Les bijoux réalisés au XIXème siècle puisent leur inspiration dans les codes esthétiques de l’Art Nouveau. Les compositions font dialoguer des lignes courbes et des couleurs éclatantes dans un jeu d’entrelacs d’une haute virtuosité. L’émail ou encore l’ivoire s’invitent dans les compositions qui allient figures humaines et motifs végétaux. Depuis son relancement, la Maison Vever utilise toujours les lignes courbes et des motifs issus de la nature pour ses compositions. Les bijoux arborent une simplicité et une modernité apparente mais l’influence de l’Art Nouveau et le mouvement qui en caractérise l’esthétique persiste dans les créations de la Maison Vever. Les joailliers de l’entreprise perpétuent des techniques anciennes, telle que l’émail-à-jour, qui permet de simuler une transparence et une souplesse de grande qualité. Cette technique est utilisée pour les bijoux sur lesquels figurent des ailes d’insectes, des pétales délicats ou encore des voiles en mouvement.

Très prisée durant la Renaissance, l’émail-à-jour consiste à combler les vides d’un motif réalisé en or ajouré et sans fond à l’aide d’une poudre d’émail diluée dans de l’eau, et déposée avec un pinceau. Le bijou est ensuite cuit à haute température, ce qui va permettre d’insuffler un aspect translucide aux émaux. Le passage de la lumière devient alors une composante indissociable à l’appréciation du bijou. Depuis la réouverture de la maison en 2021, Camille et Damien Vever font perdurer la renommée de leur famille en poursuivant l’esthétisme naturaliste qui caractérisait les bijoux Vever au XIXème siècle et en inscrivant leurs pratiques dans une perspective écoresponsable. Ils se présentent ainsi comme les créateurs d’un luxe nouveau et mesuré, soucieux de présenter une beauté responsable, en accord avec les préoccupations du siècle.

En 1936, le fils de Jacques décédé en 1900, lui aussi nommé Jacques Lacloche (1901 -1999), redonne vie à la maison en reprenant l’affaire. Il connaît un immense succès. Comme ses prédécesseurs, Jacques Lacloche fils se voit stoppé net dans son élan par la Guerre, mais l’après-guerre sera pour lui l’occasion de briller. Il attire alors une riche clientèle de familles princières et de célèbres acteurs d’Hollywood. Grace Kelly, à l’occasion de son mariage en 1956, lui commande un ensemble comprenant une paire de boucles d’oreilles et un clip en saphirs et diamants baguette. Les bijoux produits à partir de la fin des années 1930 par Jacques Lacloche fils sont considérés par les spécialistes comme moins remarquables. Cependant, ils répondent aux exigences d’une clientèle au goût éclectique qui recherche de la sophistication, de la rareté et de l’exceptionnel. Dans les années 1960, le goût de Jacques Lacloche fils change pour se tourner davantage vers l’art contemporain et le design. En 1967, il prend sa retraite en tant que joaillier et oriente la maison vers l’art et le design contemporain, montrant dans ce domaine un goût souvent qualifié de visionnaire.

Le style de Schiaparelli est nourri par la scène artistique de son époque. Son goût pour l’innovation lui permet de se diversifier et de lancer des gammes d’accessoires, des parfums et des bijoux. Ainsi, dès les années 30, Elsa Schiaparelli se lance dans la création de bijoux inspirés par une collaboration avec l’autrice Elsa Triolet. Elles créent ensemble un collier dit  « Aspirine », composé de perles de porcelaine rappelant les comprimés antidouleur. Cette première réussite marque le début de nombreuses collaborations avec des artistes de premier plan comme Cocteau, Dalí, Giacometti ou encore Oppenheim. Elsa Schiaparelli tente également d’inscrire les bijoux fantaisies dans le registre de l’objet d’art, notamment en les ancrant dans le mouvement surréaliste. Ainsi, dès 1936, elle lance plusieurs collaborations avec différents artistes comme Meret Oppenheim avec qui elle crée un bracelet en fourrure et laiton pour sa collection Hiver 1936-1937, inspiré par Le Déjeuner de fourrure, créé par cette dernière en 1936.

Schiaparelli utilise des motifs variés pour la création de ses collections de bijoux. Celui de l’anatomie humaine est indéniablement un des plus importants dans son esthétique. À l’exemple de la broche en forme d’œil dessinée par Cocteau vers 1937, à laquelle est ajoutée une larme en perle. Le corps humain n’est pas le seul à être imaginé et revisitité par l’imagination d’Elsa Schiaparelli. Elle cultive tout un bestiaire animalier composé d’insectes, de reptiles… Enfin, le cadenas et la serrure sont également des motifs devenus iconiques et récurrents dès leurs apparitions autour de 1935, que cela soit en broderies ou directement pour les bijoux. On retrouve également à partir de 1952 des bijoux surdimensionnés, une autre des signatures d’Elsa Schiaparelli. Ils sont pensés pour interagir et compléter le vêtement avec lequel ils sont portés. Ainsi, ils sont des éléments primordiaux pour parachever une tenue et sont souvent à mettre en relation avec les broderies présentes sur les tenues qu’ils accompagnent.

La maison Chaumet est toujours une des plus grandes maisons de haute joaillerie au monde. Depuis son rachat en 1999 par le groupe LVMH, la marque s’est encore développée sur la scène internationale et elle est un symbole du luxe et du raffinement à la française. De plus, consciente de son héritage, la marque se diversifie et propose des visites de son siège ainsi que de ses archives lors de journées particulières lancées en 2020 pour fêter les 240 ans de la maison. De plus il existe, depuis 2010, de nouvelles collections permanentes comme la collection Joséphine, en hommage à l’impératrice qui fut une grande cliente de la maison, ou également la collection Bee My Love qui reprend des motifs inspirés de la nature, chers à la maison Chaumet, et en hommage à Joséphine de Beauharnais. L’abeille revêt ainsi une symbolique impériale et illustre la richesse d’un jardin luxuriant.

La ville de Hanau est considérée comme une capitale en matière de joaillerie en Allemagne. Cette tradition d’orfèvrerie remonte au XVIème siècle, avec l’Académie nationale de dessin située dans la ville, qui devient alors le siège d’une institution de grande qualité pour la formation des orfèvres. Elle a connu son apogée économique entre 1800 et la Seconde Guerre mondiale. A cette époque, les entreprises de joaillerie se sont spécialisées dans la production de bijoux de luxe et Hanau est alors devenue le deuxième plus grand centre de joaillerie d’Allemagne après Pforzheim. Kreuter & Co, en s’implentant à Hanau dès 1842, devient vite l’une des maisons les plus importantes de cette ville en plein essor. La société perdure jusqu’en 1984 pour être vendue à des entreprises de Hanau. Finalement, le nom des deux frères s’est perdu dans la même ville où tout avait commencé pour eux. 

La Maison Debacq & Cie s’inscrit dans le contexte artistique de l’Art nouveau, mouvement majeur de la fin du XIXe siècle, caractérisé par des inspirations naturelles et organiques. Les créations de la maison se distinguent par des motifs floraux et une volonté de représenter la nature avec finesse, tout en conservant une certaine sobriété. Contrairement à certains joailliers contemporains comme René Lalique ou Lucien Gaillard, Debacq privilégie l’utilisation de l’or et des matériaux précieux, notamment les diamants, conférant à ses bijoux une dimension plus classique et intemporelle. Des motifs emblématiques, comme la fleur stylisée ou le modèle Panthéon, illustrent cette recherche d’équilibre entre élégance et simplicité.

La plupart des créations de Kutchinsky de la fin des années 1940 et des années 1950 sont assez audacieuses et volontairement ostentatoires. En effet, elles célèbrent la fin des restrictions du temps de guerre et mettent en avant la possibilité d’avoir de nouveau accès à des articles de luxe. Les bagues, les bracelets, les broches et les boucles d’oreilles sont serties de diamants ronds, marquises et baguettes, parfois colorés avec des pierres précieuses et des matériaux naturels comme le corail ou la turquoise. À cette époque, la maison Kutchinsky est réputée pour ses créations comprenant des oiseaux, des chats et d’autres animaux, réalisées en or jaune dix-huit carats et souvent agrémentées d’émail. Ces pièces sont actuellement les plus recherchées, étant considérées comme des œuvres d’art miniatures reflétant l’habileté des ateliers Kutchinsky dans le taillage des pierres.

Dans les années 1980, les bijoux Pomellato gagnent de plus en plus en popularité. C’est à cette période que l’on voit apparaître quelques-uns des motifs les plus célèbres de la maison comme L’Ours en peluche articulé. Ce pendentif reprend le motif d’un ours en peluche en or et argent tout en permettant aux pattes de l’animal de bouger. La marque se joue des symboles populaires et les transforme pour obtenir des designs audacieux. Le style des créations Pomellato des années 1990 connaît diverses inflexions, notamment après que la maison-mère décide d’ouvrir une filiale nommée Dodo. Cette nouvelle marque s’adresse à un public plus jeune en proposant des bijoux simples avec un accent porté sur les charms. Ceux-ci sont constitués d’un bijoux de base, pouvant être customisé à l’infini, en changeant les breloques au grè des modes et des nouvelles collections. Les charms sont constitués d’une grande variété de motifs, dont les trèfles qui sont sans doute les plus connus. Ces pièces mettent l’accent sur la délicatesse et la finesse, en proposant des designs colorés et originaux sur des matières nobles telles que l’or et l’argent. 

C’est aussi à cette période que naissent les bagues ornées de gros cabochons, reflets du goût de l’époque pour des bijoux XXL. Ces bagues sont encore aujourd’hui parmi les designs les plus populaires de la maison Pomellato. Les années 2000 marquent l’apparition de la mythique bague Nudo. Cette bague est sertie d’une pierre de couleur facettée. Il s’agit sans doute d’une des créations les plus suivies de la maison. Les collections Ritratto et Iconica sortent en 2017, à l’occassion des cinquante ans de la marque. Les deux collections illustrent deux versants de l’identité phare de la marque. Ritratto joue sur la couleur et l’art de combiner différentes pierres tandis qu’Iconica rend hommage au savoir-faire des orfèvres milanais, qui sont au cœur de la tradition de la maison. Les designs de ces bijoux sont plutôt sobres, mais gagnent en exubérance lorsqu’ils sont combinés.

Jeanne Boivin apporte une touche très personnelle aux productions de la maison, laquelle passe notamment par l’emploi de nouveaux talents, pleinement ancrés dans les tendances artistiques du début du siècle, pour la conception des bijoux. Nombreux sont les noms qui passeront dans ses ateliers avant de fonder les leurs et de devenir des personnalités phares de la joaillerie du XXème siècle. Suzanne Belperron, diplômée des Beaux-arts de Paris, s’inspire de ses dessins d’étudiante pour créer des bijoux où les volumes et les lignes en volutes cassent les codes géométriques et épurés du mouvement Art déco. Elle est nommée co-directrice de la Maison qu’elle quitte en 1932 pour être remplacée par Juliette Moutard. Les bijoux des années 1930 s’inspirent de la nature avec des motifs d’animaux, de fruits et de fleurs. C’est aussi à cette époque que la notion de mouvement s’intègre dans leurs créations. Jeanne Boivin aime les bagues volumineuses, c’est pourquoi elle crée une chevalière féminine dont le corps principal est serti d’une pierre épaulée de godrons et dont le serti est clos. Cela marque une révolution pour l’époque puisque cette typologie de bijou était jusqu’alors principalement réservée aux hommes.

Durant toute son existence, la maison JAR s’est fait un nom sans jamais faire appel à la publicité. C’est en effet grâce à son talent et à son originalité, tant dans son utilisation des couleurs que des formes sculptées, que JAR doit son succès et sa place de choix parmi les plus grands noms de la joaillerie de luxe. Ses œuvres ne sont d’ailleurs que peu connues de la plupart des gens, et seuls quelques collectionneurs privilégiés en ont eu connaissance avant le milieu des années 1990. En effet, c’est à cette période que de grandes maisons de vente commencent à présenter les œuvres de JAR et Jeannet, les dévoilant alors pour la première fois au grand public et aux autres créateurs, qui s’en inspirent, ouvrant ainsi la voie à un véritable engouement pour les bijoux dans le goût de JAR. 

La seule réelle exception à l’intimité que Rosenthal et Jeannet avaient instauré autour de leur maison, et donc à l’aura de mystère que cela lui conférait, est une exposition rétrospective publique revenant sur les trente-cinq ans de la maison JAR, en 2002, à la Gilbert Collection, située à la Somerset House, à Londres. Ils continuent cependant à cultiver une certaine discrétion, leur salon privé place Vendôme ne disposant d’aucune vitre ou enseigne donnant sur la rue. L’entrée ne se fait que sur parrainage d’un client connu. Il est à noter que depuis quelques années, les œuvres de la maison JAR sont plus visibles et connues du grand public, notamment grâce aux ventes aux enchères. Le Metropolitan Museum lui a d’ailleurs consacré une rétrospective en 2013.

Dans ses créations, Carl Fabergé se partage entre l’éclectisme du XIXème siècle, qui mélange des inspirations historiques, et l’Art nouveau, qui valorise la ligne courbe et le goût pour la nature. Il ne produit que peu d’oeuvres dans un style néo-russe traditionnel, alors que cette inspiration nationaliste est très en faveur chez les autres joailliers. Fabergé est un amoureux de la France de Louis XIV, qu’il a découverte pendant ses trois années d’apprentissage en Europe occidentale, au cours desquelles il a pu visiter de nombreux musées. Le joaillier nourrit également une passion pour le XVIIIème siècle, qu’il appréhende lors de ses quinze ans d’activité bénévole au musée de l’Ermitage. Fabergé oriente ainsi en grande partie sa production vers les « objets de fantaisie », en référence aux tabatières et objets de vertu du XVIIIème siècle. Les productions Fabergé s’avèrent être des étuis à cigarettes, boîtes à bijoux, coupe-papiers, jumelles de théâtre, éventails, ou cadres. 

ll est impossible de ne pas évoquer les célèbres œufs de Fabergé, dont le tout premier, l’œuf « à la poule », est offert par Alexandre III à Maria Feodorovna en 1885 pour Pâques. Il est suivi de toute une série suite à son grand succès auprès de l’Impératrice. Mais quantités d’autres objets sont réalisés chez les Fabergé. La maison se met ainsi à produire des petits meubles, des sculptures d’animaux miniatures… Des fleurs ornées de pierres semi-précieuses, baignant dans du cristal de roche imitant l’eau en trompe-l’œil, sont très appréciées. Un des œufs les plus aimés de l’impératrice Alexandra est d’ailleurs l’œuf au panier de fleurs sauvages, aujourd’hui conservé dans les collections royales anglaises.  Techniquement, Fabergé se distingue par un usage peu fréquent des gemmes. Le joaillier leur préfère les pierres semi-précieuses facilement disponibles dans l’Oural, telles la malachite, le lapis ou l’agate, dans un esprit nationaliste qui plaît particulièrement au tsar. Il possède enfin une maîtrise aboutie de l’émail, dont il sait obtenir plus de 100 nuances. Une de ses spécialités est l’émail guilloché, obtenu en recouvrant la surface incisée de métal précieux d’une couche d’émail transparent. 

Des dessins issus de l’atelier Mellerio-Borgnis sont conservés au Metropolitan Museum de New York. Au regard des bijoux mis en vente sur le marché de l’art, ils révèlent une inspiration éclectique, caractéristique de la curiosité du XIXème siècle pour l’Histoire et l’ailleurs. Les Mellerio-Borgnis s’inspirent de la Grèce et de la Rome antique, mais empruntent parfois un vocabulaire plus médiéval. Mellerio-Borgnis s’inspire aussi de la Renaissance, ce qui transparaît par l’usage de mascarons (masques grotesques), de motifs végétaux caractéristiques (rinceaux), ou d’émaux peints aux couleurs vives. La maison développe, en parallèle, des techniques audacieuses, telle la micro-mosaïque, un procédé de mosaïque miniature né et pratiqué en Italie.

Jacob et Gittel Dreicer étaient particulièrement réputés pour leur travail des perles et des pierres colorées comme le saphir ou les émeraudes. Dans les années 1870, le goût américain se porte sur les diamants et les métaux précieux, la maison Dreicer marque donc un tournant dans la production joaillère américaine. En 1915, la société Dreicer présente au Grand Central Palace un collier de perles achetées lors d’une vente privée de la duchesse de Sutherland. Jacob Dreicer s’illustre dans l’alliage de différents styles de la fin du XIXème et du début du XXème siècle. Il exécute par exemple, dans les années 1910, un bracelet de montre qui associe l’Art nouveau et l’Art déco. L’Art nouveau, né en réaction à l’industrialisation, se caractérise par l’utilisation de motifs floraux et végétaux, avec une préférence pour les courbes et les compositions chargées.

L’Art déco, quant à lui, apparaît dans les années 1910, mais n’est reconnu qu’à l’Exposition Universelle de 1925. Il exprime la modernité par des formes géométriques pures. La montre présentée par Jacob Dreicer présente un cadran en camée vert très travaillé, avec un décor floral. L’encadrement est en revanche très épuré, avec de simples lignes rehaussées de diamants.  La maison s’inspire également de l’art chinois et des japonaiseries du milieu du XIXème siècle. Le jade est particulièrement utilisé dans les productions de Jacob et Gittel Dreicer, pour sa couleur verte, son évocation de la Chine et son rendu mat qui tranche avec le brillant des autres pierres précieuses.

La firme s’est également imposée comme une grande spécialiste des diamants, dont elle a vendu des exemplaires remarquables, tels que l’Étoile Polaire (41 carats) à un prince russe vers 1850. En 2005, la maison a même fait breveter la taille Mellerio. Consistant en un ovale à 57 facettes inscrit dans une ellipse, cette technique célèbre la compétence historique de la maison dans le domaine des gemmes. Les objets liturgiques occupent également une part notable de la production Mellerio : des ornements de la basilique de Yamoussoukro (Côte d’Ivoire) en passant, plus récemment, par le tabernacle de l’église Sainte-Odile à Paris. La maison a réalisé un certain nombre de couronnes pour des statues de vierges, visibles à Lourdes, à Albert ou  à la chapelle de la rue du Bac, à Paris. Il faut enfin mentionner d’autres productions plus insolites : celle des épées d’académiciens (François Cheng ou Jacques Bainville), ainsi que de trophées célèbres, tels la Coupe de Roland-Garros, ou le Ballon d’or.

Initialement tournée vers l’horlogerie, la maison Piaget s’est peu à peu ouverte à la production joaillière. Les premiers bijoux Piaget sont ainsi produits en 1959. Dès les années 1940, la maison crée cependant des montres à secrets féminines, entièrement pavées de pierres précieuses. En 1957, Piaget fait même le choix décisif de ne plus travailler que les métaux précieux, l’or et le platine. En 1969, la maison lance l’emblématique ligne La collection du XXIème siècle, constituée de montres manchettes et montres sautoirs au dessin audacieux. Les bijoux créés offrent des styles variés, de colliers faits d’anneaux souples assemblés, à des bracelets d’or martelés et rigides, en passant par des manchettes en or à décor « écorce » texturé.

Ces matériaux de luxe n’empêchent pas la marque de développer un style audacieux et novateur. Dès 1963, certaines montres Piaget arborent ainsi des cadrans de pierre dure (lapis-lazuli, turquoise…), ce qui révolutionne l’usage de la couleur en horlogerie. Le caractère impertinent et moderne de la maison s’affirme même en 1957, lorsqu’elle décide de collaborer avec Salvador Dali. Piaget acquiert les droits exclusifs pour monter en bijoux les Dali d’Or, une monnaie fictive en or 22 carats, créée par l’artiste à son effigie. La maison en tire une collection limitée de montres, colliers, bagues ou boutons de manchette. Plus récemment, la collection Possession s’est érigée, depuis son dévoilement en 1990, comme un classique de la maison. Elle mêle des pavages de diamants à des cabochons de nacre, malachite, calcédoine ou turquoise. L’anneau pavé ou le bracelet ouvert en sont des pièces phares. 

Janesich connaît une phase d’expansion majeure après la Première Guerre mondiale. De nouvelles boutiques sont ouvertes dans les stations balnéaires et thermales de Biarritz, Deauville, Monte-Carlo ou Vichy. La famille sait s’entourer d’artistes et d’artisans brillants. Elle collabore par exemple avec Alfred Langlois, inventeur du serti invisible, qui rejoint par la suite la maison Van Cleef & Arpels. Les grandes expositions internationales consacrent le talent des Janesich, telles la Biennale des Arts Décoratifs de Monza. La maison compte également, durant toute son histoire, d’illustres clients, certains issus de familles royales. Elle travaille pour la princesse Charlotte de Monaco, la famille Rothschild ou le roi Nicolas de Monténégro.

Janesich devient même le fournisseur attitré des Maisons d’Aoste et de Savoie. Cependant, l’activité de la firme ralentit sérieusement dès 1932 à cause de problèmes financiers. Les succursales françaises ferment, et la production se recentre alors davantage sur l’atelier historique de Trieste. La maison Janesich ferme finalement définitivement en 1968, après 133 ans d‘existence. Janesich produit à ses origines principalement de l’argenterie, très appréciée par les familles nobles et bourgeoises de Trieste. C’est à leur demande qu’elle développe peu à peu son activité vers la joaillerie. La maison crée alors des bijoux graphiques, souvent en platine et diamants, parfois agrémentés de saphirs de couleur. Janesich demeure en grande partie connue pour une autre de ses productions : de petits accessoires tels que des poudriers, des cachets, des lunettes pliables, des boîtes à cigarettes ou des vanity cases. 

Bulgari a su évoluer stylistiquement tout en restant toujours fidèle à son esprit méridional. Les premières pièces de la maison sont empreintes d’un style oriental et réalisées en argent, un matériau déjà travaillé de longue date par la famille de Sotírios Voúlgaris. Puis, Bulgari développe des lignes Art Déco aux formes épurées : la stylisation géométrique, l’association du platine et des diamants rapprochent alors ses créations de l’esprit de l’école française. La maison affirme son identité au milieu des années 1950. Bulgari développe alors un style inspiré du classicisme gréco-romain, de la Renaissance italienne et de l’orfèvrerie romaine du XIXème siècle. Une gamme emblématique de ce courant est la ligne Monete, inspirée des empires antiques, ou la gamme Gemme Numarie (du nom d’une technique d’orfèvrerie tout droit sortie de l’Antiquité) autour de pièces de monnaie antiques. Les bracelets-montres « serpent », tel celui porté par Liz Taylor sur le tournage de Cléopâtre, apparaissent également à cette époque. Toutes ces gammes sont travaillées dans l’éclat méditerranéen de l’or jaune. 

Les années 1950 voient aussi apparaître chez Bulgari des compositions audacieuces de pierres précieuses et semi-précieuses, qui vont devenir une part importante de son identité : les broches Tremblant et leurs gemmes de couleur sont emblématiques de cette orientation. Plus tard, dans un esprit plus pop art, la ligne Bannière étoilée, saluée par Warhol, mêle toujours de nombreuses pierres (lapis, rubis, saphirs, diamants) pour dessiner le drapeau des États-Unis, à l’occasion du bicentenaire de l’indépendance américaine. Bulgari développe également, au tournant des années 1970, des pièces décalées s’inspirant des objets de la vie quotidienne comme des balles de tennis ou des cartes à jouer. Il faut également évoquer le travail des pierres caractéristique de la maison : elles sont le plus souvent taillées en gros cabochons arrondis aux contours lisses, ou gravées pour imiter les gemmes des Grands Moghols. Enfin, il faut souligner le goût particulier de Bulgari pour les émeraudes, du collier de Liz Taylor à la tiare du jubilé d’Elizabeth II, dont la pierre centrale  pesait 63,44 carats. Cette tiare est par ailleurs transformable en collier : la modularité des pièces, conçues comme portables du matin au soir, est également au cœur du style Bulgari depuis les années 1980.

En 1925, Cartier participe à l’Exposition Universelle des arts décoratifs, qui se tient à Paris sur l’esplanade des Invalides, entre le 28 avril et le 30 novembre. Vingt-et-un pays sont présents, pour la plupart européens. Le règlement de l’Exposition est très clair : « On n’acceptera que les ouvrages originaux qui montreront une tendance bien marquée au renouvellement esthétique de la forme. Les imitations d’anciens styles et les productions industrielles dénuées d’inspiration artistique ne seront pas admises. » C’est l’occasion pour la maison Cartier de présenter son travail au plus grand nombre et de voir ses innovations encensées par le public. Cet événement marque l’apogée du style Art déco, qui tire son nom de cet événement.