pouvoir rentrer chez lui et divorcer. 

L’année suivante il s’installe définitivement au Nouveau Mexique, et continue ses recherches inspirées du Cubisme pour transcrire le paysage. Souffrant de la maladie d’Addison, Andrew Dasburg interrompt cependant sa carrière pendant sept ans. Il retrouve cependant à la fin des années 1930 la force de recommencer à peindre, et retourne à l’Abstraction en 1947. Son art reste intimement lié à la nature, mais approche le paysage de manière émotionnellement neutre, à l’aide de formes géométrique et de lignes entrecroisées, dans une démarche comparable à celle de Piet Mondrian. 

Sa carrière est récompensée par un doctorat honoraire en Beaux-Arts remis par l’université de New Mexico en 1958.

Estimation et cote de Dasburg sur le marché de l'art

Peintre américain, l’œuvre d’Andrew Dasburg n’a jusqu’à aujourd’hui été vendue en enchères publiques que sur le marché américain. Ce sont ses dessins et aquarelles qui occupent la plus grande part du marché (67%), au détriment de ses peintures (29%) et estampes (4,76%). Ce sont cependant les peintures qui atteignent les prix les plus élevés. Le record des ventes est détenu par son tableau Landscape (1913), vendu à New-York en 2018 pour 176 956 € (200 000 $). Ses œuvres circulent peu sur le marché de l’art. Ainsi, seuls sept dessins et estampes ont été vendus entre 2012 et 2022. Les estimations sont pour leur part assez variables, deux des dessins ayant été évalués à 2000-5000 €, quatre autres à 1200-2000 €, et le dernier dessin à 700-1000€. 

(Illus.)Improvisation, par Andrew Dasburg, v. 1915-1916. Wikimedia.

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Estimation Pierre Savigny de Belay

Pierre Savigny De Belay

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Estimation et cote de l'artiste Pierre Savigny de Belay, peintre français du XXième siècle

Pierre Savigny de Belay (dit Pierre de Belay) est un artiste peintre, aquarelliste, dessinateur et graveur, né à Quimper. Il se distingue par son attachement à la fois à Paris et à la Bretagne.
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Pierre de Belay, un artiste entre Quimper et Paris

C’est en rendant visite à Max Jacob, ami de la famille, en 1905, que Pierre Savigny de Belay rencontre les artistes du Bateau-Lavoir. Ces artistes assurent sa formation, et il réalise au cours de ce séjour ses premières œuvres connues, des portraits d’amis au crayon. Pierre Savigny de Belay n’appartient alors à aucune école, mais se nourrit du bouillonnement artistique de la scène parisienne, où se déploient alors le Fauvisme, l’Expressionnisme, et l’Impressionnisme tardif. De retour à Paris entre 1908 et 1910, il s’affirme comme portraitiste. Il ne choisit cependant la carrière artistique qu’une fois démobilisé, en 1918. Il s’installe alors à Paris, et étudie à l’Académie de la Grande Chaumière. Son style personnel s’épanouit à partir de 1919.

Pierre de Belay et les années 1920 : fêtes et folklore

Le peintre de la vie nocturne de Montparnasse

En 1920, Pierre Savigny de Belay réalise sa première peinture de café à La Rotonde, à Montparnasse. Représentant les terrasses des cafés et restaurants, il s’affirme comme peintre de la vie nocturne des Années folles. Pierre Savigny de Belay participe également à la vie artistique comme décorateur et critique. Entre 1923 et 1926, il réalise aussi des dessins pour la revue Arlequin, périodique des arts et des spectacles, dans un esprit proche de la caricature.

Le peintre de la Bretagne

Pierre Savigny de Belay fait une partie de sa carrière en Bretagne. Il y rencontre un grand succès à partir de 1923, grâce aux toiles réalisées pour le décor de l’Hôtel Ker Moor à Bénodet (1922). A partir de cette date, il se rend chaque été en Cornouaille. Il représente les traditions et la modernité de la Bretagne contemporaine, avec des thèmes tels que les marchés, fêtes et Pardons, mais aussi des scènes de ports. Le peintre renouvelle les thèmes traditionnels bretons avec un style résolument moderne, adoptant une gamme de tons limité, et des formes synthétiques. Il emprunte au fauvisme dans les teintes choisies, et au cubisme dans sa construction des formes, comme dans La Gavotte (1919). En 1924, le critique Gustave Khan remarque Le port de Concarneau de Pierre Savigny de Belay au Salon des Indépendants, et devient un soutien fidèle du peintre. Il réalise ses premières expositions personnelles à Paris en 1924 et 1925, et remporte un grand succès. En parallèle, il expose avec l’Union artistique à Concarneau en 1925. La visibilité accrue de l’artiste entraine des commandes, dont celle du décor du bal de la Horde en 1926.

Estimer mon oeuvre de Pierre Savigny de Belay

Les années 1930 et 1940 : les Avocats, le « treillisme » et le classicisme

Dans les années 1930, Pierre Savigny de Belay continue à représenter les scènes de la vie parisienne, et consacre à partir de 1931 une série au monde judiciaire, surnommée « la période des avocats ». Grâce à un ami qui lui obtient une carte de presse, le dessinateur documente des procès. Il représente notamment l’affaire Stavisky par des dessins et peintures quotidiens, exposés à la galerie Katia Granoff à Paris en 1935. L’État acquiert plusieurs œuvres à Pierre Savigny de Belay, à partir de 1931. Il est alors au sommet de son art, et c’est à cette période qu’il réalise ses œuvres les plus célèbres, Le Buveur (1936) et Le joueur de Biniou (1938). Artiste dans le goût officiel, il participe à l’Exposition Universelle de 1937 avec La pêche au chalut, un panneau monumental de 10 x 4 m. Pierre Savigny de Belay reçoit également des commandes internationales, et réalise dès la fin des années 1930 des projets à l’étranger. Ainsi, il se rend à Stockholm en 1939 pour préparer les décors, costumes et affiches du théâtre Folkan, mais rentre en France à cause de la guerre. Pierre Savigny de Belay invente une nouvelle technique à la peinture à l’huile, qu’il nomme le « treillisme ». Cette technique, inspirée de la gravure qu’il pratique depuis 1925, utilise l’entrecroisement de traits pour donner une impression de profondeur, comme dans La Bretonne (1941). Il consacre une exposition au « treillisme » à Paris en 1943, avant de retourner à la tradition classique.

La cote des œuvres de Pierre Savigny de Belay

Pierre Savigny de Belay est un artiste bien représenté dans les collections muséales françaises en raison de don de nombreuses œuvres par sa veuve à différentes institutions en 1972. Il est apprécié avant tout par les collectionneurs français (95% des ventes en France). Ses aquarelles et dessins, qui représentent 57% des ventes, font de lui un artiste très accessible. La plupart s’échangent pour 100 à 500 €. Les peintures, pour leur part, ont une estimation généralement comprise entre 1 000 et 5 000 €, bien que le prix de vente puisse largement dépasser les 18 000 € s’il s’agit de scènes bretonnes.

(Illus.)Pierre Savigny de Belay, La Bretonne, 1941, Musée des Beaux-Arts de Brest

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Estimation gratuite Henri Matisse

Henri Matisse

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Estimation et cote de l'artiste Henri Matisse

Henri Matisse (1869-1954) est un dessinateur et peintre au chromatisme vibrant, ayant mené tout au long de sa carrière des recherches sur la couleur.

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Henri Matisse : des recherches sur la couleur dès sa formation académique

Henri Matisse découvre le dessin lors d’une convalescence en 1879. Deux ans plus tard, il abandonne ses études de droit pour étudier la peinture à l’Académie Julian. Il entre dans l’atelier de Gustave Moreau à partir de 1892, puis intègre l’École des Beaux-Arts de Paris en 1895. Il copie alors les maitres du Louvre, et peint des natures mortes.

En 1895, grâce à une exposition au Palais du Luxembourg, Henri Matisse découvre l’Impressionnisme, et s’essaie immédiatement à la peinture en plein air en Bretagne. Sur les conseils de Pissarro, il se rend à Londres en 1898 pour découvrir l’œuvre de William Turner. Inspiré par son traitement de la lumière, Henri Matisse expérimente immédiatement sa méthode à Ajaccio et Toulouse.

A partir de 1900 Henri Matisse complète sa formation à l’Académie de Grande Chaumière et dans l’Atelier Carrière. Cherchant à libérer la couleur dans la peinture, il séjourne chez Paul Signac à Saint-Tropez, et expérimente une version personnelle du divisionnisme. Il y réalise plusieurs œuvres, dont Luxe, calme et volupté (1904).

Henri Matisse, précurseur du Fauvisme

En 1905, Henri Matisse passe l’été à Collioure avec André Derain. Ensemble, ils adoptent une peinture en couleurs non divisées, en aplats de tons purs et contrastes affirmés, donnant naissance au Fauvisme. La Femme au chapeau (1905) exposée par Henri Matisse au Salon d’Automne fait scandale.

La couleur, considérée comme un mode d’expression, n’a pas de fonction descriptive, comme le montrent Le Bonheur de vivre et Nu bleu en 1907.

Estimer mon oeuvre d'Henri Matisse

Les années cubistes et le Retour à l’Ordre : intérêt pour la figure humaine et l’Orient

En 1906, Henri Matisse opère un recentrement sur la figure humaine dans ses peintures, dessins et modelages. Il réalise une série de portraits peints et sculptés dont le visage du modèle est le véritable enjeu. Il adopte une approche conceptuelle des formes, inspirée par l’art africain qu’il découvre en 1906. Henri Matisse est aussi influencé par l’art de Cézanne et des Cubistes, dans ses têtes sculptées telles que Jeannette. Sa peinture se fait de plus en plus géométrique et sombre pendant la guerre, alors qu’il fréquente le cubiste Juan Gris et les Futuristes italiens.

La reconnaissance de l’art d’Henri Matisse est internationale, et il expose à Londres, à Moscou, Berlin, et à New York à l’Armory Show en 1913. Sa renommée est telle qu’il ouvre une Académie à Paris. L’aisance financière que lui procure sa notoriété lui permet de faire de nombreux voyages. Henri Matisse se rend à plusieurs reprises au Maghreb et visite les collections européennes d’art islamique, se constituant par là-même un répertoire de formes nouveau. Puisant dans cette inspiration, il peint une série d’Odalisques entre 1918 et 1929, dans un style inspiré par Ingres. Les décors et costumes qu’il dessine pour les Ballets Russes de Diaghilev soulignent son goût pour les arts décoratifs.

Les arts graphiques et décoratifs : le dessin transparent et les papiers découpés

A partir de 1925, Henri Matisse se consacre au dessin, à la gravure, et aux arts décoratifs. Figure sur fond ornemental (1926) ouvre une nouvelle période dans son œuvre, qui dure jusqu’à la Seconde guerre mondiale. Les formes en réserve sont suggérées à l’aide d’un trait transparent, et mises en valeur par le contraste d’un petit nombre de couleurs. Henri Matisse cherche avant tout à représenter le mouvement et à restituer l’expressivité de la couleur. Pour cela, il exploite tous les médiums, et applique sa techniques sur ses illustrations pour poèmes, sur les panneaux monumentaux tels que de La Danse pour la fondation Barnes, ou encore les cartons de tapisserie.

A partir de 1944, Henri Matisse est très éprouvé par une opération chirurgicale et l’arrestation de sa femme et de sa fille pour faits de résistance. Il développe alors un nouveau mode d’expression, qu’il exploite jusqu’à sa mort. Pour préserver l’intensité de la couleur, il réalise dès 1944 des compostions à partir d’éléments découpés dans des papiers gouachés. Ses premiers collages tels que Jazz (1947) sont relativement simples, mais ils se complexifient vers 1952. La Tristesse du roi (1952) est constituée comme un autoportrait où la couleur triomphe.

A l’instigation du père Couturier et du frère Rayssiguier, Henri Matisse travaille également à la l’architecture et la décoration de la chapelle du Rosaire des Dominicaines de Vence entre 1948 et 1951. Cet ensemble synthétise ses recherches sur l’équilibre des lignes, couleurs, et de la lumière, et est conçu comme une œuvre d’art totale.

Estimation et cote de Matisse sur le marché de l'art

Figure indépendante au goût peu habituel pour les arts décoratifs, Henri Matisse va à contre courant de son époque. Il compte aujourd’hui parmi les artistes les plus prisés mondialement, occupant la 127 rang des ventes en 2021. En ce qui concerne les peintures, l’entrée de gamme est haute, les tableaux ne se vendant qu’exceptionnellement pour moins de 100 000 €. Odalisque couchée aux magnolias (1923), vendue à New York en 2018 pour 60 138 721 € (71 500 000 $) constitue le record des ventes. Pour les dessins et aquarelles, il faut compter 10 000 à 50 000 €, et les estampes s’échangent généralement pour 10 000 à 50 000 €.

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Estimation gratuite Maurice Utrillo

Maurice Utrillo

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Estimation et cote de l'artiste Maurice Utrillo

Maurice Utrillo (1883-1955) a passé sa vie à arpenter les rues de la Butte, loin du faste des grands boulevards. Fils de Suzanne Valadon, il a trouvé dans les façades de Montmartre une source d’inspiration inépuisable. C’est sa capacité à transformer une ruelle décrépite en un moment de poésie pure qui a bouleversé les collectionneurs et fait de lui une figure incontournable du marché de l’art moderne !

Si vous avez un tableau ou une gouache d’Utrillo, il mérite une attention particulière. Chez Estimon’objet, nos commissaires-priseurs vous aident à y voir clair avec une estimation gratuite et fiable.

Estimation gratuite Maurice Utrillo

Prix des œuvres de Maurice Utrillo

  • Peinture : entre 8 000 € et 600 000 €

  • Dessin ou gouache : entre 2 000 € et 40 000 €

  • Estampe : entre 300 € et 3 000 €

Vous possédez une toile, une gouache ou un dessin de Maurice Utrillo et souhaitez en connaître la valeur ? Faites appel à Estimon’objet, plateforme d’expertise et d’estimation en ligne de référence. Notre équipe de commissaires-priseurs et d’experts en art moderne analyse gratuitement vos œuvres, à partir de simples photos et descriptions, afin de vous délivrer une estimation fiable, rapide et confidentielle. Qu’il s’agisse d’une vue de Montmartre, d’un paysage de province ou d’une œuvre sur papier, nous vous orientons vers les meilleures opportunités de vente, en France comme à l’international.

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La cote de Maurice Utrillo sur le marché de l’art

La cote des tableaux à l’huile (Période Blanche)

Ses huiles sur toile de la « Période Blanche » (vers 1910-1914) sont les plus recherchées ! Utrillo y ajoutait parfois du plâtre à sa peinture pour donner du relief aux murs. Ces œuvres majeures peuvent atteindre des sommes très élevées : certaines vues de Montmartre ont dépassé les 120 000 € en vente aux enchères, et les pièces les plus exceptionnelles franchissent régulièrement la barre des 200 000 € lorsqu’elles sont rares ou issues de collections prestigieuses.

La cote des gouaches et des dessins

Entre les huiles de musée et les estampes, les gouaches et les dessins occupent une gamme intermédiaire. Très lumineuses, ces œuvres sur papier se négocient généralement entre 15 000 € et 35 000 € selon la qualité du sujet. Un bel exemplaire représentant une ruelle typique a par exemple été adjugé autour de 28 000 € en 2022. Tout dépend ici de la fraîcheur des couleurs et de l’état de conservation !

La cote des lithographies et œuvres graphiques

Du côté des œuvres graphiques ou des multiples, les prix sont bien plus modestes. On trouve des lithographies originales très appréciées dans une fourchette allant de 500 € à 2 500 €.

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Comment reconnaître une œuvre de Maurice Utrillo ?

Identifier un Utrillo, c’est avant tout observer comment il traite les bâtiments. Contrairement aux paysagistes classiques, il chercher la structure. Ses tableaux se reconnaissent à leurs perspectives souvent raides où les lignes des trottoirs et des façades convergent vers un point de fuite central. L’impression de vide est saisissante !

La clé réside surtout dans ce qu’on appelle sa matière. Si vous voyez des murs dont la peinture semble épaisse, granuleuse, presque comme du vrai crépi, vous êtes sur la bonne piste. Pendant sa meilleure période, il mélangeait du plâtre et de la colle à ses blancs pour imiter la texture des murs de Montmartre. C’est ce côté « maçonné » de la peinture qui est sa véritable signature visuelle.

Enfin, regardez les détails : les fenêtres sont souvent de simples rectangles sombres, et les rares passants sont de petites silhouettes solitaires, esquissées de dos avec quelques traits rapides. Chez Utrillo, ce n’est pas l’humain qui raconte l’histoire, c’est le mur.

Reconnaître la signature de Maurice Utrillo

La signature d’Utrillo est l’une des plus célèbres du XXe siècle, mais c’est aussi un véritable piège pour les amateurs. Elle se reconnaît à son aspect très appliqué, presque scolaire, avec des lettres penchées qui rappellent les cahiers d’écriture de l’époque. La mention la plus fréquente est « Maurice, Utrillo, V. ». Ce fameux « V » final, qu’il a ajouté toute sa vie, est un hommage vibrant à sa mère, Suzanne Valadon !

Cependant, ne vous y trompez pas : Utrillo est l’un des artistes les plus pastichés au monde. Sa signature a été imitée des milliers de fois, parfois du vivant même de l’artiste. Ce que nos experts traquent, ce n’est pas seulement le nom, mais la vitesse du trait. Une signature trop hésitante ou, au contraire, trop « dessinée » doit immédiatement alerter.

Sur les œuvres de la Période Blanche, la signature est souvent gravée dans la matière fraîche ou peinte avec une couleur qui tranche nettement sur le fond crayeux. C’est cette fusion entre le nom et la texture du tableau qui est le meilleur gage d’authenticité.

Signature Maurice Utrillo
Expertise signature Maurice Utrillo
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Tableau de Maurice Utrillo : ce que regardent nos experts

Lorsque vous nous confiez vos photos, notre expert en art moderne Romain Rudondy commence par « ausculter » la structure même de la couche picturale. Sur un Utrillo, l’état de conservation est crucial : le mélange de plâtre utilisé par l’artiste peut se fragiliser avec le temps. Il vérifie si la matière est encore saine ou si des restaurations anciennes masquent la touche originale.

Grâce à vos clichés, nous traquons les indices de provenance qui font toute la valeur d’une œuvre de cette importance. Un Utrillo n’est jamais seul ; il voyage souvent avec des étiquettes de galeries mythiques comme celle de Paul Pétridès, le marchand historique de l’artiste, ou des cachets de successions prestigieuses. Ces marquages sur le châssis ou le cadre sont les témoins de l’histoire du tableau. C’est en croisant cet examen technique avec une analyse stylistique pointue que nous parvenons à authentifier votre œuvre et à lui donner sa juste place sur le marché actuel !

Maurice Utrillo, le peintre de l'âme de Montmartre

Utrillo n’est pas venu au monde sous les meilleurs auspices. Enfant illégitime de la célèbre peintre et modèle Suzanne Valadon, il grandit dans l’effervescence de la Butte Montmartre, élevé par sa grand-mère pendant que sa mère fréquente les ateliers de Renoir ou de Toulouse-Lautrec. Très tôt, le jeune Maurice sombre dans un alcoolisme sévère qui l’oblige à multiplier les séjours en maisons de santé. C’est pour tenter une ultime thérapie, sur les conseils d’un médecin, que Valadon le force à tenir un pinceau. Ce qui ne devait être qu’un remède contre ses démons devient instantanément une révélation : le jeune homme se met à peindre avec une urgence et une sincérité qui vont bientôt fasciner le tout-Paris !

Sa vie bascule réellement lors de sa fameuse « Période Blanche« , où il parvient à transformer sa solitude en succès mondial. Malgré une existence ponctuée de crises et un tempérament tourmenté qui le pousse à vivre en reclus, son génie finit par s’imposer aux yeux des plus grands marchands, comme Paul Pétridès.

En 1935, il épouse Lucie Valore, qui prendra en main la gestion de sa carrière et lui offrira une fin de vie plus apaisée dans le calme du Vésinet. Utrillo s’éteint en 1955, laissant derrière lui l’image d’un artiste qui a su capturer, mieux que quiconque, l’âme mélancolique et la dignité des rues parisiennes.

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Romain Rudondy Commissaire-priseur
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Le conseil de notre expert Romain Rudondy

Quand vous photographiez votre Utrillo, focalisez-vous sur les détails de la matière. La Période Blanche est célèbre pour ses empâtements au plâtre, mais ce sont des zones extrêmement sensibles qui peuvent se soulever ou présenter des micro-fissures avec le temps. Prenez un cliché en gros plan d’un angle du tableau : cela me permet d’évaluer la santé de la couche picturale et de vérifier si l’œuvre a déjà subi des restaurations lourdes

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Estimation gratuite Raoul Dufy

Raoul Dufy

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Estimation et cote de l'artiste Raoul Dufy

Raoul Dufy (1877-1953) est un peintre, dessinateur, et décorateur ayant aboli la frontière entre arts majeurs et mineurs. Vous possédez une oeuvre de Raoul Dufy dont vous souhaitez connaitre la valeur ? Contactez les experts d’Estimon’objet pour bénéficier d’une expertise gratuite, rapide et confidentielle ! 

Estimation gratuite Raoul Dufy

Prix des œuvres de Raoul Dufy

  • Peinture : entre 100 € et plus de 2 700 000 €

  • Aquarelle, Gouache et œuvre sur papier : entre 50 € et 320 000 €

  • Estampes, lithographies : entre 100 € et 12 000 €

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La formation artistique de Raoul Dufy

Raoul Dufy suit des cours de dessin et de composition à l’école des Beaux-Arts du Havre à partir de 1892, sous la direction Charles Lhullier. Une bourse municipale lui permet de partir à Paris en 1900, où il loge d’abord chez Othon Friesz, un ami de la famille. Admis à l’École des Beaux-Arts de Paris, il étudie avec Léon Bonnat. Jusqu’à son arrivée à Paris, Raoul Dufy peint des aquarelles de paysages du Havre, de Honfleur et de Falaise. Au tournant du siècle, il représente déjà les paysages parisiens avec des drapeaux, des plages normandes, et des régates. Sa première exposition personnelle a lieu en 1906 à la galerie Berthe Weill. Raoul Dufy se rapproche brièvement des Fauves, qui incarnent pour lui la nouveauté et la liberté artistique, et dont il admire force du dessin et de la couleur. Il se tourne cependant rapidement vers l’exploration des œuvres de Cézanne.

Raoul Dufy, un peintre sur les pas de Paul Cézanne

En 1907, Raoul Dufy expose au Salon d’Automne, où a lieu une importante rétrospective de Paul Cézanne qui le marque fortement. L’année suivante, il voyage dans le sud de la France avec Georges Braque, et part peindre les mêmes motifs que Cézanne à l’Estaque. Jusque dans les années 1910, il recherche la géométrisation de l’espace, adopte une touche directionnelle, et restreint sa palette aux ocres et verts. Il reprend la simplicité des formes de Paul Cézanne, mais ajoute des éléments décoratifs, comme dans Paysage de Provence (1905). Le thème de la baigneuse devient récurent de son œuvre à partir de 1908. Le cézannisme le rapproche du Cubisme à partir de 1908. De retour à Paris en 1909, Raoul Dufy accompagne Othon Friesz à Munich, et où il connaît sa « période munichoise ». Ses compositions spatiales restent liées à l’œuvre de Paul Cézanne, mais sa palette s’assombrit. Jusqu’en 1915, Raoul Dufy schématise et stylise toujours davantage les paysage, et donne une importance majeure à la couleur. Ses œuvres sont exposées à l’Armory Show de New York en 1913.

Estimer mon oeuvre de Raoul Dufy

Raoul Dufy, artiste décorateur

A partir de 1910, Raoul Dufy participe au renouveau de la gravure sur bois. Les illustrations de Bestiaire (1911) qu’il réalise pour Guillaume Apollinaire s’inspirent de l’art médiéval et de l’imagerie d’Épinal. Cet ouvrage séduit le couturier Paul Poiret, qui lui confie la réalisation des en-têtes de son papier à lettres, marquant le début d’une longue collaboration. Dès 1911, pour Paul Poiret, Raoul Dufy ouvre un atelier d’impression textile en 1911, et crée des pièces d’inspiration orientale et végétale. Ses dessins se caractérisent par une indépendance de la ligne et de la couleur. Remarquant son talent, Charles Bianchini, directeur de la maison de soieries lyonnaises Atuyer-Bianchini-Férier lui propose un contrat en 1912. Jusqu’en 1928, Raoul Dufy réalise pour cette maison plus d’un millier de compositions à la gouache ou à l’aquarelle, reproduites sur des soieries.

L’épanouissement du style de Raoul Dufy après la première guerre mondiale

Pendant la première guerre mondiale, Raoul Dufy fonde une imagerie au Havre pour diffuser des gravures patriotiques. Engagé volontaire, il sert dans le service automobile de l’armée. Après la guerre, le style de Raoul Dufy s’épanouit. Installé à Vence, toujours sur les pas de Cézanne, il adopte une touche vibrante. Cependant, sa palette devient éclatante, et son trait fluide. Il réalise de larges aplats, sur lesquels il trace des signes au pinceau. Les dessins sont indépendants des formes dessinées, et accentuent les contrastes selon sa théorie de la « lumière-couleur ». Il explore ce style jusqu’à la fin de sa carrière, accentuant toujours le contraste lumineux. Raoul Dufy a alors une prédilection pour les paysages maritimes et les thèmes liés à la fête et à l’hippodrome. Dans les années 1930, Raoul Dufy obtient de nombreuses commandes publiques et privées. Il se consacre à de grandes compositions murales, dont le dessin évoque ses décors textiles. En 1937, il peint pour la compagnie parisienne de distribution de l’électricité le « plus grand tableau du monde », La Fée Électricité, sur une surface de 600m2. Peintre renommé, Raoul Dufy remporte le grand prix de peinture de la Biennale de Venise en 1952.

Estimation et cote de Dufy sur le marché de l'art

Au cours de sa carrière, Raoul Dufy réalise d’innombrables dessins, quelque 4 000 aquarelles et environ 2 000 peintures. L’abondance de sa création et la diversité des techniques utilisées expliquent l’ampleur de la gamme des prix, et en font un artiste accessible à toutes les bourses. Ainsi, les prix de ventes des tapisseries et céramiques sont bien répartis de 100 € à 50 000 €. Pour un budget de 100 à 500 €, l’amateur peut acquérir une estampe, pour 500 – 1000 €, une sculpture, et il faut compter 1 000 à 5 000 € pour une aquarelle. Les peintures s’échangent le plus souvent pour 100 000 à 500 000 €, avec les prix de vente les plus élevés pour les œuvres de 1906-1907. Vous souhaitez faire expertiser un tableau de Raoul Dufy et recevoir son estimation. Remplissez votre demande via notre formulaire. Estimer une œuvre de Raoul Dufy en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

(Illus.) Raoul DUFY (1877-1953) Nature morte aux fruits. 1909 

Estimer un tableau signé Raoul Dufy

Reconnaître la signature de Raoul Dufy

Pour authentifier une œuvre de Raoul Dufy, il est essentiel de savoir identifier sa signature, un élément clé dans l’estimation et la validation de ses créations. L’artiste, figure majeure du fauvisme et maître des arts décoratifs, signait principalement ses œuvres de son prénom et nom complets, « Raoul Dufy », ou de son initiale suivie de son nom, « R. Dufy ». Cette signature apparaît généralement dans le coin inférieur droit ou gauche de la composition, parfois accompagnée de la date d’exécution, comme en témoignent des œuvres telles que Les Remparts (1949) ou Baigneuses et chevaux marins (vers 1928).Il est important de noter que la signature peut varier en fonction du support et de la technique utilisée. Par exemple, sur des œuvres sur papier, l’artiste utilisait parfois des monogrammes ou des signatures stylisées, comme le montre le dessin La Traversée . Ces variations témoignent de la diversité de son œuvre tout en conservant des éléments distinctifs propres à son style. Face à un marché où circulent de nombreuses œuvres d’atelier ou contrefaçons, il est indispensable de faire vérifier la signature d’un Raoul Dufy par un expert qualifié. Sur Estimon’Objet, nos spécialistes de l’art moderne et contemporain vous accompagnent dans l’identification, l’authentification et l’estimation de vos œuvres signées Raoul Dufy, qu’il s’agisse d’une toile, d’un dessin ou d’une gouache.

Signature Raoul Dufy
Expertise signature Raoul Dufy
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Claude Monet

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Estimation et cote de l'artiste Claude Monet

Claude Monet est un peintre né le 14 novembre 1840 à Paris et mort le 5 décembre 1926 à Giverny. C’est son tableau Impression, soleil levant, daté de 1872, et conservé au musée Marmottan-Monet, à Paris, qui donne son nom au courant de l’impressionnisme. 

Estimation gratuite Claude Monet

Prix des œuvres de Claude Monet

  • Peinture : entre 30 000 € et plus de 110 700 000 €

  • Dessin, aquarelle, pastel, gouache, encre sur papier : entre 2 000 € et plus de 8 000 000 €

  • Estampe, lithographie, éditions/multiples : entre 50 € et 50 000 €.

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Les débuts artistiques du peintre Claude Monet

Claude Monet s’intéresse très jeune au dessin puisque dès les années 1850, il suit le cours d’un ancien élève de Jacques-Louis David. Ses premiers dessins sont des « portraits-charges » de personnages, c’est-à-dire des portraits de notables. À l’été 1858, Monet réalise deux expositions pour le musée des Beaux-arts de la ville du Havre, durant lesquelles il présente des toiles de paysage. Suite à ce succès, il part pour Paris et en 1860, il entre dans l’académie de Charles Suisse. C’est là-bas qu’il fait la rencontre de Camille Pissarro (1830 – 1903). Deux ans plus tard, il étudie dans l’atelier de Charles Gleyre, peintre académique, à l’École impériale des beaux-arts de Paris. Mais il quitte rapidement ce système officiel, entraînant avec lui Frédéric Bazille (1841 – 1870), Auguste Renoir (1841 – 1919) et Alfred Sisley (1839 – 1899).

Estimation gratuite Claude Monet

Claude Monet, pionnier de l'impressionnisme

C’est en 1869, à Bougival, que Claude Monet, en compagnie d’Auguste Renoir, invente la technique de la peinture impressionniste : l’abandon du dessin et du contour au profit de la juxtaposition des couleurs pour créer les formes, certes floues mais qui se reconstituent dans l’œil du spectateur. Le 15 avril 1874 ouvre la première exposition des peintres impressionnistes, dans l’atelier du photographe Nadar au 35, boulevard des Capucines. Mais les journalistes et les critiques sont hostiles à cette nouvelle peinture. En 1876, une deuxième exposition a lieu, mais cette fois les critiques se montrent plus favorables envers la peinture de Monet, ainsi que celle d’Auguste Renoir et de Gustave Caillebotte (1848 – 1894), tandis qu’ils continuent à majoritairement rejeter la peinture encore plus extrême de Paul Cézanne (1839 – 1906). En 1883, Claude Monet s’installe à Giverny, où il crée son célèbre jardin. À partir de ce moment, il peint de nombreuses séries de tableaux traitant d’un même thème, comme celle des Meules de 1890 à 1892, ou celle des Cathédrales de Rouen entre 1892 et 1895.

Estimation et cote de Monet sur le marché de l'art

Dès les années 1890, Monet peint les célèbres Nymphéas, en s’inspirant de son jardin, mais il réalise les séries les plus connues au début du siècle suivant. La peinture de Monet est caractérisée par un désir de saisir la nature, il apprécie le fait de peindre le même paysage à des heures ou saisons changeantes. Son travail constitue une véritable réflexion sur la lumière, dont il souhaite restituer les changements dans sa peinture. Il s’est également inspiré de toutes les personnalités qu’il a rencontrées au cours de sa vie. De par sa renommée internationale, Monet est un artiste extrêmement recherché sur le marché de l’art. Ses toiles, estampes et dessins se vendent entre 40 et plusieurs millions d’euros. La plus grosse enchère de l’année 2019 est un tableau de Monet, Meules, qui fait partie de la série du même nom. Elle s’est vendue pour 110,7 millions de dollars. Cette vente établit le record d’enchères pour une œuvre de Claude Monet et plus généralement pour un tableau impressionniste. Vous souhaitez faire expertiser un tableau de Claude Monet et recevoir son estimation ? Estimez votre œuvre de Claude Monet en quelques clics et recevez une réponse sous quelques jours. C’est gratuit et totalement confidentiel.

(Illus.) Claude Monet, Le Parlement de Londres, 1903, musée d’art moderne André Malraux.

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Reconnaître la signature de Claude Monet

Savoir reconnaître la signature de Claude Monet est indispensable pour authentifier une œuvre de ce maître de l’Impressionnisme. La plupart de ses toiles emblématiques — qu’il s’agisse des Nymphéas, de La Gare Saint-Lazare ou encore de La Promenade — portent une signature claire et régulière, généralement « Claude Monet » ou simplement « Monet », apposée en bas à gauche. L’écriture est cursive, légèrement ascendante, avec un « M » très caractéristique formé de deux arches bien marquées. Sur certaines œuvres tardives des séries de Giverny, Monet utilise une signature plus rapide mais toujours lisible, peinte en tons harmonisés au paysage (ocre, bleu-gris, blanc cassé). Ses dessins et pastels, plus rares, présentent parfois les initiales « C.M. » tracées au crayon. Ces éléments, combinés à la technique picturale propre à chaque période, permettent d’écarter les nombreuses copies circulant sur le marché. Pour vérifier l’authenticité d’une signature de Claude Monet, l’expertise professionnelle reste essentielle. Sur Estimon’Objet, nos spécialistes vous accompagnent dans l’identification, la vérification et l’estimation de vos tableaux, dessins ou études signés Monet.

Signature Claude Monet
Expertise signature Claude Monet
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František Kupka

by Art moderne

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Estimation et cote de l'artiste František Kupka

František Kupka (1871-1957) est un peintre, graveur et illustrateur, considéré comme le « parrain » du Cubisme orphique et l’un des pionniers de l’Abstraction. Il est affilié à la Section d’Or et à Abstraction-Création.

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Qui est l'artiste Frantisek Kupka ?

Né en Bohême orientale en 1871, František Kupka reçoit une solide formation artistique aux Beaux-Arts de Prague en 1884, où il étudie la peinture sacrée et historique. Il poursuit son éducation en Autriche à l’Akademie der Bildenden Künste à partir de 1892. Très intéressé par la théosophie et l’occultisme, František Kupka donne dès les débuts de sa carrière à Prague une grande importance à la spiritualité.

Après des pérégrinations en Norvège et au Danemark, où il réalise des portraits académiques, František Kupka s’installe à Paris en 1895. Son activité d’illustrateur lui permet de se maintenir. Il se consacre au dessin satyrique, auprès de revues telles que Cocorico, La Plume, Le Cri de Paris, Le Rire, et Der Tag. Menant de front sa carrière d’illustrateur et de peintre, František Kupka expose son tableau Le Bibliomane (1897) à la Société Nationale des Beaux-Arts dès 1899. Il rencontre un grand succès, couronné en 1900 par l’obtention de la médaille d’argent à l’Exposition universelle de 1900 pour son dessin Les Fous.

Au début des années 1900, František Kupka évolue du Naturalisme au Symbolisme. En 1903, il se détourne du dessin de presse pour se tourner vers l’illustration d’ouvrages littéraires, qui lui permet de s’exprimer dans son nouveau style symboliste. Peu de temps après, en 1906, il participe pour la première fois au Salon d’automne avec Soleil d’automne. Dans ces années, il réfléchit à la loi des contrastes simultanés d’Eugène Chevreul. Dans ses œuvres, il fait la synthèse du Fauvisme et du Cubisme en distordant les volumes et en accentuant les couleurs. František Kupka étudie la réfraction des corps vus à travers l’eau, notamment dans Les touches de piano. Le Lac (1909). Cette dernière œuvre trahit également son intérêt pour le Futurisme, qu’il vient de découvrir grâce à la publication du « Manifeste du futurisme » de Filippo Tommaso Marinetti dans le Figaro.

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Frantisek Kupka et le mouvement de l'abstraction

A partir des années 1910, František Kupka organise ses compositions en ordonnançant des lignes et plans colorés. En réponse aux évolutions du monde contemporain, son répertoire intègre la thématique de la mécanisation. Madame Kupka dans les verticales (1911) témoigne de l’attention qu’il porte alors à la représentation du rythme, de la cadence et du mouvement, peut-être sous l’inspiration des Rayonnistes russes. František Kupka se rapproche du groupe de Puteaux, qui cherche à donner une signification spirituelle aux œuvres par l’adoption de proportions idéales. Il expose régulièrement au Salon d’Automne à partir de 1910, et est également présent au Salon des Indépendants en 1913.

František Kupka bascule vers l’Abstraction avec des œuvres telles que Amorpha, fugue à deux couleurs, qu’il expose au Salon d’automne de 1912. Comptant parmi les pionniers de l’Abstraction, aux côtés des Delaunay et de Francis Picabia, il défend son positionnement non-illusionniste dans La Création dans les arts plastiques, ouvrage qu’il publie en 1913. Ses compositions sont désormais rythmées, colorées, et cherchent à traduire à la fois le mouvement et l’énergie vitale.

František Kupka se fait défenseur de l’Abstraction. En réaction aux groupe Surréaliste dirigé par André Breton, il est invité en 1931 par Théo van Doesburg à rejoindre le comité directeur de l’Association Abstraction-Création. Personnage éminent de la scène artistique française, il est pourchassé pendant la Seconde guerre mondiale en raison de sa nationalité tchèque. Il se réfugie dans le Loiret jusqu’en 1944. A son retour, František Kupka participe au premier salon des Réalités Nouvelles en 1946, dont il devient exposant régulier. Le salon lui rend d’ailleurs hommage en 1953, et le choisit comme président honoraire. Il remplit ce rôle jusqu’à sa mort en 1957.

Estimation et cote de Kupka sur le marché de l'art

Depuis 2000, la cote de František Kupka ne cesse de progresser, en particulier après la rétrospective tenue au Grand-Palais en 2018, faisant connaitre au grand public son rôle de pionnier dans l’Abstraction. Longtemps considérés comme des artistes secondaires parmi les Cubistes, les membres de la Section d’Or sont aujourd’hui revalorisés, aussi sous l’effet de la raréfaction sur le marché des œuvres des pionniers Georges Braque et Pablo Picasso. Les grandes toiles de František Kupka sont aujourd’hui dans les collections muséales, ou ne sortent que rarement des mains privées. Entre 2000 et 2022, les peintures représentent moins de 5% des ventes, mais constituent 73% du chiffre d’affaires. Les dessins et estampes, bien plus accessibles, occupent le reste du marché. Il est aujourd’hui possible d’acquérir un dessin de František Kupka pour moins de 500€, cependant les feuilles s’échangent le plus souvent pour 1 000 à 50 000 €. En ce qui concerne les estampes, elles sont généralement adjugées pour 1 000 à 5 000€.

 (Illus.)Madame Kupka dans les verticales (1911), MoMa

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